클로드 모네

Claude Monet
클로드 모네
1899년 모네
태어난
오스카 클로드 모네

(1840-11-14)1840년 11월 14일
죽은1926년 12월 5일 (1926-12-05) (86세)
교육
활동년수1865–1926
유명함페인팅
주목할 만한 작품
움직임.인상주의
배우자
  • (m.1870; 1879년 사망)
  • (m.1892; 1911년 사망)
아이들.
후원자
서명

오스카 클로드 모네 (영국: /ˈm ɒɪ/, 미국: /모 ʊˈɪ, m əˈ-/, 클로드 ɔ ɛ(, 1840년 11월 14일 ~ 1926년 12월 5일)는 프랑스의 화가이자 인상주의 회화의 창시자로, 모더니즘의 핵심적인 선구자로 여겨지며, 특히 자연을 그가 인식한 대로 그리려는 시도에서 그러합니다.그의 오랜 경력 동안, 그는 자연보다 먼저 자신의 인식을 표현하는 인상주의 철학의 가장 일관적이고 다작적인 실천가였고, 특히 플레인 에어(야외) 풍경화에 적용되었습니다.[2]"인상주의"라는 용어는 모네와 그의 동료들이 살롱의 대안으로 시작한 1874년 전시된 그의 그림 "인상주의"의 제목에서 유래되었습니다.

모네는 노르망디의 르 아브르에서 자랐고, 어린 시절부터 야외와 그림에 관심을 갖게 되었습니다.그의 어머니인 Louise-Justine Aubrée Monet는 화가가 되려는 그의 야망을 지지했지만, 그의 아버지인 Claude-Adolphe는 못마땅해했고 그가 사업에서 경력을 쌓기를 원했습니다.그는 그의 어머니와 매우 가까웠지만, 그녀는 그가 16살이었던 1857년 1월에 세상을 떠났고, 그는 아이가 없고, 과부이지만 부유한 고모인 마리장 르카드레와 함께 살도록 보내졌습니다.그는 아카데미 스위스(Académie Suisse)에서 공부했으며 오귀스트 르누아르(Auguste Renoir)의 동급생이었던 역사 화가 샤를 글레르(Charles Gleyre) 밑에서 공부했습니다.그의 초기 작품에는 풍경화, 바다 풍경화, 초상화 등이 있지만 별다른 관심을 끌지 못했습니다.초기의 중요한 영향은 그에게 플레인 에어 페인팅의 개념을 소개해 준 외젠 부댕이었습니다.1883년부터 모네는 또한 프랑스 북부의 지베르니에서 살았는데, 그곳에서 집과 재산을 구입하고 수련 연못을 포함한 광대한 조경 프로젝트를 시작했습니다.

프랑스 시골을 기록하려는 모네의 야망은 빛의 변화와 계절의 흐름을 포착하기 위해 같은 장면을 여러 번 그리는 방법으로 이어졌습니다.가장 잘 알려진 예로는 의 일련의 건초 더미 (1890–1891), 루앙 대성당의 그림 (1892-1894), 그리고 지베르니에 있는 그의 정원에 있는 수련 그림이 있는데, 이 그림들은 그의 삶의 마지막 20년 동안 그를 계속해서 차지했습니다.

그의 일생 동안 자주 전시되고 성공적이었던 모네의 명성과 인기는 그가 세계에서 가장 유명한 화가들 중 한 명이 되고 떠오르는 예술가 집단에게 영감을 준 원천이 되었던 20세기 후반에 치솟았습니다.

전기

출생과 유년기

클로드 모네는 1840년 11월 14일 파리 9구의 45루 라피트 5층에서 태어났습니다.[3]그는 둘 다 파리의 2세들인 클로드 아돌프 모네와 루이즈 쥐스틴 오브레 모네의 둘째 아들이었습니다.1841년 5월 20일, 그는 지역 파리 교회인 노트르담 드 로레트에서 오스카 클로드라고 세례를 받았지만, 그의 부모는 그를 단순히 오스카라고 불렀습니다.[3][4]세례를 받았음에도 불구하고, 모네는 나중에 무신론자가 되었습니다.[5][6]

1845년, 그의 가족은 노르망디의 르 아브르로 이사를 갔습니다.도매 상인이었던 그의 아버지는 그가 가족의 선박 취급과 식료품 사업에 진출하기를 원했지만,[7][8] 모네는 예술가가 되고 싶었습니다.그의 어머니는 가수였고, 예술에 대한 모네의 열망을 지지했습니다.[9]

1851년 4월 1일, 그는 르 아브르 미술학교에 입학했습니다.[10]그는 어린 시절부터 미술에 재능을 보인 후, 돈을 벌기 위해 15살 때부터 지인들의 캐리커처와 초상화를 그리기 시작한 무신경한 학생이었습니다.[11]그는 자크-루이 다비드의 전 제자였던 자크-프랑수아 오샤르에게서 첫 번째 그림 수업을 받기 시작했습니다.[11]1858년경, 그는 모네가 자신의 기술을 발전시키도록 격려하고, 그에게 그림에 대한 "공기 속의"(야외에서의) 기술을 가르쳐주고, 모네를 그림 여행에 데려갔던 동료 예술가 외젠 부댕을 만났습니다.[12][13]모네는 부딘을 훗날의 성공을 위해 "모든 것을 빚진" 자신의 주인으로 생각했습니다.[14]

1857년, 그의 어머니가 돌아가셨습니다.[15]그는 그의 아버지와 이모인 마리 장 르까드레와 함께 살았습니다; 르까드레는 그의 초기 예술 경력에서 모네의 지지의 원천이 될 것입니다.[13][15]

녹색 드레스입은 여인, 카미유 돈시외, 1866, 쿤스트할레 브레멘

파리 알제리

1858년부터 1860년까지, 모네는 파리에서 공부를 계속했고, 그곳에서 그는 아카데미 스위스에 등록했고 1859년에 카밀 피사로를 만났습니다.[16][17]그는 군복무를 위해 소집되었고, 1861년부터 1862년까지 알제리의 아프리카 사냥꾼 차세르 다프리크 밑에서 복무했습니다.[18]알제리에서의 그의 시간은 모네에게 큰 영향을 미쳤고, 모네는 나중에 북아프리카의 밝고 선명한 색이 "나의 미래 연구의 보석"을 포함하고 있다고 말했습니다.[19]병으로 인해 그는 르 아브르로 돌아왔고, 그곳에서 그는 남아있는 봉사를 구입하고 부댕과 함께 모네의 중요한 멘토였던 요한 바르톨드 종킨트를 만났습니다.[12]

르데주너 sur l'herbe(오른쪽 섹션), 1865-1866, 파리, 귀스타브 쿠르베, 프레데리크 바질, 화가의 첫 번째 부인인 카미유 돈시외와 함께, 오르세[20] 미술관

아버지의 허락을 받고 파리로 돌아온 후, 그는 어린 시절의 집과 시골을 오가며 시간을 보냈고, 그곳에서 피에르 오귀스트 르누아르프레데리크 바질을 만났습니다.[15][21][22]바질은 결국 그의 가장 가까운 친구가 되었습니다.[14]모네가 항구와 센 강 어귀에 대한 여러 "연구"를 그린 혼플뢰르로 모네가 모네를 모티프를 찾아 여행했습니다.[23]모네는 종종 르누아르와 알프레드 시슬리와 함께 그림을 그렸는데,[24] 두 사람 모두 전통적인 주제에서 아름다움의 새로운 기준을 표현하고자 하는 그의 열망을 공유했습니다.[25]

이 시기 동안 그는 그의 첫 번째 성공적인 대규모 그림인 정원의 여인들과 "모네 초기의 가장 중요한 그림"인 "르 데주너 서르헤르베"를 그렸습니다.[24][26][27]1865년 살롱에서 라 푸앵 드 라 하브(La Pointe de la Hève)와 혼플뢰르(Honfleur)의 입(Mouth of the Seine)으로 큰 찬사를 받으며 데뷔한 그는 르데주너 sur'herbe가 1866년 살롱을 돌파하는 데 도움이 되기를 희망했습니다.그는 그것을 제때에 끝낼 수 없었고 대신 녹색 드레스를 입은 여인파베 샤일리를 수락에 제출했습니다.[15][28]그 후 1870년까지 살롱에 매년 작품을 제출했지만 1866년과 1868년 두 차례만 심사위원단에 받아들여졌습니다.[12]그는 1880년 그의 마지막 시도가 있기 전까지 살롱에 더 이상의 작품을 보내지 않았습니다.[12]그의 업적은 급진적이라고 여겨졌고, "모든 공식적인 차원에서 낙담"했습니다.[21]

소 세 마리 방목, 1868년종이에 파스텔.개인 소장품.

1867년, 그의 그림의 모델로 2년 전에 만났던 그의 당시 부인 카밀 돈시외가 그들의 첫 아이 을 낳았습니다.[13]모네는 카미유가 합법적인 아내이므로 진이 합법적인 것으로 여겨질 것이라고 주장하며 진과 돈독한 관계를 유지했습니다.[29]그 관계로 인해 모네의 아버지는 재정적 지원을 중단했습니다.그 해 초 모네는 생드레스에 있는 고모의 집으로 강제로 이사했습니다.[15][28]그곳에서 그는 일에 몰두했지만, 아마도 스트레스와 관련된 그의 시력의 일시적인 문제가 햇빛 아래에서 일하는 것을 방해했습니다.[15][28][12]모네는 그의 가족을 몹시 사랑했고, 컵을 아이, 모네초상화 등 많은 초상화를 그렸습니다.특히 이 그림은 모네츠의 후기 유명한 인상주의 작품의 첫 신호를 보여줍니다.

미술 수집가 루이 요아힘 가우디베르의 도움으로 그는 카밀레와 재회했고 다음 해 에트레로 이사했습니다.[14][15]이 무렵, 그는 1870년대까지 계속된 의도인 "명시적으로 동시대, 부르주아"를 묘사하는 인물 화가로서 자리매김하려고 노력하고 있었습니다.[15][31][21][22]그는 자신의 그림 기법을 진화시키고 자신의 플레인 에어 스타일에 스타일리시한 실험을 통합했습니다. 생드레스해변 강둑에서 각각 증명되었듯이, 전자는 그의 "관광과 관련된 최초의 지속적인 그림 캠페인"입니다.[15][28]

그의 그림들 중 몇 점은 다른 프로젝트들과 함께 그의 아내의 그림을 의뢰한 가우디베르트에 의해 구입되었다; 가우디베르트는 2년 동안 "모네의 고향 후원자들 중 가장 지지적이었다".[12][29]모네는 나중에 화가이자 미술 수집가인 구스타브 카유보테, 바질, 그리고 아마도 구스타브 쿠르베에 의해 재정적으로 지원을 받았지만 채권자들은 여전히 그를 추적했습니다.[12][21]

망명과 아르장튀우

클로드 모네의 초상, 카롤루스 뒤란, 1867

그는 프랑스-프로이센 전쟁이 발발하기 직전인 1870년 6월 28일 카밀과 결혼했습니다.[32]전쟁 동안, 그와 그의 가족은 징병을 피하기 위해 런던과 네덜란드에서 살았습니다.[15][16]모네와 샤를 프랑수아 도비니는 스스로 망명 생활을 했습니다.[16][A]런던에 사는 동안 모네는 그의 오랜 친구인 미국 화가 제임스 애벗 맥닐 휘슬러를 만났고, 그의 첫 번째이자 주요 미술상인 폴 듀랜드-루엘과 친구가 되었습니다. 그의 경력에 결정적인 만남이었습니다.그곳에서 그는 존 컨스터블J.M.W.터너의 작품들을 보고 감탄했고 터너의 빛의 처리, 특히 템스강의 안개를 묘사한 작품들에 깊은 인상을 받았습니다.[12][15][33][34]그는 템즈강, 하이드파크, 그린파크를 반복적으로 그렸습니다.[15]1871년 봄, 그의 작품들은 왕립 아카데미 전시회에 포함되는 것에 대해 허가를 거부당했고 경찰은 그를 혁명 활동으로 의심했습니다.[35][32]같은 해 그는 아버지의 죽음을 알게 되었습니다.[12]

그의 가족은 1871년에 아르장튀우로 이주했고, 네덜란드 화가들과의 시간에 영향을 받아, 그는 주로 센 강의 주변 지역을 그렸습니다.[31][36]그는 강에 그림을 그릴 범선을 구했습니다.[12]1874년, 그는 6년 반의 임대 계약을 체결하고 아르장퇴유에 새로 지어진 "녹색 셔터가 달린 장미빛 집"으로 이사했는데, 그곳에서 그는 파노라마 관점에서 15점의 정원 그림을 그렸습니다.[31][37]글라디올리와 같은 그림들은 모네가 그의 예술을 목적으로 정원을 가꾸었던 최초의 것으로 보입니다.[31]집과 정원은 그가 아르헨티나에서 보낸 마지막 생애의 "가장 중요한 하나의" 모티브가 되었습니다.[37]그 후 4년 동안, 그는 주로 아르장튀우에서 그림을 그렸고, 화학자 미셸 외젠 셰브룰의 색채 이론에 관심을 가졌습니다.[12]그 10년 중 3년 동안, 그는 1년에 천 프랑을 주고 생드니에 있는 큰 빌라를 빌렸습니다.정원 벤치에 있는 카밀 모네는 빌라의 정원을 전시하고 있으며, 아버지의 죽음을 알고 카밀의 슬픔이라고 주장하는 사람들도 있습니다.[38]

모네와 카밀은 1870년 여름 동안 호텔비를 지불할 수 없었고, 자금 부족으로 인해 런던 외곽에 살았던 것으로 보입니다.하지만 그의 아버지로부터 물려받은 유산과 그의 그림 판매로 1872년까지 두 명의 하인과 정원사를 고용할 수 있게 되었습니다.[13][39][40]일부 해상 그림의 성공적인 전시와 르 아브르에서 은메달을 획득한 이후, 모네의 그림은 채권자들에 의해 압류되었고, 그로부터 부댕의 후원자이기도 했던 해운 상인 가우디베르가 다시 사들였습니다.[41]

인상주의

인상, 해돋이 (인상, 단독), 1872; 양식과 예술적 운동에 이름을 붙인 그림.파리 마르모탕 모네 미술관

모네와 그의 동료들에 대한 뒤랑 루엘의 이전의 지지가 줄어들기 시작했을 때, 모네, 르누아르, 피사로, 시슬리, 폴 세잔, 에드가 드가, 베르테 모리조는 그들의 작품을 독립적으로 전시했습니다; 그들은 모네가 그것의 형성에 있어서 선도적인 인물이었던 익명의 화가, 조각가, 판화가 협회라는 이름으로 그렇게 했습니다.[12][15]그는 조금 더 오래된 동시대의 피사로와 에두아르 마네의 스타일과 주제에 영감을 받았습니다.[42]어떤 스타일이나 움직임과의 연관성을 피하기 위해 제목이 선택된 그 그룹은 살롱으로부터의 독립과 지배적인 학구주의에 대한 거부로 통일되었습니다.[12][43]모네는 그 그룹의 가장 뛰어난 풍경화 화가로서 명성을 얻었습니다.[16]

1874년 첫 번째 전시회에서 모네는 인상, 해돋이, 오찬, 카푸치네 거리 등을 전시했습니다.[44]미술평론가 루이 르로이는 적대적인 평을 썼습니다.르아브르의 몽롱한 묘사와 양식적인 우회로인 "인상, 해돋이"(1872)에 주목하여, 그는 "인상주의"라는 용어를 만들었습니다.보수적인 비평가들과 대중들은 이 단체를 조롱했는데, 이 용어는 처음에는 반어적이고 그림이 미완성이라고 표현했습니다.[15][43]더 진보적인 비평가들은 현대 생활의 묘사를 칭찬했습니다. 루이스 에드몽 듀랜티는 그들의 스타일을 "그림의 혁명"이라고 불렀습니다.[43]그는 나중에 그들이 "대다수가 인상주의자가 없는" 집단이라고 믿었기 때문에 그 이름에 영감을 준 것을 후회했습니다.[14]

총 참석 인원은 3500명으로 추산됩니다.모네 가격 인상: 1,000프랑에 일출을 하지만 판매에 실패했습니다.[45][46][47]전시회는 60프랑을 지불할 준비가 된 사람이라면 누구나 참여할 수 있으며, 예술가들은 심사위원의 간섭 없이 그들의 작품을 보여줄 수 있는 기회를 주었습니다.[45][46][47]또 다른 전시회는 1876년에 열렸는데, 살롱전과는 반대로 다시 열렸습니다.모네는 다양한 인상주의적 특징을 보여주는 생떼 드레스의 해변을 포함하여 18점의 그림을 전시했습니다.[28][48]

1877년 4월 5일 세 번째 전시회를 위해, 그는 지난 3개월 동안 그가 Gare Saint-Lazare로 만들었던 12점의 그림들 중에서 7점의 그림들을 선택했는데, 그는 처음으로 "같은 장소의 그림들만큼 많은 그림들을 합성하여, 그들의 장면들과 시간적인 부분들을 신중하게 조정"했습니다.[49]그 그림들은 비평가들에게 호평을 받았는데, 특히 그가 기차의 도착과 출발을 포착한 방식을 칭찬했습니다.[49]네 번째 전시회까지 그의 참여는 카유보테의 부분에 대한 협상을 통해 이루어졌습니다.[15]그가 인상주의자들과 마지막으로 전시한 것은 마지막 인상주의 전시회가 열리기 4년 전인 1882년이었습니다.[50][51]

모네, 르누아르, 피사로, 모리조, 세잔 그리고 시슬리는 현실을 묘사하는 새로운 방법으로 실험을 계속했습니다.그들은 장 밥티스트 카미유 코로와 부댕의 작품과 같은 또래의 작품들의 창백한 색조를 선호하여 낭만적이고 사실적인 작품들의 어둡고 대조적인 조명을 거부했습니다.[52]일시적인 효과를 그리는 방법을 개발한 후, 모네는 더 까다로운 주제, 새로운 후원자 및 수집가를 찾기 시작했습니다. 1870년대 초에 제작된 그의 그림은 그의 묘사에 감탄한 결과로 아르장튀우로 이주한 그의 동료들과 운동에 지속적인 영향을 남겼습니다.[15][53]

카밀과 베퇴유의 죽음

클로드 모네, 카미유 모네 임종, 1879, 오르세 미술관, 파리

1875년, 그는 사실상 오찬과 함께 그것을 버리고 파라솔을 여인 - 모네 부인과 그녀의 아들과 함께 피겨화로 돌아왔습니다.1877년에 정점에 도달하여 1890년에 마무리되는 등 이후 4년 동안 그의 관심은 계속되었습니다.[29][61]모네는 테오도르 뒤레에게 보낸 "예사롭지 않은 공개적인" 편지에서 그의 재활성화된 관심에 대해 다음과 같이 언급했습니다: "저는 그들을 이해하는 것처럼 새로운 노력의 인물에 대해 이전과는 달리 작업하고 있습니다.이것은 항상 나를 사로잡아왔던 오래된 꿈이고 나는 영원히 마스터하고 싶습니다.하지만 이 모든 것은 매우 어렵습니다!거의 몸이 아플 정도로 열심히 일하고 있습니다."

1876년 카밀 모네는 심각한 병에 걸렸습니다.[62]그들의 둘째 아들 미셸은 1878년에 태어났고, 그 후 카밀의 건강은 더욱 악화되었습니다.[62]그해 가을, 그들은 베퇴유 마을로 이사를 가서 모네로부터 4점의 그림을 의뢰받은 부유한 백화점 주인이자 예술 후원자인 어니스트 호셰드의 가족과 함께 집을 썼습니다.[12][15]1878년 카밀은 자궁암 진단을 받았습니다.[63]그녀는 다음해에 죽었습니다.[15]그녀의 죽음은 재정적인 어려움과 함께 - 한때 채권자들을 피하기 위해 그의 집을 떠나야 했던 - 모네의 경력에 영향을 미쳤습니다; 호셰드는 최근에 여러 그림들을 구입했지만, 인상주의자들에 대한 관심이 줄어들면서, 그의 재산을 되찾으려는 희망으로 곧 파리로 떠났습니다.[16][12][15]

피에르 오귀스트 르누아르, 화가 클로드 모네초상, 1875, 오르세 미술관
카롤루스 뒤란, 앨리스 호스데, 클로드 모네의 두 번째 부인이자 블랑쉬 호스데 모네의 어머니, 1878년
모네와 호쉐데 가족 1880 왼쪽부터 오른쪽까지: 클로드 모네, 앨리스 호쉐데, 장 피에르 호쉐데, 자크 호쉐데, 블랑쉬 호쉐데, 장 모네, 미셸 모네, 마사 호쉐데, 저메인 호쉐데, 수잔 호쉐데

모네는 돌아가신 아내의 기름으로 연구를 했습니다.수년 후, 그는 그의 친구 조르주 클레망소(Georges Clemenceau)에게 색상을 분석해야 하는 필요성이 그에게 기쁨이자 고통이었다고 고백했습니다.그는 "어느 날 사랑하는 아내의 죽은 얼굴을 보고 자동 반사에 따라 색을 체계적으로 주목하는 것을 발견했습니다."[64]라고 설명했습니다.존 버거는 이 작품을 "하얀 회색 보랏빛 페인트의 눈보라"라고 묘사합니다. 그녀의 이목구비를 영원히 지워버릴 끔찍한 손실의 눈보라입니다.사실 그렇게 강렬하게 느껴지거나 주관적으로 표현된 임종 그림은 거의 없을 수 있습니다."[65]

센 강에 대한 모네의 연구는 계속되었습니다.그는 1880년 살롱전에 두 점의 그림을 제출했고, 그 중 한 점은 받아들여졌습니다.[12]그는 그의 그림들이 어두운 톤을 사용하고 혹독한 날씨에 센 강과 같은 환경을 보여주었기 때문에 인상주의 기법들을 포기하기 시작했습니다.나머지 10년 동안, 그는 자연의 요소적인 측면에 집중했습니다.[24][53]그의 개인적인 삶은 인상주의자들과의 거리에 영향을 미쳤습니다.[15]그는 에트레타트로 돌아와 앨리스 호셰데에게 편지를 써서 그가 1892년에 남편의 죽음 이후에 결혼할 것이라고 말했습니다.[14][15][61]1881년, 그는 앨리스와 그녀의 아이들과 함께 포이시로 이사를 갔고 다시 그의 그림들을 랑 루엘에게 팔았습니다.[12]앨리스의 셋째 딸 수잔은 카밀 다음으로 모네가 선호하는 모델이 될 것입니다.[61]

1883년 4월, Vernon과 Gasny 사이의 기차의 창 밖을 바라보던 그는 노르망디에서 Giberny를 발견했습니다.[66]같은 해 그의 첫 번째 주요 회고전이 열렸습니다.[53]

모네의 채권자들과의 투쟁은 성공적인 여행으로 끝이 났습니다; 그는 1884년 보르디게라로 가서 50개의 풍경을 가지고 돌아왔습니다.[12][53]그는 튤립을 그리기 위해 1886년 네덜란드로 여행을 갔습니다.그는 곧 모네에 대한 기사를 낸 구스타브 게프로이를 만나 친구가 되었습니다.[12]그의 거리낌에도 불구하고, 모네의 그림들은 미국에서 팔렸고 그의 재정적인 안전을 위해 기여했습니다.[15]지난 20년 동안의 경력과 대조적으로, 모네는 혼자 일하는 것을 선호했고, 사람들로 붐비는 관광지와 세련된 도시 환경에서 벗어나, 정기적으로 고독을 갈망했던 그가 그렇게 했을 때 항상 더 낫다고 느꼈습니다.[67][53]그러한 욕망은 앨리스에게 보낸 그의 편지에서 반복됩니다.[67][61]

지베르니

지베르니의 클로드 모네의 물 정원, 2019

1883년, 모네와 그의 가족은 지베르니있는 집과 정원을 임대했는데, 이것은 그가 아직 즐기지 못했던 가정의 안정을 제공했습니다.[15]이 집은 지베르니의 버논 마을과 가스니 마을 사이의 큰길 근처에 위치해 있었습니다.그림 작업실로 두 배가 된 헛간과 과수원, 작은 정원이 있었습니다.그 집은 아이들이 다닐 수 있을 정도로 지역 학교와 가까웠고, 주변 풍경은 모네가 그림을 그릴 수 있는 수많은 자연 공간을 제공했습니다.[68][69][70]

그 가족은 일을 하고 정원을 지었고, 뒤랑-루엘이 그의 그림을 파는 데 점점 더 성공하면서 모네의 운은 더 좋아지기 시작했습니다.[71]그 정원들은 40년 동안 모네의 가장 큰 영감의 원천이었습니다.[72][73]1890년, 모네는 그 집을 구입했습니다.[53]1890년대에 모네는 온실과 두번째 스튜디오를 지었는데, 그것은 채광창이 잘 켜진 넓은 건물이었습니다.

모네는 정원사에게 매일 지시사항, 플랜팅을 위한 정확한 디자인과 레이아웃, 그리고 꽃을 구입하고 식물학 책을 모은 청구서를 썼습니다.모네의 재산이 늘어남에 따라, 그의 정원은 진화했습니다.그는 일곱 명의 정원사를 고용한 후에도 건축가로 남아있었습니다.[74]모네는 물 초원이 있는 땅을 추가로 구입했습니다.[12]흰 수련은 남아메리카와 이집트에서 수입된 품종들과 함께 심어져 나이가 들면서 분홍색으로 변하는 노란색, 파란색, 그리고 흰색의 백합을 포함한 다양한 색상들이 생겨났습니다.[75]1902년에, 그는 그의 물 정원의 크기를 거의 4000 제곱 미터 늘렸습니다; 1901년과 1910년에 이젤들이 주변에 설치되어 다양한 시야를 포착할 수 있게 되었습니다.[15][73]

인상주의의 한계에 불만을 품은 모네는 그의 좌절을 해결하기 위해 건초 더미, 포플러, 루앙 대성당과 같은 단 하나의 주제를 보여주는 일련의 그림들을 그리기 시작했습니다.[24][61]이 일련의 그림들은 광범위한 비평적이고 재정적인 성공을 제공했습니다; 1898년, 61점의 그림들이 Petit 갤러리에 전시되었습니다.[76]그는 또한 강의 새벽 시간을 묘사한 강의 아침 시리즈를 시작했습니다.[15]1887년과 1889년에 그는 비평가들로부터 극찬을 받기 위해 벨 î의 일련의 그림들을 전시했습니다.모네는 "학습된 공식을 우회한 새로운 미적 언어, 즉 자연에 충실하면서도 다른 사람들과는 다른 개인으로서의 자신만의 독특한 언어"를 찾기 위한 희망으로 이 장소를 선택했습니다.[67]

지베르니 자택의 대형 스튜디오에서 일하는 모네

1899년, 그는 그의 인생의 다음 20년 동안 계속해서 그를 차지할 수련을 그리기 시작했고, 그의 마지막이자 "가장 야심적인" 일련의 그림들이었습니다.[31][77]그는 1900년에 주로 그의 일본식 다리에 바쳐진 이 정원의 첫 번째 사진 그룹을 전시했습니다.[15]그는 워털루 다리의 그림 41점, 채링 크로스 다리의 그림 34점, 국회의사당의 그림 19점을 포함한 시리즈를 만들기 위해 1899년 런던으로 돌아갔습니다.[78]모네의 마지막 여행은 1908년 앨리스와 함께 베니스로 가는 것입니다.[15]

빛과 거울 같은 반사가 번갈아 나타나는 수련의 묘사는 그의 작품에서 필수적인 부분이 되었습니다.[79]1910년대 중반까지 모네는 "수질 연못이 거의 추상적인 예술의 출발점이 된 완전히 새롭고, 유동적이며, 다소 대담한 스타일의 그림"을 달성했습니다.[80]클로드 로저-마크스는 모네의 1909년 첫 수련 시리즈의 성공적인 전시회의 리뷰에서 그가 "현실에 결합한 추상화와 상상력의 궁극적인 수준에 도달했다"고 언급했습니다.[81]워터스케이프 시리즈인 '워터스케이프 시리즈'라는 제목의 이 전시회는 42개의 캔버스로 구성되어 있으며, 그의 "지금까지 가장 크고 통일된 시리즈"입니다.[15]그는 궁극적으로 수련의 그림을 250점 이상 그릴 것입니다.[50]

그의 집에서 모네는 프랑스, 영국, 일본, 미국의 예술가, 작가, 지식인, 정치인들을 만났습니다.[16]1887년 여름, 그는 야외에서 인물화 실험을 하던 싱어 서전트를 만났습니다. 그 둘은 자주 서로에게 영향을 끼쳤습니다.[61]

시력저하

A grainy photo of a bearded man standing before a bridge
A grainy photo of a bearded man standing on a path before a tree and pond
1917년 지베르니의 정원에서 모네

모네의 두 번째 부인 앨리스는 1911년에 사망했고, 앨리스의 딸 블랑쉬와 결혼한 장남 장은 1914년에 사망했습니다.[82]그들의 죽음은 모네를 우울하게 만들었고, 블랑쉬가 그를 돌보았기 때문입니다.[15][83]모네가 백내장의 첫 징후를 보이기 시작한 것은 이 시기였습니다.[83]1913년 모네는 독일 안과의사 Richard Liebreich와 상담하기 위해 런던으로 여행을 갔습니다.그는 새 안경을 처방받았으며 오른쪽 눈의 백내장 수술을 거부했습니다.[84]다음 해, 클레망소의 격려를 받은 모네는 "물 정원에 바치는 그림들의 장식 주기"를 만들기 위해 사용할 수 있는 새롭고 큰 스튜디오를 건설할 계획을 세웠습니다.[15]

그 후 몇 년 동안, 그의 색채에 대한 인식은 고통을 받았습니다; 그의 넓은 획은 더 넓어지고 그의 그림은 점점 더 어두워졌습니다.원하는 결과를 얻기 위해, 그는 페인트 튜브에 라벨을 붙이기 시작했고, 팔레트에 엄격한 질서를 유지했고, 눈부심을 없애기 위해 밀짚모자를 썼습니다.[84]그는 마음속에 있는 아이디어와 특징들을 공식화하여 그림에 접근했고, "대량의 모티프"를 취하고 기억과 상상을 통해 그것들을 필사했습니다.이것은 그가 "가까이 보이는 더 미세한 색조와 색"에 "무감각"했기 때문입니다.[85]

모네는 1914년부터 1918년까지 프랑스 정부를 위해 몇 점의 패널 그림을 그렸지만, 그가 철수함에 따라 생산량이 감소했고 나중에 국가를 위한 작품을 만들었습니다.[84][73][81]"그림의 순환"에 관한 그의 작업은 주로 1916년에서 1921년 사이에 이루어졌습니다.[15]이번에는 클레망소가 백내장 수술을 다시 한번 권했습니다.[84]오노레 도미에메리 카사트의 실패한 수술 이후 걱정하던 모네는 "내가 사랑하는 것들 중 일부"를 포기하는 것보다 시력이 나쁘고 그림을 포기하는 것이 낫다고 말했습니다.[84]1919년, 모네는 비록 그 결과에 만족하지는 않았지만, 전면적으로 풍경화 시리즈를 시작했습니다.[81]10월이 되자 모네는 공기 그림 작업을 중단했고 그 다음 달에는 11점의 수련 그림 중 4점을 팔았습니다.[81]이 시리즈는 그의 동료들로부터 찬사를 불러일으켰고, 그의 후기 작품들은 딜러들과 수집가들로부터 호평을 받았고, 그는 한 수집가로부터 200,000 프랑을 받았습니다.[81]

1922년에 내동댕이의 처방전이 단명한 안도감을 주었습니다.그는 결국 1923년 백내장 수술을 받았습니다.지속적인 청록색증마비성 안경은 힘든 것으로 증명되었습니다.이제 진짜 색깔을 볼 수 있게 된 그는 수술 전부터 캔버스를 파괴하기 시작했습니다.[84]자이스 렌즈를 받은 모네는 칭찬을 아끼지 않았지만, 그의 왼쪽 눈은 곧 검은 렌즈로 완전히 가려져야 했습니다.1925년에 이르러, 그의 시각 장애는 호전되었고 그는 수술 전 작품들 중 일부를 이전보다 더 푸른 수련으로 수정하기 시작했습니다.[86][84]

그의 작은 아들 미셸이 복무했던 제1차 세계대전 동안, 모네는 프랑스의 전사자들에 대한 경의를 표하기 위해 우는 버드나무 시리즈를 그렸습니다.[87]그는 전쟁 중에 정원의 장식에 심혈을 기울이게 되었습니다.[73]

방법

에두아르 마네, 클로드 모네아르장튀우, 1874, 노이 피나코텍

모네는 "인상주의의 원동력"으로 묘사되어 왔습니다.[88]인상주의 화가들의 예술에 있어서 결정적인 것은 빛이 사물의 지역색에 미치는 영향과 색들이 서로 병치되어 있는 영향에 대한 이해였습니다.[89]그의 자유로운 흐름의 스타일과 색상의 사용은 "거의 에테르적"이고 인상주의 스타일의 "에피톰"으로 묘사됩니다; 인상, 해돋이는 순수하게 보이는 것만을 묘사하는 "근본적인" 인상주의 원리의 한 예입니다.[24][90]모네는 빛의 효과와 공기를 가득 채우는 그림에 매료되었습니다. 그는 그의 유일한 "가장 잠깐 동안의 효과에 대한 나의 인상을 표현하기 위해 자연 앞에 직접 그림을 그린 것에" 있다고 믿었습니다.[14][90] "공기를 그리는 것"을 원했고, 그는 야외 빛에서 종종 현대의 삶의 주제들을 결합했습니다.[27][91]

존 싱어 사전트, 나무 가장자리의 클로드 모네 그림, 1885, 테이트 브리튼

모네는 빛을 그의 그림의 중심으로 만들었습니다.그것의 변형을 포착하기 위해, 그는 때때로 준비 없이 한 번에 그림을 완성하곤 했습니다.[92]그는 빛이 어떻게 색과 현실에 대한 인식을 변화시키는지 보여주고 싶었습니다.[24]빛과 반사에 대한 그의 관심은 1860년대 후반에 시작되어 그의 경력 내내 지속되었습니다.[21]런던에 처음 왔을 때, 그는 예술가와 모티프 사이의 관계, 즉 그가 "봉투"라고 생각했던 것에 대해 감탄을 하게 되었습니다.[78]그는 연필화를 사용하여 주제와 주제를 빠르게 메모하여 나중에 참고할 수 있도록 했습니다.[15]

모네의 풍경 묘사는 철도와 공장과 같은 산업적 요소를 강조했습니다; 그의 초기 바다 풍경은 어두운 색과 지역 주민들로 묘사된 음울한 자연을 특징으로 했습니다.[28][43]비평가이자 모네의 친구인 테오도르 뒤레는 1874년에 "시골적인 풍경에 별로 끌리지 않았다"고 언급했습니다.그는 특히 자연이 꾸며질 때와 도시의 풍경을 향해 그리고 선호하기 위해 꽃으로 덮인 정원, 공원, 숲을 그렸습니다."[31]모네는 인물과 풍경을 함께 묘사할 때, 풍경이 단순한 배경이 되지 않고 인물이 구성을 지배하지 않기를 바랐습니다.[61]그런 풍경 묘사에 대한 그의 헌신은 모네가 르누아르에게 반항하는 것을 질책하는 결과를 낳았습니다.[61]그는 종종 파리 교외와 시골의 여가활동을 그리고 젊은 예술가로서 정물화를 실험했습니다.[21][43]1870년대 이후로, 그는 교외와 도시의 풍경들로부터 점차 멀어져 갔습니다. 그것들이 그의 빛에 대한 연구를 더 발전시키기 위한 것으로 묘사되었을 때 말입니다.[50]현대 비평가들과 후대의 학자들은 벨 î을 전시하기로 한 그의 선택으로 그가 인상주의 그림의 현대 문화에서 벗어나 원시적인 자연으로 가고자 하는 열망을 나타냈다고 느꼈습니다.

부댕을 만난 후, 모네는 화가적 표현의 새롭고 개선된 방법을 찾는데 전념했습니다.이를 위해 젊은 시절 살롱을 찾아 나이 든 화가들의 작품을 숙지하고, 다른 젊은 화가들과 친분을 쌓았습니다.[88]작은 떠다니는 스튜디오에서 센 강에서 많은 시간을 보내며 아르장튀우에서 보낸 5년은 빛과 반사의 영향에 대한 그의 연구에 있어서 형성되었습니다.그는 장면이나 사물보다는 색깔이나 모양으로 생각하기 시작했습니다.그는 밝은 색을 댑과 대시에 사용했고 페인트를 질질 끌었습니다.글레르 화실의 학문적 가르침을 거부한 그는 "나는 새가 노래하는 것처럼 그림 그리는 것을 좋아한다"[93]며 이론에서 자유로워졌습니다.부댕, 도비니, 종킨드, 쿠르베, 그리고 코로는 모네의 영향들 중 하나였고 그는 종종 아방가르드 예술의 발전에 따라 일했습니다.[22][14][61][94]

1877년 생라자레 역의 일련의 그림들은 모네가 연기와 증기, 그리고 그것들이 색깔과 가시성에 영향을 미치는 방식, 때로는 불투명하고 때로는 반투명한 것들을 보게 했습니다.그는 이 연구를 안개와 비가 풍경에 미치는 영향에 대한 그림에 더 사용하기로 했습니다.[95]대기의 효과에 대한 연구는 모네가 같은 주제(그의 수련 시리즈와 같은)[96]를 다른 빛에서, 하루의 다른 시간에, 그리고 날씨와 계절의 변화를 통해 반복적으로 그리는 일련의 그림으로 진화하는 것이었습니다.이 과정은 1880년대에 시작되어 1926년 그의 삶이 끝날 때까지 계속되었습니다.[citation needed]그의 후기 경력에서, 모네는 인상주의 스타일을 "초월"했고 예술의 경계를 허물기 시작했습니다.[24][97]

1920년 그의 작업실에서 모네

모네는 1870년대에 자신의 팔레트를 다듬어 의식적으로 어두운 톤의 사용을 최소화하고 파스텔 색상을 선호했습니다.이것은 더 작고 더 다양한 붓질을 사용하는 그의 부드러운 접근법과 일치했습니다.그의 팔레트는 1880년대에 따뜻한 차가운 색 사이의 조화에 이전보다 더 중점을 두면서 다시 변화를 겪었습니다.[15]1923년 광학 수술 이후, 모네는 10년 전의 자신의 스타일로 돌아갔습니다.그는 파란색과 초록색의 강조된 색상 체계를 위해 화려한 색상이나 "조잡한 적용"을 포기했습니다.[84]백내장으로 고통 받는 동안, 그의 그림은 더 넓고 추상적이었습니다. 1880년대 후반부터, 그는 그의 작품들을 단순화했고, 넓은 색상과 톤을 제공할 수 있는 주제들을 찾았습니다.[84][98]그는 베네치아 여행 이후 처음 시작된 유행인 빨간색과 노란색 톤을 점점 더 많이 사용했습니다.[90]모네는 이 시기에 종종 프랑스에서 노르망디로, 런던으로, 리베라루앙으로, 새롭고 더 도전적인 주제를 찾아 혼자 여행했습니다.[16][99]

스타일 변화는 의도적인 선택이 아닌 장애의 부산물일 가능성이 높습니다.[84]모네는 시력이 나빠져서 종종 큰 캔버스 작업을 했고, 1920년에 이르러 그는 그가 작은 캔버스로 돌아가기에는 넓은 그림에 너무 익숙해졌다는 것을 인정했습니다.[24][81]그의 백내장이 그의 산출량에 미치는 영향은 학자들 사이에서 논의의 주제가 되어 왔습니다; Lane et al. (1997)은 1860년대 후반부터 악화된 것이 급격한 선의 감소로 이어졌다고 주장합니다.[90]정원은 그의 예술 전반에 걸쳐 초점이었고, 특히 그의 삶의 마지막 10년 동안 그의 후기 작품에서 두드러졌습니다.[31][73]다니엘 와일드엔슈타인은 그의 그림에서 "혁신에 의해 풍요로워진" "끊임없는" 연속성에 주목했습니다.[99]

1920년 그의 작업실에서 모네

1880년대 이후부터, 특히 1890년대까지, 모네의 특정 주제에 대한 일련의 그림들은 빛과 날씨의 다른 조건들을 기록하려고 했습니다.[15]하루 종일 빛과 날씨가 바뀌자 캔버스 사이를 오갔습니다. 때로는 한 번에 8개씩 작업을 하기도 했습니다. 보통 한 시간씩 작업을 합니다.[15]1895년, 그는 빛, 날씨, 대기의 다양한 조건에서 정면을 보여주는 루앙 대성당의 그림 20점을 전시했습니다.[15]이 그림들은 웅장한 중세시대 건물에 초점을 맞춘 것이 아니라, 견고한 석조물을 변형시키면서, 그 표면을 가로지르는 빛과 그늘의 놀이에 초점을 맞추고 있습니다.[100]이 시리즈를 위해 그는 자신만의 액자를 만드는 실험을 했습니다.[101]

그의 첫 번째 시리즈 전시는 다른 관점과 하루의 다른 시간에 그려진 건초 더미였습니다.그 그림들 중 15점이 1891년에 뒤랑뤼엘 갤러리에 전시되었습니다.1892년 그는 루앙 대성당의 26개의 전망을 만들었습니다.[89]1883년에서 1908년 사이에, 모네는 지중해로 여행했고, 그곳에서 베네치아의 일련의 그림들을 포함하여, 랜드마크, 풍경, 그리고 바다 풍경을 그렸습니다.런던에서 그는 네 개의 시리즈를 그렸습니다: 국회의사당, 런던, 채링 크로스 브리지, 워털루 브리지, 그리고 웨스트민스터 브리지의 전망.헬렌 가드너(Helen Gardner)는 다음과 같이 말합니다.

모네는 과학적인 정확성을 가지고 우리에게 동일한 형태에 대한 빛의 움직임에서 볼 수 있듯이 시간의 흐름에 대한 비할 데 없이 탁월한 기록을 제공했습니다.[102]

수련

런던에서 돌아온 후, 모네는 대부분 자연에서 그린 그림들을 그의 정원에서 그렸습니다; 수련, 연못 그리고 다리.1900년 11월 22일부터 12월 15일까지 듀랑-루엘 갤러리에서 그에게 헌정된 또 다른 전시회가 열 개 정도의 수련 작품을 전시했습니다.이 같은 전시회는 1901년 2월 뉴욕시에서 열렸고, 그곳에서 큰 성공을 거두었습니다.[34]

1901년, 모네는 루 강 반대편에 위치한 지역의 수로를 사들여 집의 연못을 넓혔습니다.그리고 나서 그는 작업실에서 자연에 대한 작업과 작업 사이에 시간을 나눴습니다.[104]

수련 전용 캔버스는 그의 정원에 변화를 주면서 진화했습니다.또한 1905년경, 모네는 수역의 둘레를 버리고 원근법을 수정함으로써 점차적으로 그의 미학을 수정했습니다.그는 또한 직사각형 들것에서 정사각형, 그리고 원형 들것으로 이동함으로써 캔버스의 모양과 크기를 바꿨습니다.[34]

이 캔버스들은 매우 어렵게 만들어졌습니다.모네는 완벽한 효과와 인상을 찾기 위해 그것들을 재작업하는데 상당한 시간을 보냈습니다.그는 그들이 성공하지 못했다고 생각했을 때, 주저하지 않고 그들을 파괴했습니다.그는 작품에 만족할 때까지 듀랑-루엘 전시회를 계속 연기했습니다.1906년까지 몇 차례 연기된 후, Les Nympéas라는 제목의 전시회는 1909년 5월 6일에 열렸습니다.1903년부터 1908년까지 48점의 그림으로 구성된 이 전시회는 일련의 풍경과 수련 장면을 나타내며 다시 한번 성공을 거두었습니다.[34]

죽음.

지베르니에 있는 모네 가문의 묘

모네는 1926년 12월 5일 86세의 나이로 폐암으로 세상을 떠났고 지베르니 교회 묘지에 안장되었습니다.모네는 이 행사를 단순하게 해야 한다고 주장했기 때문에, 약 50명의 사람들만 그 의식에 참석했습니다.[105]클레망소는 장례식에서 관 위에 드리운 검은 천을 치우고, "모네에게는 검은색이 없다!"라고 쓰고, 꽃무늬 천으로 대체했습니다.[106]그가 사망할 당시, 워터릴리스는 "기술적으로 미완성"이었습니다.[50]

모네의 집, 정원, 수련 연못은 1966년 미셸에 의해 프랑스 미술 아카데미(Institute de France의 일부)에 기증되었습니다.클로드 모네 재단을 통해 집과 정원은 복원 후 1980년에 방문할 수 있도록 개방되었습니다.[107]그 집에는 모네의 기념품과 그의 생애 다른 물건들 외에도 그의 일본 목판화 수집품들이 있습니다.집과 정원은 인상주의 박물관과 함께 전세계에서 온 관광객들을 수용하는 지베르니의 주요 명소입니다.

유산

모네의 작품에 대해 말하자면, 와일드엔슈타인은 그것이 "너무 광범위하기 때문에 그것의 야망과 다양성은 그것의 중요성에 대한 우리의 이해에 도전한다"고 말했습니다.[99]지베르니에서 제작된 그의 그림들과 백내장의 영향 아래에서 각각 인상주의와 20세기 미술과 현대 추상 미술 사이에 연관성을 만들어 낸다고 알려져 있습니다.[84][99]그의 후기 작품들은 객관적 추상화에 "주요한" 영감을 주었습니다.[108]엘스워스 켈리는 지베르니에서 형성적인 경험을 한 후, 그곳에서 타블로 베르트(1952)와 함께 만든 모네의 작품에 경의를 표했습니다.[97]모네는 전통과 모더니즘 사이의 "중개자"로 불렸고, 그의 작품은 포스트모더니즘과 관련하여 검토되었고, 바질, 시슬리, 르누아르, 피사로에게 영향을 미쳤습니다.[21][97]모네는 현재 인상주의 화가들 중 가장 유명한데, 이 운동에 대한 그의 기여의 결과로, 그는 "19세기 후반 예술에 큰 영향을 미쳤다.[16][109]

파리 로랑제리 미술관전시중인 수련

1927년 5월, 프랑스 정부와의 오랜 협상 끝에 27점의 판화가 오랑주리 미술관에 전시되었습니다.[81]그의 후기 작품들이 예술가들에 의해 무시되었기 때문에, 미술사가들, 비평가들, 그리고 대중들은 거의 이 쇼에 참석하지 않았습니다.[97]1950년대에 추상표현주의자들과 클레멘트 그린버그와 같은 인접한 사람들에 의해 모네의 후기 작품들이 재발견되었는데, 그들은 비슷한 캔버스를 사용하고 전쟁의 무뚝뚝하고 이념적인 예술에 무관심했습니다.[97][24]앙드레 메이슨(André Masson)의 1952년 에세이는 그림에 대한 인식을 변화시키고 1956-1957년에 형성되기 시작한 감상을 고취시키는 데 도움을 주었습니다.[97]다음 해, 현대 미술관에 화재가 발생하면 그들이 획득한 수련 그림들이 불에 타는 것을 볼 수 있을 것입니다.[97]모네의 후기 그림들의 큰 규모의 특성은 일부 박물관들에게 어려운 것으로 밝혀졌고, 그 결과 그것들은 틀을 바꾸는 결과를 낳았습니다.[97]

1978년, 지베르니에 있는 모네의 정원은 50년 동안 노후화되어 왔으며, 복원되어 대중에게 공개되었습니다.[72]2004년 런던, 의회, 안개 속의 태양의 영향(Londres, le Parlement, trouée de soleil dans le broillard; 1904)은 미화 2,010만 달러에 팔렸습니다.[110]2006년 왕립학회 회보템스 강 너머 세인트 토마스 병원에서 이것들이 그림으로 그려졌다는 증거를 제공하는 논문을 발표했습니다.[111]1981년 로널드 픽밴스(Ronald Pickvance)는 1880년 이후 모네의 작품이 점점 더 학문적인 관심을 받고 있다고 언급했습니다.[112]

Palaises press de Dieppe (Cliffs Near Dieppe)는 1998년 한 차례, 그리고 가장 최근인 2007년 8월 두 차례에 걸쳐 도난을 당했습니다.[113]그것은 2008년 6월에 회수되었습니다.[114]

2001년 11월 14일, 클로드 모네의 161번째 생일을 위해 구글 로고를 모네의 대표적인 스타일로 묘사한 구글 두들이 제작되었습니다.[115]그것은 누군가의 생일을 위해 만들어진 최초의 구글 두들이었습니다.

1873년 파리 근교 에 걸쳐 있는 철교를 그린 모네의 '아르장튀외유'는 2008년 5월 6일 뉴욕 크리스티 경매에서 익명의 전화 입찰자에 의해 기록적인 4,140만 달러에 낙찰되었습니다.그의 그림의 이전 기록은 3,650만 달러였습니다.[116]몇 주 후, Le bassin aux nymphéas (수백합 시리즈의)는 2008년 6월 24일 런던에서[117] 열린 크리스티 경매에서 40,921,250 파운드 (80,451,178 달러)에 팔렸고, 이는 이 예술가의 기록을 거의 두 배로 늘렸습니다.[118]이 구매는 그 당시 그림에 지불된 최고 가격 20위 중 하나였습니다.

2013년 10월, 모네의 그림인 L'Eglise de Vétheuil and Le Bassin aux Nympeas는 독재자 페르디난드 마르코스의 부인이었던 이멜다 마르코스의 한 때 보좌관이었던 빌마 바우티스타가 스위스 구매자에게 Le Bassin aux Nympeas를 3,200만 달러에 매각한 [119]후 뉴욕에 있는 법적 사건의 대상이 되었습니다.이들은 모네 그림 2점과 함께 남편 이멜다가 대통령 재임 기간에 구입한 것으로 알려져 있으며, 국가 자금으로 구입한 것으로 알려졌습니다.바우티스타의 변호사는 보좌관이 이멜다를 위해 그림을 팔았지만 돈을 줄 기회가 없었다고 주장했습니다.필리핀 정부는 이 그림의 반환을 요구하고 있습니다.[119]지베르니의 수련 연못 위의 일본의 인도교로도 알려진 르 바시노 님피아스는 모네의 유명한 수련 시리즈의 일부입니다.

나치의 약탈

나치 정권 하에서 1933년부터 독일과 1945년까지 독일 점령 국가에서 모두 모네의 유대인 미술품 수집가들이 나치와 그들의 요원들에 의해 약탈당했습니다.도난당한 예술품 중 일부는 이전 소유주에게 반환되었고, 다른 것들은 법정 싸움의 대상이 되었습니다.2014년, 뮌헨에서 숨겨진 예술품 발견의 화려한 동안, 유대인 소매 거물의 소유였던 모네가 히틀러의 약탈된 예술품 거래상 중 한 명인 힐데브란트 굴리트의 아들인 코르넬리우스 굴리트의 여행 가방에서 발견되었습니다.[120][121]

나치가 약탈한 모네 작품의 예는 다음과 같습니다.

  • 라 세느 아스니에르스/레 페니체 술라 세느 (La Seine à Asnières/Les Péniches sur la Seine), 이전에 미세스가 소유했던 곳.1940년 7월 10일 파리 주재 독일 대사관 요원들에 의해 납치된 페르낭 할펜.[122]
  • 르 레포는 이전에 헨리와 마리아 뉴먼이 소유했던 르 자딘 아르젠퇴유가 베를린 은행 금고에서 도난당하여 메트로폴리탄 미술관과 합의했습니다.[123]
  • 1940년 나치가 폴 로젠버그로부터 훔쳐간 님페아스.[124]
  • 이전에 루드비히 카이너가 소유했던 오 파크 몽소, 그의 방대한 수집품은 나치에 의해 약탈당했습니다.[125]
  • 지베르니의 건초 더미는 나치 수용소에서 사망한 프랑스 유대인 미술상 르네 짐펠의 것이었습니다.[126][127]

이전에 막스 엠덴의 소장품이었던 모네의 팔레 뒤칼과 그의 1880년 작품인 베퇴유 근처의 양귀비 밭은 반환 청구의 대상이 되었습니다.[128] [129] "La Mare, Snow Effect" ("La Mare, effect de neige")는 리차드 셈멜의 상속자들과의 화해의 대상이었습니다.[130]

참고 항목

각주

  1. ^ Khan et al. 2010은 반대로 망명을 강제적이라고 표현합니다.

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