로마네스크 미술

Romanesque art
스페인 레온에 있는 산 이시도로의 지하실.
1160-75년 윈체스터 성경에서 분리된 '모건 리프'.다윗의 삶의 장면들.

로마네스크 예술은 대략 서기 1000년부터 12세기에 고딕 양식의 발흥까지, 또는 지역에 따라 나중에 유럽의 예술입니다.이전 시기는 로마네스크 이전 시기로 알려져 있습니다.그 용어는 19세기 미술 역사가들에 의해 발명되었는데, 특히 로마네스크 건축을 위해 고안되었는데, 로마네스크 건축은 로마 건축 양식의 많은 기본적인 특징들을 유지하고 있는데, 특히 둥근 머리 아치들이 눈에 띄지만 또한 통 모양의 아치들, 아프스들, 그리고 칸투스 잎 장식들도 또한 매우 다른 많은 특징들을 가지고 있었습니다.남프랑스, 스페인, 이탈리아에서는 후기 골동품과 함께 건축적 연속성이 있었지만 로마네스크 양식은 시칠리아에서 스칸디나비아에 이르는 가톨릭 유럽 전체에 퍼진 첫 번째 양식이었습니다.로마네스크 미술은 또한 비잔틴 미술, 특히 회화에서 큰 영향을 받았고, 영국 제도의 섬 미술 장식의 반고전적인 에너지에 의해서도 큰 영향을 받았습니다.이 요소들로부터 매우 혁신적이고 일관성 있는 스타일이 만들어졌습니다.

특성.

로마네스크 양식의 건축물 밖에서, 그 시대의 예술은 조각과 그림 모두에서 활기찬 양식으로 특징지어집니다.후자는 본질적으로 교회에서 가장 일반적인 주제에 대한 비잔틴 도상 모델을 계속 따랐는데, 이것은 예수 그리스도, 최후의 심판, 그리고 그리스도의 삶의 장면으로 남아있었습니다.새로운 장면을 묘사할 필요가 있었기 때문에, 조명이 비치는 원고에서는 더 많은 독창성이 보입니다.이 시기에 가장 호화롭게 장식된 필사본은 성경과 시편들이었습니다.여러 인물이 등장하는 완전한 장면으로 조각되는 기둥의 수도에도 같은 독창성이 적용되었습니다.거대한 나무 십자가는 왕위에 오른 마돈나의 자유로운 조각상들과 마찬가지로 그 시대의 시작과 동시에 독일의 혁신이었습니다.높은 부조는 그 시대의 지배적인 조각 양식이었습니다.

1100년경 스페인 카탈루냐 발다란 트레드 ò의 프레스 프레스코 프레스코 프레스코 벽화 페드레트의 주인.

색상은 매우 눈에 띄었고, 대부분 원색적이었습니다.현재 이러한 색상은 일반적으로 스테인드 글라스와 잘 보존된 원고 샘플에서만 원래의 선명함을 볼 수 있습니다.스테인드 글라스는 널리 쓰이게 되었지만, 오늘날 거의 살아남지 못합니다.[citation needed]그 시기의 발명품에서, 중요한 교회 입구들의 고막들은 기념비적인 계획들로 조각되었는데, 종종 그리스도 인 마제스티 또는 최후의 심판으로 조각되었지만, 동등한 비잔틴 모델이 없었기 때문에 그림으로 그려진 것들보다 더 자유롭게 다루었습니다.

작품들은 보통 깊이가 거의 없었고 역사적인 이니셜, 기둥 모양, 교회 기둥 모양에 맞추기 위해 유연할 필요가 있었습니다. 때때로 작품이 빠져나가는 촘촘하게 둘러싸인 프레임 사이의 긴장은 로마네스크 미술에서 반복되는 주제입니다.수치는 종종 그들의 중요성에 따라 크기가 달라졌습니다.풍경 배경이 사실주의보다는 추상적인 장식에 가까웠다면, "모건 리프"의 나무에서처럼 말입니다.초상화는 거의 존재하지 않았습니다.[citation needed]

배경

이 기간 동안 유럽은 꾸준히 더 번영했고, 카롤링거와 오토니아 시대에 그랬던 것처럼 최고의 품질의 예술은 더 이상 왕실과 작은 수도원들에 국한되지 않았습니다.수도원들은 계속해서 매우 중요했는데, 특히 그 시기의 확장주의적인 새로운 수도원들인 시스터교, 클루니아교, 카르타고 수도원들은 유럽 전역으로 퍼져나갔습니다.하지만 도시 교회들, 순례길에 있는 교회들, 그리고 작은 마을과 마을의 많은 교회들은 매우 높은 수준으로 정교하게 꾸며졌습니다 – 이것들은 종종 대성당과 도시 교회가 재건되었을 때 살아남은 구조물들입니다.로마네스크 왕궁은 아직 살아있지 않습니다.

그 평신도 예술가는 소중한 인물이 되어가고 있었습니다 – 베르둔의 니콜라스는 대륙 전역에서 알려져 있었던 것 같습니다.대부분의 석공들과 금세공들은 이제 평신도가 되었고, 마스터 휴고와 같은 평신도 화가들은 적어도 그 시기 말에는 최고의 작업을 하는 화가들 중 다수를 차지한 것으로 보입니다.그들의 교회 작품의 도상은 의심할 여지없이 성직자 고문들과의 협의 하에 도착했습니다.

조각품

금속 세공, 에나멜, 아이보리

Stavelot Triptych, Mosan, Belgium, c. 1156–1158. 날개가 열린 상태에서 48 x 66 cm, Morgan Library, New York

이 매체에서 귀중한 물건들은 그 시기에 매우 높은 지위를 가졌는데, 아마도 회화보다 훨씬 더 그러했을 것입니다 – 이 물건들을 만든 사람들의 이름은 현대 화가, 조명가, 건축가 석공들의 이름보다 더 많이 알려져 있습니다.에나멜 장식을 포함한 금속 세공은 매우 정교해졌습니다.유물을 보관하기 위해 만들어진 많은 장관을 이루는 사당들이 남아있는데, 그 중 가장 잘 알려진 것이 베르둔의 니콜라스와 다른 사람들에 의한 쾰른 대성당의 삼왕사신궁입니다.Stabelot Triptych와 Stabelot의 저장고 마우루스는 모산 에나멜 작업의 다른 예들입니다.큰 그릇들과 제단 앞 부분들은 나무 틀을 중심으로 만들어졌지만, 작은 관들은 모두 금속과 법랑이었습니다.거울 케이스, 보석류, 걸쇠와 같은 몇몇 세속적인 조각들이 남아있지만, 이것들은 의심할 여지 없이 귀족들이 소유하고 있는 훌륭한 금속 세공품의 양을 과소하게 나타내고 있습니다.

글로스터 촛대, 12세기 초

현재 리에주에 있는 청동 글로스터 촛대와 1108년에서 1117년 사이의 놋쇠 글씨체는 금속 주조의 뛰어난 예입니다.전자는 매우 복잡하고 활기차며, 원고화에 그려진 반면, 글씨체는 가장 고전적이고 장엄한 모산 양식을 보여줍니다.힐데스하임 대성당, 그니에즈노 문, 베로나에 있는 산제노 성당의 문들은 청동으로 만든 문들, 개선문들, 그리고 다른 장식품들이 남아있는 또 다른 중요한 유물들입니다.씻을 물을 담는 그릇인 아쿠아마닐은 11세기에 유럽에 소개된 것으로 보입니다.장인들은 종종 이 작품들에 환상적인 주모픽 형태를 주었는데, 현재 남아있는 예들은 대부분 황동으로 되어 있습니다.비록 로마네스크 동전들이 일반적으로 미적으로 큰 관심을 가지지는 않지만, 인상적인 물개들로부터 얻은 많은 밀랍인형들이 헌장들과 문서들에 남아있습니다.

클로이스터 십자가는 선지자들과 다른 사람들의 형상을 포함한 복잡한 조각이 있는 이례적으로 큰 상아 십자가인데, 이것은 그 이름이 알려진 비교적 몇 안 되는 예술가 중 한 명인 Master Hugo 덕분이라고 여겨지는데, Master Hugo는 또한 필사본을 조명했습니다.많은 작품들처럼 그것은 원래 부분적으로 채색되어 있었습니다.루이스 체스맨은 크로지어, 판, 가슴 십자가 및 유사한 물체에서 많은 조각 또는 조각이 남아있는 작은 상아의 잘 보존된 예입니다.

건축조형

1130년대 프랑스 부르고뉴 베젤레이 수도원의 고막에는 장식용 나선형 디테일이 많이 있습니다.

서로마 제국의 멸망과 함께, 비잔틴(동로마) 세계에서 (종교적인 이유로) 효과적으로 그랬듯이, 큰 작품을 돌로 조각하고 청동으로 인물을 조각하는 전통은 사라졌습니다.어떤 실물 크기의 조각품은 분명히 회반죽이나 회반죽으로 만들어졌지만, 남아있는 예들은 이해할 수 있을 정도로 희귀합니다.[1]로마네스크조형 유럽의 현존하는 가장 잘 알려진 거대한 조각 작품은 960년에서 965년 사이에 쾰른의 게로 대주교에 의해 의뢰된 실물 크기의 나무 십자가인데, 이것은 분명히 대중적인 형태가 된 원형입니다.이것들은 나중에 영어로 루드라고 알려진 성채 아래의 대들보 위에 세워졌고, 12세기부터 성모 마리아와 복음주의자 요한의 형상들이 옆으로 나란히 놓여졌습니다.[2]11세기와 12세기 동안 구상적인 조각이 강하게 부활했고, 건축적인 부조는 후기 로마네스크 시대의 특징입니다.

소스 및 스타일

구상적 조각은 특히 상아와 금속의 두 가지 다른 원천들, 즉 원고 조명과 소규모 조각에 기반을 두고 있습니다.아르메니아와 시리아 교회에 조각된 광범위한 조각들은 또 다른 영향일 가능성이 있는 것으로 제안되어 왔습니다.[3]이 자료들은 유럽 전역에서 알아볼 수 있는 독특한 양식을 만들어 냈지만, 가장 장관을 이루는 조각 프로젝트들은 남-서부 프랑스, 북부 스페인 및 이탈리아에 집중되어 있습니다.

인간과 마주친 동물들, 카워스 대성당

금속 세공에서 발생하는 이미지는 종종 엠보싱 처리되었습니다.결과 표면에는 두 개의 주요 평면과 보통 절개되는 세부사항이 있습니다.이 치료법은 석각에 적용되었으며, 특히 4대 복음주의자들의 상징과 함께 예수 그리스도의 형상이 중세 복음서의 금박이장에서 직접 그려지는 문 위의 고막에서 볼 수 있습니다.이러한 문간의 양식은 많은 곳에서 발생하며 고딕 시대까지 이어졌습니다.영국에서 보기 드문 생존물은 엘리 대성당에 있는 "Prior's Door"입니다.프랑스 남서부에는 많은 사람들이 살아남았는데, 인상적인 예로 생피에르, 모이삭, 소일락,[4] 라 마들렌, 베젤레이 등이 있는데, 모두 클뤼니의 딸 집들이며, 회랑과 다른 건물들에 광범위한 다른 조각품들이 남아 있습니다.근처에 있는 아우툰 대성당은 창조자인 지젤베르투스가 독특하게 서명했다는 점에서 매우 희귀한 최후의 심판을 받았습니다.[5][6]

원고 조명에서 인물의 특징은 종종 좁은 공간을 차지하고 그것에 맞게 변형된다는 것입니다.예술가들이 사용 가능한 공간에 맞춰 인물을 만드는 관습은 문 기둥과 린텔 그리고 다른 건축 표면을 장식하는 인물을 디자인하는 시설에 그 자체를 빌려주었습니다.채색된 인물의 예복은 보통 실제 옷감의 무게와 추락과 거의 유사하지 않은 평평하고 장식적인 스타일로 취급되었습니다.이 기능은 또한 조각을 위해 각색되었습니다.현존하는 많은 예들 중에, 가장 훌륭한 것 중 하나는 약 1130년경 프랑스 모이삭의 생피에르 수도원의 문간 기둥에 있는 예언자 예레미야의 형상입니다.[6]

형상 조각과 비 형상 조각 모두에서 발생하는 로마네스크 디자인의 가장 중요한 모티프 중 하나는 나선형입니다.출처 중 하나는 이온 자본일 수도 있습니다.스크롤하는 넝쿨들은 비잔틴 디자인과 로마 디자인의 공통적인 모티브였으며, 4세기 로마 산타 코스탄자 교회의 금고에서 모자이크로 볼 수 있습니다.12세기의 필사본과 건축 조각들은 스크롤하는 덩굴 무늬와 매우 유사합니다.

사도들의 발을 씻는 그리스도의 수도는 인물들의 상호작용 속에서 강력한 서사적 특성을 가지고 있습니다.

나선형의 또 다른 원천은 분명히 7세기에서 9세기까지의 조명된 필사본, 특히 성 갈 복음서와 같은 아일랜드 필사본이 하이버노-스코틀랜드 선교에 의해 유럽으로 전파된 것입니다.이러한 조명에서 나선형의 사용은 덩굴이나 다른 식물 형태와는 아무런 관련이 없습니다.모티브는 추상적이고 수학적입니다.그 스타일은 카롤링거 미술에서 선택되었고 더 식물적인 특징을 부여 받았습니다.나선형이 조각과 스테인드글라스 창문 양쪽의 커튼에서 일어나는 것은 이 형태를 변형한 것입니다.로마네스크 포탈에서 일어나는 많은 예들 중에 가장 눈에 띄는 것은 라 마들렌, 베젤레이에 있는 그리스도의 중심 인물에 대한 것입니다.[6]

Island 아트의 또 다른 영향은 결합되고 얽히는 동물들로, 종종 수도(사일로)와 때로는 기둥 자체(모아삭)에서 탁월한 효과를 발휘하는 데 사용됩니다.로마네스크 장식에서 짝을 이루고 대치하며 뒤엉킨 동물들을 처리하는 대부분의 경우, 몸이 순전히 장식적인 모양으로 꼬리를 물고 있는 동물들과 마찬가지로 섬에서 기원한 것들이 유사합니다. (영국과 대륙에서 로마네스크 양식에 하이버노색슨 전통이 채택되었음에도 불구하고, 그 영향은 주로 일방적이었습니다.이 시기의 아일랜드 예술은 고립된 채로 남아 있었고, 토착 아일랜드 양식과 바이킹 양식의 독특한 혼합을 발전시켰는데, 이는 영국-노르만의 아일랜드 침공 이후 13세기 초에 서서히 소멸되고 주류 로마네스크 양식으로 대체되었습니다.)[7]

유다 이스카리오트는 항상 조각가들이 좋아하는 주제인 악마의 도움을 받아 목을 매고 있습니다.아우툰 대성당

주제

대부분의 로마네스크 조각은 주제가 회화적이고 성경적입니다.수도에는 창조와 인간의 몰락, 그리스도의 삶의 에피소드, 사자굴에 있는 요나와 고래, 다니엘과 같이 그의 죽음과 부활을 예고하는 구약성경의 장면 등 매우 다양한 주제가 있습니다.많은 그리스도 성탄화가 일어나는데, 특히 삼왕의 주제는 인기가 많습니다.스페인 북부의 산토 도밍고 데 사일로 수도원과 모이삭의 회랑은 영국 남부, 프랑스 및 벨기에 교회에서 발견되는 많은 투르나이 글꼴의 부조 조각과 마찬가지로 완전하게 남아있는 훌륭한 예입니다.

로마네스크 양식의 교회들의 특징은 대문을 둘러싼 부분이나, 경우에 따라서는 정면의 많은 부분을 덮는 광범위한 조각 계획입니다.프랑스의 앙굴렘 대성당은 정면의 아케이드에 의해 만들어진 넓은 틈새에 매우 정교한 조각 세트를 가지고 있습니다.스페인 카탈루냐 지방에서는 리폴에 있는 산타 마리아 교회의 문을 낮은 구호품으로 장식한 정교한 그림 도안이 둘러싸고 있습니다.[6]

프랑스 랑드 주 아바예다르투에 있는 수도원의 위쪽 벽 주위에는 색정과 무절제, 인간 타락의 상징인 바바리 유인원을 묘사한 작은 인물들이 있습니다.

조각 계획의 목적은 기독교 신자가 잘못을 인식하고 회개하며 구원받아야 한다는 메시지를 전달하는 것이었습니다.최후의 심판은 신자에게 회개를 상기시킵니다.교회 안에 눈에 띄게 전시된 조각되거나 그려진 십자가는 죄인에게 구원을 일깨워줍니다.

영국 킬펙에서 싱글과 짝을 이룬 오우로보로스

종종 그 조각상은 형태와 주제에 있어서 경각심을 불러일으킵니다.이 작품들은 자본, 코벨, 보스에서 발견되거나 문틀에 있는 나뭇잎에 엉켜 있습니다.이들은 오늘날 쉽게 알아볼 수 없는 형태를 나타냅니다.일반적인 모티브로는 실레나 긱, 무시무시한 악마, 꼬리를 삼키는 우로보로 또는 용, 그리고 불분명한 의미를 가진 다른 많은 신화적인 생물들이 있습니다.나선형과 짝을 이룬 모티프는 원래 현대 학자들에 의해 상실되거나 거부되어 온 구전 전통에서 특별한 의미를 지녔다.

욕정, 식탐, 탐욕을 포함한 일곱 개의 대죄 또한 자주 표현됩니다.거대한 성기를 가진 많은 인물들의 출현은 육신죄와 동일시될 수 있고, 링컨 대성당의 출입구의 특징인 돌출된 혀를 가진 수많은 인물들 또한 마찬가지입니다.수염을 당기는 것은 자위의 상징이었고, 입을 크게 벌리는 것도 음탕함의 표시였습니다.이 시기의 수도에서 흔히 볼 수 있는 주제는 혀를 던지는 포커나 수염을 치는 사람이 아내에게 맞거나 악마에게 붙잡히는 것입니다.구두쇠와 같은 범법자의 영혼을 두고 싸우는 악마도 인기 있는 소재입니다.[8]

산티아고 대성당의 포르티코 다 글로리아.한때 로마네스크 양식의 조각에 흔히 볼 수 있었던 채색이 보존되어 왔습니다.

후기 로마네스크 조각

고딕 건축은 보통 1144년 축성된 수거 수도원장에 의해 파리 북쪽의 생드니 수도원에 있는 성가대의 디자인으로 시작된다고 여겨집니다.고딕 양식의 조각의 시작은 보통 조금 더 나중으로 거슬러 올라가는데, 1150년에서 1155년 사이에 프랑스 샤르트르 대성당의 왕궁 주변에 있는 인물들을 조각한 것입니다.조각 양식은 새로운 고딕 양식의 건축물을 제치고 샤르트르에서 빠르게 퍼졌습니다.사실, 후기 로마네스크 시대의 많은 교회들은 생드니에 있는 건물의 연대를 추정합니다.정형화된 디자인보다는 관찰과 자연주의에 기반을 둔 조각 양식이 빠르게 발전했습니다.자연주의적 형태가 급속하게 발전한 이유 중 하나는 고전 유적이 가장 많이 남아있는 곳에 대한 인식이 증가하고 그들의 양식을 의도적으로 모방했기 때문이라고 생각됩니다.그 결과 로마네스크 형식이지만 초기 고딕 양식의 조각과 관련된 자연주의를 보여주는 출입문들이 있습니다.[6]

그 중 하나가 산티아고 데 콤포스텔라에 있는 1180년의 글로리아 성당입니다.이 포털은 내부에 있으며 특히 잘 보존되어 있으며, 심지어 그림에 색상을 유지하고 있으며, 현재는 단색으로 인식되는 많은 건축 장식의 화려한 외관을 나타냅니다.출입구 주변에는 문틀을 만드는 대장간과 통합된 인물들이 있습니다.그것들은 3차원이지만 약간 평평합니다.그들은 외모 뿐만 아니라 표현 또한 매우 개성적이며 성 수도원의 북쪽 현관 주변에 있는 것들과 매우 유사합니다.데니스, 1170년의 연대를 추정합니다.고막 아래에는 다양하고 쉽게 식별할 수 있는 다양한 악기들을 연주하는 사실적으로 조각된 인물들의 줄이 있습니다.

페인팅

성 삼마기 알반스 살터, 영어, 12세기.

원고조도

초기 로마네스크 양식의 조명 문서에는 많은 지역 학교들이 모였습니다: 영국과 북프랑스의 "채널 학교"는 후기 앵글로색슨 예술에 의해 많은 영향을 받은 반면, 남프랑스의 양식은 이베리아의 영향에 더 의존했고, 독일과 저지대에서는 오토니아 양식이 계속 발전했고, 또한 혼자서도.g 비잔틴 양식으로 이탈리아에 영향을 미쳤습니다.12세기까지 이 모든 것들 사이에 상호적인 영향이 있었지만, 자연스럽게 지역적인 특수성은 남아있었습니다.

로마네스크 조명의 전형적인 초점은 각각의 책 앞에 거대한 역사적 이니셜로 시작할 수 있는 성경과 주요 이니셜이 비슷하게 조명되는 살터였습니다.두 경우 모두 보다 호화로운 예는 완전히 조명이 켜진 페이지에 장면이 주기적으로 표시될 수 있으며, 때로는 페이지당 여러 장면이 있는 경우도 있습니다.특히 성경은 종종 a를 가지고 있었고, 한 권 이상으로 묶여 있을 수도 있었습니다.그 예로는 성자를 들 수 있습니다. Albans Palter, Hunterian Palter, Winchester Bible(위의 '모건 리프'), Fécamp Bible, Stavelot Bible, Park Abbey Bible.그 시기의 끝 무렵에 예술가들과 필경사들의 상업적 작업장들이 중요해지고 있었고, 조명과 책들은 일반적으로 평신도와 성직자들 모두에게 더 널리 이용 가능하게 되었습니다.

월페인팅

세인트루이스의 생애엘드라도, 수도원장. 노발레사 수도원의 11세기 프레스코화
현재 카탈루냐 국립 미술관에 있는 Taül의 거장의 프레스코화인 Sant Climent de Taül의 Apse.

로마네스크 시대의 거대한 벽 표면과 평평하고 구부러진 금고는 벽화 장식에 도움이 되었습니다.불행하게도, 이러한 초기의 벽 그림들 중 많은 것들이 습기로 인해 파괴되거나 벽들이 다시 붙여지고 칠해져 왔습니다.영국, 프랑스, 네덜란드에서 그러한 그림들은 종교개혁의 상징적인 충돌로 체계적으로 파괴되거나 하얗게 세어졌습니다.스웨덴뿐만 아니라 덴마크의 벽화들도 그 이후로 많은 것들이 복원되었습니다.카탈루냐(스페인)에서는 20세기 초(1907년 기준)에 이와 같은 벽화를 철거하고 바르셀로나의 금고에 옮기는 등의 방법으로 벽화를 살리자는 운동이 벌어졌고, 그 결과 카탈루냐 국립미술관의 화려한 소장품이 탄생했습니다.다른 나라에서 그들은 전쟁, 무시 그리고 변화하는 패션으로 고통을 받아왔습니다.

교회의 완전한 채색 장식을 위한 고전적인 계획은, 종종 모자이크로 만들어진 이전의 예들에서 유래되었는데, 교회의 반돔에서 초점으로, 4개의 복음주의자들의 상징들인, 네 날개 달린 짐승들에 의해, 폐하의 그리스도 또는 구원자 그리스도가 맨돌라 안에 왕좌에 눕혀지고 액자에 넣었습니다.금으로 된 표지나 그 시대의 복음서의 조명의 예들과 직접적으로 비교합니다.만약 성모 마리아가 교회의 봉헌자라면, 그녀는 여기서 그리스도를 대신할지도 모릅니다.아래 벽에는 교회에 봉헌된 성인의 이야기 장면을 포함한 성인과 사도들이 있을 것입니다.성소 아치 위에는 사도, 예언자, 혹은 24명의 "사후의 장로들"의 형상들이 아치 꼭대기에 있는 그리스도의 흉상, 혹은 그의 상징인 어린 양을 바라보고 있었습니다.본당의 북쪽 벽에는 구약성경의 서사 장면이, 남쪽 벽에는 신약성경의 서사 장면이 담길 것입니다.뒤쪽 서쪽 벽에는 최후의 심판이 있고, 맨 위에는 왕위에 올라 심판하는 그리스도가 있습니다.[9]

라인란트의 에이펠에 있는 마리아 라흐 수도원에서 조각한 것입니다.

현존하는 가장 온전한 계획 중 하나는 프랑스의 생 사빈쉬르가르템페입니다.네이브의 긴 통 모양의 둥근 천장은 프레스코화를 위한 훌륭한 표면을 제공하고, 구약성경의 장면들로 장식되어 있으며, 무서운 형상의 머리와 함께 완성된 노아의 방주와 그의 가족들을 위쪽 갑판에서 볼 수 있는 수많은 창문들을 포함하여 노아의 방주를 생동감 있게 묘사하고 있습니다.가운데 갑판에는 새들이 있고, 아래쪽에는 동물들의 쌍이 있습니다.또 다른 장면은 홍해에 의해 파라오 군대가 물에 잠기는 것을 아주 활기차게 보여줍니다.이 계획은 지하실에서 지역 성도들의 순교가 보여지고, 나르헥스에서 종말론이 나타나고, 그리스도는 마제스티에서 나타나는 등 교회의 다른 부분으로 확장됩니다.사용되는 색상의 범위는 밝은 청록색, 노란색 황토색, 적갈색 및 검은색으로 제한됩니다.비슷한 그림들이 세르비아, 스페인, 독일, 이탈리아 그리고 프랑스의 다른 곳에도 있습니다.[10]

지금은 흩어진 스페인 부르고스 지방의 알란사의 그림들은 비록 수도원의 그림들이기는 하지만, 주제에 있어서는 세속적이어서, 흑백으로 조각된 거대하고 씩씩한 신화 속의 짐승들을 다른 생물들과 함께 보여주고 있습니다.그들은 장식된 로마네스크 궁전들이 무엇을 포함하고 있었는지에 대해 드문 생각을 합니다.

스테인드 글라스, 아우크스부르크 대성당의 예언자 다니엘, 11세기 후반.

기타 시각예술

패션

참고 항목: 1100-1200(유럽 패션)

영국과 프랑스에서, 로마네스크 시대에는 당시 성직자들에 의해 "전갈꼬리" 혹은 "람의 뿔" 신발인 돼지치의 출현이 있었습니다.Orderic Vitalis는 특히 그 시대의 동성애와 동성애의 증가에 대해 그들을 비난했습니다.[11]이 신발은 현재 주로 흑사병 이후 인기를 끌게 된 훨씬 더 사치스러운 풀랭의 전조로 기억되고 있습니다.

자수

로마네스크 자수는 프랑스 바이외에 있는 바이외 사원이나 스페인 지로나에 있는 창조의 사원에서 가장 잘 알려져 있지만,[12] 오푸스 성공회("영어 작품" – 서양에서 가장 훌륭한 작품으로 여겨지는)와 다른 양식들이 많이 남아 있으며, 대부분 교회의 복장으로 남아 있습니다.

스테인드 글라스

중세 회화 스테인드 글라스의 가장 오래된 것으로 알려진 조각들은 10세기까지 거슬러 올라갑니다.가장 초기의 온전한 인물은 아우크스부르크에 있는 11세기 후반의 다섯 개의 예언자 창문입니다.이 수치는 뻣뻣하고 정형화되어 있기는 하지만, 유리의 기능적 사용과 사진적으로 상당한 디자인의 숙련도를 보여주고 있으며, 이는 제조업체가 매체에 매우 익숙하다는 것을 보여줍니다.르망, 캔터베리와 샤르트르 대성당, 생드니에는 12세기의 많은 패널들이 남아 있습니다.캔터베리에는 아담이 땅을 파는 모습과 그리스도의 조상 시리즈에 나오는 또 다른 아들 세스의 모습이 있습니다.아담은 매우 자연주의적이고 생동감 있는 묘사를 나타내며, 세스의 모습에서 예복은 그 시대의 최고의 석각과 유사하게 장식적인 효과를 위해 사용되었습니다.유리 공예가들은 건축가들보다 그들의 스타일을 바꾸는 것이 느렸고, 적어도 13세기 초반의 많은 유리들은 본질적으로 로마네스크로 여겨질 수 있습니다.스트라스부르 대성당(일부는 현재 박물관으로 옮겨져 있음)과 쾰른의 성 쿠니베르 교회(Saint Kunibert's Church)에서 약 1220점의 대형 인물상이 특히 좋습니다.

푸아티에 성당 생피에르의 십자가 처형

샤르트르의 유명한 창문들을 포함한 프랑스의 장엄한 스테인드 글라스의 대부분은 13세기부터 거슬러 올라갑니다.훨씬 적은 수의 큰 창문들이 12세기부터 그대로 남아있습니다.그러한 것 중 하나는 푸아티에의 십자가 처형인데, 세 단계를 거쳐 올라가는 주목할 만한 구성인데, 가장 낮은 부분은 성 베드로 순교를 묘사한 4중주이며, 십자가 처형이 지배하는 가장 큰 중앙 무대와 만돌라에서 그리스도의 승천을 보여주는 상부 무대입니다.십자가에 못 박힌 그리스도의 모습은 이미 고딕 곡선을 보여주고 있습니다.그 창문은 조지 세든에 의해 "잊을 수 없는 아름다움"이라고 묘사되었습니다.[13]많은 분리된 조각들이 박물관에 있고, 영국의 Twycross 교회의 창문은 프랑스 혁명에서 구출된 중요한 프랑스 패널들로 구성되어 있습니다.[14]유리는 비싸고 상당히 유연했으며(유리를 추가하거나 재배열할 수 있다는 점에서) 고딕 양식으로 교회가 재건될 때 종종 재사용된 것으로 보입니다. 가장 초기의 연대 측정 가능한 영국 유리는 아마도 1154년 이전에 제시의 나무 패널인 요크 목사의 유리가 이런 방식으로 재활용되었습니다.

참고 항목

메모들

  1. ^ 비교적 최근에 이탈리아 북부의 치비달레 델 프리울리의 산타 마리아 인 발레의 벽 뒤에서 (아마도) 실물 크기의 스터코 조각상들이 발견되었습니다.아트로셴코와 콜린스 p. 142
  2. ^ G 실러, 기독교 미술의 도상학, Vol. II, 1972 (독일어에서 영어로 번역), Lund Humphries, London, pp. 140–142 페이지 (초기 십자가의 경우), p. 145, ISBN0-85331-324-5
  3. ^ V. I. Atrosenko and Judith Collins, The Origines of the Romanesque, p. 144-150, Lund Humphries, London, 1985, ISBN 0-85331-487-X
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  5. ^ 헬렌 가드너, 시대를 관통하는 예술.
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  7. ^ 로저 A.스탈리, "로마네스크와 고딕 시대의 아일랜드 미술".아일랜드 미술의 보물에서 기원전 1500년에서 서기 1500년, 뉴욕: 메트로폴리탄 미술관/알프레드 A.노프, 1977년
  8. ^ "Satan in the Groin". beyond-the-pale. Retrieved 2007-09-28.
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  11. ^ Mills, Robert (2015), Seeing Sodomy in the Middle Ages, Chicago: University of Chicago Press, p. 82.
  12. ^ Metropolitan Museum of Art (New York, N.Y.) (1993). The Art of medieval Spain, A.D. 500-1200. New York: The Metropolitan Museum of Art. pp. 309–312.
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  14. ^ 교회 웹사이트 Wayback Machine에서 2008-07-08 보관

참고문헌

  • Legner, Anton, ed. (1985), Ornamenta Ecclesiae, Kunst und Künstler der Romanik (in German), Köln: Schnütgen Museum.
  • Rudolph, Conrad, ed. (2016), A Companion to Medieval Art: Romanesque and Gothic in Northern Europe (2nd ed.).

외부 링크

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