장르 계층

Hierarchy of genres
아니발레 카라치, 진실과 시간의 알레고리 (1584–85), 사실주의에 거의 의존하지 않는 우화적 역사 그림.
벨라스케스, 교황 인노첸시오 10세의 초상화, 1650년경
풍속화.아드리아엔 반 오스타데, 피시몽거, 1660–1670, 오크 기름, 29×26.5cm, 부다페스트 미술관.
풍경.테미스토클레스 폰 에켄브레처, 라에르달소렌 전망, 소그네피오르드, 캔버스에 기름, 1901년.
프란스 스나이더즈, 숲이 우거진 공터에서 싸우는 개들
정물화.하인리히 울, 보석상자, 오페라 안경, 장갑, 꽃다발, 50×60cm의 오일 캔버스.
이카루스의 몰락과 함께 한 풍경, 1560년경, 장르적 인물이 지배한 역사 주제의 원초적 처리인 피에테르 브루겔 이후.
피타고라스 (1628–1630)는 채식을 옹호하는 피터 폴 루벤스 (그림)와 프란스 스나이더스 (정물)의 작품으로 플랑드르 바로크 회화의 전형적인 방식으로 역사 회화와 정물화를 혼합했다.
푸신 1648년 포키온 매장: 작은 인물 몇 명이 풍경을 역사화로 업그레이드했다.
폴러스 포터, 황소 (1647년), 폭 3.4미터.크기에 따라 장르의 위계질서에 도전하는 이례적인 동물화; 19세기에는 그러한 작품들이 흔해졌다.
더비의 조셉 라이트, 1766년 오레에 대한 강연자, 초상화는 없고 역사 그림의 완전한 진지함을 담은 대화 작품.
데이비드 윌키 경, 1822년 워털루 디스패치를 읽는 첼시 펜션의 기사입니다.장르화? 역사화?그 유형들은 19세기의 전형적인 방식으로 합쳐졌다.

장르의 계층은 예술 형식에서 다른 장르의 위상과 문화적 가치의 관점에서 순위를 매기는 형식화이다.

문학에서, 이 서사시는 새뮤얼 존슨이 그의 존 밀턴의 생애에서 표현한 이유 때문에 가장 높은 형태로 여겨졌다: "평론가들의 일반적인 동의에 의해, 천재성에 대한 첫 번째 찬사는 에픽 시의 작가에게 기인한다. 왜냐하면 그것은 다른 작곡에 매우 충분한 모든 힘의 집합을 필요로 하기 때문이다."그 아래로는 서정시, 희극시가 비슷한 순위를 차지했다.이 소설은 19세기에 소멸된 형태들의 체계적 계층에 대한 믿음이 있기 때문에 계층에서 확고한 위치를 확립하는 데 오랜 시간이 걸렸다.

음악에서, 단어의 설정은 적어도 바로크 시대까지는 단순한 기악 작품보다 더 높은 지위를 부여받았고 오페라는 훨씬 더 오랫동안 우월한 지위를 유지했다.작품의 상태는 관련된 연주자 및 가수 수에 따라 달라지는데, 큰 힘을 가진 사람들은 높은 지위에 따라 작곡이 더 어렵고 공연 비용이 더 많이 든다.코미디의 어떤 요소도 다른 예술 형태에서처럼 작품의 지위를 떨어뜨렸고, 종종 작품의 인기를 증가시켰다.

조형미술의 위계구조는 19세기 초까지 거의 변하지 않고 지배하던 16세기 이탈리아에서 처음 그림을 위해 만들어진 것이다.이것들은 17세기부터 근대에 걸쳐 유럽의 아카데미에 의해 공식화되고 촉진되었으며, 그 중 가장 영향력 있는 것은 학술 예술에서 중심적인 역할을 한 프랑스 아카데미 드 페튀르 드 조각상이었다.완전히 개발된 계층은 다음과 같습니다.[1]

계급은 사물의 보편적인 본질을 가시화하려는 지적인 노력을 기울인 예술과 단지 "특정 외관의 기계적인 복사"로 구성된 예술 사이의 구별에 기초했다.[2]이상주의는 르네상스 네오플라톤주의 철학과 함께 사실주의보다 특권을 누렸다.

이 용어는 주로 회화의 분야에서 사용되며, 회화가 예술의 최고 형태라고 주장했던 전성기 이후부터 사용되고 있다.이것은 중세 미술에서는 그렇지 않았고 사회의 예술 위탁 부문은 이 관점을 완전히 받아들이는데 상당한 시간이 걸렸다.라파엘 만화는 16세기 가장 비싼 예술 형태인 태피스트리의 지속적 지위를 보여주는 분명한 예이다.중세 초기에 호화로운 금속 세공품은 전형적으로 가장 높이 평가되었고, 가치 있는 재료들은 적어도 17세기까지 예술의 감상에서 중요한 요소로 남아있었다.19세기까지 가장 사치스러운 오브제트 미술품들은 몇몇 그림들을 제외한 모든 그림들보다 더 비싸게 유지되었다.르네상스 시대의 예술가가 그들의 기술과 발명을 중세 시대보다 훨씬 더 많이 보여줄 수 있게 해준 예술 발전뿐만 아니라 개별 예술가의 최고의 기술을 중시하는 고전 작품들은 영향력이 있었다.

르네상스 미술

주요 기사:르네상스 미술

문과로 받아들여지기 위한 투쟁과 건축과 조각으로 그 안에서 동등하거나 우월한 지위를 확립하기 위한 논쟁에서 위계질서가 생겨났다.레온 바티스타 알베르티, 레오나르도 다빈치, 그리고 조르지오 바사리와 같은 예술가 이론가들은 이러한 문제들을 매우 중요하게 여겼다.조각가들에게 맞서 레오나르도는 입체적인 착각을 일으키기 위해 필요한 지적 노력이 단지 [3]외모를 기록하는 것만으로 화가들의 예술을 더 우월하게 만들었다고 주장했다.알베르티는 1441년 '그림에 대하여'에서 다인형 역사화가 가장 고귀한 예술 형태라고 주장했는데, 이는 다른 모든 것들보다도 숙달되어야 하고, 시각적인 형태의 역사이며, 보는 이를 감동시킬 수 있는 가장 큰 잠재력을 가지고 있기 때문이다.그는 몸짓과 [4]표현으로 인물들 사이의 상호작용을 묘사하는 능력에 중점을 두었다.

르네상스 초기 및 전성기의 이론가들은 최소한 [5]신플라톤주의의 영향을 강하게 받은 미켈란젤로의 후기 저술 때까지 자연을 가까이 표현하는 것의 중요성을 받아들였다.Gian Paolo Lomazo와 Federico Zucari (둘 다 화가)와 같은 매너리즘 이론가들이 있을 때 이것은 훨씬 덜 우선시 되었다.둘 다 아름다움을 신의 마음에서 인간의 마음에 직접 주입되어 감각과 무관하게 존재한 것으로 강조해 [6]현실주의에 따라 작품의 위상을 더욱 떨어뜨릴 수밖에 없었다.실제로 위계질서는 종교 예술과 같은 부류에 속세의 역사화를 배치하고 정적 상징적 종교적 주제와 서술적 인물 장면을 구별하여 후자에 더 높은 지위를 부여하는 것을 제외하고는 중세와 고전사상의 어느 쪽과도 거의 단절되지 않았다.예절에 대한 생각들은 또한 계급에 영향을 끼쳤다; 희극적이고 추잡하거나 단순한 경박한 주제나 대우들은 높고 도덕적인 [citation needed]것들 보다 순위가 낮았다.

르네상스 시대에는 장르적 장면과 정물화가 확립된 장르로 존재하기 어려웠기 때문에, 초상화의 위상이나 중요성에 대한 논의는 처음에는 작고 꾸밈없는 초상화, 상징적인 초상화 형태의 종교 및 신화적 소재에 대한 논의에 주로 집중되었다.대부분의 예술가들에게 초상화에 현실주의에 대한 약간의 헌신이 필요했다; 거의 미켈란젤로의 고압적인 접근을 취할 수 있는 사람은 거의 없었다, 아마도 천년 후에는 아무도 차이를 알 수 없을 것이라고 말했다.h 더 짧은 [7]시간).

많은 초상은 극히 이상주의에 항소뿐만 아니라 보모의 허영심에 의해 정당화될 수 있을, 이론가 Armenini[8]지배자들 그" 훌륭한 예술가들에 의해 초상화 더 나은 스타일과 더 큰 완벽함 다른 사람들보다[마니]에 도장하려고 하지만 좀 더 자주 그들보다 부족한 얼굴을 담은 것으로 간주된다"에서 주장했다 아부를 하시는군요.[9]반면에, 많은 궁정 시녀들과 그들의 부모, 구혼자 또는 궁정 시녀들은 화가가 [10]시녀의 현실을 완전히 제대로 이해하지 못했다고 불평했다.

종교 예술의 예절 문제는 1563년 트렌트 평의회의 예술에 대한 명령 이후 가톨릭 교회에 의해 집중적인 노력의 초점이 되었다.성경의 사건을 마치 당대 이탈리아 부유층의 가정에서 일어나는 것처럼 묘사한 그림들이 공격을 받았고, 곧 중단되었다.세기말 카라바조의 도전까지 종교 예술은 철저히 [citation needed]이상적이 되었다.

17세기와 18세기 미술

풍경화, 풍속화, 동물화, 정물화의 새로운 장르는 17세기에 개신교 국가에서 종교화가 사실상 중단되고 부유한 중산층으로 그림 구매가 확대되면서 그들만의 장르가 되었다.비록 모든 선진 유럽 국가들에서 비슷한 발전이 일어났지만, 그것들은 네덜란드 황금 시대 회화와 플랑드르 바로크 회화의 엄청나게 생산적인 학파에서 가장 뚜렷하게 나타났다.하지만 이론가들은 새로운 장르와 네덜란드의 이론적인 글의 카렐 판 만더르의 상대적으로 적은 금액을 옹호하는 동시에 나타났다, 사무엘 Dirksz, 대부분은 그들의 이상하게 네덜란드 아트 thei에서 생산되 와 불일치하는 것처럼 보일 수 있고, 이탈리아 의견을 계속해서 반복하는 데 만족했다 Hoogstraten,[11]제라드 드 Lairesse과 다른 사람들 van.r낮.[12]

위계질서는 대부분 화가들에 의해 받아들여졌고, 얀 스틴, 카렐 두자르딘, 베르메르와 같은 장르 전문가들조차 몇 점의 역사화를 제작했는데, 이것은 의뢰를 받을 수 있을 때 더 나은 보수를 받았지만, 일반적으로는 팔기가 훨씬 더 어려웠다.렘브란트의 마지막 역사 위원회인 클라우디우스 시빌리스의 음모(1661)의 불행한 역사는 그 형식에 대한 그의 헌신과 [13]청중을 찾는데 그가 가졌던 어려움 모두를 보여준다.플랑드르에서는 수많은 순수 장르 작품들과 더불어 동물, 풍경, 정물 등 주요 장르 요소를 가진 역사화 경향이 있었다.종종 다른 요소들이 다른 예술가들에 의해 그려졌습니다; 루벤스와 프란스 스나이더스는 종종 이런 방식으로 공동 작업했습니다.

그림의 크기와 종종 그들이 깨달은 가격은 이 시기의 위계질서에서의 그들의 위치를 반영하는 경향이 있었다.낭만주의 시대까지 본질적으로 풍경이었던 것의 가격과 판매성은 작은 신화적 또는 종교적 인물들을 추가함으로써 상승할 수 있었고, 16세기 초 요아힘 파티니르의 플랑드르 세계 풍경화의 시초로 거슬러 올라가는 관습인...으로 풍경을 만들었다.플랑드르 바로크 회화는 가장 낮은 장르를 큰 사이즈로 자주 그린 마지막 유파였지만, 대개 인물 주제와 결합되었다.

프랑스 고전주의의 역사학자, 건축가, 이론가인 앙드레 펠리비앙이 1667년에 발표한 영향력 있는 공식은 18세기 이론의 고전적인 서술이 되었다.

Celui Qui fait faitment des passages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des frues des coquilles.Celuiqui peint(animaux vivants. 더하기 존중할 만한 que ceuxqui 완벽한représentent que(choses 훼이 &, 산 무브망,& 좋라 figure 드l'homme. 르 플러스parfait ouvrage 드 신 sur 라 떼레,il. 특정aussi que celui qui se rend l'imitateur 드 신 계란peignantdes 수치 humaines,. 많은 플러스 우수한 quetous도. autresun Peintre qui ne fait que des picturations, n'a pas encor cette ut perfection de l'Art, 그리고 ne peut prétendre ' l'honneur quochoes le plus.위원장 faut 그것 패서d'uneseule 모습 아 라 représentation 드 plusieurs ensemble, ilfaut traiter l'histoire&드 라 우화, ilfaut représenter 드 grandes 행동도 historiens, ou 데 쒸제 agréables comme도 Poëtes,&montant 앙코르 플러스 haut,ilfaut 파(구성sçavoir couvrir sous 르 allégoriques, voile 드 라 공장 comme 부어 주세요.르 레vertus des grands hommes, & les mystéres les + releves.[14]

완벽한 풍경을 만드는 사람은 과일, 꽃, 조개껍데기만 생산하는 사람보다 낫다.살아있는 동물을 그리는 사람은 움직이지 않고 죽은 것만 그리는 사람보다 더 존경스럽고, 인간은 지상에서 가장 완벽한 신의 작품이기 때문에 인간의 형상을 그리는 신의 모방자가 되는 사람은 다른 모든 사람보다 훨씬 더 뛰어나다는 것은 확실하다. 초상화만 그리는 화가는 여전히 그렇지 않다.그의 예술은 최고 수준의 완성도를 가지고 있으며, 가장 뛰어난 기술로 인한 영예는 기대할 수 없다.그렇기 때문에 그는 하나의 인물을 대표하는 것에서 여러 개의 신화를 함께 그려야 한다; 역사와 신화는 묘사되어야 한다; 위대한 사건은 역사학자 또는 시인들에 의해 표현되어야 하며, 훨씬 더 높은 곳에 올라가야 한다, 그는 우화에 나오는 위인들의 미덕과 미스터리를 신화의 베일에 가릴 수 있는 기술을 가져야 한다.공개합니다.

우화화는 다른 유형의 역사화보다 우선하여 제기되었다; 그들은 종교적, 신화적, 역사적, 문학적, 또는 우화적인 주제를 가진 그림들을 포함한 웅장한 장르였다. 그들은 삶의 해석을 구체화하거나 도덕적 또는 지적 메시지를 전달했다.고대 신화에서 나온 신들과 여신들은 인간 정신의 다른 측면을, 종교에서 나온 인물들은 다른 생각들을, 그리고 역사는 다른 자료들과 마찬가지로 변증법이나 생각의 놀이를 나타냈다.여러 숫자를 가진 피실험자들이 한 숫자보다 더 높은 순위를 차지했다.오랜 시간, 특히 프랑스 혁명 기간 동안, 역사 그림은 종종 영웅적인 남성 나체의 묘사에 초점을 맞췄지만, 이것은 19세기에 시들해졌다.

역사화가 나온 후, 가치가 떨어지는 것: 초상화, 일상생활의 장면(장르, 또는 그란데 장르와 대조되는 작은 장르라고도 함), 풍경화, 동물화, 그리고 마지막으로 정물화 순으로.그의 공식화에서, 그러한 그림들은 도덕적 힘이나 예술적 상상력이 없는 보고용 그림들에 불과했기 때문에 열등했다.풍속화는 이상적이지도, 소재가 높지도 않은 작품이지만, 그 기술, 독창성, 유머로 칭찬받았지만, 결코 높은 예술과 혼동하지 않았다.

장르의 계층은 또한 상응하는 형식의 계층을 가지고 있었다: 역사 그림을 위한 큰 형식과 정물화를 위한 작은 형식.이것은 과거에 특히 큰 플랑드르 작품과 네덜란드 화가 파울루스 포터의 기념비적인 어린 황소 그리고 아니발레 카라치의 두 개의 정육점 캔버스 중 더 큰 두 개에서 종종 위반되었다.그러나 대부분의 경우, 다양한 장르에 대해 얻을 수 있는 상대적인 가격 또한 크기의 위계질서를 보장했다; 의뢰된 단체 초상화를 제외하고 낮은 장르에서 매우 큰 주제를 그리는 것은 경제적이지 않았을 것이다.루벤스의 가장 큰 풍경은 그의 집을 위해 그려졌다.

궁극적인 통일된 주제나 사상을 전달하기 위해 선이나 색채와 같은 회화적 요소를 사용하는 것이 예술의 가장 높은 표현으로 여겨졌고, 자연에서 볼 수 있는 형태가 일반화되고, 다시 미술의 통일성에 종속되는 이상주의가 미술에 채택되었다.그것은 자연의 모방을 통해 보편적인 진실을 지향했다.고트홀드 에브라임 레싱과 같은 나중에 반대했던 이론가들은 우화에 대한 이러한 초점은 잘못되었고 호라티안 격언 우트 픽투라 포에 뿌리를 둔 조형 예술과 시 사이의 잘못된 유추에 바탕을 두고 있다고 주장했다.

영국의 화가 조슈아 레이놀즈는 그의 1770년대와 1780년대의 담론에서 정물화가 정신의 일반화 능력의 산물인 중앙 형태에 접근하는 것을 방해한다는 이유로 장르 서열에서 가장 낮은 위치에 대한 정물화의 주장을 되풀이했다.정상에서 인체를 중심으로 한 역사 회화를 지배했다: 인체의 형태에 익숙해진 것은 화가의 마음이 무수한 인간 형태의 예를 비교함으로써 신체의 본질이나 이상을 나타내는 전형적이거나 중심적인 특징들을 그것으로부터 추출할 수 있게 했다.

레이놀즈는 장르의 자연적 질서에 대해 펠리비앙과 동의했지만, 그는 그림의 어떤 장르에서든 천재의 손에 의해 중요한 작품이 만들어질 수 있다고 생각했다: "인형이든 동물이든 심지어 무생물이든, 외모에 있어서 약속되지 않은 것은 없지만, 위엄으로 올라갈 수 있는 것은 없다.천재 화가의 손에서 감정을 만들어내죠버질에게 위엄 있는 태도로 땅에 똥을 던졌다는 말은 티티안에게도 적용될 수 있다.아무리 자연스럽고 습관적으로 익숙한 것이라도 그는 위대함과 중요성을 가지고 투자한 일종의 마법에 의해 그가 만지는 것은 티티안에게도 적용될 수 있다.

유럽 학원들은 보통 이 위계질서를 엄격하게 주장했지만, 그들의 통치 기간 동안 많은 화가들이 하위 주제를 역사 회화의 중요성으로 끌어올린 새로운 장르를 발명할 수 있었다.레이놀즈 자신은 위대한 매너라고 불리는 초상화 스타일을 발명함으로써 이것을 성취했고, 그곳에서 그는 그의 시중을 신화적인 인물에 비유함으로써 그들을 우쭐하게 했다.장 앙토느 와토는 페트 갈란테라고 불리는 장르를 발명했는데, 그는 그곳에서 아르카디안 배경에서 일어나는 궁정적인 오락 장면을 보여주었습니다; 이것들은 종종 그들을 고귀하게 하는 시적이고 우화적인 특성을 가지고 있었습니다.

Claude Lorrain은 이상적인 풍경이라고 불리는 장르를 연습했는데, 이 장르에서는 성서나 역사적 주제를 위한 배경으로서 자연에 느슨하게 기반을 두고 고전적인 폐허로 점철되어 있다.산수화와 역사화를 교묘하게 결합해 전자를 정당화했다.그것은 1817년 이 장르에 대한 Prix de Roma가 설립되었을 때 Academie Francaise에서 공식적으로 인정받았던 역사적 풍경이라는 용어와 동의어이다.마침내, 장 밥티스트 시메옹 샤르댕은 최고의 우화적 소재와 함께 배치되는 매력과 아름다움을 지닌 정물화를 그릴 수 있었다.그러나, 이러한 위계질서를 인지한 샤르댕은 1730년경부터 주로 여성과 어린이 등 그의 작품에 인물들을 포함시키기 시작했다.

19세기

낭만주의는 풍경화의 위상을 크게 높였고, 영국 미술에서 시작되었고, 풍속화의 위상을 점차적으로 높였으며, 이는 프랑스 스타일 트루바두르의 일화 처리와 이에 상응하는 다른 지역의 동향에서 역사 회화에 영향을 미치기 시작했다.풍경화는 그들의 새로운 중요성을 반영하기 위해 크기가 커졌고, 특히 미국 허드슨 강 학교와 러시아 그림에서 종종 역사 그림과 일치했다.동물화 또한 크기와 위엄이 증가했지만, 왕족들의 초상화는 대부분 대형 공공 건물에만 사용되었습니다.

19세기 중반까지만 해도 여성들은 겸손함을 지키기 위해 미술 수련의 마지막 과정인 인생 그리기에 참여할 수 없었기 때문에 역사 그림을 그릴 수 없었다.그들은 부조물, 프린트물, 캐스팅물, 올드 마스터즈에서 일할 수 있지만 누드 모델에서는 일할 수 없다.대신 초상화, 풍경화, 장르화 등 하위권 화법에 참여하도록 장려되었다.이들은 정신보다는 눈에 호소한다는 점에서 더 여성스러운 것으로 여겨졌다.

19세기 말, 화가들과 비평가들은 민간 구매자들이 하위 계층의 주제를 선호함에 따라 역사 회화에 부여된 지위를 포함하여 아카데미 프랑세즈의 많은 규칙에 저항하기 시작했다.영국에서 라파엘 전파 운동은 역사 그림을 되살리려고 노력했고, 엇갈린 성공을 거두었습니다. 다른 운동들도 비슷한 노력을 했습니다.라파엘 전파의 많은 사람들은 주로 다른 주제를 그리는 것으로 삶을 마감했다.새로운 예술 운동에는 현실주의자들과 인상주의자들이 포함되었는데, 그들은 각각 눈으로 관찰된 현재의 순간과 일상을 묘사하고자 했고 역사적 의의에서 분리되었다. 현실주의자들은 종종 풍속화와 정물화를 선택하는 반면 인상주의자들은 가장 자주 풍경화에 초점을 맞추었다.

메모들

  1. ^ Belton, Dr. Robert J. (1996). "The Elements of Art". Art History: A Preliminary Handbook.
  2. ^ 베이스, 구글북 36권
  3. ^ 블런트, 28, 53-4
  4. ^ 무뚝뚝한 11~12세
  5. ^ 블런트, 61, 65-74
  6. ^ 뭉툭함, 140-141(견적, 141)
  7. ^ 캠벨, 1-2
  8. ^ 조반니 바티스타 아르메니아니 (1533년-1609년) 드베라 프레세티 델라 피투라 (1587년), "그림의 진정한 가르침에 대하여"
  9. ^ 캠벨, 23-24 (견적)
  10. ^ 캠벨, 38-9
  11. ^ Inleyding tot de Hooge Schoolle der Schilderkonst (로테르담 1678), "회화 아카데미 입문"
  12. ^ Fuchs, 103-104
  13. ^ Fuchs, 69-77
  14. ^ Books.google.co.uk, 번역

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