실험암

Experimental rock
실험암
기타이름아방록[1]
양식적 기원
문화적 기원1960년대 미국
파생형
하위장르
기타주제

실험적 록(Experimental rock)은 록 음악의[2] 하위 장르로, 일반적인 구성과 연주 기법의[11] 경계를 허물거나 장르의 기본 요소를 실험하는 음악입니다.[12]예술가들은 해방과 혁신을 목표로 하는데, 이 장르의 특징은 즉흥 공연, 아방가르드한 영향, 기묘한 악기, 불투명한 가사(또는 악기), 비정통적인 구조와 리듬, 그리고 상업적 열망에 대한 근본적인 거부입니다.[3]

록 음악은 처음부터 실험적이었지만, 1960년대 후반이 되어서야 록 아티스트들은 멀티트랙 녹음의 발전을 통해 확장되고 복잡한 작곡을 만들기 시작했습니다.1967년 이 장르는 팝 음악만큼 상업적으로 활성화되었지만 1970년까지 대부분의 주요 연주자들은 어떤 형태로든 자신들을 무력하게 되었습니다.[clarification needed]독일에서 크라우트록은 즉흥곡과 사이키델릭 록의 요소들을 전자 음악, 아방가르드, 현대 고전 작품들과 융합시켰습니다.1970년대 후반, 펑크와 뉴웨이브, DIY 실험, 전자 음악의 발전과 함께 중요한 음악적 교배가 이루어졌습니다.펑크, 재즈 록, 퓨전 리듬 또한 실험적인 록 음악에 통합되었습니다.

1980년대 초 실험적인 록 그룹들은 그들의 소리에 대한 직접적인 선례가 거의 없었습니다.10년 후, 아방록은 이전의 펑크 이후의 자의식과 경계심과는 다른 사이키델릭 미학을 추구했습니다.1990년대 동안 포스트 록으로 알려진 느슨한 움직임이 실험적인 록의 지배적인 형태가 되었습니다.2010년대 이후, "실험적 록"이라는 용어는 무분별하게 사용되었고, 많은 현대 록 밴드들은 "포스트-", "크라우트-", "사이키-", "아트-", "프로그-", "아반트-" 그리고 "노이즈-"와 같은 접두사로 분류되었습니다.

역사

1960~1970년대

참고 항목: 프로그레시브 록과 아트 록

1960년대 후반과 1970년대 초반, 루 리드가 말했듯이, 훨씬 더 나은 음악가가 되려고 노력하고 있거나, 어쨌든 그들의 악기를 훨씬 더 잘 연주하는 사람들이 있었습니다. 그리고 그들이 이미 알고 있는 것들을 잊어버리려고 노력하고 있는 사람들도 있었습니다.후자의 경우 기술력이 중요성을 방해하거나 대체하고 있다는 가정이 있었습니다.

—Bill Martin writing in his book Avant Rock (2002)[13]

록 음악에는 실험이 항상 존재했지만,[nb 1] 1960년대 후반이 되어서야 사회와 교차하는 미학으로부터 새로운 시작이 생겨났습니다.[15][jargon]1966년, 록 앨범이 별개의 확장된 진술로 구상되고 실행되면서 팝 음악과 아방가르드의 경계가 흐려지기 시작했습니다.[16]1960년대 중후반의 독학한 록 음악가들은 존 케이지, 칼하인츠 스톡하우젠, 루치아노 베리오와 같은 작곡가들의 작품을 바탕으로 만들었습니다.빌 마틴(Bill Martin)은 "모방 화가의 경우, 나온 것은 거의 항상 단순한 파생적인 것인 반면, 록 음악의 경우, 동화, 합성, 모방은 록 언어의 필수적인 부분이기 때문에 그 결과는 꽤 독창적일 수 있습니다."라고 썼습니다.[17]

비틀즈는 그들의 프로듀서 George Martin과 함께 스튜디오에서 작업을 하고 있습니다, 1965.

마틴은 멀티트랙 녹음 및 믹싱 보드의 진보된 기술이 신시사이저와 같은 전자 악기보다 실험적인 록에 더 큰 영향을 미쳤고, 비틀즈와 비치 보이즈가 확장되고 복잡한 작곡을 만든 비클래식 음악가들의 첫 번째 작물이 될 수 있었다고 말합니다.[18]비틀즈의 프로듀서인 George Martin과 Beach Boys의 Brian Wilson의 영향을 받아 1960년대 중반 이후의 음악 프로듀서들은 녹음 스튜디오를 작곡 과정을 돕기 위한 도구로 보기 시작했습니다.[19][nb 2]비치 보이즈의 펫 사운즈(1966)가 4개월간의 차트 스테이로 영국 톱 10에 올랐을 때, 많은 영국 그룹들은 녹음 스튜디오 기법을 더 실험적으로 사용함으로써 앨범에 반응했습니다.[21][nb 3]

1975년 콘서트 도중 왼쪽에 앉은 캡틴 비프하트와 프랭크 자파

1960년대 후반, Mothers of Invention, Velvet Underground, Fugs, Monks, Red Krayola, Soft Machine, Pink Floyd, 그리고 Beatles와 같은 그룹들은 그들의 작업에 아방가르드 음악, 사운드 콜라주, 그리고 시의 요소들을 통합하기 시작했습니다.[24]역사학자 데이비드 시모넬리(David Simonelli)는 비틀즈의 1967년 2월 더블 A 사이드 싱글인 《Tomorrow Never Knows》(Revolver, 1966년 레볼버)에 더해, 《Strawberry Fields Forever》와 《Penny Lane》을 짝지어, "비틀즈를 전후 시대의 가장 아방가르드한 록 작곡가로 확립시켰다"고 썼습니다.[25]비틀즈 이외에도, 작가 도일 그린은 프랭크 자파, 벨벳 언더그라운드, 플라스틱 오노 밴드, 캡틴 비프하트 앤 히즈 매직 밴드, 핑크 플로이드, 소프트 머신, 니코를 "아방록의 선구자"로 묘사합니다.[26][nb 4]게다가, The Quietus의 Ben Graham은 2인조 실버 애플과 수어사이드를 아방록의 선행작으로 묘사했습니다.[28]피치포크는 레드 크라욜라를 "1960년대의 가장 실험적인 밴드"로 꼽았습니다.[29]

스튜어트 로젠버그(Stuart Rosenberg)의 의견에 따르면, 최초의 "주목할 만한" 실험적인 록 그룹은 작곡가 프랭크 자파(Frank Zappa)가 이끄는 발명의 어머니들(Mothers of Invention)이었습니다.[2]그린은 그룹의 데뷔 앨범인 Freak Out!을 Warhol의 Velvet Underground 쇼 발표가 록 콘서트의 매개 변수를 재정립하고 있던 시기에 "'아반트 록' 스튜디오 앨범의 등장"을 알리는 것으로 인식하고 있습니다.[30]작가 켈리 피셔 로우(Kelly Fisher Lowe)에 따르면, 자파는 "반 텍스트적 측면"을 통합하는 방식으로 실험적인 록에 "음반의 녹음성에 주의를 기울인다"고 합니다.[31]이것은 Beach Boys의 Pet Sounds and Smile, Who's The Sell Out (1967)과 Tommy (1969), 그리고 Beatles Sgt와 같은 다른 현대의 실험적인 록 LP에 반영되었습니다. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967).[31]로젠버그에 따르면 벨벳 언더그라운드는 "실험적 록의 획기적인 그룹"이었으며, "발명의 어머니들의 초기 음반보다 대중 문화와 훨씬 더 보조를 맞추지 못했다.[32]밴드는 미니멀리즘 록과 아방가르드한 아이디어의 통합을 통해 아방가르드 록을 [33]개척하면서 다른 중요한 반문화 록 씬들이 발전하기 전인 1965년에 실험적인 록을 연주했습니다.[34][nb 5]

비틀즈의 앨범 Sgt. 페퍼는 상업적으로 실행 가능한 음악으로서 실험적인 록에 대한 새로운 고찰에 영감을 주었습니다.[36]1967년 12월 영화 '매직 미스터리 투어'를 발표한 후, 작가 배리 포크(Barry Faulk)는 "팝 음악과 실험적 록은 [짧게] 동의어였으며, 비틀즈는 음악 자본주의의 진보적인 운동의 정점에 서 있었다"고 썼습니다.[37]1968년 도어스가 녹음한 음악 구절인 '지구에 손대지 말라'는 비평가 믹 월이 "거의 4분 동안의 아방록"이라고 묘사한 것입니다.[38]점진적인 암석이 발달하면서 실험적인 암석은 예술적인 암석과 함께 악명을 얻었습니다.[2][nb 6]1970년까지 실험적인 록의 선두에 섰던 음악가들의 대부분은 스스로를 무력화시켰습니다.[40][clarification needed][verification needed]그 때부터, 실험 음악과 아방가르드를 포함한 예술계의 아이디어들이 실험적인 록의 맥락에서 전개되어야 한다고 제안했던 영국의 예술가이자 전 록시 뮤직 멤버인 브라이언 에노의 아이디어와 작업은 10년 내내 핵심적인 혁신이었습니다.[41]

크라우트록

주요 기사 : 크라우트록

1960년대 후반과 1970년대 초, 독일의 "크라우트록" 장면(코스미셰 또는 일렉트론니셰 음악으로도 불림)은 밴드들이 더 넓은 아방가르드한 영향뿐만 아니라 벨벳 언더그라운드와 프랭크 자파와 같은 록 소스를 기반으로 한 실험적인[6][42] 록의 형태를 발전시키는 것을 보았습니다.[24]캔(Can), 파우스트(Faust), 노이(Neu!), 아몬 뒤엘(Amon Dül II), 애쉬 라 템펠(Ash Ra Tempel), 크래프트워크(Kraftwerk), 탠저린 드림(Tangerine Dream), 포폴 부(Popol Vuh)와 같은 그룹들은 사이키델릭 록의 요소들을 전자 음악, 펑크 리듬, 재즈 즉흥곡,[43][42] 아방가르드하고 현대적인 클래식 작곡뿐만 아니라 새로운 전자 악기와 결합했습니다.[24]미니멀리즘과 스톡하우젠과 같은 작곡가들의 아이디어는 특히 영향력이 있을 것입니다.[24]이 운동은 독일 청소년들이 독특한 반문화적 정체성을[42][24] 추구하고 그 시대의 주류 음악과 구별되는 독일 음악의 형태를 발전시키기 원했기 때문에 1968년의 학생 운동에서 부분적으로 생겨났습니다.[6]

1970년대 후반 ~ 현재

참고 항목:포스트펑크, 노웨이브, 슈게이즈, 포스트프로그레시브, 포스트록

1970년대 후반의 포스트 펑크 운동은 일렉트로닉, 노이즈, 재즈와 클래식 아방가르드, 그리고 더빙과 디스코의 제작 방식을 수용하여 새로운 가능성을 탐구하는 록 전통과의 단절로 고안되었습니다.[44]이 시대에는 펑크, 재즈 록, 퓨전 리듬이 실험적인 록 음악으로 통합되었습니다.[45]"포스트 펑크"로 분류된 일부 그룹은 "This Heat"을 주요 플레이어 중 하나로 간주하며 자신을 실험적인 록 궤도의 일부로 여겼습니다.[46]1970년대 후반 노 웨이브 씬은 뉴 웨이브와 결별하려는 뉴욕의 실험적인 록 밴드들로 [8]구성되었으며, 빌리지 보이스의 작가 스티브 앤더슨에 따르면 그는 "대항하는 전통을 빼앗음으로써 록 선봉장의 힘과 신비성을 훼손하는 거친 환원주의를 추구했습니다."[47]앤더슨은 노 웨이브 장면이 "뉴욕의 마지막 스타일적으로 응집력 있는 아방록 운동"을 대변한다고 주장합니다.[47]

소닉 유스는 2005년 스웨덴에서 공연을 했습니다.

피치포크(Pitchfork)에 따르면 1980년대 초반에는 펑크와 뉴웨이브, DIY 실험, 전자 음악 및 음악적 교배 이후 아방록이 크게 발전했습니다.[48]피치포크의 도미니크 레오네는 1980년대의 첫 번째 물결의 실험적인 록 그룹들이 Material, Work, This Heat, Ornette Coleman's Prime, James Blood Ulmer, Last Exit, Massacter와 같은 곡들은 그들의 소리에 대한 직접적인 선례가 거의 없었다고 주장합니다.[48]스티브 레드헤드(Steve Redhead)는 1980년대 소닉 유스(Sonic Youth)와 존 존 존(John Zorn)과 같은 아티스트들을 포함한 뉴욕 아방록계의 부활에 주목했습니다.[49]저널리스트 데이비드 스텁스(David Stubbs)[50]에 따르면, 벨벳 언더그라운드뿐만 아니라 즉흥성과 소음에 주목한 소닉 유스(Sonic Youth)만큼 록과 아방가르드 사이의 차이를 메우기 위해 노력한 주요 록 그룹은 없습니다.

1980년대 후반, 아방록은 이전의 펑크 이후의 자의식과 경계심과는 다른 "얼룩거리고, 사이키델리아의 빛나고, '눈부신' 미학을 추구했습니다.[51]일부 사람들은 영국의 신발을 응시하는 장면을 실험적인 바위 전통의 연속이라고 여겼습니다.[52]피치포크는 현대극 '마이 블러디 발렌타인', '스페이스맨 3', '지저스 앤 메리 체인'을 '아반트 록 아이콘'으로 묘사했습니다.[53]폴 헤가티(Paul Hegarty)와 마틴 할리웰(Martin Halliwell)에 따르면, 영국 음악가 데이비드 실비안(David Sylvian)과 토크 토크(Talk Talk)와 같은 1980년대와 1990년대 초 아방록 활동들은 프로그레시브 록의 아이디어로 돌아갔으며, 이들은 이를 "포스트 프로그레시브"라고 부릅니다.[54]1990년대 동안 포스트 록으로 알려진 느슨한 움직임이 실험적인 록의 지배적인 형태가 되었습니다.[9]전통적인 록 음악 공식에 대한 반작용으로, 포스트 록 아티스트들은 표준 록 악기를 전자 장치와 결합했고 앰비언트 음악, IDM, 크라우트록, 미니멀리즘, 재즈와 같은 스타일로부터 영향을 받았습니다.[9]2015년, The Quietus의 Bryan Brusee는 "실험적인 록"이라는 용어로 불확실성에 주목했고, "오늘날 모든 록 밴드는 그들의 장르에 일종의 포스트, 크라우트, 심리, 또는 소음 접두사를 붙인 것 같다"[55]고 말했습니다.

각주

  1. ^ 젊은 존 왓슨(John Watson)의 1954년 싱글 "스페이스 기타(Space Guitar)"는 불협화음과 소음의 극단적인 사용으로 인해 실험적인 록의 초기 예로 꼽혀 왔습니다.[14]
  2. ^ 1960년대 초 대중음악에서 프로듀서, 작곡가, 엔지니어들은 음악적 형태, 편곡, 부자연스러운 잔향, 기타 음향 효과를 자유롭게 실험하는 것이 일반적이었습니다.가장 잘 알려진 예로는 필 스펙터의 소리의 벽 제작 공식과 조 미크가 집에서 만든 전자제품을 토르나도스 같은 행위에 사용한 것이 있습니다.[20]
  3. ^ 비치 보이즈는 몇 달 후, 록 음악의[22] 발전에 획기적인 이정표로 인정받은 싱글 "Good Vibrations"(1966)로 Pet Sounds를 따라갔고, 비틀즈의 리볼버로, 라이브 콘서트 공연부터 음반으로만 존재할 수 있었던 스튜디오 제작까지 록 음악에 대변혁을 일으켰던 주요 지지자였습니다.[23]
  4. ^ 작가 배리 마일스(Barry Miles)는 핑크 플로이드(Pink Floyd)에 대해 "그들은 제가 들은 최초의 사람들이었습니다. 그들은 일종의 지적 실험과 록앤롤(rock 'n' roll)을 결합한 사람들이었습니다."라고 말했습니다.사진작가 존 홉킨스는 "밴드는 음악을 연주한 것이 아니라 소리를 연주한 것입니다.파도와 소리의 벽은 이전에 록앤롤의 다른 누구도 연주한 적이 없었던 것입니다.그것은 마치 진지하고 대중적이지 않은 음악 속의 사람들 같았다"[27]고 말했습니다.
  5. ^ 클래시 뮤직(Clash Music)에 따르면, 1967년 3월 이 그룹의 데뷔 앨범 더 벨벳 언더그라운드 & 니코(The Velvet Underground & Nico)가 첫 번째 아트 록 음반이었습니다.[35]
  6. ^ 마틴은 "1970년 이후에 나온 록 음악에서 흥미롭고 창의적인 거의 모든 것은 프로그레시브 록에 의해 어떤 식으로든 영향을 받습니다."[39]라고 믿습니다.록 음악가들에 대한 구체적인 영향은 음악적 기교의 향상, 광범위한 절충주의, 유토피아주의, 낭만주의, 그리고 실험에 대한 헌신이었습니다.[39]

참고문헌

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