에드워드 호퍼

에드워드 호퍼
태어난	(802-07-22)1882년 7월 22일 Nyack, 뉴욕, 미국
죽은	1967년 5월 15일(1967-05-15)(84) 미국 뉴욕 맨해튼
로 알려져 있다	페인팅
주목할 만한 일	오토매트(1927년) 찹수이(1929) 나이트호크(1942) 작은 도시의 사무실 (1953)
움직임.	리얼리즘
배우자	조세핀 니비슨 (1924년)m.

에드워드 호퍼(Edward Hopper, 1882년 7월 22일~1967년 5월 15일)는 미국의 사실주의 화가이자 판화 제작자이다.그는 유화로 널리 알려져 있지만, 그는 수채화 화가이자 판화 제작자로서 식각에도 능숙했다.그의 경력은 동료 예술가인 조세핀 니비슨과의 결혼으로 결정적으로 이익을 얻었는데, 그는 삶의 모델이자 창조적인 파트너로서 그의 작품에 많은 기여를 했다.호퍼는 '시적인 의미를 지닌 층'의 평범한 주제를 바탕으로 은은한 드라마를 만들어 내면서 서사적 해석을 이끌어냈다.그는 그가 묘사한 미국에서 '완전한 진실성'으로 찬사를 받았다.

전기

초기 생활

호퍼는 1882년 뉴욕시 ^[1][2]북쪽 허드슨강의 요트 제작 센터인 뉴욕 냐크에서 태어났다.그는 유복한 가정의 두 자녀 중 하나였다.그의 부모는 대부분 네덜란드계 혈통으로 엘리자베스 그리피스 스미스와 건재상인인 ^[3]개럿 헨리 호퍼였다.비록 그의 조상들만큼 성공적이지는 않았지만, 개럿은 아내의 유산으로부터 상당한 도움을 받아 두 아이를 잘 부양했다.그는 ^[4]49세에 은퇴했다.에드워드와 그의 유일한 여동생 마리온은 사립학교와 공립학교에 다녔다.그들은 엄격한 침례교 ^[5]가정에서 자랐다.그의 아버지는 온순한 성품을 가지고 있었고, 가정은 여성이 지배하고 있었다.호퍼의 어머니, 할머니, 여동생, 하녀.^[6]

그의 출생지와 소년 시절의 집은 2000년에 국가 사적 등록부에 등재되었다.현재는 에드워드 호퍼 하우스 아트 ^[7]센터로 운영되고 있다.전시, 워크숍, 강연, 공연, 특별 이벤트 ^[8]등을 제공하는 비영리 커뮤니티 문화센터 역할을 하고 있습니다.

호퍼는 초등학교에서 좋은 학생이었고 다섯 살 때 그림에 재능을 보였다.그는 아버지의 지적 성향과 프랑스와 러시아 문화에 대한 사랑을 쉽게 흡수했다.그는 또한 어머니의 예술적 ^[9]유산을 보여주었다.호퍼의 부모는 그의 예술을 장려했고 그에게 자료, 교육 잡지, 그리고 삽화책을 충분히 공급해 주었다.호퍼는 열 살 때 처음으로 자신의 그림에 서명하고 데이트하기 시작했다.이 그림들 중 가장 초기의 것은 꽃병, 그릇, 컵, ^[10]상자를 포함한 기하학적인 모양의 숯 스케치를 포함한다.그의 남은 생애 동안 지속된 빛과 그림자에 대한 상세한 조사는 이미 이 초기 ^[10]작품들에서 찾을 수 있다.10대 때 그는 펜과 잉크, 목탄, 수채화, 그리고 유화를 그리며 정치만화를 ^[11]그렸다.1895년, 그는 아마추어 예술가들에게 인기 있는 잡지인 아트 인터체인지의 복제품을 베낀 그의 첫 사인 유화인 로키 코브에 있는 노 젓는 배를 만들었습니다.Nyack의 Old ice pond와 c.1898년 그의 그림 Ships와 같은 호퍼의 다른 초기 유화는 ^[12][13]브루스 크레인이나 에드워드 모란을 포함한 화가들의 그림 복제품으로 확인되었다.

그의 초기 자화상들에서 호퍼는 자신을 깡마르고, 품위 없고, 못생겼다고 표현하는 경향이 있었다.키가 크고 조용한 십대였지만, 그의 장난스러운 유머 감각은 그의 예술에서 배출구를 찾았고, 때로는 이민자들이나 코믹한 상황에서 여성이 남성을 지배하는 모습을 묘사했다.말년에 그는 주로 ^[14]여자들을 그림 속의 인물로 그렸다.고등학교 때(그는 1899년 ^[15]냐크 고등학교를 졸업) 해군 건축가를 꿈꿨지만 졸업 후에는 미술을 하겠다고 선언했다.호퍼의 부모는 그가 믿을 ^[16]만한 수입 수단을 갖기 위해 상업 미술을 공부해야 한다고 주장했다.호퍼는 자신의 이미지와 개인주의적인 인생 철학을 개발하면서 랄프 왈도 에머슨의 글에 영향을 받았다.그는 나중에 이렇게 말했다. "나는 그를 매우 존경한다...몇 ^[17]번이고 읽었어요.

호퍼는 1899년에 통신 강좌로 미술 공부를 시작했다.곧 그는 파슨스 디자인 스쿨의 전신인 뉴욕 예술 디자인 스쿨로 전학했다.그곳에서 그는 그에게 유화를 ^[16]가르친 윌리엄 메리트 체이스를 포함한 교사들과 함께 6년 동안 공부했다.초기에 호퍼는 체이스와 프랑스 인상파의 거장 에두아르 마네와 에드가 드가를 ^[18]본떠 그의 스타일을 만들었다.라이브 모델의 스케치는 보수적으로 자란 Hopper에게 도전이자 충격이었습니다.

그의 또 다른 스승인 예술가 로버트 헨리는 인생 수업을 가르쳤다.앙리는 그의 학생들에게 그들의 예술을 "세상을 떠들썩하게 하기 위해" 사용하라고 격려했다.그는 또한 학생들에게 "중요한 것은 주제가 아니라 여러분이 그것에 대해 느끼는 것이다," "예술은 잊고 여러분이 삶에서 ^[16]흥미를 느끼는 것을 그림으로 그려라,"라고 충고했다.이러한 방식으로 헨리는 호퍼와 미래의 예술가 조지 벨로우즈, 록웰 켄트에게 영향을 끼쳤다.그는 그들이 그들의 일에 현대 정신을 불어넣도록 격려했다.존 슬론을 포함한 앙리 서클의 몇몇 화가들은 애쉬칸 예술학교라고도 알려진 "더 에잇"^[19]의 회원이 되었다.호퍼가 인테리어를 테마로 사용한 것을 암시하는 최초의 유화는 극장의 고독한 인물이었다.^[20]학창 시절, 그는 또한 그의 자화상을 포함한 수십 점의 나체화, 정물화, 풍경화,^[21] 초상화를 그렸다.

1905년, 호퍼는 광고 대행사에서 아르바이트를 하며 무역 ^[22]잡지를 위한 표지 디자인을 만들었습니다.호퍼는 삽화를 싫어하게 되었다.그는 1920년대 ^[23]중반까지 경제적 필요에 의해 그것에 얽매여 있었다.그는 파리에서 미술계를 공부하기 위해 유럽을 3번씩 여행하며 일시적으로 탈출했다.하지만 사실 그는 혼자 공부했고 예술의 새로운 흐름에 대부분 영향을 받지 않는 것처럼 보였다.나중에 그는 "피카소에 대해 들은 기억이 전혀 없다"^[19]고 말했다.그는 렘브란트, 특히 그의 나이트워치에게 깊은 인상을 받았는데, 그는 "내가 본 것 중 가장 멋진 것; ^[24]그 현실에 대한 과거의 믿음"이라고 말했다.

호퍼는 어두운 팔레트로 도시와 건축 풍경을 그리기 시작했다.그리고 나서 그는 자신이 편하게 사용할 수 있는 어두운 팔레트로 돌아가기 전에 인상파의 밝은 팔레트로 옮겨갔다.호퍼는 나중에 "나는 그것을 극복했고 나중에 파리에서 했던 일들이 내가 지금 ^[25]하는 일들에 더 가까웠다"고 말했다.호퍼는 거리와 카페 장면을 그리고 극장과 오페라에 가는 데 많은 시간을 보냈다.추상적인 입체파 실험을 모방한 많은 동시대인들과 달리, 호퍼는 현실주의 예술에 끌렸다.나중에 그는 호퍼가 기분 나쁜 파리의 장면을 ^[26]모방한 프랑스 조각가 찰스 메리를 제외하고는 유럽의 영향을 받지 않았다고 시인했다.

다년간의 노력

마지막 유럽 여행에서 돌아온 후, 호퍼는 뉴욕에서 스튜디오를 빌렸고, 그곳에서 그는 자신만의 스타일을 정의하기 위해 고군분투했다.그는 마지못해 삽화로 돌아가 자립했다.프리랜서였던 호퍼는 어쩔 수 없이 프로젝트를 요청했고,^[27] 사업을 찾기 위해 잡지와 에이전시 사무실의 문을 두드려야 했다."무엇을 그리고 싶은지 결정하기가 어렵다.가끔 몇 달 동안이나 못 찾아요천천히 ^[28]온다.그의 동료 일러스트레이터 월터 티틀은 호퍼의 친구가 고통스러워하는 것을 보면서 그의 우울한 감정 상태를 더 날카로운 용어로 묘사했다.이젤 앞에 며칠씩 앉아 있을 때마다 어쩔 ^[29]수 없는 불행에 빠져 마법을 깨기 위해 손 하나 까딱하지 못했다.

1912년 (2월 22일~3월 5일) 그는 로버트 헨리의 주도로 인디펜던트 전시회에 참가했지만 ^[28]판매는 하지 않았다.

1912년, 호퍼는 영감을 얻기 위해 매사추세츠주 글로스터로 여행을 갔고 미국에서 ^[28]그의 첫 야외 그림을 그렸다.그는 앞으로 ^[30]나올 많은 등대 그림 중 첫 번째 작품인 스캠 라이트를 그렸다.

1913년, 아모리 쇼에서 호퍼는 그의 첫 그림인 ^[31]항해(1911년)를 미국인 사업가 토마스 F 베토르에게 팔았을 때 250달러를 벌었다.호퍼는 31세였고, 그의 첫 번째 판매가 다른 사람들에게 빨리 이어지기를 바랐지만, 그의 경력은 몇 ^[32]년 동안 인기를 끌지 못할 것이다.그는 뉴욕의 ^[33]맥도웰 클럽과 같은 더 작은 장소에서 열리는 그룹 전시회에 계속 참가했습니다.같은 해 아버지가 돌아가신 직후 호퍼는 맨해튼 그리니치 빌리지 구역의 워싱턴 스퀘어 노스 3번 아파트로 이사해 여생을 보냈다.

이듬해 그는 영화 포스터를 제작하고 영화사의 ^[34]홍보를 담당하라는 의뢰를 받았다.비록 그는 삽화 작업을 좋아하지 않았지만, 호퍼는 영화와 극장의 평생 애호가였고, 두 사람 모두 그의 그림의 소재로 다루었습니다.각각의 형태는 그의 구성 ^[35]방법에 영향을 미쳤다.

1915년 호퍼는 유화를 둘러싼 교착상태에서 식각으로 눈을 돌렸다.1923년까지 그는 약 70여 ^[36][37]점의 작품을 이 매체에서 제작했으며, 파리와 뉴욕의 도시 풍경도 많이 제작했다.그는 또한 전쟁 활동을 위한 포스터를 제작했고, 때때로 상업적인 ^[38]프로젝트도 계속했다.그가 할 수 있었을 때, 호퍼는 뉴잉글랜드, 특히 오군퀴트와 몬헤건 ^[39]섬의 예술 식민지를 방문했을 때 야외 유화를 그렸다.

1920년대 초에 그의 식각은 대중의 인정을 받기 시작했다.그들은 그의 후기 주제들 중 일부를 표현했는데, 예를 들어 '엘트레인의 밤', '저녁바람', '캣보트'^[40] 등이 그것이다.이 시기의 두 개의 주목할 만한 유화는 뉴욕 인테리어와 ^[41]뉴욕 레스토랑이다.그는 또한 앞으로 나올 그의 많은 "창문" 그림들 중 두 점을 그렸다: 재봉틀의 소녀와 달빛 인테리어. 둘 다 밖을 내다보거나 밖을 ^[42]내다보는 아파트 창문 근처에 있는 인물(옷차림 또는 나체)을 보여준다.

비록 몇 년 동안 좌절감을 주었지만, 호퍼는 어느 정도 인정을 받았다.1918년, 호퍼는 전쟁 포스터인 "Smash the Hun"으로 미국 해운청 상을 받았다.그는 1917년 독립 예술가 협회와 함께, 1920년 1월 휘트니 박물관의 전신인 휘트니 스튜디오 클럽에서 1인 전시, 1922년 휘트니 스튜디오 클럽과 함께 세 개의 전시회에 참가했다.1923년, 호퍼는 식각으로 두 개의 상을 받았습니다: 시카고 Ethers 협회의 로건 상과 W. A. 브라이언 상.^[43]

결혼과 돌파구

1923년까지, 호퍼의 느린 등반은 마침내 돌파구를 만들어냈다.그는 매사추세츠주 글로스터에서 여름 그림 여행을 하던 중 로버트 헨리의 제자이자 화가인 조세핀 니비슨을 다시 만났다.그들은 정반대였다: 그녀는 키가 작고, 개방적이고, 사교적이고, 사교적이고, 자유분방한 반면, 그는 키가 크고, 비밀스럽고, 수줍음이 많고, 조용하고, 자기성찰적이고,^[38] 보수적이었다.그들은 1년 후 예술가 Guy Pene du Bois와 신랑 ^[3]들러리로 결혼했다.그녀는 "때로는 에디와 대화하는 것은 돌을 우물에 빠뜨리는 것과 같다"고 ^[44]말했다.그녀는 자신의 경력을 그에게 종속시키고 그의 은둔적인 생활 방식을 공유했다.그들의 여생은 도시에 있는 예비 워크업 아파트와 케이프 코드에 있는 사우스 트루로의 여름을 중심으로 돌아갔다.그녀는 그의 경력과 인터뷰를 관리했고, 그의 주된 모델이었고, 그의 인생의 ^[44]동반자였다.

니비슨의 도움으로, 호퍼의 글로스터 수채화 6점이 1923년 브루클린 박물관에서 전시회에 입장할 수 있었다.그 중 하나인 맨사드 지붕은 ^[45]100달러에 영구 소장품으로 박물관에 의해 구입되었다.비평가들은 대체로 그의 작품에 찬사를 보냈다; 한 비평가는 "이 얼마나 활력, 힘, 그리고 직설적인가!가장 가정적인 ^[45]주제로 무엇을 할 수 있는지 관찰해 보세요."호퍼는 이듬해 열린 원맨쇼에서 수채화를 모두 팔아치웠고 결국 일러스트를 뒤로 미루기로 결심했다.

그 예술가는 파리 건축에 대한 그의 매력을 미국의 도시와 시골 건축으로 옮겨갈 수 있는 능력을 보여주었다.보스턴 미술 박물관 큐레이터 캐롤 트로이엔에 따르면, "호퍼는 포탑과 탑, 포치, 맨사드 지붕과 장식이 멋진 그림자를 드리우는 이 집들의 방식을 정말 좋아했다.집 ^[46]한켠에 햇빛을 칠하는 게 제일 좋다고 했어요.

41세에 호퍼는 그의 업적에 대해 더 많은 인정을 받았다.그는 자신의 경력에 대한 비통함을 계속 품고 있었으며, 나중에 출연과 ^[44]상을 거절했다.꾸준한 판매로 재정적인 안정성을 확보한 호퍼는 소박하고 안정적인 삶을 살며 40년 이상 자신만의 스타일로 예술을 계속 창작할 것이다.

그의 "Two on the Averway"(1927년)는 개인 최고 기록인 1,500달러에 팔렸고, 호퍼는 ^[47]뉴잉글랜드의 외딴 지역으로 현장 학습을 가곤 했던 자동차를 구입할 수 있었다.1929년, 그는 찹수이와 철도 선셋을 제작했다.이듬해, 미술 후원자인 스티븐 클락은 수집을 ^[48]위해 취득한 최초의 유화인 House by the Railway (1925)를 현대 미술관에 기증했다.호퍼는 1930년경 그의 마지막 자화상을 유화로 그렸다.비록 조세핀이 그의 많은 그림들에 포즈를 취했지만, 그녀는 그녀의 남편인 조 페인팅이 그린 공식적인 유화 초상화 한 장만을 위해 앉았다.^[49]

호퍼는 대공황 기간 동안 다른 많은 예술가들보다 더 잘했다.1931년 휘트니 미국미술관과 메트로폴리탄미술관을 포함한 주요 박물관들이 그의 작품에 수천 달러를 지불하면서 그의 위상은 급상승했다.그는 그 해에 13점의 ^[47]수채화를 포함하여 30점의 그림을 팔았다.이듬해 그는 제1회 휘트니 연차 대회에 참가했고,^[47] 여생을 박물관에서 매년 전시를 계속했다.1933년 현대미술관은 호퍼의 첫 대규모 ^[50]회고전을 열었다.

1930년, 호퍼 부부는 케이프 코드에 있는 사우스 트루로의 오두막을 빌렸다.그들은 1934년 ^[51]그곳에 여름 별장을 지으며 여생을 여름마다 돌아왔다.호퍼가 페인트를 칠할 신선한 재료를 찾아야 할 때, 그들은 그곳에서 다른 지역으로 운전 여행을 떠나곤 했습니다.1937년과 1938년 여름, 부부는 버몬트 주 사우스 로열턴에 있는 왜건 바퀴 농장에 장기 체류하면서 호퍼가 화이트 강을 따라 수채화를 그렸습니다.이 장면들은 호퍼의 성숙한 작품들 사이에서 이례적인데, 이는 대부분 건축이나 인형이 없는 "순수한" 풍경이기 때문이다.현재 보스턴 미술관에 있는 화이트 리버의 첫 번째 분지(1938년)는 호퍼의 버몬트 풍경 ^[52]중 가장 잘 알려져 있습니다.

호퍼는 1930년대와 1940년대 초에 걸쳐 매우 생산적이었으며, 많은 중요한 작품들 중에서 뉴욕 무비, 걸리 쇼, 나이트호크, 호텔 로비, 그리고 도시의 아침 (1944)을 제작했다.그러나 1940년대 후반, 그는 상대적으로 활동하지 않는 시기를 겪었다.그는 "더 많이 그릴 수 있었으면 좋겠다.책도 읽고 ^[53]영화도 보는 게 지겨워요.그 후 20년 동안, 그의 건강은 악화되었고, 그는 몇 번의 전립선 수술과 다른 ^[53]의학적인 문제들을 겪었다.그러나 1950년대와 1960년대 초에 그는 퍼스트 로우 오케스트라(1951년), 1952년 모닝 선과 호텔 by railway(1952년),^[54] 1963년 Intermission 등 몇 가지 주요 작품을 더 만들었다.

죽음.

호퍼는 1967년 5월 15일 뉴욕의 워싱턴 광장 근처의 스튜디오에서 자연사했다.그는 이틀 후 그의 ^[55]출생지인 뉴욕 냐크의 오크 힐 공동묘지에 묻혔다.그의 아내는 열 달 후에 죽었고 그와 함께 묻혔다.

그의 아내는 3천 점 이상의 공동 소장품을 휘트니 미국 ^[56]미술관에 유산으로 남겼다.호퍼의 다른 중요한 그림들은 뉴욕의 현대 미술 박물관, 디모인 아트 센터, 그리고 시카고 아트 인스티튜트가 소장하고 있다.

예체능

성격과 비전

항상 자신과 그의 예술에 대해 논하기를 꺼려하는 호퍼는 "모든 답은 ^[50]캔버스에 있다."라고 간단히 말했다.호퍼는 냉철하고 운명론적이었다. 유머 감각이 온화하고 솔직한 태도를 가진 조용하고 내성적인 남자였다.호퍼는 상징적이고 반내러티브적인 ^[57]상징성에 끌린 사람이었는데, 그는 "암시로 가득 찬 짧은 고립된 구성의 순간들을 그렸다."^[58]그의 침묵의 공간과 불안한 만남은 "우리가 가장 취약한 곳을 건드린다"^[59]며 "우울함을 암시한다"^[60]고 말했다.그의 색채감각은 그가 "오점과 축복이 균형을 이루는 조용한 ^[62]캔버스에서 청교도들을 청교도주의자로 변모시켰을 때" 그를 순수한^[61] 화가로 드러냈습니다.비평가 로이드 굿리치에 따르면, 그는 "다른 어떤 화가들보다도 미국의 특질을 캔버스에 더 많이 담았다"^[63][64]고 한다.

정치와 사회 문제에 보수적(예를 들어 예술가의 삶은 매우 가까운 사람들에 의해 쓰여져야 한다고 주장하는 등)^[65]인 그는 사물을 있는 그대로 받아들이고 이상주의의 결여를 드러냈다.교양 있고 교양 있는 그는 글을 잘 읽었고 그의 그림들 중 많은 것들이 ^[66]인물들을 읽는 것을 보여준다.그는 대체로 좋은 친구였고 침묵에도 동요하지 않았다. 하지만 때로는 과묵하거나 심술궂거나 냉담했다.그는 항상 자신의 예술과 타인의 예술에 대해 진지했고, 질문을 받으면 솔직한 ^[67]의견을 대답하곤 했다.

예술가로서의 그의 철학에 대한 호퍼의 가장 체계적인 선언은 1953년 리얼리티 저널에 제출된 "Statement"라는 제목의 손으로 쓴 메모에서 나왔다.

위대한 예술은 예술가의 내면의 삶을 겉으로 드러내는 것이며, 이러한 내면의 삶은 세계에 대한 그의 개인적인 비전으로 귀결될 것이다.아무리 능숙한 발명이라도 상상력의 본질적인 요소를 대체할 수는 없다.많은 추상화의 약점 중 하나는 인간의 지성의 발명을 사적인 상상적 개념으로 대체하려는 시도이다.

인간의 내면은 넓고 다양한 영역이며 색채, 형태, 디자인의 자극적인 배열에만 관여하지 않는다.

예술에서 사용되는 삶이라는 용어는 경멸당해서는 안 되는 것이다. 왜냐하면 그것은 모든 존재를 의미하고 예술의 영역은 그것을 회피하지 않고 그것에 반응하는 것이기 때문이다.

그림은 다시 ^[68]위대해지기 전에 생명과 자연의 현상에 대해 보다 완전하게 그리고 덜 비스듬히 다루어야 할 것이다.

호퍼는 의식적으로 자신의 그림에 심리적 의미를 담지 않았다고 주장했지만 프로이트와 잠재의식의 힘에 깊은 관심을 가졌다.그는 1939년에 이렇게 썼다. "모든 예술은 잠재의식의 표현이기 때문에 내게는 모든 중요한 자질들이 무의식적으로 놓여져 있고 ^[69]의식적인 지성에 의해 거의 중요하지 않은 것처럼 보인다."

'얼리 선데이 모닝'은 다라 오브라이언이 쓴 희곡으로 1923년 글로스터와의 만남에서 뉴욕 결혼 초기 몇 달 동안 호퍼와 니비슨의 관계가 시작되면서 호퍼의 삶이 예술적으로든 그렇지 않으면 남편의 어려운 사생활에 가려질 것이라는 사실을 알게 된 것이다.유형 및 물류상의 필요성.

방법들

비록 그는 유화로 가장 잘 알려져 있지만, 호퍼는 처음에 그의 수채화로 인정을 받았고 그는 또한 상업적으로 성공한 에칭도 몇 가지 만들었습니다.게다가, 그의 노트북에는 고품질의 펜과 연필 스케치가 들어있었는데, 이것은 결코 일반인들이 볼 수 있는 것이 아니었다.

호퍼는 기하학적 디자인과 환경과 적절한 균형을 이루는 인간 형상의 세심한 배치에 특히 주의를 기울였다.그는 느리고 체계적인 예술가였다. "아이디어가 떠오르려면 오랜 시간이 걸린다.그러면 나는 그것에 대해 오랫동안 생각해야 한다.모든 걸 머릿속에 다 그려야 그림을 그릴 수 있어요.나는 이젤에 도착하면 괜찮아.^[70]그는 종종 신중하게 계산된 작문을 완성하기 위해 준비 스케치를 했다.그와 그의 아내는 그들의 작품에 대한 상세한 장부를 "불켜진 여자의 슬픈 얼굴", "천장에서 나오는 전등," "추늘한 무게"^[71]와 같은 항목들을 적어두었다.

뉴욕 무비(1939년)에서 호퍼는 53개 이상의 극장 내부 스케치와 수심에 잠긴 ^[72]유세레트의 모습으로 철저한 준비를 보여준다.

분위기를 내기 위해 빛과 그림자를 효과적으로 사용하는 것 또한 호퍼의 방법의 핵심이다.밝은 햇빛과 그것이 던지는 그림자는 또한 이른 일요일 아침(1930), 여름 시간(1943), 아침 7시(1948), 그리고 빈 방의 태양(1963년)과 같은 호퍼 그림에서 상징적으로 강력한 역할을 한다.그의 빛과 그림자 효과의 사용은 필름 ^[73]누아르 촬영에 비유되어 왔다.

사실주의 화가이긴 하지만, 호퍼의 "부드러운" 사실주의는 모양과 디테일을 단순화시켰다.그는 콘트라스트를 높이고 분위기를 내기 위해 포화색을 사용했다.

주제 및 주제

호퍼는 두 가지 주요 출처에서 주제를 도출했습니다. 하나는 미국 생활의 공통적인 특징(주유소, 모텔, 레스토랑, 극장, 철도, 그리고 거리 풍경)과 그 주민들, 그리고 다른 하나는 바다 풍경과 시골 풍경입니다.그의 스타일에 대해, 호퍼는 자신을 "많은 인종의 혼합체"라고 정의했고, 어떤 학교, 특히 "아슈칸 학교"^[74]의 구성원이 아니었다.일단 호퍼가 그의 성숙한 스타일을 얻었을 때, 그의 예술은 그의 오랜 ^[74]경력 동안 오고 간 수많은 예술 트렌드에도 불구하고 일관되고 자기 완성을 유지했다.

호퍼의 바다 풍경은 세 개의 주요 그룹으로 나뉩니다: 바위, 바다, 해변 잔디의 순수한 풍경, 등대와 농가, 그리고 돛단배.때때로 그는 이 요소들을 결합했다.이 그림들은 대부분 강한 빛과 맑은 날씨를 묘사하고 있다; 그는 눈이나 비의 풍경이나 계절의 색채 변화에는 거의 관심을 보이지 않았다.그는 1916년부터 1919년까지 몬헤간 섬에서 순수한 ^[75]바다 풍경 대부분을 그렸다.호퍼의 긴 다리(1935)는 가장 단순한 요소를 가진 거의 푸른색 범선 그림이고, 그의 그라운드 스웰(1939)은 더 복잡하고 윈슬로 호머의 상징인 브리징 업(^[76]1876)을 연상시키는 주제인 돛을 타기 위해 떠나는 젊은이들을 묘사한다.

도시 건축과 도시 경관 또한 호퍼의 주요 주제였다.그는 "끔찍한 아름다움, 환상적인 지붕, 사이비 고딕, 프랑스 만사드, 콜로니얼, 잡종 등을 가진 우리의 토속 건축물이 눈을 부릅뜨게 하는 색채나 빛바랜 페인트의 섬세한 조화를 이루며 늪이나 ^[77]덤불로 점점 줄어드는 끝없는 거리를 따라 서로를 어깨로 감싸고 있다"는 미국 도시 풍경에 매료되었다.

1925년, 그는 하우스 바이 철도를 제작했다.이 고전 작품은 철도의 높은 제방에 가려져 있는 고립된 빅토리아 시대의 목재 저택을 묘사하고 있다.그것은 호퍼의 예술적 성숙을 상징했다.Lloyd Goodrich는 이 작품을 "가장 가슴 아픈 사실주의 ^[78]작품 중 하나"라고 극찬했다.이 작품은 선명한 선과 큰 모양을 사용한 시골과 도시의 적막한 장면들 중 첫 번째 장면으로, 그의 피사체들의 쓸쓸한 분위기를 담아내기 위해 특이한 조명들로 연주된다.비록 비평가들과 시청자들이 이러한 도시 풍경에서 의미와 분위기를 해석하지만, 호퍼는 "나는 어떤 ^[79]상징성보다 건물 위의 햇빛과 수치들에 더 관심이 있었다"고 주장했다.이를 증명하듯 그가 그린 고작 '빈 방의 태양'(1963년)은 ^[80]햇빛에 대한 순수 연구다.

호퍼의 그림 대부분은 인간과 환경의 미묘한 상호작용에 초점을 맞추고 있습니다.혼자 있는 인물, 커플 또는 그룹과 함께 그려집니다.그의 주된 감정 주제는 고독, 외로움, 후회, 지루함, 체념이다.그는 사무실, 공공장소, 아파트, 도로, ^[81]휴가 등 다양한 환경에서 감정을 표현한다.마치 영화나 연극 속 테이블룩을 위해 스틸을 만드는 것처럼 호퍼는 한 ^[82]장면의 클라이맥스 직전이나 직후에 캐릭터가 포착된 것처럼 배치했다.

호퍼의 고독한 모습은 대부분 여성들 - 옷차림에 반바지 차림, 나체 - 종종 책을 읽거나 창밖을 내다보거나 또는 직장에서이다.1920년대 초, 호퍼는 그의 첫 번째 그러한 이미지들을 그렸다. 재봉틀 소녀 (1921년), 뉴욕 인테리어 (1921년), 그리고 문라이트 인테리어 (1923년)오토매트(1927년)와 호텔룸(1931년)은 그의 성숙한 스타일을 ^[83]더 잘 나타내며 고독을 더 노골적으로 강조한다.

Hopper 학자인 Gail Levin은 Hotel Room에 대해 다음과 같이 썼다.

컬러의 세로로 비스듬히 늘어선 띠와 샤프한 일렉트릭 섀도우가 심야에 간결하고 강렬한 드라마를 연출합니다.가슴 아픈 주제와 그러한 강력한 형식적 편곡을 결합하는 호퍼의 구성은 거의 추상적인 감성에 접근하기에 충분히 순수하지만,^[84] 관찰자에게 시적인 의미와 함께 층을 이룬다.

뉴욕 호퍼의 방(1932년)과 케이프 코드 이브닝(1939년)은 그의 "커플" 그림의 대표적인 예이다.처음에 젊은 커플은 소외되고 말이 없어 보인다. 즉, 그는 그녀가 피아노 옆에서 빈둥거리는 동안 신문을 읽고 있다.시청자는 아파트 창문을 통해 망원경으로 부부의 친밀감을 엿보듯 관음인의 역할을 맡는다.후자의 그림에서는 서로 할 말이 거의 없는 노부부가 ^[85]주인을 피해 개를 데리고 놀고 있다.호퍼는 Excursion into Philosophy(1959)로 커플 테마를 더욱 야심찬 수준으로 끌어올렸다.한 중년 남자가 침대 끝에 맥없이 앉아 있다.그의 옆에는 펼쳐진 책과 반쯤 옷을 입은 여자가 누워있다.한 줄기 불빛이 그의 앞 마루를 비추고 있다.조 호퍼는 그들의 로그북에서 "열린 책은 플라톤이다, 너무 늦게 다시 읽는다"고 썼다.

Levin은 그림을 해석한다:

현실과 진실을 찾는 플라톤의 철학자는 이 일시적인 영역에서 벗어나 영원한 형태와 사상을 숙고해야 한다.호퍼의 그림에서 수심에 잠긴 남자는 여자가 그리는 지상 영역의 유혹과 천상의 낙뢰로 대표되는 더 높은 영적 영역의 호출 사이에 위치해 있다.밤새도록 플라톤을 읽고 이 선택과 그 결과에 대해 생각하는 고통은 명백하다.그는 우울증에 ^[86]걸린 사람들의 열렬한 내적 노동에 마비되어 있다.

또 다른 "커플" 그림인 Office at Night (1940)에서 호퍼는 심리적인 퍼즐을 만든다.이 그림에는 한 남자가 업무 서류에 집중하고 있고, 그의 매력적인 여성 비서가 근처에서 파일을 꺼내는 모습이 담겨 있다.이 그림을 위한 여러 연구는 호퍼가 에로티즘과 긴장을 고조시키기 위해 어떻게 두 인물의 위치를 정하는 실험을 했는지 보여준다.호퍼는 시청자에게 남자가 여자의 호소에 진정으로 관심이 없거나 그녀를 무시하기 위해 열심히 노력하고 있다는 가능성을 제시한다.이 그림의 또 다른 흥미로운 측면은 호퍼가 어떻게 책상 램프에서 창문과 위로부터의 간접적인 빛을 통해 세 개의 ^[85]광원을 사용하는가 하는 것이다.호퍼는 계속해서 여러 장의 "사무실" 사진을 만들었지만, 감각적인 저전류가 있는 다른 사진들은 만들지 못했다.

호퍼의 그림 중 가장 잘 알려진 나이트호크(1942)는 그의 그룹 그림 중 하나이다.밤샘 식당 카운터에 앉아 있는 손님들을 보여준다.모양과 대각선이 세심하게 구성되어 있습니다.마치 시청자가 레스토랑에 접근하는 것처럼 보도에서 바라보는 관점은 영화적이다.어두운 밤과 구별되는 강렬한 전등 불빛은 분위기와 미묘한 감정을 ^[87]더한다.많은 호퍼 그림에서와 같이 상호 작용은 최소입니다.묘사된 레스토랑은 그리니치 빌리지의 한 레스토랑에서 영감을 얻었다.호퍼와 그의 아내 둘 다 그 그림들을 위해 포즈를 취했고, 조 호퍼는 그림의 제목을 지었다.이 그림의 영감은 호퍼가 매우 ^[88]존경했던 어니스트 헤밍웨이의 단편 소설 "킬러들"이나 좀 더 철학적인 "깨끗하고 밝은 장소"^[89]에서 비롯되었을 것이다.이 그림의 분위기는 때때로 전시의 ^[90]불안감의 표현으로 해석되어 왔다.호퍼는 나중에 자신의 그림 제목과 일치하여 나이트호크는 ^[91]외로움보다는 밤에 포식자가 있을 가능성에 더 많이 관련되어 있다고 말했다.

그가 나이트호크에 이어 두 번째로 눈에 띄는 그림은 또 다른 도시화인 Early Sunday Morning(원래 7번가 상점)으로, 인간상을 대신하는 소화전과 이발소가 있는 텅 빈 거리 풍경을 날카로운 측면광선으로 보여준다.원래 호퍼는 위층 창문에 숫자를 넣을 생각이었지만 ^[92]쓸쓸함을 높이기 위해 비워두었다.

가스(1940)와 같은 호퍼의 뉴잉글랜드 시골 풍경도 그에 못지않게 의미가 있다.가스는 "다르고, 똑같이 깨끗하고, 빛이 잘 들어오는 피난처...어려운 사람들이 밤길을 걸으며 ^[93]잠들기 전에 갈 수 있도록 문을 열어줍니다."이 작품은 외로운 모습, 황혼의 우울함, 외로운 ^[94]길 등 여러 호퍼의 주제를 융합한 것이다.

호퍼는 바다 옆 방이 있는 초현실주의(1951년)에 접근하는데, 열린 문은 눈에 띄는 사다리나 계단 없이 해변의 ^[95]표시 없이 바다를 볼 수 있다.

학창시절에 호퍼의 나체들은 모두 여자였다.여성상을 미화하고 여성적 색채를 강조하기 위해 여성 누드를 그렸던 과거 화가들과 달리 호퍼의 누드는 심리적으로 ^[96]노출되는 고독한 여성이다.한 가지 대담한 예외는 걸리 쇼(1941년)로, 빨간 머리의 스트립 티스 여왕이 자신만만하게 무대 위를 가로질러 구덩이에 있는 음악가들의 반주에 맞춰 행진한다.걸리쇼는 호퍼가 며칠 전에 버들스크 쇼를 방문한 것에서 영감을 받았다.호퍼의 아내는 평소처럼 그를 위해 그림을 위해 포즈를 취했고, 그녀의 일기에서 "새로운 캔버스를 시작하고 - 스트립을 놀리고 있는 - 그리고 나는 스토브 앞에서 실오라기 하나 걸치지 않은 채 포즈를 취한다 - 복권춤 포즈를 ^[97]취한 것은 하이힐일 뿐이다."라고 적었다.

호퍼의 초상화와 자화상은 학창 시절 ^[98]이후 상대적으로 적었다.호퍼는 의뢰받은 "맥아서스의 집"(1939)의 초상화를 제작했는데, 그곳에서 그는 배우 헬렌 헤이스의 집의 빅토리아식 건축물을 충실하게 묘사했다.그녀는 나중에 "내 인생에서 이렇게 비인간적이고 심술궂은 사람을 만나본 적이 없었던 것 같다"고 보고했다.호퍼는 프로젝트 내내 투덜댔고 다시는 ^[99]커미션을 받지 않았다.호퍼는 또한 중심가에서 ^[100]본 케이프 코드 마을의 "초상"인 올리언스의 초상화를 그렸다.

남북전쟁과 매튜 브래디의 전장 사진에 관심이 많았지만, 호퍼는 단지 두 점의 역사적인 그림을 그렸다.둘 다 게티즈버그로 ^[101]가는 병사들의 모습을 그렸다.액션을 보여주는 그림도 그의 테마 중 드물다.액션 그림의 가장 좋은 예는 가느다란 길(1939년)이지만, 말의 적절한 해부학적 구조에 대한 호퍼의 고군분투는 그가 비슷한 ^[102]시도를 하는 것을 단념시켰을 수도 있다.

죽기 1년 전에 그린 호퍼의 마지막 유화인 코미디언 두 명(1966)은 극장에 대한 그의 사랑에 초점을 맞추고 있다.밝은 흰색 의상을 입은 두 명의 프랑스 판토마임 배우가 어두운 무대 앞에서 절을 한다.조 호퍼는 그녀의 남편이 남편과 ^[103]아내로서 인생의 마지막 인사를 함께 하고 있다는 것을 암시하기 위해 그 수치들을 의도했다고 확인했다.

호퍼의 그림은 화가가 의도하지 않았을 수도 있는 이야기나 주제적인 내용을 가지고 있는 것으로 다른 사람들에 의해 종종 보여져 왔다.제목으로 그림에 많은 의미를 부여할 수 있지만, 호퍼의 그림의 제목은 때때로 다른 사람들에 의해 선택되거나, 호퍼 부부가 화가의 의미와 실제 관련이 있는지 불분명하게 만드는 방식으로 선택되었다.예를 들어, 호퍼는 인터뷰 진행자에게 "일찍 일요일 아침의 팬"이라고 말한 적이 있다.일요일이라고는 할 수 없었어요.그 단어는 나중에 다른 ^[104]사람에 의해 붙여졌다.

호퍼가 의도하지 않았던 주제나 서사적인 내용을 호퍼의 그림으로 읽는 경향은 그의 아내에게도 확대되었다.조 호퍼가 케이프 코드 모닝의 인물에 대해 "빨래를 널 수 있을 만큼 날씨가 좋은지 지켜보는 여자다"라고 말하자 호퍼는 "내가 그렇게 말했나?노먼 록웰이 되시는군요내가 보기에 그녀는 ^[105]창밖을 내다보고 있을 뿐이다.같은 현상의 또 다른 예는 1948년 타임지의 기사에 기록되어 있다.

시골집 현관의 따가운 빛 속에서 이야기를 나누는 젊은 커플인 호퍼의 서머 이브닝은 필연적으로 낭만적이지만, 호퍼는 "어떤 여성 잡지"에서든 삽화가 될 수 있다는 한 비평가의 제안에 상처를 받았다.호퍼는 "20년 동안 이 그림을 머리 뒤에 새겨두었고, 나는 지난해 여름을 시작하기 전까지 이 그림을 넣을 생각을 한 적이 없다"고 말했다.왜 예술감독들이 그 그림을 갈기갈기 찢어버리겠어?그 수치가 제 관심사는 아니었습니다.그것은 쏟아지는 빛과 ^[106]밤이었습니다.

미국 미술의 장소

호퍼는 주로 조용한 순간에 초점을 맞추고, 매우 드물게 액션을 보여주면서, 또 다른 미국의 대표적인 현실주의자 앤드류 와이스가 채택한 리얼리즘 형식을 사용했지만, 호퍼의 기법은 와이스의 초디테일한 ^[50]스타일과는 완전히 달랐다.호퍼는 동시대 사람들과 결탁해 존 슬론, 조지 벨로우즈와 도시적 감각을 공유했지만 그들의 노골적인 행동과 폭력을 피했다.조지프 스텔라와 조지아 오키프가 도시의 기념비적인 건축물을 미화한 곳에서, 호퍼는 그것들을 일상적인 기하학으로 축소했고 그는 도시의 맥박을 "고급스럽거나 유혹적인"^[107] 것이 아니라 황량하고 위험하다고 묘사했다.

호퍼가 존경하고 비교당했던 찰스 버치필드는 호퍼에 대해 "그는 당신이 ^[108]원하는 어떤 인간적인 의미라도 뉴욕 생활에 대한 그의 해석과 개념을 읽을 수 있을 정도로 완벽한 진실성을 달성한다"고 말했다.그는 또한 호퍼의 성공을 그의 "대담한 개인주의" 탓으로 돌렸다.그 속에서 우리는 토마스 에이킨스가 우리에게 준 미국의 확고한 독립을 되찾았지만, 그것은 잠시 동안 ^[109]사라졌습니다.호퍼는 Eakins를 미국의 ^[110]가장 위대한 화가라고 생각했기 때문에 이것을 높은 칭찬으로 여겼다.

호퍼의 학자 데보라 라이언스는 "우리 자신의 계시의 순간은 종종 그의 작품에서 반영되고 초월적입니다.일단 목격되면, 호퍼의 해석은 우리 자신의 경험과 함께 우리의 의식 속에 존재한다.우리는 호퍼가 우리 자신의 비전에 심은 미스터리를 가지고 투자를 한 어떤 종류의 집을 호퍼의 집이라고 영원히 봅니다."호퍼의 그림은 일상 생활에서 평범해 보이는 전형적인 장면들을 강조하고 깨달음의 원인을 제공한다.이런 식으로 호퍼의 예술은 투박한 미국 풍경과 외로운 주유소를 가져다가 그들 안에 아름다운 ^[111]기대감을 만들어낸다.

주제 면에서 그의 동시대 노먼 록웰과 비교가 되었지만, 호퍼는 그 비교를 좋아하지 않았다.호퍼는 자신이 더 섬세하고, 덜 설명적이며, 확실히 감상적이지 않다고 생각했다.호퍼는 그랜트 우드와 토마스 하트 벤튼과의 비교도 거부했습니다. "나는 미국의 장면 화가들이 미국을 희화화했다고 생각합니다.난 항상 내 자신을 하고 싶었다."^[112]

영향을 주다

예술계와 대중문화에 대한 호퍼의 영향력은 부인할 수 없다.많은 예에 대해서는 § 대중문화에서 참조한다.그에게 정식 제자가 없었지만, 빌렘 드 쿠닝, 짐 디네, 마크 ^[74]로스코를 포함한 많은 예술가들이 그를 영향력 있는 인물로 지목했다.호퍼의 영향을 보여주는 예시는 로스코의 초기 작품 구성 I(c.131년)이며, 이는 호퍼의 찹수이를 ^[113]직접 바꾸어 쓴 것이다.

호퍼는 영화 구성과 명암의 극적인 사용으로 인해 영화 제작자들 사이에서 애용되고 있다.예를 들어,^[114] House by the Railway는 Alfred Hitchcock 영화 Psycho에 나오는 상징적인 집에 큰 영향을 미쳤다고 보고되었다.이 그림은 테런스 말릭의 영화 '천국의 나날'에서도 가정에 영향을 준 것으로 인용되었다.1981년 개봉한 영화 '천국에서 온 페니'에는 나이트호크스의 명랑한 생동감이 포함되어 있으며, 주연 배우들은 식사를 하는 사람들을 대신합니다.독일의 윔 벤더스 감독도 호퍼의 ^[74]영향을 꼽았다.그의 1997년 영화 폭력의 끝은 또한 배우들에 의해 재현된 나이트호크의 탁상적인 생동감을 포함하고 있다.유명한 초현실주의 공포 영화 감독인 다리오 아르젠토는 1976년 영화 딥 레드(일명 프로폰도 로소)의 세트장의 일부로 나이트호크의 식당과 손님들을 재현하기까지 했다.Ridley Scott은 Blade Runner의 시각적 영감으로 같은 그림을 인용했습니다.2002년 영화 '로드 투 퍼디션'에서 장면의 조명을 확립하기 위해 샘 멘데스 감독은 호퍼의 그림, 특히 뉴욕 ^[115]무비의 영감의 원천에서 영감을 얻었다.

만화 캐릭터나 제임스 딘, 마릴린 먼로 같은 유명 대중문화 아이콘들이 등장하는 나이트호크에 대한 호메이지들은 종종 포스터 가게나 선물 가게에서 볼 수 있다.케이블 TV 채널인 터너 클래식 무비스는 영화를 방영하기 전에 호퍼의 그림을 바탕으로 한 애니메이션 클립을 방영하기도 한다.음악적 영향으로는 가수 겸 작곡가인 톰 웨이츠의 1975년 스튜디오 라이브 앨범인 'Nighthawks at the Diner'가 있다.1993년, 마돈나는 호퍼의 1941년 그림 걸리 쇼에서 충분히 영감을 받아 그녀의 월드 투어 이름을 지었고 그림의 많은 연극적 요소와 분위기를 쇼에 포함시켰다.2004년, 영국의 기타리스트 존 스콰이어는 "마샬의 집"이라는 제목의 호퍼의 작품을 바탕으로 한 콘셉트 앨범을 발매했다.앨범의 각 곡들은 Hopper의 그림에서 영감을 받아 제목을 공유한다.캐나다 록 그룹 더 위너선스는 2007년 호퍼의 그림 "빈 방의 태양"과 "밤의 창"에서 영감을 받아 이름을 붙인 두 곡을 수록한 앨범 "Reunion Tour"를 발매했으며 "Hospital Vespers"와 같은 곡에서도 호퍼를 언급했습니다.호퍼의 C칸 293은 폴란드 작곡가 파베우 쉬만스키의 2, 바이올린, 비올라, 첼로, 비브라폰을 위한 7칸(2003년)과 휴버트 펠릭스 티페인의 노래 C보치 293 에드워드 호퍼의 1938년(2011년)에 영감을 주었다.호퍼의 작품은 영국 밴드 오케스트라 기동대의 여러 녹음에 영향을 끼쳤다.이른 일요일 아침은 크러쉬(1985년)^{[citation needed]}의 소매에 영감을 주었다.같은 밴드의 2013년 싱글 "Night Cafe"는 나이트호크스의 영향을 받아 호퍼의 이름을 언급하고 있다.그의 그림 중 일곱 점이 ^[116]가사에 언급되어 있다.

시에서, 많은 시들이 호퍼의 그림에서 영감을 얻었는데, 전형적으로 생생한 묘사나 극화로서; 이 장르는 에크프라시스라고 알려져 있다.호퍼에게서 영감을 받은 수많은 개별 시들 외에도, 몇몇 시인들이 호퍼의 그림을 바탕으로 컬렉션을 썼다.프랑스 시인 클로드 에스테반은 1921년부터 1963년 사이 47개의 호퍼 그림을 바탕으로 산문시집 'Soleil dans un un piéce vide'(1991)를 썼고, 그 ^[117]끝은 '빈 방의 태양'(1963년)이다.이 시집들은 각각 뒷이야기를 상상하며 호퍼의 그림을 각색했다. 이 책은 1991년 프랑스 문화상을 수상했다.그라운드 스웰, 재봉틀의 소녀, 칸막이 C, 카 293, 나이트호크, 사우스캐롤라이나 모닝, 철도의 집, 태양 속의 사람들, 워싱턴 광장의 지붕 등 8편의 시가 작곡가 그레이시아네 핀지의 음악을 이어받았고, 그녀의 나탈리 가수 데세이에게 낭독과 함께 녹음되었다.거기서 그들은 10개의 호퍼 그림과 함께 ^[118]갈 미국 노래집에 있는 노래들을 선택함으로써 보충되었다.마찬가지로 스페인 시인 어니스트 파레스는 에드워드 호퍼(2006년, 로렌스 베누티의 영어 번역 2010년)라는 이름으로 카탈로니아어로 51편의 시집을 썼고 제임스 호가드는 빛의 삼각형(Triangle of Light: 에드워드 호퍼 시 (윙스 프레스, 2009).다양한 시인들의 컬렉션이 "고독의 시: 에드워드 호퍼에 대한 헌정" 1995에 정리되었다.개인 시로는 이른 일요일 아침에서 영감을 받은 바이런 바자카스(1957년)와 존 스톤(1985년)과 재봉틀 소녀에서 영감을 받은 메리 리더가 있다.

전람

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1980년 에드워드 호퍼: The Art and the Artist는 휘트니 미국 미술 박물관에서 개관했으며 런던, 뒤셀도르프, 암스테르담뿐만 아니라 샌프란시스코와 시카고도 방문했다.이 쇼는 사상 처음으로 호퍼의 유화를 준비 연구와 함께 선보였다.이것은 유럽에서 호퍼의 인기와 그의 큰 세계적인 ^{[citation needed]}평판의 시작이었다.

2004년, 호퍼의 많은 그림들이 독일 쾰른의 루드비히 박물관과 런던의 테이트 모던 박물관을 방문하며 유럽을 여행했다.테이트 전시는 개관 3개월 만에 42만 명의 관람객이 몰리며 갤러리 역사상 두 번째로 인기를 끌었다.

2007년, 약 1925년부터 세기 중반까지 호퍼의 가장 위대한 업적들에 초점을 맞춘 전시회가 보스턴의 미술 박물관에서 열렸다.전시에는 유화 50점, 수채화 30점, 인기작인 '나이트호크', '찹수이', '등대와 건물' 등 12점이 전시됐다.이 전시회는 보스턴 미술관과 워싱턴 국립미술관, 시카고 아트 인스티튜트가 주최하고 세계적인 경영 컨설팅 회사인 부즈 앨런 해밀턴이 후원했다.

2010년 스위스 로잔에 있는 헤르미티지 미술관은 호퍼의 경력 전체를 다룬 전시회를 열었는데, 주로 뉴욕 휘트니 박물관에서 작품들을 가져왔다.여기에는 그림, 수채화, 식각, 만화, 포스터, 그리고 엄선된 그림을 위한 준비 연구들이 포함되었다.이 전시회는 이전에 밀라노와 로마에서 열린 바 있다.2011년 휘트니 미술관은 에드워드 호퍼와 히스 타임즈라는 전시회를 열었다.

2012년 파리 그랑팔레에서 그의 걸작의 복잡성을 조명하는 전시회가 열렸는데, 이는 호퍼의 작품성이 풍부함을 보여준다.그것은 연대순으로 두 개의 주요 부분으로 나뉘었다: 첫 번째 부분은 호퍼의 형성기를 다루었고, 그의 작품을 파리에서 본 동시대의 작품과 비교했고, 그가 영향을 미쳤을 수도 있다.두 번째 섹션은 철로 옆 집(1924년)과 같이 그의 개인 스타일을 상징하는 첫 번째 그림부터 그의 마지막 작품까지 그의 성숙한 시절의 예술에 대해 살펴보았다.

2020년, Fondation Beyeler는 Hopper의 작품을 전시하는 전시회를 열었다.이 전시회는 호퍼의 "미국 풍경과 도시 ^[119]풍경의 무한 확장"에 초점을 맞췄다.이러한 면은 전시회에서 거의 언급되지 않았지만, 호퍼의 작품을 이해하는 데 중요한 요소이다.

아트마켓

호퍼의 작품은 좀처럼 시장에 나오지 않는다.작가는 366개의 캔버스를 그리며 다작을 하지 않았고, 그가 70대였던 1950년대에 그는 1년에 약 5개의 그림을 그렸다.1924년 호퍼의 첫 솔로쇼를 연 오랜 딜러 프랭크 렌은 1957년 호텔 윈도(1956년)를 수집가 올가 크노프케에게 7,000달러(2021년 6만7537달러 상당)에 팔았다.1999년 포브스 컬렉션은 배우 스티브 마틴에게 개인적으로 약 1000만 달러에 ^[120]팔았다.2006년 마틴은 ^[121]이 작품을 소더비 뉴욕 경매에서 2,689만 달러에 팔았다.

2013년 펜실베니아 미술 아카데미는 호퍼의 위호큰 동풍(1934년)을 매물로 내놓았고,^[123] 이 그림이 ^[122]평가되는 22~2800만 달러를 모아 "현대 미술"을 획득하기 위한 기금을 설립하고자 했다.뉴저지 주 위호켄 49번가 모퉁이에 있는 1001 대로 이스트에 있는 문양집을 어둡고 흙빛으로 그린 거리 풍경으로 호퍼의 명작 ^[124]중 하나로 꼽힌다.화가가 사망하기 15년 전인 1952년 화가의 그림을 취급하는 딜러로부터 매우 저렴한 가격에 직접 구입했다.이 그림은 뉴욕의 ^[123]크리스티 경매에서 익명의 전화 입찰자에게 3천 6백만 달러라는 기록적인 가격에 팔렸다.

2018년, 미술품 수집가 바니 A가 사망한 후. Ebsworth와 그의 소장품인 Chop Suey (1929)의 많은 작품들의 경매는 9천 2백만 달러에 낙찰되어 지금까지 경매에서 ^[125][126]산 호퍼의 작품 중 가장 비싼 작품이 되었다.

대중문화에서

그의 영향 외에도 호퍼는 대중문화에서 자주 언급된다.

1981년 휘트니 미술관이 제작한 브라이언 오허티의 다큐멘터리 '호퍼의 침묵'이 앨리스 툴리 ^[127]홀에서 열린 뉴욕 영화제에서 상영됐다.

오스트리아 감독 구스타프 도이치는 에드워드 호퍼의 ^[128][129]그림 13점을 바탕으로 2013년 영화 셜리 – 현실의 비전을 만들었습니다.

호퍼의 그림에 바탕을 두거나 영감을 받은 다른 작품으로는 톰 웨이츠의 1975년 앨범인 Nighthawks at the Diner와 게일 알버트 ^[129][130]할라반이 2012년에 찍은 사진 시리즈가 있다.

게일 레빈은 책 (1985, 1998)과 여행 전시회인 '호퍼의 장소'에서 호퍼의 많은 그림들의 장소를 찾아 사진을 찍었다.1985년 레빈이 기획한 관련 쇼에 대한 리뷰에서 비비안 레이너는 뉴욕 타임즈에 다음과 같이 썼다: "레빈 양의 추론은 변함없이 계몽적이다. 마치 그녀가 호퍼의 구조물을 연장하려는 경향이 그의 위대한 ^[131]키를 반영하는 것이라고 추론할 때"

뉴웨이브 밴드 오케스트라 기동 인 더 다크의 1985년 앨범 Crush는 Early Sunday Morning, Nighthawks, Room in New ^[132]York을 포함한 여러 호퍼 그림에서 영감을 얻은 예술작품을 특징으로 한다.이 밴드의 2013년 싱글 "Night Cafe"는 나이트호크스의 영향을 받았고 호퍼의 이름을 언급하고 있다.그의 그림 중 일곱 점이 ^[116]가사에 언급되어 있다.

뉴욕 시립 오페라는 ^[133]2016년 할렘 스테이지에서 에드워드 호퍼와 가십 칼럼니스트 헤다 호퍼 사이의 상상된 결혼에 관한 1997년 실내 오페라인 스튜어트 월리스의 "호퍼 와이프"를 동해안 초연했다.

아일랜드 소설가 크리스틴 드와이어 히키는 2019년에 에드워드와 조 호퍼가 ^[134]주인공인 소설 '좁은 땅'을 출판했다.

폴 웰러는 2017년 앨범 A Kind Revolution에 '호퍼'라는 곡을 수록했다.

선정된 작품

제목	중간의	날짜.	수집	치수	이미지
재봉틀 소녀	캔버스에 기름	1921	티센보르네미사 박물관	48cm×46cm(19인치×18인치)
철로 옆 집	캔버스에 기름	1925	현대미술관	61 cm x 73.7 cm
자동	캔버스에 기름	1927	디모인 아트 센터	71.4cm × 91.4cm (28인치 × 36인치)
맨해튼 브리지 루프	캔버스에 기름	1928	애디슨 미술관	88.9 × 152.4 cm (35 × 60 인치)
찹수이	캔버스에 기름	1929	미국식 플레이스:바니 A.2018년 11월 13일 크리스티 뉴욕 Ebsworth 컬렉션 이브닝 세일.<https://www.christies.com/lot/lot-6168966/?intObjectID=6168966>	81.3cm × 96.5cm(32인치 × 38인치)
이른 일요일 아침	캔버스에 기름	1930	휘트니 미국 미술관	89.4cm × 153cm (35.2인치 × 60.3인치)	<ref> https://www.christies.com/lot/lot-6168966/?intObjectID=6168966 <ref>
야간 사무실	캔버스에 기름	1940	워커 아트 센터(미니애폴리스)	56.356cm × 63.82cm (22.19인치 × 25.125인치)
나이트호크	캔버스에 기름	1942	시카고 미술관	84.1 cm × 152.4 cm (33+1⁄8인치×60인치)
호텔 로비	캔버스에 기름	1943	인디애나폴리스 미술관	81.9cm×103.5cm(32+1⁄4인치×40+3⁄4인치)
작은 도시의 사무실	캔버스에 기름	1953	메트로폴리탄 미술관	71cm × 102cm (28인치 × 40인치)

메모들

레퍼런스

외부 링크

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• 워싱턴 국립미술관의 에드워드 호퍼
• 스미스소니언 박물관 직원이 편집한 에드워드 호퍼 스크랩북
• 1959년 6월 17일 스미스소니언 미술문서보관소의 에드워드 호퍼와의 구두 역사 인터뷰
• 호퍼의 작품 목록 (독일어)
• 에드워드 호퍼 회화관
• 스미스소니언 미국 예술 아카이브: 에드워드 호퍼가 아그네스 앨버트에게 보낸 편지(1955년)
• "Edward Hopper all with Gluscester, Major, Drawing, Prints" - 100점 이상의 그림, 그림, 인쇄물, 그 당시 및 현재 이미지 포함.
  • 구글 지도 탐색: "Edward Hopper all Gluscester" 사이트 위치
• 글로스터 MA 하버워크 에드워드 호퍼 스토리 모먼트(추가 링크 포함), 무료 대중 통로 한 정거장.
• Biblioklept.org: 1933년 회화에 관한 주의사항
• Edward Hopper House Art Center 웹사이트 - Nyack의 출생지/어린이집에서 현대 미술 전시회를 위한 비영리 아트 센터