붉은 도기

붉은 모양의 꽃병 그림은 그리스 꽃병 그림의 가장 중요한 스타일 중 하나이다.

그것은 기원전 520년경 아테네에서 발전했고 기원전 3세기 후반까지 사용되었다.그것은 수십 년 안에 이전에 지배적이었던 검은 모양의 꽃병 그림을 대체했다.현대적 이름은 검은 바탕에 검은 무늬가 그려진 이전의 검은 무늬와 대조적으로 검은 바탕에 빨간색으로 묘사된 그림에서 따왔다.아티카를 제외하고 가장 중요한 생산 지역은 이탈리아 남부였다.그 스타일은 그리스의 다른 지역에서도 채택되었다.에트루리아는 그리스 세계 밖에서 생산의 중요한 중심이 되었다.

다락방 빨간 꽃병은 그리스 전역과 그 너머로 수출되었다.오랫동안 그들은 훌륭한 도자기 시장을 지배했다.혁신, 품질, 생산 능력 면에서 아테네와 경쟁할 수 있는 도자기 생산 중심지는 거의 없다.아테네에서만 생산된 붉은 꽃병 중 4만 점 이상의 표본과 파편이 오늘날 남아 있다.두 번째로 중요한 생산 중심지인 이탈리아 남부에서는 20,000개 이상의 꽃병과 파편이 보존되어 있습니다.먼저 존 D의 연구부터 시작한다. Beazley와 Arthur Dale Trendall, 이 예술 스타일에 대한 연구는 엄청난 진전을 이뤘다.몇몇 꽃병들은 개별 예술가나 학교에서 기인할 수 있다.그 이미지들은 그리스 문화사, 일상생활, 도상학, 신화에 대한 탐구를 위한 증거를 제공한다.

기술.

붉은 피규어는 간단히 말하면 검은 피규어 기술의 반대입니다.둘 다 3상 소성 기술을 사용하여 달성되었습니다.이 그림들은 가죽처럼 단단하고 조각에 가까운 질감으로 건조된 후 모양은 잡히지 않았지만 지치지 않은 그릇들에 적용되었다.아티카에서, 이 단계에서 일반적인 미연소 점토는 주황색이었다.인물의 윤곽은 뭉툭한 스크레이퍼로 그리며 약간의 홈을 남기거나 숯으로 그렸는데, 소성하는 동안 완전히 사라집니다.그런 다음 윤기 나는 점토를 이용해 붓으로 윤곽을 다시 그렸습니다.때때로 그 화가는 비유적인 장면을 약간 바꾸기로 결심했다.이러한 경우 원래 스케치의 홈이 보이는 경우가 있습니다.중요한 윤곽은 종종 더 두꺼운 슬립으로 그려졌고, 약간 돌출된 윤곽(부조선)이 생겼다. 덜 중요한 선과 내부 디테일은 희석된 광택 점토로 그려졌다.

이 시점에서는 흰색이나 빨간색 등 다른 색상의 디테일이 적용되었습니다.부조선은 아마도 굵은 페인트에 담근 털빗이나 머리카락으로 그려졌을 것이다. (이러한 특징을 속이 빈 바늘이 설명할 수 있다는 주장은 다소 있을 것 같지 않다.)^[a]액상 광택이 나는 점토가 너무 무뎌졌을 것이기 때문에, 부조 윤곽을 칠할 필요가 있었다.기술 개발 초기 단계 이후에는 두 가지 대안을 모두 사용하여 단계별 및 세부 사항을 더욱 명확하게 구분하였다.도형 사이의 공간은 광택이 나는 회색 점토 조각으로 채워져 있었다.그 후 3상 소성을 거쳐 광택이 나는 점토는 환원작용을 통해 흑갈색, 붉은색은 ^[b]최종 산화작용을 통해 특징적인 흑갈색에 도달했다.이 최종 산화 단계는 낮은 온도로 점화되었기 때문에, 꽃병의 유약 부분은 검은색에서 빨간색으로 다시 산화되지 않았습니다. 즉, 환원 단계에서 미세한 표면이 녹아서(소결), 이제 산소로부터 보호되었습니다.

새로운 기술은 내부 디테일을 훨씬 더 잘 실행할 수 있다는 주요 이점을 가지고 있었습니다.검은 도형의 꽃병 그림에서는, 그러한 디테일을 붓으로 직접 칠하는 것보다 항상 정확도가 떨어지는 도장면에 긁혀야 했다.붉은 인물의 묘사는 일반적으로 검은 인물의 실루엣보다 더 생동감 있고 사실적이었다.그들은 또한 검은 배경과 더 뚜렷하게 대비되었다.이제 인간을 옆모습뿐만 아니라 정면, 후면 또는 3/4 시각으로 묘사하는 것이 가능해졌다.빨간 도형 기법은 또한 도형에 3차원의 표시를 허용했다.하지만 단점도 있었다.예를 들어, 남성용 피부에는 검은색 슬립을 사용하고 여성용 피부에는 흰색 페인트를 사용하여 성별을 구분하는 것은 불가능했다.나체로 젊은 나이의 영웅과 신들을 묘사하는 지속적인 경향은 또한 옷이나 헤어스타일을 통해 성별을 구별하는 것을 더 어렵게 만들었다.초기 단계에서는 인체 두께에 대한 오산도 있었다.

검은 꽃병 그림에서는 미리 그린 윤곽이 인물의 일부였습니다.붉은 색 꽃병에서는, 소성 후에, 윤곽이 검은 배경의 일부를 형성합니다.이것은 초기에 매우 얇은 숫자의 꽃병으로 이어졌다.또 다른 문제는 검은 배경은 공간을 깊이 있게 묘사할 수 없기 때문에 공간 원근법이 거의 시도되지 않았다는 것이다.그럼에도 불구하고 장점이 단점보다 많았다.근육의 묘사와 다른 해부학적 디테일은 스타일의 ^[1]발전을 명확하게 보여준다.

아티카

검은 그림 꽃병 그림은 기원전 7세기에 코린트에서 개발되어 그리스 세계와 그 너머에 걸쳐 지배적인 도자기 장식의 스타일이 되었다.코린트가 전체 시장을 지배했지만, 지역 시장과 생산 중심지는 발전했다.처음에 아테네는 코린트 양식을 모방했지만, 점차 코린트의 지배에 대항하고 극복하게 되었다.다락방 예술가들은 그 스타일을 전례 없는 수준으로 발전시켜 기원전 6세기 2/3세기에 그들의 창조적 가능성의 정점에 도달했다.기원전 530년경 활동한 엑세키아는 흑자 문체의 가장 중요한 대표라고 볼 수 있다.

5세기에는 붉은 무늬가 지배적인 아티케의 훌륭한 도자기가 시장에서 우위를 유지했다.다락방 도자기는 마그나 그라키아와 심지어 에트루리아로 수출되었다.아티케 화병에 대한 선호는 아티케 스타일의 영향을 강하게 받았으나, 지역 시장만을 위한 생산인 남이탈리아와 에트루리아 지방의 워크샵 또는 "학교"의 발전으로 이어졌다.

시작

최초의 붉은 모양의 꽃병은 기원전 530년경에 만들어졌다.이 기술의 발명은 보통 안도키데스 화가에게 맡겨진다.그와 그 스타일의 다른 초기 대표자들, 예를 들어 Psiax는 처음에는 두 가지 스타일로 꽃병을 그렸는데, 한쪽에는 검은 그림, 다른 한쪽에는 붉은 그림으로 그렸습니다.예를 들어 안도키데스 화가(Munich 2301)의 벨리 앰포라 같은 꽃병은 이중언어 꽃병이라고 불린다.그들은 검은 피규어 스타일에 대해 큰 발전을 보여주지만, 피규어들은 여전히 다소 딱딱해 보이고 거의 겹치지 않는다.구식의 작곡과 기법은 여전히 사용되고 있었다.따라서 넓은 ^[2]영역을 커버하기 위해 빨간색 페인트("빨간색 추가")를 추가로 도포하는 것과 같이 절개선이 매우 일반적입니다.

개척 단계

소위 "피오니어 그룹"의 예술가들은 빨간 도형 기술의 가능성을 완전히 활용하기 위한 발걸음을 내디뎠다.그들은 기원전 520년에서 500년 사이에 활동하였다.중요한 대표주자로는 Euphronios, Euthymides, Pintias 등이 있다.20세기 학자로 인정받고 정의된 이 그룹은 새로운 스타일에 의해 제공되는 다양한 가능성을 실험했다.그 때문에, 정면도나 후면도등의 새로운 시점에서 인물이 등장해, 투시 단축이나 보다 역동적인 구성을 가지는 실험도 행해졌다.기술 혁신으로서 Euphronios는 "구제 라인"을 도입했다.새로운 꽃병 모양이 발명되는 동시에 선구적인 화가들이 도예가로도 활약한 것이 좋은 발전이다.

새로운 모양은 사이커터와 펠리케를 포함한다.이 시기에 큰 크레이터와 암포래가 인기를 끌었다.현대 학문이 그렇듯이 화가들이 자신을 집단으로 이해했다는 징후는 없지만, 아마도 우호적인 경쟁과 격려의 분위기 속에서 약간의 인연과 상호 영향이 있었다.따라서, 에우티미데스의 꽃병에는 "유프로니오스가 결코 할 수 없었던 것처럼"이라고 새겨져 있다.더 일반적으로 개척자 집단은 비문을 사용하는 경향이 있다.신화적 인물에 라벨을 붙이거나 칼로스 비문을 추가하는 것이 ^[2]예외라기보다는 규칙이다.

화병 화가들 외에도 몇몇 그릇 화가들도 새로운 스타일을 사용했다.여기에는 올토스와 에픽테토스가 포함된다.그들의 작품 대부분은 2개 국어를 사용했으며, 종종 그릇의 내부에만 빨간색 숫자를 사용했다.

후기 고대어

후기 고대 시대(기원전 500~470년)에 활동한 개척자 이후의 예술가 세대는 그 스타일을 새로운 번영으로 이끌었다.이 기간 동안 검은색 꽃병은 같은 품질에 도달하지 못하고 결국 시장에서 밀려났다.가장 유명한 아티케 화병 화가들 중 일부는 이 세대에 속한다.베를린 화가, 클리오프라데스 화가, 그릇 화가 오네시모스, 두리스, 마크론, 브리고스 화가 등이다.품질 향상은 이 기간 동안 생산량이 두 배로 증가했습니다.아테네는 지중해 세계에서 거의 ^[3]모든 다른 생산지들을 압도하며 훌륭한 도자기의 주요 생산지가 되었다.

이 가장 성공적인 다락방 화병의 주요 특징 중 하나는 원근법의 숙달로, 인물과 행동을 훨씬 더 자연스럽게 묘사할 수 있다는 것입니다.또 다른 특징은 용기당 피규어, 해부학적 디테일, 장식적인 장식의 대폭적인 감소이다.반면 묘사된 장면의 레퍼토리는 늘어났다.예를 들어, 테세우스를 둘러싼 신화는 이 시기에 매우 유명해졌다.놀란 암포라(그리스 꽃병 모양 유형학 참조), 레키토이, 그리고 아스코와 다이노 타입의 그릇을 포함한 새로운 또는 변형 꽃병 모양이 자주 사용되었다.화병과 그릇을 분리하는 화가의 전문화가 증가했다.^[3]

초기 및 고전주의

초기 고전파 인물들의 주요 특징은 그들이 종종 이전 인물들보다 다소 딱딱하고 덜 역동적이라는 것이다.그 결과, 그 묘사는 심각해졌고, 심지어 애절하기까지 했다.옷의 주름이 덜 직선적으로 묘사되어 플라스틱처럼 보인다.장면 연출 방식도 크게 달라졌다.첫째, 그 그림들은 특정한 사건의 순간에 초점을 맞추는 것을 멈추고, 오히려 극적인 긴장감을 가지고 행동 직전 상황을 보여주었고, 따라서 그 사건을 적절하게 암시하고 맥락화했다.또한 아테네 민주주의의 다른 새로운 업적들 중 일부는 꽃병 그림에 영향을 미치기 시작했다.그래서 비극과 벽화의 영향을 감지할 수 있다.그리스 벽화가 오늘날 거의 사라졌기 때문에, 화병에 비친 모습은 비록 미미하지만 그 예술 장르에 대한 몇 안 되는 정보원 중 하나이다.

고전주의 화병에 대한 다른 영향으로는 새로 세워진 파르테논 신전과 그 조각적인 장식이 있다.이것은 특히 옷의 묘사에서 두드러지게 나타나며, 소재가 더 자연스럽게 떨어지고 더 많은 주름이 그려지면서 묘사의 "깊이"가 증가하게 되었다.전체적인 구성은 훨씬 더 단순해졌다.예술가들은 대칭, 조화, 그리고 균형을 특별히 강조했다.인간의 형상은 이전의 은은함으로 돌아갔으며, 종종 자기 도취적이고 신성한 ^[3]평온함을 발산한다.

대략 기원전 480년에서 425년 사이의 이 시기의 중요한 화가들은 모두 베를린 화가의 전통을 따르는 프로비던스 화가, 헤르모낙스, 아킬레스 화가를 포함합니다.아킬레스 화가의 제자인 피알레 화가도 중요하다.새로운 작업장 전통도 발전했습니다.주목할 만한 예로는 소위 "매너리스트"가 있는데, 그 중 가장 유명한 것은 팬 페인트공이다.또 다른 전통은 니오비드 화가에 의해 시작되었고 폴리그노토스, 클레오폰 화가, 다이노스 화가에 의해 계속되었다.그릇의 역할은 줄어들었지만, 펜테실레아 ^[3]화가의 작업실 등에 의해 여전히 대량으로 생산되었다.

후기 클래식

후기 고전 시대, 5세기 마지막 사분오열에는 두 가지 반대되는 경향이 형성되었다.한편, 조각의 「풍부한 스타일」의 영향을 강하게 받은 화병화가 발달하는 한편, 고전주의 시대의 발전을 계속하는 워크샵도 있어, 감정의 묘사와 다양한 에로틱한 장면에 중점을 두고 있다.풍성한 스타일의 가장 중요한 대표자는 메이디아스 화가입니다.투명한 의복과 여러 겹의 옷주름이 특징입니다.보석이나 다른 물건의 묘사도 증가하고 있다.주로 흰색과 금색인 추가 색상을 사용하여 액세서리를 낮은 부조로 표현한 것이 매우 인상적입니다.시간이 지남에 따라 "연화"가 두드러집니다.지금까지 근육 묘사에 의해 정의되어 왔던 남성의 몸은 점차 그 주요 특징을 ^[3]잃었습니다.

그 그림들은 신화적인 장면을 이전보다 덜 자주 묘사했다.개인과 국내의 이미지가 점점 더 중요해졌다.특히 여성의 생활 장면이 빈번하다.신화적인 장면들은 디오니소스와 아프로디테의 이미지들이 주를 이룬다.몇몇 예술가들 사이에서 묘사된 주제가 왜 바뀌었는지는 분명하지 않다.제안에는 펠로폰네소스 전쟁의 공포뿐만 아니라 지중해 도자기 무역에서 아테네의 지배적인 역할을 상실하는 상황도 포함된다.Iberia와 같은 새로운 시장의 역할이 증가함에 따라 일부 고객에게 새로운 요구와 희망이 제시되었습니다.이러한 이론들은 일부 예술가들이 초기 스타일을 유지했다는 사실과 모순된다.에레트리아 화가와 같은 몇몇 사람들은 두 전통을 결합하려고 시도했다.고전 후기 최고의 작품들은 종종 배꼽 렉토이, 피키사이드, 오이노차이와 같은 작은 그릇에서 발견된다.레카니스, 벨 크라터(그리스 꽃병 형태 유형학 참조), 하이드리아도 ^[4]인기가 있었다.

붉은 무늬의 주류는 기원전 360년경부터 생산이 중단되었다.리치 스타일과 심플 스타일 모두 그때까지 존재했다.후기 대표작으로는 멜리거 화가(풍부한 스타일)와 예나 화가(심플한 스타일)가 있다.

커치 스타일

아티크 레드-피규어 꽃병 그림의 마지막 수십 년은 커치 스타일이 지배하고 있습니다.기원전 370년에서 330년 사이에 현재의 이 스타일은 이전의 리치 스타일과 모데스트 스타일을 결합하여 부자의 우세를 보였다.커다란 조각상 같은 형상으로 붐비는 구성이 대표적이다.추가된 색상에는 파란색, 녹색 등이 포함됩니다.부피와 음영은 희석된 광택 점토를 사용하여 나타냅니다.꽃병 본체에 부착된 얇은 형상 부조처럼 전체 형상을 응용 프로그램으로 추가하는 경우가 있습니다.사용 중인 혈관 모양의 다양성이 급격히 감소했습니다.일반적으로 그려진 모양으로는 펠리케, 샬리스 크라터, 배꼽 레키토스, 스카이포스, 하이드리아, 오이노초 등이 있다.여자 생활에서 나오는 장면은 매우 흔하다.신화적 주제는 여전히 디오니소스에 의해 지배되고 있다; 아리아드네와 헤라클레스는 가장 일반적으로 묘사되는 영웅들이다.이런 스타일의 가장 유명한 화가는 마르시아스 ^[4]화가입니다.

그림으로 묘사된 마지막 아테네 화병은 늦어도 기원전 320년경에 만들어졌다.그 스타일은 다소 더 오래 지속되었지만, 모양에 구애받지 않는 장식이 있었다.마지막으로 알려진 예는 YZ그룹으로 알려진 화가들에 의한 것이다.

아티스트 및 작품

케라메이코스 가문은 아테네의 도공들의 거주지였다.그곳에는 다양한 소규모 워크샵이 있었고 아마도 몇 개의 큰 워크샵이 있었을 것입니다.1852년 에르모우 거리에서 건축 활동을 하던 중 제나 화가의 작업장이 발견되었다.그 유물들은 현재 ^[5]예나의 프리드리히 쉴러 대학의 컬렉션에 전시되어 있다.현대 연구에 따르면, 그 작업장은 도공들이 소유하고 있었다.약 40명의 다락방 꽃병 화가들의 이름은 꽃병 비문으로부터 알려져 있으며, 보통 accompanψαψ(에그랩센, has painting)이라는 단어와 함께 나타난다.반면 도공의 표식인 (,,,,,epoepo(이포이센, 제작)은 100여 개의 항아리에 남아 있다(두 숫자는 모두 아티케 화병 그림의 총체를 나타낸다).비록 서명은 기원전 580년 경부터 알려져 있었지만, 그들의 사용은 개척기를 전후하여 정점으로 증가하였다.장인에 대한 부정적인 태도 변화는 ^[6]늦어도 고전시대부터 시작되면서 서명의 감소로 이어졌다.전반적으로 시그니처는 거의 없습니다.특히 좋은 작품에서 많이 볼 수 있다는 것은 도예가나 ^[7]화가의 자부심을 표현했다는 것을 보여준다.

도예가와 관련된 화가들의 지위는 다소 불분명하다.예를 들어, Euphronius가 화가와 도공으로 일할 수 있었다는 사실은 적어도 화가들 중 일부는 노예가 아니었음을 암시한다.한편, 알려진 이름 중에는 적어도 노비나 페리오이코이가 있었다는 것을 알 수 있다.게다가, 몇몇 이름들은 독특하지 않다: 예를 들어, 몇몇 화가들은 Polygnotos라고 서명했다.이것은 그 위대한 화가의 이름에서 이익을 얻으려는 시도일지도 모른다.화가들이 아리스토파네스처럼 다른 유명한 이름을 가진 경우도 마찬가지일 것이다.몇몇 꽃병 화가들의 직업은 꽤 잘 알려져 있다.활동 기간이 비교적 짧은 화가들을 제외하면, 몇몇은 훨씬 더 오래 추적할 수 있다.두리스, 마크론, 헤르모낙스, 아킬레스 화가 등이 대표적이다.이후 몇몇 화가가 도예가가 된 점과 도예가가 화가인지 그 반대인지 불분명한 경우가 상대적으로 많은 것은 아마도 주로 그림을 그리는 도예가 되기까지의 경력 구조를 암시한다.

많은 도공들이 흑인시대(Exekias, Nearchos, 아마 Amasis Painter 등)부터 알려져 있기 때문에, 이러한 노동의 구분이 붉은 인형의 회화의 도입과 함께 발전한 것으로 보인다.수출에 대한 수요 증가는 새로운 생산 구조, 전문화 및 분업을 장려하여 때때로 페인트공과 도공의 구별을 모호하게 만들었을 것이다.위에서 언급했듯이, 선박의 그림은 주로 젊은 조수나 견습생들의 몫이었을 것이다.도자기 생산의 조직적인 측면에 관한 몇 가지 추가 결론을 제안할 수 있다.그것은 사실을 자주, 같은 도예가에게 여러 대략 현대 도자기 다양한 화가들의로 칠해져 있는 것으로 나타난은 일반적으로, 몇명의 화가들 한 도자기 워크숍을 위해 일했다는 것으로 보인다.예를 들어, 항아리 Euphronios에 의해 만들어진 Onesimos, 두 리스, 후렴 페인터, 트립 톨레 모스 화가와 그 Pistoxenos 화가에 의해 그려진 것으로 나타났다.반대로 개별 화가 또한 워크샵에서 다른으로 바꿀 수 있다.예를 들어, 그릇 화가 Oltos 적어도 여섯개의 다른 도공들을 위해 일했다.[7]

현대적 관점에서 보면 화병은 예술가로, 화병은 예술작품으로 여겨지지만, 이 관점은 고대에 존재했던 것과는 일치하지 않는다.꽃병 화가도 도공과 마찬가지로 장인으로 간주되었고, 그들의 생산물은 무역 ^[8]상품으로 간주되었다.다양한 비문이 나오니 장인들은 상당히 높은 수준의 교육을 받았을 것이다.한편으로, 앞에서 언급한 칼로스 비문은 흔한 반면, 비문은 종종 묘사된 인물에 라벨을 붙인다.모든 꽃병 화가가 글을 쓸 수 있는 것은 아니라는 것을 의미 없는 무작위 문자의 몇 가지 예를 통해 알 수 있다.이 꽃병들은 기원전 6세기 이후로 ^[9]읽고 쓰는 능력이 꾸준히 향상되었음을 보여준다.도공들, 그리고 아마도 꽃병 화가들이 아티크 엘리트들의 소유인지는 지금까지 만족스럽게 밝혀지지 않았다.분명한 상류층의 활동인 심포지엄의 빈번한 묘사는 화가들의 개인적 경험, 그러한 행사에 참석하고자 하는 그들의 열망을 반영하는가 아니면 단순히 ^[10]시장의 요구를 반영하는가?사이커터, 크라터, 칼피스, 스탬노, 카일리케스,^[11] 칸타로이 등 생산되는 도색 화병의 상당 부분을 심포지엄에서 사용하기 위해 제작·구매했다.

정교하게 그려진 꽃병은 그리스인이 먹을 수 있는 최고의 식탁용품은 아니었지만 좋았다.특히 귀금속의 금속 용기는 더 높이 평가되었다.그럼에도 불구하고, 도색된 꽃병은 값싼 제품이 아니었다; 더 큰 표본은 특히 비쌌다.기원전 500년경에, 커다란 페인트 화병의 가격은 석공의 일당 임금과 맞먹는 1드라크마였다.그 화병은 금속 그릇을 모방하려는 시도를 나타낸다는 주장이 제기되었다.보통 하층민들은 단순한 무장식 조잡한 그릇을 사용하는 경향이 있었다고 추정되는데, 그 중 많은 양이 발굴에서 발견된다.나무와 같은 부패하기 쉬운 재료로 만들어진 식기류는 훨씬 ^[12]더 널리 퍼져 있었을지도 모른다.그럼에도 불구하고 일반적으로 정착지에서 발견된 최고 품질의 붉은 모양의 화병이 여러 번 발견되면 그러한 혈관이 일상생활에서 사용되었음을 입증한다.생산의 많은 부분을 컬트나 무덤이 차지했다.어쨌든, 고품질의 도자기의 생산은 이윤이 있는 사업이었다고 추측할 수 있다.예를 들어, 화가 Euphronios가 바친 값비싼 선물이 아테네 ^[13]아크로폴리스에서 발견되었다.그러한 도자기의 수출이 아테네의 풍요에 중요한 기여를 했다는 것은 의심의 여지가 거의 없다.많은 워크샵이 수출시장에서의 생산을 목표로 하는 것으로 보이는 것은 별로 놀랄 일이 아니다.예를 들어 아테네보다 타깃 지역에서 더 인기 있는 선박모양을 제작하는 것이다.기원전 4세기 아티케 꽃병 그림의 종말은 아마도 서양의 주요 수출 시장인 에트루리아인들이 남이탈리아 그리스인들과 로마인들로부터 증가하는 압력을 받았던 바로 그 시기와 분명히 일치한다.그림처럼 장식된 꽃병의 생산이 종료된 또 다른 이유는 헬레니즘 시대의 시작에서 취향의 변화이다.그러나 주된 이유는 펠로폰네소스 전쟁이 점점 더 성공하지 못하면서 기원전 404년 아테네의 참패에서 정점에 이르렀기 때문이다.그 후, 스파르타는 서부 무역을 완전히 이용하기 위한 경제적 힘은 없었지만, 서부 무역을 통제했다.아티크 도공들은 흑해 지역에서 새로운 시장을 찾아야 했다.그러나 아테네와 그 산업은 패배로부터 완전히 회복되지 못했다.몇몇 도공들과 화가들은 더 나은 경제적 조건을 찾아 전쟁 중에 이미 이탈리아로 이주했다.아티케 꽃병 제작의 수출 지향적 성격을 보여주는 중요한 지표는 극장 장면이 거의 없다는 것입니다.에트루리아인이나 이후 이베리아 반도의 고객들과 같은 다른 문화적 배경을 가진 구매자들은 이러한 묘사를 이해할 수 없거나 재미없다고 느꼈을 것이다.대부분 수출을 목적으로 하지 않았던 남이탈리아 꽃병 그림에서는 이런 장면이 ^[14]흔하다.

이탈리아 남부

적어도 현대의 관점에서 볼 때, 남이탈리아 빨간 모양의 꽃병 그림은 아티크의 예술적 품질 기준에 부합하는 유일한 생산 지역을 나타냅니다.아티케 화병 다음으로, 남이탈리아 화병(시칠리아 화병 포함)이 가장 철저하게 조사된다.아틱의 경쟁 제품과는 대조적으로, 그것들은 대부분 지역 시장을 위해 생산되었다.이탈리아 남부와 시칠리아에서 발견된 작품은 거의 없다.최초의 작업장은 기원전 5세기 중반에 아티크 도공들에 의해 세워졌다.곧, 지역 장인들이 훈련을 받았고 아티크 화병에 대한 주제와 형식적인 의존을 극복했다.세기가 끝날 무렵, 독특한 "오른 스타일"과 "일반 스타일"이 풀리아에서 발전했습니다.특히 화려한 문체는 다른 본토 학교에서도 채택되었지만,^[15] 같은 수준에는 이르지 못했습니다.

지금까지 21,000개의 남이탈리아 화병과 파편이 알려져 있다.그 중 11,000개는 아풀리아 워크숍, 4,000개는 캄파니아 워크숍, 2,000개는 파에스탄 워크숍, 1,500개는 루카니아 워크숍, 1,000개는 시칠리아 ^[16]워크숍에 할당되어 있습니다.

아풀리아

아풀리안 화병의 전통은 남이탈리아의 대표적인 화풍으로 여겨진다.주요 생산 중심지는 타라스였다.붉은 모양의 화병은 기원전 약 430년에서 300년 사이에 생산되었다.단조롭고 화려한 스타일이 특징입니다.이들 사이의 주된 차이점은 평범한 스타일은 종 모양의 크레이터, 기둥 크레이터, 그리고 작은 그릇을 선호했고, 단 하나의 "일반" 그릇은 4개 이상의 형상을 거의 묘사하지 않았다는 것이다.주요 주제는 신화 장면, 여성 머리, 이별의 전투 장면의 전사, 디오니식 티아소스 이미지였다.그 반대편에서는 종종 망토를 입은 젊은이들을 보여주었다.이 단순한 장식품의 주요 특징은 일반적으로 추가 색상이 없다는 것입니다.중요한 평이한 스타일의 대표자는 시시푸스 화가와 타폴리 화가이다.기원전 4세기 중반 이후, 그 스타일은 점점 더 화려한 스타일에 가까워진다.그 시대의 중요한 예술가는 바로즈 ^[17]화가이다.

화려한 스타일을 사용하는 예술가들은 볼루트 크레이터, 암포래, 루트로포로이, 하이드라이와 같은 큰 그릇을 선호하는 경향이 있었다.더 큰 표면적은 종종 꽃병 본체에 있는 여러 개의 레지스터에 있는 최대 20개의 숫자를 묘사하는 데 사용되었다.추가 색상, 특히 빨강, 노랑-금, 흰색의 음영이 많이 사용됩니다.4세기 후반부터 꽃병의 목과 옆면은 풍부한 식물성 또는 장식성 장식으로 장식되어 있다.동시에, 「하데스의 궁전」(naiskoi)등의 건물을 중심으로, 원근감이 발달합니다.기원전 360년 이후, 이러한 구조물은 매장 의례와 관련된 장면에서 종종 묘사된다.이 스타일의 중요한 대표자는 일리우페르시스 화가, 다리우스 화가, 볼티모어 화가이다.신화적인 장면들이 특히 인기가 많았습니다.신들의 모임, 아마조노마키, 트로이 전쟁, 헤라클레스, 벨레로폰.게다가, 그러한 꽃병들은 종종 꽃병에서만 잘 그려지지 않는 신화 속 장면들을 묘사한다.일부 표본은 특정 신화의 아이콘그래피를 위한 단일 출처를 나타낸다.아티크 꽃병 그림에서 알려지지 않은 또 다른 주제는 극장 장면이다.특히 소위 말하는 인두병에서 나오는 익살스러운 장면은 꽤 흔하다.운동이나 일상생활의 장면은 초기에만 나타나고 기원전 ^[18]370년 이후에는 완전히 사라진다.

아풀리안 꽃병 그림은 다른 남이탈리아 생산 센터의 전통에 형성적인 영향을 끼쳤다.개별 아풀리아 예술가들이 다른 이탈리아 도시에 정착하여 그들의 기술을 그곳에 기여했을 것으로 추정됩니다.붉은 모양 외에도, 아풀리아는 또한 칠해진 장식이 있는 검은 색칠이 된 꽃병과 다색 꽃병(캐노사 ^[19]꽃병)을 생산했습니다.

캄파니아 주

캄파니아는 또한 기원전 5세기와 4세기에 붉은 모양의 꽃병을 생산했다.캄파니아의 옅은 갈색 점토는 불에 탄 후 분홍색이나 붉은색을 띠는 슬립으로 덮여 있었다.캄파니아 화가들은 작은 그릇 타입을 선호했지만 하이드라이와 벨 크레이터도 선호했다.가장 인기 있는 모양은 활 모양의 암포라입니다.볼루트 크레이터, 원기둥 크레이터, 루트로포로이, 유타, 네스토리스 암포래와 같은 많은 전형적인 아풀리안 선박 모양은 존재하지 않으며 펠라이크는 드물다.모티브의 레퍼토리는 한정되어 있습니다.주제는 젊은이, 여성, 티아소 장면, 새와 동물, 그리고 종종 원주민 전사들을 포함합니다.뒷모습은 종종 옷을 입은 젊은이들을 보여준다.장례의식과 관련된 신화적인 장면과 묘사는 부수적인 역할을 한다.나이스코 장면, 장식 요소, 다색성은 기원전 340년 이후 루카니아의 영향을 ^[20]받아 채택되었다.

기원전 4세기 2분기에 시칠리아 도공들이 이주하기 전에 캄파니아에 여러 개의 공방이 설립되었을 때, 5세기 후반의 부엉이 기둥 공방만이 알려져 있었다.캄파니아 꽃병 그림은 크게 세 가지 그룹으로 나뉩니다.

첫 번째 그룹은 여전히 시칠리아의 영향을 받고 있는 카푸아 출신의 카산드라 화가에 의해 대표된다.이어 파리시 화가, 라게토 화가, 카이바노 화가의 워크숍이 이어졌다.그들의 작품은 티르소스를 가진 사튀르 인물을 선호하고, 머리(보통 히드리아이 손잡이 아래), 장식 테두리, 그리고 흰색, 빨간색, 노란색을 자주 사용하는 것이 특징이다.라게토와 카이바노 화가는 나중에 ^[21]파이스툼으로 이주한 것으로 보인다.

AV그룹도 카푸아에서 워크숍을 열었다.특히 중요한 것은 화이트페이스 프리냐노 화가로, 이 그룹 최초의 화가 중 한 명이다.그의 전형적인 특징은 여성의 얼굴을 묘사하기 위해 추가로 흰 페인트를 사용하는 것이다.이 그룹은 가정적인 장면, 여성, 전사들을 선호했다.여러 인물이 있는 경우는 드물며, 보통 꽃병의 앞면과 뒷면에 각각 하나의 인물만 있으며, 때로는 머리만 있습니다.옷은 보통 ^[22]캐주얼하게 그려진다.

기원전 350년 이후 CA 화가와 그의 후계자들은 쿠마에에서 일했다.CA의 화가는 그의 그룹의 뛰어난 예술가 혹은 심지어 캄파니아 꽃병 그림 전체로 간주됩니다.330년부터는 아풀리언의 강력한 영향을 볼 수 있습니다.가장 일반적인 모티브는 나이스코와 무덤 장면, 디오니식 장면과 심포지엄이다.보석으로 장식된 여성의 머리를 묘사하는 것도 흔하다.CA의 화가는 다색이었지만 건축과 여성상을 위해 많은 흰색을 사용하는 경향이 있었다.그의 후계자들은 그의 품질을 완전히 유지할 수 없었고,^[22] 빠른 종말을 맞이하여 기원전 300년경 캄파니안 화병의 그림으로 끝이 났다.

루카니아

루카니아 꽃병 그림의 전통은 기원전 430년경에 피치 화가의 작품과 함께 시작되었다.그는 아마도 그의 작품 중 일부가 발견된 피치시에서 활동했을 것이다.그는 아티크의 전통에 강한 영향을 받았다.그의 후계자인 아미커스 화가와 사이클롭스 화가는 메타폰툼에서 워크숍을 열었다.그들은 새로운 네스토리스(그리스 꽃병 모양의 유형학 참조) 꽃병 유형을 최초로 그린 사람들이다.신화적인 장면이나 연극적인 장면은 흔하다.예를 들어, 아이스킬로스에 의해 Cheophoroi의 이름을 딴 Cheophoroi 화가는 그의 꽃병 몇 개에 문제의 비극의 장면들을 보여주었다.아풀리안 꽃병 그림의 영향력은 그와 동시에 거의 구체화된다.특히 다색성과 식물성 장식이 표준이 되었다.이 스타일의 중요한 대표 인물로는 돌론 화가와 브루클린 부다페스트 화가가 있다.기원전 4세기 중반에 접어들면서 질과 주제 다양성의 급격한 하락이 두드러지게 되었다.마지막으로 주목할 만한 루카니아 꽃병 화가는 프리마토 화가로, 아풀리안 리쿠르고스 화가의 영향을 많이 받았습니다.그 후,^[23] 기원전 4세기 마지막 4분의 1에 루카니아 꽃병 그림이 중단되면서 짧은 사망이 뒤따랐다.

페스툼

파이스탄 화병은 남이탈리아의 마지막 화풍으로 발전했다.그것은 기원전 360년경 시칠리아 이민자들에 의해 세워졌다.첫 번째 워크샵은 Asteas와 Python에 의해 관리되었습니다.그들은 비문으로 알려진 유일한 남이탈리아 꽃병 화가들이다.그들은 주로 종 크레이터, 목 암포래, 히드리아이, 레베 가미코스, 레케인, 레키토이, 저그, 더 드물게 펠라이크, 성채 크레이터, 그리고 볼류트 크레이터를 그렸다.특징으로는 측면 팔메트, 꽃받침과 움블이 있는 텐드릴 무늬, 옷의 크레넬레이션과 같은 무늬, 그리고 피규어 뒤에 늘어뜨린 곱슬머리 등이 있다.식물이나 바위에 기대어 앞으로 구부러지는 형상은 똑같이 흔하다.특히 흰색, 금색, 검정색, 보라색, 붉은색 ^[24]등의 특별한 색상이 자주 사용됩니다.

묘사된 주제는 종종 디오니시악의 순환에 속합니다: 티아소스와 심포지엄 장면, 사티르, 마에나드, 실레노스, 오레스테스, 일렉트라, 아프로디테와 에로스, 아폴로, 아테나, 헤르메스.페스탄의 그림은 가정적인 장면을 묘사하는 경우는 드물지만 동물을 선호한다.아스테아스와 파이톤은 파스툼의 꽃병 그림에 큰 영향을 끼쳤다.이것은 아프로디테 화가의 작품에서 분명히 드러납니다.아풀리아에서 이주한 것으로 생각됩니다.기원전 330년경, 첫 번째 작업 이후에 두 번째 작업장이 개발되었습니다.그 그림의 질과 모티브의 다양성은 빠르게 악화되었다.동시에 캄파니안 카이바노 화가의 영향이 두드러지고, 옷도 직선적으로 떨어지고, 윤곽이 없는 여성상이 뒤따른다.기원전 300년경, 페스탄의 꽃병 그림은 ^[25]중단되었다.

시칠리아

시칠리아의 꽃병 그림은 기원전 5세기 말 이전에 히메라와 시라쿠사에의 폴리스에서 제작되기 시작했다.스타일, 테마, 장식, 꽃병 모양에 있어서, 공방들은 아티크 전통, 특히 후기 고전 메이디아스 화가의 영향을 많이 받았습니다.4세기 2/4분기에 시칠리아의 꽃병 화가들은 캄파니아와 파이스툼으로 이주하여 붉은 모양의 꽃병 그림을 도입하였다.시라쿠사에만 ^[26]생산량이 한정되어 있었다.

전형적인 시칠리아 양식은 기원전 340년경에 발전했다.워크샵은 세 그룹으로 구분할 수 있습니다.렌티니-만프리아 그룹으로 알려진 첫 번째 그룹은 시라쿠사에와 겔라에서 활동했고, 두 번째 그룹은 아이트나 산 주변에 센츄리페 웨어를 만들었고, 세 번째 그룹은 리파리에서 활동했습니다.시칠리아 꽃병 그림의 가장 전형적인 특징은 추가 색상, 특히 흰색의 사용이다.초기에는 찰리스 크레이터나 하이드리아이와 같은 대형 선박이 그려졌지만 플라스크, 레케인, 레키토이, 스카이포이드 팍시드 같은 소형 선박이 더 대표적이다.가장 일반적인 모티브는 여성의 생활 장면, 에로테, 여성의 머리, 인두 장면이다.신화적인 장면은 드물다.다른 모든 지역과 마찬가지로,^[26] 꽃병 그림은 기원전 300년경 시칠리아에서 사라집니다.

에트루리아 및 기타 지역

검은 형상의 꽃병 그림과는 대조적으로, 붉은 형상의 꽃병 그림은 아티카와 남부 이탈리아 밖에서 지역 전통, 작업장 또는 "학교"를 거의 발전시키지 못했다.몇 가지 예외는 보이오티아(아테네의 위대한 화가 칸타로스의 화가), 할키다이크, 엘리스, 에레트리아, 코린트, 라코니아 등의 작업장을 포함한다.

아티케 화병의 주요 수출 시장 중 하나인 에트루리아만이 자체 학교와 워크샵을 개발하여 결국 자체 제품을 수출했습니다.아테네의 꽃병을 모방한 붉은 그림 채택은 기원전 490년 이후, 그 스타일이 발달한 지 반세기 후에야 이루어졌다.사용된 기법 때문에, 가장 초기의 예들은 의사 적화병 그림으로 알려져 있다.진정한 붉은 자형 기술은 훨씬 뒤인 기원전 5세기 말에 도입되었다.여러 화가, 작업장 및 생산 센터가 두 가지 스타일로 알려져 있습니다.그들의 제품은 현지에서 사용되었을 뿐만 아니라 몰타, 카르타고, 로마, 리구리아에도 수출되었다.

붉은 도형의 화법

초기 에트루리아의 예들은 단지 붉은 도형 기술을 모방했을 뿐이다.드물고 초기의 아티크 기법(식스 기법 참조)과 유사하게, 용기 전체가 검은 광택 점토로 덮여 있었고, 그 후에 붉은색 또는 흰색을 산화시키는 광물 색상을 사용하여 형상을 적용했다.따라서, 현대의 아티케 화병 그림과는 달리, 붉은색은 칠하지 않은 부분을 남겨두는 것이 아니라 검은색의 프라임 층에 물감을 더하는 것으로 나타났다.검은 꽃병처럼 내부 디테일을 칠하지 않고 도형에 새겼다.이 스타일의 중요한 대표자로는 프락시아스 화가와 벌치에 있는 그의 작업장의 다른 거장들이 있다.그리스 신화와 도상학에 대한 그들의 명백한 지식에도 불구하고, 이 화가들이 아티카에서 이민왔다는 것을 나타내는 증거는 없다.프락시아 화가는 예외일 수 있는데, 그의 꽃병 네 개에 그리스어로 새겨진 글씨가 그가 그리스에서 ^[27]유래했음을 나타낼 수 있기 때문이다.

에트루리아에서는 아티카에서와 같이 유사 적색 도형 양식은 초기 단계의 현상만이 아니었다.특히 4세기에는 에트루리아 공방들 사이에 붉은 무늬의 진짜 그림이 널리 퍼져있었지만, 일부 공방들은 이 기법을 전문으로 다루었다.주목할 만한 워크샵으로는 Sokra Group과 Phantom Group이 있습니다.좀 더 오래된 소크라 그룹은 그리스 신화적 테마의 내부 장식이 있는 그릇과 에트루리아 모티브가 있는 그릇을 선호했다.유령 그룹은 주로 식물이나 팔메트 장식과 결합된 망토를 입힌 인물들을 그렸다.두 그룹의 워크샵은 케어, 팔레리, 타르퀴니아에 있었던 것으로 추정된다.팬텀 그룹은 기원전 3세기 초반까지 생산되었다.다른 곳과 마찬가지로, 손님들의 취향 변화는 결국 이 스타일의 ^[28]종말을 가져왔다.

붉은 도형의 꽃병 그림

붉은 부분이 페인트를 칠하지 않은 채 남아 있는 꽃병인 진정한 붉은 인물 화병은 기원전 5세기 말경에 에트루리아에 소개되었다.첫 번째 워크샵은 Vulci와 Falerii에서 개발되어 주변 지역에서도 제작되었습니다.이러한 초기 워크샵의 배후에 아티크의 거장들이 있었을 가능성이 높지만, 남이탈리아의 영향도 분명합니다.이 공방들은 기원전 4세기까지 에트루리아 시장을 지배했다.크레이터나 항아리 같은 크고 중간 크기의 그릇들은 대부분 신화적인 장면으로 장식되었다.4세기경 팔레리아의 생산은 불치의 생산을 능가하기 시작했다.Chiusi와 Orvieto에서 새로운 생산 중심지가 개발되었습니다.특히 디오니시즘의 장면을 실내에서 묘사하는 술잔을 주로 제작하는 치오시 톤도 그룹이 중요해졌다.세기의 후반기에 볼테라는 중심지가 되었다.이곳에서는 특히 막대 손잡이 크레이터가 생산되었고, 특히 초기 단계에서 정교하게 칠해졌다.

기원전 4세기 후반에는 에트루리아 화가들의 레퍼토리에서 신화적인 주제가 사라졌다.그들은 여성 머리와 최대 두 명의 인물 장면으로 대체되었다.화상의 묘사 대신 장식과 꽃무늬가 그릇의 몸체를 덮었다.Den Haag Follunnel 그룹 페인터의 크레이터와 같은 대형 피규어 구성은 예외적으로만 제작되었습니다.원래 팔레리에서의 대규모 생산은 팔레리 화가들에 의해 설립되었을 것이며 뚜렷한 전통을 대표한다고 할 수 없는 까레의 생산 센터에게 지배적인 역할을 빼앗겼다.까에레 워크숍의 표준 레퍼토리는 단순 칠해진 오이노초아이, 토콥 그룹의 레키토이와 술그릇, 제네킬리아 그룹의 접시 등이었다.4세기 말 무렵에 흑유병 생산으로 전환한 것은 아마도 당시의 취향 변화에 대한 반작용으로, 에트루리아 붉은 자형 화병 ^[29]그림의 종말을 알렸다.

조사 및 접수

약 65,000개의 붉은 모양의 꽃병과 꽃병 조각들이 ^[c]살아남은 것으로 알려져 있다.고대 도자기와 그리스 꽃병 그림에 대한 연구는 이미 중세 시대에 시작되었다.레스토로 다레조는 고대 꽃병에 그의 세계 묘사에 대한 한 장을 바쳤다.그는 특히 점토 그릇을 모양, 색깔, 예술적 ^[30]양식 면에서 완벽하다고 여겼다.그럼에도 불구하고, 처음에 관심은 일반적인 꽃병, 특히 돌 화병에 집중되었다.몇몇 채색된 그릇을 포함한 고대 꽃병들의 첫 수집품들은 르네상스 시대에 개발되었다.우리는 심지어 그 당시 그리스에서 이탈리아로 수입된 것을 알고 있다.그럼에도 불구하고 바로크 시대가 끝날 때까지 꽃병 그림은 다른 장르, 특히 조각에 의해 가려졌다.고전주의 이전의 드문 예외는 니콜라스 클로드 파브리 드 페이레스크를 위해 제작된 도형 화병을 묘사한 수채화 책이다.그의 동시대 수집가들과 마찬가지로, 페이레스크는 많은 점토 ^[31]화병을 가지고 있었다.

고전주의 시대 이후 도자기가 더 많이 수집되었다.예를 들어, 윌리엄^[d] 해밀턴 경과 주세페 발레타는 꽃병 컬렉션을 가지고 있었다.이탈리아에서 발견된 꽃병은 비교적 저렴해서 개인도 중요한 수집품을 모을 수 있었다.꽃병은 그랜드 투어에서 집으로 가져갈 북서 유럽 젊은이들에게 인기 있는 기념품이었다.이탈리아로의 ^[e]항해 일기에서 괴테는 고대 꽃병을 사는 유혹을 언급하고 있다.원고를 살 여유가 없는 사람들은 복사본이나 인쇄물을 얻을 수 있는 선택권이 있었다.심지어 고대 도자기를 모방하는 전문 제조 공장도 있었다.가장 잘 알려진 것은 웨지우드(Wedgwood)로, 비록 고대의 모티브를 단지 주제적 ^[32]영감으로 사용한 고대와는 전혀 무관한 기술을 사용했다.

1760년대부터 고고학 연구도 꽃병 그림에 초점을 맞추기 시작했다.그 꽃병들은 고대 삶의 모든 측면, 특히 도상학 및 신화학 연구에 대한 자료로 높이 평가되었다.꽃병 그림은 이제 거의 완전히 사라진 그리스 기념비 그림의 대체물로 취급되었다.이 무렵, 그려진 모든 꽃병이 에트루리아 작품이라는 널리 퍼진 견해는 옹호할 수 없게 되었다.그럼에도 불구하고, 고대의 꽃병을 모방하는 그 시대의 예술적 패션은 all'etrusque라고 불리게 되었다.영국과 프랑스는 화병에 대한 연구와 모방 모두에서 서로를 능가하려고 노력했다.독일의 미학 작가 요한 하인리히 뮌헨츠와 요한 요아힘 빙켈만은 꽃병 그림을 연구했다.윈켈만은 특히 움리슐리니엔스틸(즉, 붉은 그림)을 칭찬했다.꽃병 장신구는 패턴북을 ^[33]통해 영국에서 편찬되어 보급되었다.

꽃병 그림은 현대 회화의 발전에도 영향을 끼쳤다.선형의 스타일은 Edward Burne-Jones, Gustave Moreau 또는 Gustav Klimt와 같은 예술가들에게 영향을 미쳤다.1840년경 페르디난드 게오르크 발드뮐러는 은색 선박과 붉은색 형상의 벨 크레이터로 정물화를 그렸다.앙리 마티스는 비슷한 그림을 그렸다.그들의 미적 영향은 현재에까지 미치고 있다.예를 들어, 코카콜라 병의 잘 알려진 곡선 모양은 그리스 ^[34]꽃병에서 영감을 얻었다.

특히 존 D에 의해 아티케 꽃병 그림에 대한 과학적 연구가 진전되었다. 비즐리.Beazley는 미술사학자 Giovanni Morelli가 그림 연구를 위해 개발한 방법론에 영감을 받아 1910년부터 꽃병을 연구하기 시작했다.그는 각각의 화가가 항상 틀림없는 개별적인 작품들을 만들어냈다고 추정했다.이를 위해 얼굴, 손가락, 팔, 다리, 무릎, 옷주름 등 특정 세부사항을 비교했다.Beazley는 65,000개의 꽃병과 파편들을 조사했다 (이 중 20,000개는 검은 자리의 것이었다).60년간의 연구 과정 동안, 그는 그 중 17,000개를 개별 예술가들의 것으로 돌릴 수 있었다.그들의 이름이 알려지지 않은 곳에서 그는 전통적인 이름 체계를 개발했다.Beazley는 또한 개별 화가들을 그룹, 작업장, 학교 및 스타일로 통합하고 결합했습니다.비즐리만큼 그리스 꽃병 그림에 대한 연구에 영향을 준 고고학자는 없었다.그의 분석의 상당 부분은 오늘날에도 여전히 유효하다고 여겨진다.비즐리는 1925년과 1942년에 붉은 도형의 꽃병 그림에 대한 결론을 처음 발표했다.그의 초기 연구는 기원전 4세기 이전의 물질만을 고려했다.1963년에 출판된 그의 작품의 새로운 판을 위해, 그는 특히 케르치 스타일의 꽃병을 연구했던 칼 셰폴드와 같은 다른 학자들의 작품을 이용하면서 그 후기를 통합했다.비즐리 이후 아티크의 붉은 형상을 계속 연구한 유명한 학자들로는 존 보드만, 에리카 사이먼, 디트리히 폰 보츠머 ^[35]등이 있다.

남이탈리아 판화 연구에 있어서 Arthur Dale Trendall의 작품은 아티카의 Beazley의 작품과 비슷한 의미를 가진다.대부분의 비즐리 이후의 학자들은 비즐리의 전통을 따르고 그의 방법론을 ^[f]사용한다고 말할 수 있다.그리스 화병에 대한 연구는 계속되고 있는데, 특히 고고학적 발굴, 불법 발굴, 알려지지 않은 개인 소장품에서 새로운 재료가 지속적으로 추가되고 있기 때문이다.

「 」를 참조해 주세요.

• 고대 그리스 미술
• 그리스의 꽃병 화가 목록
• 꽃병 모양과 변형을 분류하고, 형태 윤곽과 전형적인 예를 구분하며, 그리스 꽃병 모양의 유형도 분류하는 유용한 표 세트는 독일어 위키피디아에서 Liste der Formen, Typen und Varianten der variechischen Fein-and Gebrouchskeramik을 참조하십시오.

메모, 참고 자료 및 출처

메모들

레퍼런스

원천

라이브러리 리소스 정보 붉은 도기

온라인 서적 라이브러리의 리소스 다른 라이브러리의 리소스

추가 정보

• 이사회맨, 존, 2001년그리스 화병의 역사: 도공, 화가, 그림.뉴욕:테임즈 & 허드슨.
• 부젝, 1990년 1월흑해 지역의 그리스 도자기 연구프라하:찰스 대학교
• 쿡, 로버트 마누엘, 피에르 뒤퐁.1998년, 동그리스 도자기.런던: 루트리지.
• 판스워스, 마리1964년 '그리스 도자기: 광물학적 연구'미국 고고학 저널 68(3): 221~28.
• 스파크스, 브라이언 A. 1996년빨강과 검정: 그리스 도자기의 연구.런던: 루트리지.
• Von Bothmer, Dietrich (1987). Greek vase painting. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 0-87099-084-5.

외부 링크

• Beazley 아카이브 – 검색 가능한 Attic 꽃병 그림 아카이브
• Trendall 아카이브– 남이탈리아 꽃병 그림