피에트 몬드리안

피에트 몬드리안
1906년이후
태어난	피테르 코르넬리스 몬드리아안 (1872-03-07)1872년 3월 7일 아메르스포르트
죽은	1944년 2월 1일 (1944-02-01) (만 71세) 미국 뉴욕시
교육	암스테르담 Rijsakademie (미술 아카데미)
유명함	페인팅
주목할 만한 작품	이브닝; 레드 트리, 그레이 트리, 레드 블루와 옐로우가 있는 작곡, 브로드웨이 부기 우기, 빅토리 부기 우기
움직임.	De Stijl, 추상미술

피테르 코르넬리스 몬드리안 (Pieter Cornelis Mondrian) 네덜란드어: 1906년 이후 피에트 몬드리안 (/pi ː트 ˈm ɪ드리 ˈ/, 미국어: /- ˈm ɔː드리 ɑː/, 네덜란드어: [pit ˈm ɔ드리 ɑ], 1872년 3월 7일 – 1944년 2월 1일)은 20세기 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 여겨지는 네덜란드의 화가이자 미술 이론가입니다.그는 그의 예술적 어휘가 단순한 기하학적 요소로 줄어들 때까지 그의 예술적 방향을 구상화에서 점점 더 추상적인 스타일로 바꾸면서, 20세기 추상 예술의 선구자들 중 한 명으로 유명합니다.

몬드리안의 예술은 매우 유토피아적이었고 보편적인 가치와 미학에 대한 탐구에 관심이 있었습니다.그는 1914년에 "예술은 현실보다 높고 현실과 직접적인 관련이 없습니다.예술에서 영적인 것에 접근하기 위해서는 현실이 영적인 것과 반대되기 때문에 가능한 한 현실을 거의 활용하지 않을 것입니다.우리는 추상적인 예술에 직면하게 됩니다.예술은 현실보다 위에 있어야 합니다. 그렇지 않으면 인간에게는 아무런 가치가 없을 것입니다."

그는 Theo van Dosburg와 공동으로 설립한 De Stijl 아트 운동과 단체에 기여했습니다.그는 그가 신플라스틱이라 명명한 비전형적인 형태를 발전시켰습니다.이는 그가 '보편적인 아름다움'을 창조하기 위해 필요하다고 생각하는 새로운 '순수한 플라스틱 예술'이었습니다.이를 표현하기 위해 몬드리안은 결국 공식 어휘를 삼원색(빨간색, 파란색, 노란색), 삼원색(검은색, 흰색, 회색) 그리고 두원색(가로와 세로)으로 제한하기로 결정했습니다.1911년 몬드리안이 네덜란드에서 파리에 도착한 것은 중대한 변화의 시기의 시작을 나타냅니다.그는 입체파의 실험을 접했고 파리 아방가르드에 통합하려는 의도로 그의 이름(몽드리아어)의 네덜란드어 철자에서 'a'를 제거했습니다.

몬드리안의 작품은 추상 회화의 과정과 수많은 주요 스타일과 예술 운동(예: 컬러 필드 회화, 추상 표현주의 그리고 미니멀리즘) 뿐만 아니라 디자인, 건축 그리고 패션과 같은 회화의 영역 밖의 분야에도 영향을 미치며 20세기 미술에 큰 영향을 미쳤습니다.디자인 역사가 Stephen Bayley(스티븐 베일리)는 "몽드리아인은 모더니즘을 의미하게 되었습니다.그의 이름과 작품은 하이 모더니즘의 이상을 요약한 것입니다.저는 '아이코닉'이라는 단어를 좋아하지 않습니다. 그래서 그가 모더니즘이 시작한 모든 것의 토템인 토템이 되었다고 가정해봅시다."

인생

네덜란드 (1872–1911)

몬드리안은 네덜란드 위트레흐트 지방의 아메르스포르트에서 그의 부모의 자식 중 둘째로 태어났습니다.^[1]그는 일찍이 1670년에 헤이그에 살았던 크리스티안 더크존 몬데리안의 후손입니다.^[2]그의 아버지 피테르 코르넬리우스 몬드리안이 지역 초등학교의 교장으로 임명되었을 때 그의 가족은 윈터스바이크로 이사했습니다.^[3]몬드리안은 어린시절부터 미술을 접하게 되었습니다.그의 아버지는 자격 있는 그림 선생님이었고, 그의 삼촌인 Frits Mondrian (헤이그 예술 학교의 Willem Maris의 제자)과 함께 어린 Piet는 종종 Gein 강을 따라 그림을 그리고 그렸습니다.^[4]

엄격한 개신교 교육 후, 1892년 몬드리안은 암스테르담의 미술학교에 들어갔습니다.^[5]그는 이미 교사 자격이 있었습니다.^[3]그는 초등학교 교사 생활을 시작했지만, 그림도 연습했습니다.이 시기의 그의 작품은 대부분 자연주의적이거나 인상주의적이며, 주로 풍경화로 이루어져 있습니다.그의 모국의 이러한 목가적인 이미지들은 풍차, 들판, 그리고 강을 묘사하고 있는데, 처음에는 헤이그 학파의 네덜란드 인상주의적인 방식으로 그리고 그 후에는 개인적인 스타일을 추구하는 것을 증명하는 다양한 스타일과 기술로 표현됩니다.이 그림들은 재현적이며 점묘법과 야수파의 생생한 색채 등 다양한 예술적 움직임이 몬드리안에 끼친 영향을 잘 보여줍니다.1893년에 그는 첫번째 전시회를 열었습니다.^[6]

Den Haag 박물관에는 이 시기의 많은 그림들이 전시되어 있는데, 그 중에는 '붉은 방앗간과 월출의 나무들'과 같은 후기 인상주의 작품들이 포함되어 있습니다.해질녘 들판의 나무를 묘사한 또 다른 그림인 이브닝 (Avond) (1908)은 심지어 거의 완전히 빨강, 노랑, 파랑으로 이루어진 팔레트를 사용함으로써 미래의 발전을 예고합니다.비록 아본드는 제한적으로 추상적이지만, 원색을 강조한 최초의 몬드리안 그림입니다.

추상화의 정도를 보여주는 몬드리안의 초기 그림은 1905년부터 1908년까지 그려진 일련의 캔버스로, 고요한 물에 비친 불분명한 나무와 집의 희미한 장면을 묘사합니다.비록 그 결과가 보는 사람으로 하여금 내용에 대한 형식에 집중하기 시작하게 만들었지만, 이 그림들은 여전히 자연에 확고하게 뿌리를 두고 있으며, 사람들이 이 작품들에서 그의 미래 추상화의 뿌리를 찾도록 이끄는 것은 오직 몬드리안의 후기 업적에 대한 지식뿐입니다.

몬드리안의 예술은 그의 정신적이고 철학적인 연구와 밀접한 관련이 있습니다.1908년, 그는 헬레나 페트로브나 블라바츠키에 의해 19세기 후반에 시작된 신학 운동에 관심을 갖게 되었고, 1909년에 그는 신학회의 네덜란드 지부에 가입했습니다.블라바츠키의 작품과 그와 병행하는 정신적 운동인 루돌프 슈타이너의 의인류학은 그의 미학의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.^[7]블라바츠키는 경험적인 방법으로 제공된 것보다 더 심오한 자연의 지식을 얻는 것이 가능하다고 믿었고, 그의 여생 동안 몬드리안의 연구의 많은 부분은 그 정신적 지식에 대한 그의 탐구에서 영감을 얻었습니다.1918년, 그는 블라바츠키가 쓴 책을 언급하며 "나는 비밀교리에서 모든 것을 얻었다"고 썼습니다.1921년, 몬드리안은 슈타이너에게 보낸 편지에서 자신의 종양학이 "모든 진정한 인류학자와 신학자들을 위한 예견 가능한 미래의 예술"이라고 주장했습니다.그는 그 후 수년 동안 헌신적인 신학자로 남아있었지만, 그는 또한 그 자신의 예술적 흐름인 신생물학이 결국 더 큰 에큐메니컬 영성의 일부가 될 것이라고 믿었습니다.^[8]

몬드리안과 그의 후기 작품은 암스테르담에서 열린 1911년 입체파 전시회에서 깊은 영향을 받았습니다.단순화에 대한 그의 탐색은 두 가지 버전의 Still Life with Ginger Pot (Stillleven met Gemberpot)에 나와 있습니다.1911년 버전은 ^[9]입체파이고 1912년 버전에서는 삼각형과 사각형으로 둥근 모양으로 물체를 줄였습니다.^[10]

파리 (1911-1914)

1911년, 몬드리안은 자신의 이름을 바꾸었고, 네덜란드를 떠나 파리 아방가르드에 통합되는 것을 강조하기 위해 "Mondrian"에서 "a"를 뺐습니다.^[12][13]파리에 있는 동안, 파블로 피카소와 조르주 브라크의 입체파 스타일의 영향은 몬드리안의 작품에서 거의 즉시 나타났습니다.^[14]The Sea (1912)와 같은 그림들과 그 해의 나무들에 대한 그의 다양한 연구들은 아직도 표현의 척도를 포함하고 있지만, 점점, 그것들은 기하학적인 모양들과 맞물리는 평면들에 의해 지배되고 있습니다.몬드리안은 큐비즘의 영향을 그의 작품에 흡수하기를 열망했지만, 큐비즘을 목적지라기보다는 그의 예술적 여행에서 "기항"으로 본 것은 분명해 보입니다.피에트로 몬드리안의 입체파 시대는 1912년부터 1917년까지 지속되었습니다.

네덜란드 (1914-1918)

입체파와 달리 몬드리안은 여전히 그의 그림과 그의 정신적인 추구를 조화시키려고 시도했고 1913년에 그는 그의 예술과 신학적 연구를 상징적인 그림으로부터의 마지막 단절을 나타내는 이론에 융합하기 시작했습니다.몬드리안이 1914년에 네덜란드를 방문하는 동안 1차 세계대전이 시작되었고, 그는 갈등 기간 동안 그곳에 남아있을 수 밖에 없었습니다.이 기간 동안, 그는 라렌 예술가들의 식민지에 머물렀고, 그곳에서 그들 둘 다 추상화를 향한 개인적인 여행을 하고 있던 바트 반 더 렉과 테오 반 도스버그를 만났습니다.반데르 렉이 그의 예술에서 원색만을 사용한 것은 몬드리안에 큰 영향을 주었습니다.1916년 반더렉과 만난 후 몬드리안은 "나의 기법은 입체파였고, 따라서 어느 정도는 회화적이었습니다"라고 썼습니다.^[15]반 도스버그와 함께 몬드리안은 De Stijl 그룹의 저널인 De Stijl (The Style)을 설립했고, 그곳에서 그는 그의 이론을 정의하는 에세이를 처음 출판했고, 그는 이것을 신형성증이라고 불렀습니다.

몬드리안은 1917년과 1918년 사이에 12권으로 된 "De Nieuwe Belding in de schilderkunst"를 출판했습니다.^[16]이것은 그의 예술 이론을 글로 표현하려는 그의 첫 번째 주요 시도였습니다.그러나 이 이론에 대한 몬드리안의 가장 훌륭하고 가장 자주 인용되는 표현은 1914년에 H. P. 브레머에게 쓴 편지에서 비롯됩니다.

저는 일반적인 아름다움을 최대한 인지도 있게 표현하기 위해 평면에 라인과 컬러 조합을 만듭니다.자연은, 또는 제가 보는 것처럼, 저를 감정적인 상태에 빠지게 해서, 무언가를 만들고 싶은 충동이 일어나게 합니다. 하지만 저는 가능한 한 진실에 가까이 다가가서, 사물의 기초(아직도 외적 기초)에 도달할 때까지, 모든 것을 추상화하고 싶습니다.높은 직관에 이끌려 계산이 아닌 수평과 수직의 선들을 통해 다른 직선이나 곡선으로 필요에 따라 보완된 이러한 기본적인 형태의 미가 사실처럼 강한 예술작품이 될 수 있다고 생각합니다.^[17]

그 후 20년 동안 몬드리안은 고전적이고 플라톤적이며 유클리드적인 세계관을 수용하는 자신의 특징적인 스타일을 체계적으로 발전시켰는데, 그곳에서 그는 단지 현재 상징적이고 원색으로 가득 찬 정사각형과 직사각형을 형성하는 수평적이고 수직적인 검은 선에 집중했습니다.^[18]

파리 (1918–1938)

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1918년 제1차 세계대전이 끝났을 때, 몬드리안은 1938년까지 남아있던 프랑스로 돌아갔습니다.전후 파리의 예술적 혁신의 문화에 몰두한 그는 평생 순수 추상의 예술을 융성하고 완전히 수용했습니다.몬드리안은 1919년 말에 격자무늬 그림을 그리기 시작했고 1920년에 그가 유명해진 스타일이 나타나기 시작했습니다.

몬드리안은 "순수한 추상 미술은 자연주의적인 외관으로부터 완전히 해방됩니다.그것은 더 이상 자연스러운 조화가 아니라 동등한 관계를 만듭니다.동등한 관계의 실현은 삶에서 가장 중요한 것입니다.^[19]

이 양식의 초기 그림에서는 직사각형 형태를 묘사하는 선이 비교적 가늘고 검은색이 아닌 회색입니다.또한 선들은 그림의 가장자리에 가까워질수록 갑자기 멈추기보다는 희미해지는 경향이 있습니다.이후의 그림들보다 더 작고 더 많은 형태들은 원색, 검은색, 또는 회색으로 채워져 있고, 거의 모든 형태들이 채색되어 있고, 소수만이 흰색으로 남아 있습니다.

1920년 후반과 1921년 동안 몬드리안의 그림은 일반 관찰자들에게 확정적이고 성숙한 형태에 도달합니다.두꺼운 검은색 선들은 이제 그 형태들을 분리하는데, 그 형태들은 더 크고 그 수가 적으며, 더 많은 형태들이 흰색으로 남아있습니다.하지만 이것은 그의 예술적 진화의 정점은 아니었습니다.세련미는 더욱 미묘해졌지만, 몬드리안의 작품은 파리에서 몇 년 동안 계속해서 진화했습니다.

1921년의 그림들에서 비록 전부는 아니지만, 많은 검은 선들이 캔버스의 가장자리로부터 겉보기에는 임의적인 거리에 짧게 멈춰 서 있지만, 직사각형 형태들 사이의 구분들은 그대로 남아 있습니다.여기서도 직사각형 형태는 대부분 색을 띠고 있습니다.세월이 지나고 몬드리안의 작품이 더 발전하면서 그는 캔버스의 가장자리까지 모든 선을 확장하기 시작했고, 대신 흰색을 선호하는 점점 더 적은 색의 형태를 사용하기 시작했습니다.

이러한 경향은 몬드리안이 1920년대 중반에 규칙적으로 제작하기 시작한 "로젠지" 작품에서 특히 잘 드러납니다.이 "로젠지" 그림들은 45도 기울어진 사각 캔버스여서 다이아몬드 모양을 하고 있습니다.대표적인 것이 Schilderij No. 1: 두 줄과 파란색을 가진 Lozenge (1926)입니다.몬드리안의 캔버스 중 가장 작은 것 중 하나인 이 그림은 두 개의 검은색 수직선과 작은 파란색 삼각형 형태로 구성되어 있습니다.그 선들은 캔버스의 가장자리까지 쭉 뻗어 있어서, 그림이 더 큰 작품의 일부분이라는 느낌을 거의 줍니다.

비록 유리가 그림을 보호하고, 그 나이와 취급이 분명히 캔버스에 끼친 피해로 인해 그림을 보는 데 방해가 되지만, 이 그림을 면밀히 검토하여 작가의 방식의 어떤 것을 드러내기 시작합니다.그 그림은 예상할 수 있듯이 완벽하게 평평한 색의 평면으로 구성되어 있지 않습니다.곳곳에서 은은한 붓질이 눈에 띕니다.그 예술가는 다양한 요소들에 다른 기술들을 사용한 것으로 보입니다.^[20]검은 선들은 가장 평평한 요소이며, 가장 낮은 깊이를 가지고 있습니다.색상이 있는 형태는 모두 한 방향으로 진행되는 가장 명확한 붓 놀림을 가지고 있습니다.하지만 가장 흥미로운 것은 여러 방향으로 달리는 붓 놀림을 사용하여 층층이 그려진 흰색 형태입니다.이 시기의 몬드리안의 그림들이 점점 더 백색 공간에 의해 지배되고 있기 때문에, 이것은 흰색 형태에 더 큰 깊이감을 발생시켜서 선과 색을 압도하는 것처럼 보이게 합니다.

1926년, (마르셀 뒤샹, 맨 레이와 함께) 뉴욕시의 독립 예술가 협회의 공동 설립자인 캐서린 드레이어는 파리에 있는 피에트 몬드리안의 스튜디오를 방문하여 그의 다이아몬드 작품 중 하나인 그림 1을 획득했습니다.브루클린 박물관의 독립 예술가 협회가 주최한 전시회에서 보여졌는데, 이 전시회는 아모리 쇼 이후 미국에서 열린 첫 번째 현대 미술 전시회입니다.그녀는 카탈로그에서 "홀란드는 비록 그들 나라의 논리적인 표현이지만, 그들의 개성의 활력을 통해 그 위에 오른 세 명의 위대한 화가들을 배출했습니다 – 첫 번째는 렘브란트, 두 번째는 반 고흐, 그리고 세 번째는 몬드리안입니다"^[21]라고 말했습니다.

세월이 흐르면서, 선들이 몬드리안의 그림의 형태보다 우선하기 시작했습니다.1930년대에 그는 더 얇은 선과 두 배의 선을 더 자주 사용하기 시작했고, 약간의 작은 색의 형태가 있다면, 그것을 반복했습니다.더블 라인은 특히 몬드리안을 흥분시켰는데, 그는 그것들이 그의 그림에 그가 탐구하고 싶어했던 새로운 역동성을 제공한다고 믿었기 때문입니다.그의 작품에서 이중선의 도입은 그의 친구이자 동시대의 말로 모스의 작품에 영향을 받았습니다.^{[22][page needed]}

1934년부터 1935년까지 영국 옥스포드, 런던, 리버풀에서 열린 "추상적이고 구체적인" 전시회의 일환으로 몬드리안의 그림 3점이 전시되었습니다.^[23]

런던과 뉴욕 (1938-1944)

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1938년 9월, 몬드리안은 파시즘의 진전에 직면하여 파리를 떠나 런던으로 이주했습니다.1940년 네덜란드가 침략당하고 파리가 함락된 후, 그는 런던을 떠나 뉴욕시의 맨하탄으로 향했고, 그곳에서 죽을 때까지 그곳에 남아있었습니다.몬드리안의 후기 작품 중 일부는 파리나 런던에서 시작해서 몇 달 또는 몇 년 후에 맨하탄에서 완성된 캔버스가 꽤 많았기 때문에 그의 예술적 발전의 측면에서 보기 어렵습니다.이 후기의 완성된 작품들은 1920년대 이후 그의 어떤 작품보다도 더 많은 대사들이 배치되어 외관상 거의 지도 제작에 가까운 중첩된 배치로 시각적으로 분주합니다.그는 손에 물집이 생길 때까지 많은 시간을 혼자서 그림을 그리며 지냈고, 가끔 울거나 몸이 아프기도 했습니다.^{[citation needed]}

몬드리안은 검은색 선 대신 두껍고 색이 있는 선을 혁신한 단순한 그림인 네 개의 노란색 선을 가진 로젠지 작곡 (1933)을 만들었습니다.그 그림 한 점 이후로, 이 관행은 몬드리안이 맨하탄에 도착할 때까지 그의 작품에 잠재되어 있었고, 그때 그는 그것을 포기하고 받아들이기 시작했습니다.작곡 (1938) / 콩코드 광장 (1943)과 같은 이 새로운 방향의 몇몇 예에서, 그는 파리에서 완성되지 않은 블랙 라인 그림들을 가져다가 다른 색의 짧은 수직선들을 더하거나, 더 긴 블랙 라인들 사이를 달리거나, 블랙 라인에서 캔버스의 가장자리까지 더함으로써 뉴욕에서 완성한 것으로 보입니다.새롭게 채색된 부분은 선과 형태 사이의 간격을 거의 메우며 두껍고, 검은색에 구애받지 않는 몬드리안 그림에서 색을 보는 것은 놀라운 일입니다.다른 작품들은 익숙한 검은 선들 사이에 긴 줄의 붉은 선들을 섞고, 검은 선 위에 색을 입힌 층을 더해 새로운 깊이감을 만들어냅니다.원색, 흰색 지면, 검은색 격자선으로 특징지어지는 그의 그림 구성 10번, 1939-1942년. 직사각형에 대한 몬드리안의 급진적이지만 고전적인 접근을 명확하게 정의했습니다.^{[citation needed]}

1940년 9월 23일, 몬드리안은 쿠나드 화이트 스타 라인 배 RMS 사마리아(1920)를 타고 유럽을 떠나 뉴욕으로 향했습니다.^[25]몬드리안이 맨하탄에서 시작된 새로운 캔버스는 훨씬 더 놀랍고, 작가의 죽음으로 짧게 잘라낸 새로운 관용구의 시작을 나타냅니다.뉴욕시(1942)는 빨간색, 파란색, 노란색 선의 복잡한 격자로, 때때로 그의 이전 작품들보다 더 깊은 감각을 만들기 위해 서로 섞입니다.^[26]뉴욕시 1이라는 제목의 1941년 미완성 버전의 이 작품은 다양한 디자인을 실험하기 위해 작가가 마음대로 재배열할 수 있는 페인트칠된 종이 테이프 조각을 사용합니다.2022년 10월, 1945년 뉴욕의 현대미술관(MoMA)에 처음 전시된 이 작품은 적어도 1980년부터 지금까지 독일의 쿤스트삼룽 노르드라인베스트팔렌에 거꾸로 전시된 것으로 밝혀졌습니다.갤러리 측은 훼손을 피하기 위해 잘못된 방향으로 계속 전시할 것이라고 설명했습니다.^[27][28]

현대 미술관에 있는 그의 그림 브로드웨이 부기-우기 (1942–43)는 추상 기하학 회화 학교에서 큰 영향을 미쳤습니다.이 작품은 캔버스에서 뛰어내린 후 빛을 내는 것처럼 보이는 밝은 색의 반짝이는 사각형들로 구성되어 있습니다.이 그림과 미완성된 빅토리 부기 우기(1942-1944)에서 몬드리안은 이전의 실선을 작은 인접한 색의 직사각형으로 대체했고, 부분적으로 다양한 색의 작은 종이 테이프를 사용하여 만들었습니다.더 큰 크기의 경계 없는 색 직사각형은 설계에 구멍을 내고, 일부는 그 안에 더 작은 동심원 직사각형을 포함합니다.몬드리안의 1920년대와 1930년대 작품들은 거의 과학적인 긴축정책을 가지고 있는 경향이 있지만, 이 그림들은 밝고 활기찬 그림들로 그들과 그것들이 만들어진 도시에 영감을 준 경쾌한 음악을 반영합니다.

이 마지막 작품들에서, 그 형식들은 사실 선들의 역할을 빼앗았고, 추상주의자로서 몬드리안의 발전을 위한 또 다른 새로운 문을 열었습니다.부기-우기 그림들은 분명히 진화적인 변화라기보다는 혁명적인 변화였고, 1913년 그가 재현 예술을 포기한 이후 몬드리안의 작품에서 가장 심오한 발전을 나타냅니다.

2008년 네덜란드의 텔레비전 프로그램 안데레 타이든은 몬드리안과 함께 알려진 유일한 영화 장면을 발견했습니다.^[29]이 영화 영상의 발견은 빅토리 부기 우기에 대한 2년간의 연구 프로그램의 말미에 발표되었습니다.그 연구는 그림의 상태가 매우 좋았으며 몬드리안이 그림을 한 번에 그렸다는 것을 발견했습니다.또한 몬드리안이 죽기 직전에 작은 색 테이프 조각들을 사용하여 그 구성을 근본적으로 바꾼 것으로 밝혀졌습니다.

벽공사

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47세의 피에트 몬드리안이 1919년 두 번째이자 마지막으로 자유로운 파리로 네덜란드를 떠났을 때, 그는 즉시 자신의 스튜디오를 2년 동안 써왔던 종양학의 원리를 점점 더 잘 표현할 수 있도록 마음에 두고 있던 그림들을 위한 양육 환경으로 만들기 시작했습니다.스튜디오의 구조적인 결함을 빠르고 저렴하게 숨기기 위해, 그는 각각 단색이나 중성적인 색상의 커다란 직사각형 플래카드들을 쌓아 올렸습니다.작은 색종이 사각형과 사각형이 함께 구성되어 벽에 포인트를 주었습니다.그리고 강렬한 그림의 시기가 왔습니다.그는 다시 벽들을 다루면서, 색을 입힌 부분들의 위치를 바꾸었고, 그것들의 숫자를 더했고, 색과 공간의 역학을 바꾸었고, 새로운 긴장과 평형을 만들었습니다.얼마 지나지 않아, 그는 벽에 작은 종이들을 실험적으로 다시 모으는 기간과 교대로 그림의 한 기간을 만드는 창조적인 일정을 세웠는데, 이것은 바로 다음 기간의 그림을 공급하는 과정이었습니다.1938년과 1940년 파리에서 런던 햄스테드로, 대서양을 건너 맨하탄으로 전시 이동하면서 그가 평생 추구했던 패턴이었습니다.

1943년 가을, 71세의 나이로, 몬드리안은 이스트 59번가 15번지에 있는 그의 두번째이자 마지막 맨해튼 스튜디오로 이사했고, 수년간 그가 알게 된 환경이 그의 소박한 삶의 방식에 가장 적합하고 그의 예술에 가장 자극적이었다는 것을 다시 만들기 시작했습니다.그는 높은 벽들을 자신의 이젤과 자신이 디자인하고 버려진 오렌지와 사과 상자들로 꼼꼼하게 만든 의자, 테이블, 수납 케이스에 자신이 사용했던 것과 동일한 흰색으로 칠했습니다.그는 여행이 잘 된 음반에서 그가 사랑하는 재즈를 쏟아낸 라디오 축음기를 위해 만든 판지 칼집에 바른 것과 같은 밝은 빨간색으로 하얀 금속 의자의 윗부분을 광택을 냈습니다.이 마지막 스튜디오를 방문한 사람들은 한두 개 이상의 새로운 캔버스를 거의 보지 못했지만, 종종 놀랍게도, 그들은 끊임없이 변화하는 관계 속에서 그가 벽에 붙이고 다시 붙였던 여덟 개의 색종이 조각들이 역설적으로 그리고 동시에 운동적이고 고요한 환경을 함께 구성하고 있다는 것을 발견했습니다.자극적이고 편안한몬드리안은 그곳이 그가 살았던 최고의 공간이라고 말했습니다.그는 1944년 2월에 사망했기 때문에 몇 달 동안만 그곳에 있었습니다.

그가 죽은 후, 맨하탄에 있는 몬드리안의 친구이자 후원자인 예술가 해리 홀츠만과 또 다른 화가 친구인 프리츠 글래너는 6주간의 전시회를 위해 스튜디오를 대중에게 공개하기 전에 조심스럽게 필름과 스틸 사진에 기록했습니다.스튜디오를 해체하기 전에 홀츠만(Mondrian의 상속자이기도 했던)은 벽의 구성을 정확하게 추적하고, 각 공간이 차지하고 있던 공간의 정확한 휴대용 팩스를 준비하고, 원래의 잘라낸 부품에 부착했습니다.이러한 휴대용 몬드리안 작품들은 "The Wall Works"로 알려지게 되었습니다.몬드리안이 죽은 이후로 맨하탄 현대미술관(1983년, 1995-96년)에 두 번,^[30] 카펜터+호흐만 갤러리(1984년)에 한 번, 일본 도쿄의 갤러리 도코로에 한 번, XX.II 상파울루 비엔날레 (1994), 미시간 대학교 (1995), 유럽 최초로 선보인 상파울루 미술 아카데미 (2007년 2월 22일 ~ 4월 22일).그의 작품은 1955년 8월부터 9월까지 열린 런던 화이트채플 갤러리의 회고전에도 전시되었습니다.

몬드리안 꽃

몬드리안의 추상화 이론은 그의 영원한 유산이지만 그는 또한 꽃의 화가였습니다.그는 세기의 전환기에 꽃을 그리기 시작했고, 그의 엄격한 예술적 훈련과 관찰력을 그의 정신적이고 낭만적인 갈망에 혼합시킨 개별적인 꽃의 초상화를 만들었습니다.^[31]몬드리안은 1920년대까지 비밀스러운 방식으로 꽃을 계속 그렸고 친구들에게 상업적인 이유만으로 꽃을 그렸다고 주장했습니다.^[31]꽃 그림은 추상화의 승리에 휩쓸린 전 시대의 전통적인 장르와 표상화에 드리워졌던 금기 속에서 만들어졌습니다.그럼에도 불구하고, 몬드리안 꽃들은 몬드리안의 삶과 작품에 대한 더 넓은 관점에 기여합니다 - 그의 예술적 진화에 대한 전통적인 해석과 극명한 차이를 보이는 관점.^[31]

죽음과 유산

피에트 몬드리안은 1944년 2월 1일 폐렴으로 사망하여 뉴욕 브루클린의 사이프러스 힐스 묘지에 안장되었습니다.

1944년 2월 3일, 맨하탄 52번가와 렉싱턴 애비뉴의 유니버설 채플에서 몬드리안을 위한 추모식이 열렸습니다.이 행사에는 알렉산더 아치펜코, 마르크 샤갈, 마르셀 두샹, 페르낭 레거, 알렉산더 칼더, 로버트 마더웰 등 200여명이 참석했습니다.^[32]

몬드리안/홀츠만 신탁은 몬드리안의 공식 영지로 기능하며 " 몬드리안의 작품에 대한 인식을 높이고 그의 작품의 완전성을 보장하는 것을 목표로 합니다."^[33]

몬드리안은 비평가 로버트 휴즈에 의해 1980년 그의 책 The Shock of the New에서 "20세기 최고의 예술가 중 한 명"으로 묘사되었습니다.^[34]The Shock of the New의 텔레비전 다큐멘터리에서도 마찬가지로 휴즈는 몬드리안을 "그림을 만들면 인간 삶의 조건이 바뀔 수 있다고 믿었던 마지막 화가들 중 한 명인 20세기의 가장 위대한 예술가 중 한 명"으로 다시 언급했습니다.^[35]De Stijl의 권위자인 네덜란드의 미술사학자 Carel Blotkamp는 그가 "20세기의 위대한 예술가 중 한 명"이라는 같은 믿음을 재확인했습니다.^[36]

2022년 11월 14일 몬드리안 작곡 제1호 II는 소더비 옥션에서 5,100만 달러에 팔렸는데, 이는 그의 작품으로 이전 기록인 5,060만 달러를 능가했습니다.구성번호 II는 가로 20인치, 세로 20인치 크기의 캔버스로 오른쪽 위에 커다란 빨간색 사각형, 왼쪽 아래에 작은 파란색 사각형, 그리고 모두 검은색으로 윤곽이 표시된 노란색 블록이 특징입니다.^[37]

나치의 약탈미술 주장

2020년 10월, 몬드리안의 상속자들은 독일 크레펠트에 있는 카이저 빌헬름 미술관을 상대로 몬드리안의 그림 4점을 반환하라는 소송을 미국 법원에 제기했습니다.^[38]

2021년 12월, 몬드리안의 상속자들은 필라델피아 미술관에 반환 소송을 제기했고 미술상 칼 부흐홀츠와 커트 발렌틴을 거쳐 알버트 E. 갤러틴에게 미술관에 기증되었습니다.^[39][40][41]

문화에 관한 참고문헌

• 세르비아 국립 박물관은 몬드리안의 그림 중 하나를 상설 전시회에 포함시킨 최초의 박물관입니다.^[42]
• 비록 몬드리안에 대한 그의 관심이 1914년에서 15년 사이의 작품들로 제한되었지만,^{[43][page needed]} 클라이와 칸딘스키와 함께 몬드리안은 연재주의 작곡가 피에르 불레즈의 초기 점묘주의 음악적 미학에 주요 영감 중 하나였습니다.^[44]1949년 5월, 불레즈는 "몽드리아인을 의심한다"고 말했고, 1951년 12월, 그의 그림들을 "지금까지 세상에서 가장 신비로운 것"으로 간주하며, 클라이에 대한 강한 선호를 표명했습니다.^[45]
• 1930년대에, 파리의 에르메스에서 일했던 프랑스 패션 디자이너 롤라 프루삭은 몬드리안의 최신 작품에서 영감을 받은 다양한 수화물과 가방을 디자인했습니다: 빨강, 파랑, 노랑 가죽 사각형의 겹겹이 껴입었습니다.^[46]
• 패션 디자이너 입생로랑의 1965년 가을 몬드리안 컬렉션은 몬드리안에서 영감을 받아 검은색 테두리가 있는 원색 블럭의 시프트 드레스를 특징으로 합니다.^[47]이 컬렉션은 매우 인기가 있어 코트에서부터 부츠에 이르기까지 의류를 아우르는 다양한 모조품에 영감을 주었습니다.
• 1970년부터 1974년까지 방영된 미국의 텔레비전 시리즈 파트리지 패밀리는 음악 가족이 투어 버스로 사용하기 위해 1957년형 쉐보레 슈페리어 코치 시리즈 6800 스쿨버스를 구입한 후 몬드리안의 격자 기반 그림에서 영감을 많이 받은 색 기하학적 패턴으로 다시 칠하는 내용을 담았습니다.이 패턴을 선택한 이유는 TV 시리즈에서 결코 논의되지 않습니다.
• La Vie Claire 사이클링 팀의 자전거와 옷 디자인은 1980년대 내내 몬드리안의 작품에 영감을 받았습니다.팀을 후원했던 프랑스의 스키 및 자전거 장비 제조업체 룩(Look)은 한동안 몬드리안에서 영감을 받은 로고를 사용했습니다.이 스타일은 2008년 한정판 프레임으로 부활했습니다.^[48]
• 1980년대 R&B 그룹인 Force MDs는 그들의 히트곡인 "Love is a House"의 뮤직비디오를 만들었으며, 컴포지션 II에서 영감을 받아 디지털로 그린 사각형 안에서 공연하는 것과 겹쳤습니다.^[49]
• 피에트는 프로그램들이 추상 예술처럼 보이는 피에트 몬드리안의 이름을 딴 난해한 프로그래밍 언어입니다.^[50]
• 몬드리안은 그의 이름을 딴 대화형 데이터 시각화용 소프트웨어입니다.
• 몬드리안(Mondrian)은 마이크로소프트 리서치에서 설계한 기능성 스크립트 언어입니다.NET 플랫폼.^[51]
• 몬드리안은 파이썬으로 작성되어 구글 내에서 사용되는 웹 기반 코드 리뷰 시스템입니다.
• 몬드리안은 자바로 작성된 오픈소스 OLAP(온라인 분석 처리) 서버입니다.
• BBC TV 드라마 허슬(Hustle)의 한 에피소드 "그림 퍼펙트(Picture Perfect)"는 팀이 몬드리안 위조품을 만들어 팔려고 시도하는 내용입니다.그러기 위해서는 미술관에서 진짜 몬드리안 (빨강, 노랑, 파랑, 검정 작곡, 1921)을 훔쳐야 합니다.
• 2001년부터 2003년까지 영국의 예술가 키스 밀로우는 몬드리안의 소위 대서양 횡단 그림(1935년~1940년)을 바탕으로 일련의 그림을 그렸습니다.^[52]
• 몬드리안은 미국 텍사스주 달라스 오크 론의 시티플레이스 근처에 있는 20층짜리 고층 건물입니다.이 건물은 2003년에 착공하여 2005년에 완공되었습니다.
• 2008년, 나이키는 몬드리안의 신 플라스틱 그림에서 영감을 받은 덩크 로우 SB 신발 한 켤레를 출시했습니다.^[53]
• 호주의 록 밴드 실버체어의 다섯 번째이자 마지막 앨범인 Young Modern(2007)의 앞면 커버는 Piet Mondrian의 Composition II in Red, Blue, and Yellow에 대한 헌사입니다.
• 미국의 사이키델릭 팝 인디 록 밴드 애플 인 스테레오의 두 번째 앨범인 톤 소울 에볼루션(1997)의 커버 아트는 피에트 몬드리안에 의해 영감을 받았습니다.
• 스타트랙의 캐릭터 데이터: 넥스트 제너레이션은 그의 숙소에 타블로 1의 복사본을 가지고 있습니다.
• 아서의 한 에피소드는 몬드리안의 작품을 닮은 그림이 미술관에 옆으로 전시되는 것과 관련이 있었는데, 빙키 반스가 미술 전문가들에게 오류를 지적한 후 수정되었습니다.
• 수학 책 M에 의한 희소 확률적 과정^[54] 소개.언서와 P.Tafti는 표지에 Mondrian process라고 불리는 확률적 과정의 표현을 사용하는데, 이것은 Piet Mondrian 예술작품과 닮았다고 해서 붙여진 이름입니다.
• 헤이그 시의회는 몬드리안에게 그의 작품을 복제하여 시청 벽을 장식하고 "세계에서 가장 큰 몬드리안 그림"이라고 묘사함으로써 그를 기렸습니다.^[55]이 행사는 몬드리안이 설립을 도운 슈틸운동 100주년을 기념합니다.^[56]
• 저지 서프 드럼 앤 버글 군단은 2018년 작품 [mondo mondrian]에서 피에트 몬드리안을 기반으로 한 쇼를 공연했습니다.^[57]
• 스와치는 마드리드 티센보르네미사 박물관과 협력해 몬드리안의 "뉴욕 시티, 3"에 경의를 표하는 "레드 샤이니 라인(SUOZ297)" 시계를 만들었습니다.^[58]2022년에는 스와치와 센터 퐁피두의 공동 작업의 일환으로 레드, 블루, 화이트 II의 회화 구성을 기념하는 시계 "레드, 블루, 화이트"(SUOZ344)가 그 뒤를 이었습니다.^[59]
• 천영 부동산은 홍콩 포탄에 있는 유일한 공공 주택 단지입니다.샤틴 경주장이 포탄에 위치해 있기 때문에 영어로 "Chun"이라는 이름 접두사를 붙였습니다.2019년에 완공되었습니다.^[60]주택부 건축사업팀에 따르면 천영에스테이트의 건축 외관과 디자인 세부사항은 몬드리안의 작품에서 기하학적 요소에서 영감을 받았다고 합니다.^[61]
• 2021년, LH 게임즈는 피에트 몬드리안의 작품에서 영감을 받은 비디오 게임 "Mondrian Squares"를 출시했습니다.^[62]
• Wikipedia Stub 템플릿 20C-painting-stub은 아이콘에 빨간색, 파란색, 노란색으로 구성을 사용합니다.
• 넷플릭스 시리즈 Unbreakable Kimmy Schmidt 시즌 2 에피소드 8은 재클린의 소중한 몬드리안이 자신들의 것이라고 주장하는 유대인 가족에게 반환되는 것을 특징으로 합니다.
• 제니퍼 이건의 소설 캔디 하우스에서 크리스 살라자르의 조직 이름은 몬드리안입니다.이 그림은 자신의 소박한 집에 진짜 몬드리안 그림을 그린 그의 할머니를 기리기 위해 붙여진 것으로 보입니다.

기념

2014년 6월 6일부터 10월 5일까지 테이트 리버풀은 몬드리안의 사망 70주년을 기념하여 영국에서 가장 많은 작품을 전시했습니다.몬드리안과 그의 스튜디오는 그의 파리 스튜디오를 실물 크기로 재구성했습니다.가디언지에서 찰스 다웬트는 다음과 같이 썼습니다: "검은 바닥과 흰색 벽에 빨강, 노랑, 파랑의 움직일 수 있는 패널이 걸려있는 상황에서, Rue du Départ의 스튜디오는 단지 몽드리안을 만드는 장소가 아니었습니다.그것은 몬드리안(Mondrian)이며, 몬드리안(Mondrian)의 발전기였습니다."^[12]그는 "세계에서 가장 위대한 추상적 기하학자"로 묘사되어 왔습니다.^[63]

참고 항목

• 예술의 제4차원
• 난민 목록
• 나치가 약탈한 미술품의 반환 청구 목록
• 몬드리안과 신학

메모들

참고문헌

추가열람

• Pääsky, Jaana (2019). The Evening is Over, the Beauty Remains: A Semiotic Study of Piet Mondrian's Text "Natural Reality and Abstract Reality" (Ph.D. thesis). University of Helsinki. ISBN 978-951-51-4875-9.

외부 링크

• 현대미술관의 피에트 몬드리안
• 몬드리안 트러스트 – 몬드리안 작품 복제권 보유자
• 피에트 몬드리안 페이퍼.일반 컬렉션, 베이네케 희귀 도서 및 원고 도서관, 예일 대학교
• RKD 및 Gemeeentemuseum Den Haag 웹사이트 – 몬드리안의 삶과 작품에 대한 정보를 제공하는 포털 기능
• H. L. C. Jaffé의 De Stijl 1917-1931의 Piet Mondrian의 많은 인용문과 전기-사실 – 현대 미술에 대한 네덜란드의 기여 – H. L. C. Jaffé의.1956년 암스테르담 J.M. 뮬렌호프
• 피에트 몬드리안: 대서양 횡단 그림 harvardartmuseums.org
• 뉴욕 구겐하임에서 열린 몬드리안 컬렉션