현대미술

Contemporary art
현대미술

현대 미술은 20세기 후반 또는 21세기에 제작된 오늘날의 미술입니다. 현대 예술가들은 세계적으로 영향을 받고, 문화적으로 다양하고, 기술적으로 진보한 세계에서 활동합니다. 그들의 예술은 20세기에 이미 잘 진행되고 있던 경계의 도전을 계속하는 재료, 방법, 개념 및 주제의 역동적인 조합입니다. 다양하고 절충적인 현대 미술은 전체적으로 획일적이고 조직적인 원칙, 이념 또는 "-ism"이 결여되어 있다는 점에서 구별됩니다. 현대 미술은 개인적, 문화적 정체성, 가족, 공동체, 국적과 같은 더 큰 맥락적 틀에 관한 문화적 대화의 일부입니다.

모국어 영어에서 근현대동의어로, 비전문가들에 의해 현대 미술현대 미술이라는 용어의 약간의 혼동과 혼란을 초래합니다.[1]

범위

어떤 사람들은 현대 미술을 "우리의 일생" 안에서 생산된 예술로 정의하며, 삶의 시간과 수명이 다양하다는 것을 인식합니다. 그러나 이러한 일반적인 정의는 전문적인 제한을 받는다는 인식이 있습니다.[2]

'현대미술'을 일반적인 형용사구가 아닌 특수한 예술 유형으로 분류한 것은 영어권 모더니즘의 시초로 거슬러 올라갑니다. 런던에서 현대미술협회는 1910년 평론가 로저 프라이 등에 의해 공공 박물관에 배치하기 위해 예술 작품을 구입하기 위한 사회로 설립되었습니다.[3] 이 용어를 사용하는 많은 다른 기관들이 1930년대에 설립되었는데, 예를 들어 1938년 호주 애들레이드현대 미술 협회가 설립되었고,[4] 1945년 이후에는 그 수가 증가하고 있습니다.[5] 많은 사람들이 현대미술연구소와 마찬가지로 보스턴은 이 시기에 "현대미술"을 사용하는 것에서 이름을 바꾸었는데, 이는 모더니즘이 역사적인 미술 운동으로 정의되고 많은 "현대" 미술이 "현대" 미술이 "현대" 미술이 아닌 것으로 사라졌기 때문입니다. 동시대적인 것에 대한 정의는 앞으로 나아가는 시작일을 가지고 현재에 고정된 채 자연스럽게 항상 이동하고 있으며, 1910년 현대미술협회가 사들인 작품들은 더 이상 동시대적인 것으로 묘사할 수 없었습니다.

예술 양식의 변화를 보여주는 것으로 여겨져 온 특정한 점들로는 제 2차 세계 대전의 종식과 1960년대가 있습니다. 아마도 1960년대 이후 자연스러운 중단점이 부족했을 것이고, 2010년대에 무엇이 "현대 미술"을 구성하는지에 대한 정의는 다양하고 대부분 부정확합니다. 지난 20년의 예술이 포함될 가능성이 매우 높으며, 정의에는 종종 1970년 정도로 거슬러 올라가는 예술;[6] "20세기 후반과 21세기 초반의 예술";[7] "현대 예술의 성장과 거부";[8] "엄밀히 말하면," "현대 미술"이란 오늘날을 살아가는 예술가들에 의해 만들어지고 생산되는 미술을 말합니다;[9] "1960년대 또는 [19]70년대부터 바로 이 순간까지의 미술";[10] 그리고 때로는 더 나아가서, 특히 박물관 맥락에서, 현대 미술의 영구적인 컬렉션을 형성하는 박물관들은 필연적으로 이러한 노화를 발견합니다. 많은 사람들이 이 문제를 피하는 "현대 미술"이라는 공식을 사용합니다.[11] 소규모 상업 갤러리, 잡지 및 기타 출처에서는 더 엄격한 정의를 사용하여 2000년 이후부터는 "현대적"이 작업할 수 없도록 제한할 수 있습니다. 오랜 경력과 계속되는 예술 운동 후에도 여전히 생산적인 예술가들은 특정한 문제를 제시할 수 있습니다; 갤러리와 비평가들은 종종 그들의 작품을 현대적인 것과 비현대적인 것으로 나누는 것을 꺼립니다.[citation needed]

사회학자 나탈리 하이니치(Nathalie Heinich)는 현대 예술과 현대 예술을 구분하여 역사적으로 부분적으로 겹치는 두 개의 다른 패러다임으로 설명합니다. 그녀는 "현대 예술"이 재현의 관습에 도전하는 반면, "현대 예술"은 예술작품의 개념 자체에 도전한다는 것을 발견했습니다.[12] 그녀는 구타이의 공연, 이브 클라인의 단색, 라우센베르크소거된 쿠닝 드로잉 등으로 2차 세계대전 이후 탄력을 받은 두샹분수(1910년대 현대미술의 승리 속에서 만들어진 것)를 현대미술의 출발점으로 보고 있습니다.[13]

테마

Irbid, Jordan, "We are Arabs. We are Humans"
요르단, 이르비드 "우리는 아랍인입니다. 우리는 인간입니다. 인사이드 아웃스트리트 아트의 한 예인 프랑스 사진작가 JR에 의해 시작된 세계적인 참여형 예술 프로젝트입니다.

현대 예술품은 다양성으로 특징지어집니다: 재료의 다양성, 형태, 주제, 그리고 심지어 시기까지. 다른 많은 예술 시기와 운동에서 볼 수 있는 "일률적인 조직 원리, 이념 또는 -ism의 결여로 구별되는"[14] 것입니다. 모더니즘의 초점은 자기 참조입니다. 인상주의현실주의에 엄연한 현실을 반영하려는 시도와 반대로 빛과 색을 통해 순간에 대한 우리의 인식을 바라봅니다. 반면 현대미술은 하나의 단일한 객관이나 관점이 없기 때문에 모순적이고 개방적일 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 현대 작품에는 정체성 정치, 신체, 세계화와 이주, 기술, 현대 사회와 문화, 시간과 기억, 제도와 정치 비평 등 공통된 주제가 있습니다.[15]

기관

몽소로 현대미술관(프랑스)은 르네상스 성에 기반을 둔 사립 학교입니다.
플로리다 마이애미에 있는 현대 미술관.
핀란드 헬싱키에 있는 현대 미술관 키아스마

미술계의 기능은 주요 박물관에서 개인 갤러리, 비영리 공간, 예술 학교 및 출판사에 이르기까지 예술 기관과 개인 예술가, 큐레이터, 작가, 수집가 및 자선가의 관행에 달려 있습니다. 예술계의 주요 구분은 영리와 비영리 부문 사이에 있지만, 최근에는 영리 민간 기관과 비영리 공공 기관 사이의 경계가 점점 모호해지고 있습니다.[citation needed] 가장 잘 알려진 현대 미술은 상업 현대 미술관의 전문 예술가, 개인 수집가, 미술 경매, 기업, 공공 기금 예술 단체, 현대 미술관 또는 예술가가 운영하는 공간에서 예술가 자신이 전시합니다.[16] 현대 예술가들은 작품의 직접 판매뿐만 아니라 보조금, 상, 상품 등의 지원을 받습니다. 직업 예술가들은 예술 학교에서 훈련하거나 다른 분야에서 나옵니다.[citation needed]

공적 자금을 지원받는 현대 예술 단체와 상업 부문 사이에는 밀접한 관계가 있습니다. 예를 들어, 2005년에 "국제 미술 시장과 관리의 이해"라는 책은 영국에서 소수의 딜러들이 주요 공공 기금 현대 미술관에 전시된 예술가들을 대표한다고 보고했습니다.[17] 상업 단체에는 갤러리와 아트 페어가 포함됩니다.[18]

기업은 또한 현대 예술 세계에 통합되어 건물 내에서 현대 예술을 전시하고 현대 예술 상을 조직하고 후원하며 광범위한 기업 컬렉션을 구축했습니다.[19] 기업 광고주들은 소비자들의 관심을 명품으로 이끌기 위해 현대 미술과 헌팅과 관련된 위신을 자주 사용합니다.[20]

예술 기관들은 현대 예술로 지정된 것을 규제한다는 비판을 받아 왔습니다. 예를 들어, 아웃사이더 아트는 말 그대로 현대 예술이며, 그것은 오늘날 생산됩니다. 그러나 한 비평가는 예술가들이 독학을 하고 있기 때문에 예술사적 맥락에서 벗어나 작업하고 있다고 가정하기 때문에 그렇게 생각되지 않는다고 주장했습니다.[21] 섬유 디자인과 같은 공예 활동도 전시 관객이 많음에도 불구하고 현대 미술의 영역에서 제외됩니다.[22] 미술 평론가 피터 팀스(Peter Timms)는 공예품이 현대 미술의 영역으로 인정받기 위해 특정한 가치에 가입해야 하는 방식에 관심이 쏠리고 있다고 말했습니다. "아름다움의 본질에 대한 전복적인 언급으로 의도된 도자기의 대상은 단순히 아름다운 것보다 현대 미술의 정의에 더 부합할 가능성이 높습니다."[23]

특정 장소나 예술가 그룹은 언제든지 후속 현대 미술에 강력한 영향을 미칠 수 있습니다. 예를 들어, 페러스 갤러리는 로스앤젤레스에 있는 상업 갤러리였으며 50년대 후반과 60년대에 캘리포니아 현대 미술계를 다시 불러 일으켰습니다.

대중의 태도

현대 예술은 때때로 예술과 그 기관들이 가치를 공유한다고 느끼지 않는 대중과 상충되는 것처럼 보일 수 있습니다.[24] 1990년대 영국에서는 현대미술이 대중문화의 한 부분으로 자리 잡으면서 예술가들이 스타가 됐지만, 이것이 희망하는 '문화 유토피아'로 이어지지는 않았습니다.[25] Julian SpaldingDonald Kuspit과 같은 일부 비평가들은 회의론, 심지어 거부는 많은 현대 예술에 대한 정당하고 합리적인 반응이라고 제안했습니다.[26] 브라이언 애쉬비(Brian Ashbee)는 "아트 볼록스(Art Bollocks)"라는 에세이에서 "일반적으로 포스트모던(post-modern)이라고 불리는 많은 설치 미술, 사진, 개념 미술, 비디오 및 기타 관행"이 이론적 담론의 형태로 언어적 설명에 너무 의존하고 있다고 비판합니다.[27] 그러나 미술 작품을 구성하는 것이 무엇인지에 대한 관점의 변화로 박물관에서 비전통적인 미술에 대한 수용도가 높아졌습니다.[28]

걱정

20세기 초부터 일반적인 관심사는 무엇이 예술을 구성하는지에 대한 문제였습니다. 미술관, 박물관, 수집가들이 주목하는 것이 무엇인지를 결정하는 데 아방가르드[29] 개념이 작용할 수 있습니다.

현대 미술의 우려도 비판의 대상이 됩니다. 안드레아 로젠(Andrea Rosen)은 일부 현대 화가들이 "현대 예술가가 되는 것이 무엇을 의미하는지 전혀 알지 못한다"며 "모든 잘못된 이유로 그 안에 있다"고 말했습니다.[30]

상품

현대 미술의 일부 대회, 상, 상은 다음과 같습니다.

역사

이 표에는 10년별 예술 움직임과 스타일이 나열되어 있습니다. 결정적이라고 가정해서는 안 됩니다.

1950년대

1960년대

1970년대

1980년대

1990년대

2000년대

2010년대

2020년대

참고 항목

메모들

  1. ^ "NYU Steinhardt, Department of Art and Arts Professions, New York". Archived from the original on 2017-02-26. Retrieved 2017-02-26.
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  4. ^ 몬트리올 현대미술협회 1939-1948
  5. ^ Smith, 257–258
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  12. ^ 하이니치, 나탈리, 에드 Gallimard, Le paradigme de l'art contemporain : Structures d'une revolution artistique, 2014, ISBN 2070139, 9782070139231, 구글북 아카이브 2023-04-03 at the Wayback Machine
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  22. ^ 피터 도머, 공예의 문화: 현황과 미래, 맨체스터 대학 출판부, 1996, p175. ISBN 0-7190-4618-1
  23. ^ Peter Timms, 현대미술의 문제점?, UNSW Press, 2004, p17. ISBN 0-86840-407-1
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  30. ^ Haas, Nancy (2000-03-05), "다시 예술계를 자극하다" 뉴욕 타임즈, [1].
  31. ^ "Signature Art Prize - Home". Archived from the original on 2014-11-06.
  32. ^ Jindřich Chalupeck ý상 Wayback Machine에서 보관 2007-09-27

참고문헌

추가읽기

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  • Atkins, Robert (2013). Artspeak: A Guide To Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords, 1945 To the Present (3rd. ed.). New York: Abbeville Press. ISBN 978-0789211514.
  • 단토, AC (2013). 예술이란 무엇입니까? 뉴헤이븐: 예일대학교 출판부, ISBN 978-0300205718
  • Desai, V. N. (Ed.). (2007). 21세기 아시아 미술사 매사추세츠주 윌리엄스타운: 스털링 앤 프랑신 클락 아트 인스티튜트, ISBN 978-0300125535
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  • 질렌, 파스칼 (2009). 예술 대중의 중얼거림: 글로벌 아트, 메모리포스트 포디즘. 암스테르담: Valiz, ISBN 9789078088394
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  • Lailach, M. (2007). 랜드 아트. 런던: Taschen, ISBN 978-3822856130
  • 마틴, S. (2006). 비디오 아트. (U. Grosenick, Ed.) 로스앤젤레스: Taschen, ISBN 978-3822829509
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  • Robertson, J., & McDaniel, C. (2012). 현대미술의 주제: 1980년 이후의 시각미술(제3판). 옥스포드: 옥스퍼드 대학교 출판부, ISBN 978-0199797073
  • 로빈슨, H. (Ed.) (2015). 페미니즘-예술-theory: 앤솔로지 1968-2014 (2판). 웨스트 서식스 치체스터: 와일리-블랙웰, ISBN 978-1118360590
  • Stiles, KristinePeter Howard Selz, 현대 미술 이론과 문서, 예술가들의 글의 원천집(1996), ISBN 0-520-202 1-1
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  • Thompson, D. (2010). 1,200만 달러짜리 박제 상어: 현대미술의 호기심 많은 경제학 뉴욕: 세인트 마틴 그리핀, ISBN 978-0230620599
  • 토르톤, S. (2009). 예술계에서의 7일. 뉴욕: W.W.Norton & Company, ISBN 978-0393337129
  • Wallace, Isabelle Loring과 Jennie Hirsh, 현대 미술과 고전 신화. 판햄: Ashgate (2011), ISBN 978-0-7546-6974-6
  • Warr, T. (Ed.) (2012). 아티스트의 몸 (수정). 뉴욕, 뉴욕: Phaidon Press, ISBN 978-0714863931
  • 윌슨, M. (2013). 현대미술을 읽는 방법 : 21세기의 미술을 체험하는 방법 뉴욕: 에이브럼스, ISBN 978-1419707537

외부 링크