색상 필드

Color field
Kenneth Noland, 1958년 시작, 캔버스에 그려진 마그나, 허쉬혼 박물관과 조각 정원.워싱턴 D.C.에서 일하면서 놀랜드는 1950년대 후반 컬러 필드 운동의 선구자였다.

컬러 필드 페인팅은 1940년대와 1950년대에 뉴욕에서 등장한 추상화 스타일이다.그것은 유럽의 모더니즘에서 영감을 받았고 추상적 표현주의와 밀접한 관련이 있는 반면, 주목할 만한 초기 지지자들은 선구적인 추상적 표현주의자들 중 하나였다.색 영역은 주로 캔버스에 넓게 퍼져 있거나 얼룩이 있는 평평한 색상의 큰 필드가 파손되지 않은 표면과 평평한 화면 평면을 만드는 것이 특징입니다.이 운동은 형태와 과정의 전체적인 일관성을 위해 제스처, 붓놀림, 동작을 덜 강조합니다.컬러 필드 페인팅에서 "색깔은 객관적인 맥락으로부터 해방되어 [1]그 자체로 주제가 된다."

1950년대 후반과 1960년대에 컬러 필드 화가들은 줄무늬의 형식, 표적, 단순한 기하학적 패턴, [2]풍경 이미지와 자연에 대한 참조를 사용하여 영국, 캐나다, 호주, 그리고 특히 뉴욕, 워싱턴 D.C.와 그 밖의 다른 곳에서 나타났다.

역사적 근원

앙리 마티스, 포르테-페네뜨르콜리오에르, 1914년, 센터 조르주 퐁피두, "내 평생 동안 내가 가장 존경해 온 20세기 화가는 마티스였다," 로버트 마더웰 1970.[3]

제2차 세계대전과 미국의 추상적 표현주의의 발달 이후 현대 미술계의 관심의 초점이 파리에서 뉴욕으로 옮겨지기 시작했다.1940년대 후반과 1950년대 초반 동안 클레멘트 그린버그는 추상적 표현주의 규범 안에서 서로 다른 경향 사이의 이분법을 제안하고 식별한 최초의 미술 비평가였다.해럴드 로젠버그(추상적 표현주의의 또 다른 중요한 챔피언), 액션 페인팅의 장점을 그의 기사"미국 관리화 가론"ARTnews,[4]그린버그의 1952년 12월 문제에 게재된 승부를 문제 그 소위'첫번 째의 많은 것들의 작품에all-over 색 색깔이나 들판을 향한 또 하나의 경향을 관찰했다. ge네이션" 추상 표현주의자들.[5]

마크 로트코는 그린버그가 마젠타, 블랙, 그린 온 오렌지로 대표되는 컬러 필드 화가라고 언급한 화가 중 한 명이었지만, 로트코 자신은 어떤 라벨도 고수하기를 거부했다.Rothko에게 색채는 "단순한 악기"였다.어떤 의미에서, 그의 가장 잘 알려진 작품들 - "다형식"과 그의 다른 대표 그림들은, 비록 그의 초기 초현실주의 신화 그림과 같은 "기본적인 인간 감정"의 의미인 더 순수한 의미 중 하나이지만, 본질적으로는 같은 표현이다.이러한 문체적 혁신의 공통점은 "비극적, 황홀감, 파멸"에 대한 우려입니다.1958년까지, 로트코가 캔버스에 묘사하려는 영적인 표현이 무엇이든 간에, 그것은 점점 더 어두워지고 있었다.1950년대 초반 그의 밝은 빨강, 노랑, 오렌지는 어두운 블루스, 초록, 회색, 검은색으로 미묘하게 바뀌었다.1960년대 중반의 그의 마지막 일련의 그림은 회색과 검은 바탕에 흰 테두리를 두른 것으로 끝이 보이지 않는 황량하고 툰드라 같은 미지의 나라의 추상적인 풍경이었다.

1940년대 중반, 로스코는 전환기의 한 가운데 있었고, 그는 클라이포드 스틸의 추상적인 색채 분야에 감명을 받았고, 이는 부분적으로 스틸의 고향인 노스 다코타의 풍경으로부터 영향을 받았다.1947년 캘리포니아 미술학교(오늘날 샌프란시스코 예술연구소)에서 다음 학기 수업을 하는 동안 로스코와 스틸은 그들 자신의 커리큘럼이나 학교를 설립하는 아이디어를 가지고 장난을 쳤다.여전히 가장 뛰어난 색채 분야 화가 중 한 명으로 여겨지고 있다. – 그의 비구상적인 그림은 다양한 색채와 표면의 병렬 배치에 주로 관련되어 있다.그의 들쭉날쭉한 색상의 섬광은 종유석과 원시 동굴을 연상시키는, 밑의 색을 드러내면서, 그림에서 한 층의 색이 벗겨진 듯한 인상을 준다.1957년 D1에서 보듯이 무거운 질감과 날카로운 표면 대비와 함께 불규칙하고 들쭉날쭉하며 패여 있습니다.

추상표현주의와 색채화 둘 다와 관련된 가장 유명한 작품은 로버트 머더웰이다.느슨하게 그려지고 측정된 선과 모양과 함께 느슨하게 열린 화가의 면으로 특징지어지는 마더웰의 추상적 표현주의는 조안 미로앙리 마티스의 [6]영향을 받았다.마더웰의 스페인 공화국 제110호(1971년)는 추상표현주의와 색채영화의 선구적인 작품이다.엘레지 시리즈는 두 가지 성향을 모두 담고 있지만, 1960년대 후반, 1970년대, 1980년대의 오픈 시리즈는 그를 컬러 필드 [7]진영에 확고히 자리 잡고 있다.1970년 마더웰은 "내 생애 동안 내가 가장 존경했던 20세기 화가는 마티스였다"[8]고 말하면서 마티스의 영향을 반영한 그의 작품 시리즈, 특히 고전적인 컬러 필드 회화에 가장 가까운 그의 오픈 시리즈를 암시했다.

바넷 뉴먼은 추상적 표현주의의 주요 인물 중 한 명이자 가장 뛰어난 색채 화가 중 한 명으로 여겨진다.뉴먼의 성숙한 작품은 순수하고 평평한 색상의 영역들이 뉴먼이 MoMA 컬렉션에서 Vir Herous Sublimis대표되는 얇은 수직선 또는 "집스"로 구분되는 것이 특징이다.뉴먼 자신은 그가 여기에서 [9]Onement 시리즈 (1948년부터)에서 그의 완전한 성숙한 스타일에 도달했다고 생각했다.지퍼는 그림의 공간 구조를 정의하는 동시에 구도를 분할하고 통합합니다.비록 뉴먼의 그림들이 순수하게 추상적인 것으로 보이고, 그 중 많은 것들이 원래 제목이 없는 것으로 보이지만, 그가 나중에 붙인 이름들은 종종 유대인의 주제로 다루어지는 특정한 주제들을 암시했다.예를 들어 1950년대 초반의 두 그림은 아담과 이브(아담과 이브 참조)라고 불리며, 성경 가장의 이름일 뿐만 아니라 1947년에 사망한 뉴먼의 아버지의 이름이기도 한 매우 어두운 그림인 우리엘(1954년)과 아브라함(1949년)도 있다.Who's Aread of Red, Yellow, Blue 시리즈와 같은 뉴먼의 후기 작품들은 종종 매우 큰 캔버스에 생생하고 순수한 색을 사용한다.

잭슨 폴록, 아돌프 고틀립, 한스 호프만, 바넷 뉴먼, 클라이포드 스틸, 마크 로스코, 로버트 머더웰, 애드 라인하르트, 아르실 고키(마지막 작품에서)는 그린버그가 1950년대와 1960년대에 [10]색채 회화와 관련이 있다고 밝힌 저명한 추상 표현주의 화가들 중 하나였다.

비록 폴록은 그의 스타일, 기법, 그리고 그의 화가 같은 '터치'와 물감의 물리적 적용 때문에 액션 페인팅과 밀접한 관련이 있지만, 미술 비평가들은 폴록을 액션 페인팅과 컬러 필드 페인팅 둘 다에 비유했다.클레멘트 그린버그가 제기한 또 다른 비판적 견해는 폴록의 모든 캔버스와 1920년대에 그려진 클로드 모네의 대규모 수련화를 연결시킨다.그린버그, 미술평론가 마이클 프리드 등은 폴록의 가장 유명한 작품인 드립 그림에서 전체적인 느낌은 종종 색채와 드로잉의 모든 분야에서 읽히는 유사한 가치 있는 페인트 스켈의 거대한 복합체로 읽히며 벽화 크기의 후기 모네츠와 관련이 있다는 것을 관찰했다.모네가 자신의 그림 표면을 만들 때 사용했던 색채와 그림의 밀접한 가치의 분야로 읽히는, 가치 있는 브러시와 스크래치 마크의 많은 구절들로 구성되어 있다.폴록의 전체적인 구성 사용은 뉴먼, 로스코, 스틸과 같은 색채 분야 화가들이 깨지지 않고 깨진 표면을 만드는 방식에 철학적이고 물리적인 연결을 제공한다.폴록이 1947년부터 1950년까지의 고전 드립 페인팅 기간 후에 그린 몇몇 그림에서, 그는 유동적인 유화 물감과 집 페인트를 생 캔버스에 염색하는 기법을 사용했다.1951년에는 일련의 반구형 흑색 얼룩 그림을, 1952년에는 색을 이용한 얼룩 그림을 그렸다.1952년 11월 뉴욕 시에 있는 시드니 재니스 갤러리에서 열린 그의 전시회에서 폴록은 12번, 1952년이라는 숫자를 보여주었는데, 이 그림은 밝게 얼룩진 풍경과 유사하다. (넓게 떨어진 어두운 페인트를 덧씌운) 그 그림은 넬슨 록펠러가 의 개인 소장품으로 전시회에서 가져왔다.1960년, 이 그림은 올버니의 주지사 저택에서 화재로 심하게 훼손되었고, 아르실 고리키 그림과 록펠러 컬렉션의 다른 작품들도 심각하게 훼손되었다.그러나 1999년에 복원되어 엠파이어 스테이트 [11][12]플라자에 설치되었다.

아르실레 고리키는 추상 표현주의의 창시자 중 한 명이자 초현실주의자로 여겨지지만, 그는 또한 "염색" 기법을 사용한 뉴욕 학파의 첫 번째 화가 중 한 명이기도 합니다.고리키는 그의 많은 그림에서 바탕이 되는 생생하고 개방적이며 끊기지 않는 색의 넓은 들판을 만들었습니다.1941년부터 1948년까지 고리키의 가장 효과적이고 뛰어난 그림에서, 그는 유기적이고 생체모형적인 형태와 섬세한 선에 대한 그의 익숙한 사전 아래 그리고 그 주변에서 종종 페인트가 흘러내리게 하면서 강렬한 색칠 영역을 일관되게 사용했습니다.1940년대 작품에서 1960년대와 1970년대의 얼룩 그림을 떠올리게 하는 또 다른 추상적 표현주의자는 제임스 브룩스이다.브룩스는 1940년대 후반부터 그의 그림에서 기법으로 얼룩을 자주 사용했다.브룩스는 그가 사용했던 대부분 생 캔버스에 붓고 물방울을 떨어뜨리고 얼룩을 지닐 수 있는 유동적인 색을 내기 위해 유화 물감을 희석하기 시작했다.이 작품들은 종종 서예와 추상적인 형태를 결합한다.의 경력의 마지막 30년 동안, 샘 프란시스의 대규모의 밝은 추상 표현주의는 색채 분야 회화와 밀접하게 연관되어 있었다.그의 그림은 추상적 표현주의 루브릭, 액션 페인팅, 컬러 필드 페인팅 양 진영에 걸쳐 있었다.

1951년 폴록의 얇아진 검은 유화 물감을 원 캔버스로 물들이는 그림을 본 헬렌 프랑켄탈러는 1952년 원 캔버스에 다양한 유화 색상의 얼룩 그림을 그리기 시작했다.그녀의 가장 유명한 그림은 바다이다.그녀는 1950년대 [13]후반에 등장한 컬러 필드 운동의 창시자 중 한 명이다.프랑켄탈러는 또한 한스 호프만과 함께 공부했다.호프만의 그림은 1959-1960년 더 게이트에서 볼 수 있는 색채의 교향곡이다.1930년대 초 독일에서 미국으로 건너온 호프만은 모더니즘의 유산을 함께 가져왔다.호프만은 제1차 세계대전파리에서 그림을 그린 젊은 화가였다. 호프만은 파리에서 로버트 들뢰네와 함께 일했고 파블로 피카소와 앙리 마티스의 혁신적인 작품을 직접 알았다.마티스의 작품은 그에게 엄청난 영향을 끼쳤고, 색채의 표현적 언어와 추상화의 가능성에 대한 그의 이해에 영향을 끼쳤다.Hofmann은 컬러 필드 페인팅의 첫 번째 이론가 중 한 명이었고, 그의 이론은 1930년대와 1940년대 동안 예술가들과 비평가들, 특히 클레멘트 그린버그와 다른 사람들에게 영향을 끼쳤다.1953년 모리스 루이스와 케네스 놀랜드는 둘 다 뉴욕에 있는 그녀의 스튜디오를 방문한 후 프랑켄탈러의 얼룩 그림에 깊은 영향을 받았다.워싱턴 DC로 돌아온 그들은 1950년대 [14]후반에 컬러 필드 운동을 일으킨 주요 작품들을 제작하기 시작했다.

1972년 당시 메트로폴리탄 미술관 큐레이터 헨리 겔자흘러는 이렇게 말했다.

클레멘트 그린버그는 1950년대 초에 쿠츠 갤러리에서 했던 쇼에 모리스 루이스와 케네스 놀랜드의 작품을 포함시켰다.클렘은 그들의 잠재력을 가장 먼저 보았다.그는 1953년에 헬렌의 스튜디오에 그들을 초대했습니다산악과 바다라는 그림을 보기 위해서였습니다어떤 의미에서는 폴록에서나 고리키에서나온 아주 아름다운 그림이었습니다그것은 또한 최초의 얼룩 사진 중 하나이며, 얼룩 기법이 사용된 최초의 대형 현장 사진 중 하나이며, 아마도 첫 번째 사진일 것이다.루이스와 놀랜드는 그녀의 스튜디오 바닥에 펼쳐져 있는 사진을 보고 워싱턴 DC로 돌아가 한동안 함께 일하며 이런 종류의 [15][16]그림의 의미를 연구했다.

모리스 루이스의 그림 1960년대는 추상적 표현주의 회화를 색채 영역과 미니멀리즘을 향한 새로운 방향으로 전진시킨 주요한 혁신이었다.루이스의 주요 작품 중에는 그의 다양한 컬러 필드 그림이 있다.그의 가장 잘 알려진 시리즈들 중 일부는 Unfurleds, Veils, Florals, Stripes or Pillars이다.1929년부터 1933년까지 루이스는 메릴랜드 미술대학(현 메릴랜드 미술대학)에서 공부했다.그는 그림을 그리는 동안 생계를 유지하기 위해 다양한 잡역부 일을 했고 1935년에는 볼티모어 예술가 협회의 회장이 되었다.1936년부터 1940년까지 그는 뉴욕에 살았고 Works Progress Administration Federal Art Project의 이젤 부서에서 일했다.이 기간 동안, 그는 1940년에 볼티모어로 돌아온 아르실레 고리키, 데이비드 알파로 시케이로스, 잭 토코프를 알고 있었다.1948년, 그는 마그나 – 유화 아크릴 물감을 사용하기 시작했다.1952년 루이스는 워싱턴 D.C.로 이사하여 뉴욕과 다소 떨어져 살며 거의 고립되어 일했다.그와 Kenneth Noland를 포함한 예술가 그룹은 색채 필드 페인팅의 개발에 중심이었다.루이스의 작품과 1950년대 후반과 1960년대 초반의 다른 대부분의 새로운 접근법과 대조적으로 때때로 워싱턴 컬러 스쿨로 알려진 다른 색채 분야 화가들의 작품에 대한 기본 포인트는 그들이 완성된 그림의 외관을 구성하는 것에 대한 생각을 크게 단순화시켰다는 것이다.

워싱턴 DC에서 일하는 놀랜드는 1950년대 후반 색장 운동의 선구자였으며, 그는 그의 그림을 위해 시리즈를 중요한 형식으로 사용했다.놀랜드의 주요 시리즈 중 일부는 타겟, 쉐브론, 스트라이프라고 불렸다.놀랜드는 실험적인 블랙 마운틴 대학에 다녔고 그의 고향인 노스캐롤라이나 주에서 미술을 공부했다.놀랜드는 그에게 신 플라스틱주의와 피에트 몬드리안의 작품을 소개한 일리야 볼로토프스키 교수와 함께 공부했다.그곳에서 그는 요제프[17] 앨버스와 함께 바우하우스 이론과 색깔을 공부했고 폴 클리에 특히 그의 [18]색에 대한 민감성에 관심을 갖게 되었다.1948년과 1949년에 그는 파리에서 Ossip Zadkine과 함께 일했고, 1950년대 초에 [19]Washington DC에서 Morris Louis를 만났습니다.

1970년 미술평론가 클레멘트 그린버그는 이렇게 말했다.

폴록을 호프만, 모리스 루이스와 함께 이 나라에서 가장 위대한 화가 중 하나로 꼽겠습니다.사실 유럽에는 그들에게 필적할 만한 동세대 사람이 없었던 것 같아요.폴록은 호프만의 그림을 좋아하지 않았다.그는 그들을 알아볼 수 없었다.그는 일부러 그러지는 않았다.호프만은 폴록의 모든 그림을 좋아하지 않았고 폴록의 화가 친구들 대부분이 1947년부터 50년까지 그린 그림들을 이해하지 못했습니다.하지만 폴록의 그림은 렘브란트티티안, 벨라스케스, 고야, 데이빗의 그림과 같은 맥락에서 살아 있거나 죽거나 합니다.마네, 루벤, 미켈란젤로의 그림도요방해도 없고, 변이도 없어요.폴록은 라파엘이 잘 할 때 얼마나 잘 할 있는지,[20] 피에로가 잘 때 얼마나 잘 할 수 있는지 같은 눈으로 시험해 볼 것을 요청했다.

색상 필드 이동

1950년대 후반과 1960년대 초반에 젊은 예술가들은 추상적 표현주의로부터 스타일적으로 탈피하기 시작했다; 그림을 만드는 새로운 방법, 그리고 페인트와 색을 다루는 새로운 방법을 실험했다.1960년대 초 추상화에서 여러 가지 그리고 다양한 새로운 움직임들이 서로 밀접하게 연관되어 있었고, 비록 그들이 장기적으로 크게 다른 것으로 판명되었지만 표면적으로는 함께 분류되었다.추상적 표현주의에 대한 반응으로 1960년대 초에 나타난 몇몇 새로운 스타일과 운동들은 다음과 같이 불렸다.워싱턴 컬러 스쿨, 최첨단 회화, 기하학적 추상화, 미니멀리즘, 색채 분야.

데이비스는 또한 1964년 블랙 그레이 비트 같은 수직 줄무늬의 색상으로 특히 알려진 화가였고, 1960년대 워싱턴 D.C.의 추상 화가 그룹의 일원이기도 했다.워싱턴 화가들은 세기 중반의 가장 저명한 색채 화가들 중 하나였다.

부시, 빅 A, 1968년부시는 1909년 온타리오주 토론토에서 태어난 캐나다의 추상 표현주의 화가였다.그는 추상표현주의자들의 노력에서 비롯된 두 가지 운동, 즉 색채영화와 서정적 [21]추상화에 밀접하게 연관되었다.

1960년대 컬러 필드 운동과 관련된 예술가들은 제스처와 불안에서 벗어나 맑은 표면과 게슈탈트를 선호했다.1960년대 초중반 컬러 필드 페인팅은 앤 트루잇, 존 맥러플린, 프란시스, 길리암, 토마스 다우닝, 엘스워스 켈리, 필리, 프리델 주바스, 부시, 하워드 메링, 데이비스, 메이어같은 예술가들의 작품을 지칭하는 용어였다.r, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson, 그리고 그들의 작품들이 이전에 2세대 추상 표현주의와 관련이 있었던 다른 것들과, 또한 Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard, Frank Stella와 같은 젊은 예술가들에게도.모두 액션 페인팅의 폭력성과 불안감에서 벗어나 새롭고 차분한 색채의 언어를 향해 나아가고 있었다.

색상 영역은 클레멘트 그린버그와 관련되어 있지만 그린버그는 사실 포스트 페인틀리 추상화라는 용어를 사용하는 것을 선호했다.1964년 클레멘트 그린버그는 포스트 페인틀리 [22]추상화라고 불리는 영향력 있는 전시를 기획했다.그 전시회는 색채 필드 회화의 정의를 넓혔다.컬러 필드 페인팅은 추상적 표현주의에서 벗어나 미국 회화의 새로운 방향을 분명히 가리켰다.2007년에 큐레이터 카렌 윌킨은 미국 전역의 여러 박물관을 돌며 Color As Field: American Painting 1950-1975라는 전시회를 큐레이터로 삼았다.이 전시회는 2세대 컬러 필드 [23]화가들을 대표하는 여러 작가들을 선보였다.

1970년 화가 줄스 올리츠키는 이렇게 말했다.

컬러 필드 그림이 무슨 뜻인지 모르겠어요.아마 어떤 평론가에 의해 발명되었을 거라고 생각합니다만, 괜찮지만, 그 문구는 아무 의미도 없다고 생각합니다.컬러 필드 페인팅?내 말은, 색이란 무엇인가?그림은 많은 것과 관련이 있다.색깔은 그것과 관련이 있는 것들 중 하나이다.표면과 관련이 있습니다.그것은 형태와 관련이 있다.[24] 더 다가가기 어려운 감정과 관련이 있다.

An abstract landscape painting
로니 랜드필드, 1985년 봄의 의식랜드필드의 작품은 1960년대에 등장했다.그의 작품은 중국 산수화와 색채장성어를 동시에 반영하고 있다.그의 그림들은 색채 필드 페인팅[25]서정적인 추상화를 연결한다.

부시는 1909년 온타리오주 토론토에서 태어난 캐나다의 추상 표현주의 화가였다.그는 1954년 윌리엄 로널드가 캐나다에서 추상화를 장려하기 위해 설립한 '페인트 일레븐'의 멤버였고 곧 미국 미술평론가 클레멘트 그린버그에 의해 그의 예술에 용기를 얻었다.그린버그의 격려로 부시는 추상적 표현주의자들의 노력에서 비롯된 두 가지 운동, 즉 색채 영역화와 서정적 추상화에 밀접하게 연결되었다.그의 그림 Big A는 1960년대 [21][27]후반의 그의 컬러 필드 그림의 한 예이다.

1950년대 후반과 1960년대 초반 동안 프랭크 스텔라는 미니멀리즘, 포스트 페인팅, 컬러 필드 페인팅의 출현에 중요한 인물이었다.1967년 하란 2세와 같은 1960년대의 그의 모양 캔버스는 추상화에 혁명을 일으켰다.스텔라 그림의 가장 중요한 특징 중 하나는 반복 사용이다.1959년에 그린 그의 블랙스트라이프 그림은 단색이고 반복적인 이미지를 보는 데 익숙하지 않았던 미술계를 놀라게 하고 충격을 주었다. 단색이고 반복적인 이미지는 거의 변형이 없이 평평하게 그려졌다.1960년대 초 스텔라는 여러 시리즈로 조각난 알루미늄 그림을 그리고 1960년대 후반의 다양한 색상과 비대칭 모양의 캔버스를 만들기 전에 구리 그림을 그렸다.1980년 이후 그의 작품이 점점 입체적으로 변함에 따라 프랭크 스텔라의 컬러 필드 페인팅에 대한 접근과 관계는 영구적이거나 그의 창조적인 결과물에 중심적이지 않았다.

1960년대 후반에 리차드 디벤콘그의 오션 파크 시리즈를 시작했습니다; 그의 경력의 마지막 25년 동안 만들어졌고 그것들은 컬러 필드 회화의 중요한 예입니다.Ocean Park No.129대표되는 Ocean Park 시리즈는 의 초기 추상 표현주의 작품과 컬러 필드 페인팅을 연결한다.1950년대 초반, 리차드 디벤콘은 추상 표현주의자로 알려져 있었고, 그의 제스처 추상화는 감성에 있어서 뉴욕 학파에 가까웠지만 확고하게 샌프란시스코 추상 표현주의 감성에 기반을 두고 있었다; 클라이포드 스틸이 샌에서 의 가르침에 의해 여전히 젊은 예술가들에게 상당한 영향력을 가지고 있는 장소. 프란시스코 아트 인스티튜트

1950년대 중반, 리처드 디벤콘은 데이비드 파크, 엘머 비쇼프, 그리고 다른 여러 사람들과 함께 피규어 회화로 회귀하면서 베이 에리어 피규어 스쿨을 형성했다.1964년 가을에서 1965년 봄 사이의 기간 동안 디벤코른은 유럽 전역을 여행했고, 그는 중요한 소련 박물관에서 앙리 마티스의 그림을 보고 방문할 수 있는 문화 비자를 받았다.그는 러시아 밖에서는 거의 볼 수 없었던 러시아 박물관의 앙리 마티스 그림을 연구하기 위해 당시 소련으로 갔다.그가 1965년 중반 베이 에리어에서 회화에 복귀했을 때, 그의 작품들은 그가 10년 이상 대표적 비유 [28][29]화가로서 배운 모든 것을 요약했다.1967년에 그가 추상화로 돌아왔을 때 그의 작품은 색장 운동과 서정적인 추상화와 같은 움직임과 평행했지만 그는 둘 다로부터 독립적이었다.

1960년대 후반, 초기 도트 그림이 Op Art와 연관되었던 Larry Poons는 1967-1968년 그의 로젠지 타원 그림으로 언급되는 더 느슨하고 자유로운 형태의 그림을 만들기 시작했다.호일랜드, 월터 다비 배너드, 래리 젝스, 로널드 데이비스, 로니 랜드필드, 존 세리, 립스키, 댄 크리스텐슨[30] 그리고 몇몇 젊은 화가들과 함께 컬러 필드 회화와 관련된 새로운 움직임이 형성되기 시작했고, 결국 서정적 추상화라고 [31][32][33]불리게 되었다.1960년대 후반에는 표면 변곡, 깊은 공간 묘사, 그리고 화가의 손길과 페인트가 색채의 언어와 융합되는 것을 보았다.색채영화와 표현주의를 결합해 등장한 신세대 추상화가들 사이에서도 기성세대는 복잡한 공간과 표면의 새로운 요소를 작품에 접목하기 시작했다.1970년대까지 푼스는 코끼리 피부 그림이라고 불리는 두껍고 갈라지고 무거운 그림을 그렸다; 크리스텐슨은 섬세한 토지의 여러 색상의 들판에 고리, 색상의 선과 서예의 거미줄을 뿌렸다; 로니 랜드필드의 얼룩진 밴드 그림은 중국 풍경화와 색채 필드 관용구의 반영이다.1973년 이스트에서 예시한 호주 국립 미술관의 존 세리의 얼룩진 그림.푼스, 크리스텐슨, 데이비스, 랜드필드, 세리, 립스키, 젝스, 그리고 다른 몇몇 작품들은 컬러 필드 페인팅과 서정적인 추상화를 연결하고 풍경, 몸짓, 터치에 대한 [26][34][35]재강조된 강조를 강조하는 그림을 그렸다.

개요

컬러 필드 페인팅은 포스트 페인팅, 우월주의, 추상 표현주의, 하드 에지 페인팅, 서정적 추상화와 관련이 있다.그것은 처음에 추상적 표현주의의 특정한 유형을 언급했는데, 특히 마크 로스코, 클라이포드 스틸, 바넷 뉴먼, 로버트 머더웰, 아돌프 고틀립의 작품과 조안 미로의 여러 시리즈 작품들을 언급하였다.미술평론가 클레멘트 그린버그는 컬러 필드 페인팅이 액션 페인팅과 관련이 있지만 다른 것으로 인식했다.

색영화와 추상표현을 다르게 한 중요한 차이점은 페인트 처리이다.회화의 가장 기본적인 정의 기술은 페인트의 적용이며 색장화가들은 페인트를 효과적으로 적용할 수 있는 방식을 혁신했다.

컬러 필드 페인팅은 예술에서 불필요한 수사학을 없애려고 했다.Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas Frank Stella와 같은 아티스트와 다른 아티스트들은 반복적이고 규제된 시스템, 매우 심플하고 명료한 심리학적 참조를 자주 사용합니다.색채의일반적으로 이러한 예술가들은 추상화를 위해 공공연하게 인식할 수 있는 이미지를 제거했다.어떤 화가들은 과거나 현재의 예술에 대한 언급을 인용했지만, 일반적으로 색채 필드 페인팅은 추상화를 그 자체로 표현한다.이러한 현대 미술의 방향을 추구하면서, 이 작가들은 각각의 그림을 하나의 통일되고, 응집력 있고, 종종 관련된 유형의 시리즈 내에서 하나의 단일 이미지로 표현하기를 원했다.

잭슨 폴록윌름쿠닝같은 추상적 표현주의자들의 감정적인 에너지와 제스처 표면 마크와 그림 처리와 달리, 컬러 필드 페인팅은 처음에는 냉정하고 엄격한 것으로 보였다.컬러 필드 화가들은 캔버스의 실제 형태와 함께 시각적인 추상화의 본질로 여겨지는 크고 평평하며 얼룩지고 젖은 색 영역을 선호하여 개인의 흔적을 지웁니다. 프랭크 스텔라는 특히 곡선과 직선 모서리의 조합으로 특이한 방법으로 이 을 달성했습니다.그러나 색채영화는 제스처적 추상표현주의와는 다른 방식으로 관능적이면서도 깊은 표현력을 지닌 것으로 입증되었다.마크 로트코는 추상적 표현주의나 다른 예술 운동과의 연관성을 부인하면서 1956년 자신의 그림에 대해 분명히 말했다.

나는 추상주의자가 아니다...나는 색깔이나 형태, 그 밖의 어떤 관계에도 관심이 없다.나는 인간의 기본적인 감정인 비극, 황홀감, 파멸 등을 표현하는 데만 관심이 있다.많은 사람들이 내 사진을 보고 울음을 터뜨린다는 것은 내가 인간의 기본적인 감정을 전달한다는 것을 보여준다.내 그림 앞에서 우는 사람들은 내가 그림을 그릴 때와 같은 종교적 경험을 하고 있다.그리고 당신이 말한 것처럼 그들의 색깔 관계에만 감동한다면,[36] 당신은 요점을 놓칠 것이다!

얼룩 도장

조안 미로는 최초의 가장 성공적인 염색 화가 중 한 명이었다.비록 기름에 얼룩이 장기적으로 면화 캔버스에 위험하다고 여겨졌지만, 1920년대, 1930년대, 그리고 1940년대 미로의 사례는 젊은 세대에게 영감을 주고 영향을 주었다.색장 운동이 성공한 이유 중 하나는 염색 기술이었다.예술가들은 물감을 양동이나 커피 캔에 섞어 희석하여 액체를 만든 다음, 그것을 원기 없는 캔버스, 일반적으로 솜오리에 부었습니다.페인트를 칠하거나 말거나, 던지거나, 붓거나, 뿌릴 수 있고, 캔버스의 천에 퍼질 수 있습니다.일반적으로 예술가들은 얼룩이 질 때 모양과 영역을 그립니다.많은 다른 화가들이 그들의 그림을 그릴 때 사용하는 기법으로 염색법을 사용했다.제임스 브룩스, 잭슨 폴락, 헬렌 프랑켄탈러, 모리스 루이스, 폴 젠킨스 그리고 수십 명의 다른 화가들은 붓기와 얼룩이 새로운 방식으로 의미를 그리고 표현하는 혁신과 혁명적인 방법의 문을 열었다는 것을 발견했습니다.1960년대 아크릴 물감의 보급으로 얼룩진 화가가 크게 늘었다.면 오리 캔버스 직물에 아크릴 페인트를 염색하는 것은 유화 페인트를 사용하는 것보다 더 온화하고 캔버스 직물에 덜 손상되었습니다.1970년 예술가 헬렌 프랑켄탈러는 염색 사용에 대해 다음과 같이 말했다.

처음 얼룩 그림을 그리기 시작했을 때 캔버스의 넓은 영역을 페인트를 칠하지 않은 채로 두었습니다. 캔버스 자체가 페인트나 선이나 색처럼 힘차고 긍정적으로 작용했기 때문입니다.즉, 지면 자체가 매체의 일부였기 때문에 배경이나 네거티브 공간, 빈 공간으로 생각하지 않고 옆에 페인트가 칠해져 있기 때문에 페인트가 필요 없었습니다.어디에 두어야 할지, 어디에 채워야 할지 결정하는 것이었고, 다른 선이나 다른 색의 통이 필요하지 않았습니다.우주에서 [37]말하는 거야.

스프레이 도장

놀랍게도 1960년대와 1970년대 동안 스프레이 건 기술을 사용하여 캔버스에 뿌려진 큰 확대와 색장을 만들어 낸 예술가들은 거의 없었다.스프레이 페인팅 기법을 효과적으로 사용한 화가로는 그의 큰 그림을 여러 가지 색깔의 층으로 덮는 스프레이 기술의 선구자였던 줄스 올리츠키가 있으며, 종종 미묘한 진행으로 점차 색조와 가치를 변화시킨다.또 다른 중요한 혁신은 Dan Christensen이 고리와 밝은 색의 리본에 큰 효과를 내는 스프레이 기술을 사용했다는 것입니다; 그의 큰 그림들에 투명한 서예 표시를 뿌렸습니다.William Pett, Richard Saba, Albert Stadler는 이 기술을 사용하여 다양한 색상의 대규모 필드를 만들었습니다. 반면 Kenneth Showell은 구겨진 캔버스 위에 뿌리고 추상적인 정물 인테리어 같은 착각을 일으켰습니다.대부분의 스프레이 페인트공들은 특히 1960년대 후반과 1970년대에 활동하였다.

줄무늬

줄무늬는 여러 다른 색장 화가들이 다양한 형태로 사용한 가장 인기 있는 색채 도구 중 하나였다.바넷 뉴먼, 모리스 루이스, 잭 부시, 진 데이비스, 케네스 놀랜드, 데이비드 심슨 모두 스트라이프 그림의 중요한 시리즈'를 만들었다.비록 그가 줄무늬라고 부르지 않았지만, Barnett Newman의 줄무늬는 거의 수직이며, 폭이 다양하며 거의 사용되지 않았다.심슨과 놀랜드의 경우, 그들의 스트라이프 그림은 대부분 수평이었고, 진 데이비스는 수직 스트라이프 그림을 그리고 모리스 루이스는 종종 기둥이라고 불리는 수직 스트라이프 그림을 그렸다.잭 부시는 각진 그림뿐만 아니라 가로와 세로 줄무늬 그림도 그리는 경향이 있었다.

마그나 페인트

특수 예술가인 마그나는 1947년 레오나드 보쿠르와 샘 골든에 의해 개발되어 1960년 모리스 루이스와 컬러 필드 [38]운동의 다른 얼룩 화가들을 위해 재구성되었다.마그나 색소는 알코올계 [39]용제와 함께 아크릴 수지에 분쇄된다.현대의 수성 아크릴과는 달리 마그나는 테레빈유나 미네랄 스피릿과 혼합되어 빠르게 건조되어 매트하거나 광택이 납니다.그것모리스 루이스, 프리델 주바스에 의해 광범위하게 사용되었고 팝 아티스트 로이 리히텐슈타인에 의해서도 사용되었다.마그나 색상은 일반 아크릴 수성 페인트보다 선명하고 강렬합니다.루이스는 그의 스트라이프 시리즈에서 마그나를 큰 효과로 사용했습니다. 스트라이프 시리즈는 [40]색을 희석하지 않고 [41]캔에서 직접 붓습니다.

아크릴 페인트

1972년 전 메트로폴리탄 미술관 큐레이터 헨리 겔자흘러는 이렇게 말했다.

신기하게도 색장은 새로운 플라스틱 페인트인 아크릴 페인트가 탄생한 바로 그 시점에 실현 가능한 그림 방법이 되었다.마치 새로운 페인트가 회화의 새로운 가능성을 요구했고, 화가들이 거기에 도달한 것 같았다.수성이 아닌 다른 매개체를 가진 오일 페인트는 항상 색의 가장자리 주변에 기름, 즉 기름 웅덩이를 남깁니다.아크릴 페인트는 그 가장자리에서 멈춥니다.이 새로운 [42]페인트의 발명과 동시에 컬러 필드 페인팅이 도입되었다.

아크릴은 1950년대에 레너드 보쿠어에 의해 제공된 마그나라고 불리는[43] 광물 정신 기반의 페인트로 상업적으로 처음 사용 가능하게 되었다.수성 아크릴 페인트는 이후 "라텍스" 하우스 페인트로 판매되었지만, 아크릴 분산액에는 고무 나무에서 추출한 라텍스가 사용되지 않았습니다.내부 "라텍스" 하우스 페인트는 바인더(때로는 아크릴, 비닐, pva기타), 필러, 안료 및 조합인 경향이 있습니다.외부 "라텍스" 하우스 페인트도 "공중합체" 혼합일 수 있지만, 가장 좋은 외부 수성 페인트는 100% 아크릴입니다.

수성 아크릴 바인더가 하우스 페인트로 소개된 직후, 첫 번째 멕시코 벽화 작가인 예술가들과 회사들은 새로운 바인더의 가능성을 모색하기 시작했습니다.아크릴 아티스트 페인트는 물로 솎아 수채화 물감으로 사용할 수 있지만, 한번 건조하면 빠르고 영구적입니다.수용성 예술가 품질의 아크릴 물감은 1960년대 초에 상업적으로 판매되기 시작했으며, 리키텍스와 보쿠르가 아쿠아텍이라는 상표명으로 제공했다.수용성 리퀴텍스와 아쿠아텍은 스테인 페인팅에 이상적이라는 것이 입증되었습니다.수용성 아크릴에 의한 염색 기술로 희석된 색상이 가라앉아 캔버스에 단단히 고정됩니다.Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam과 같은 화가들은 그들의 새로운 얼룩,[44] 색칠에 수성 아크릴을 성공적으로 사용했다.

레거시: 영향과 영향

리처드 디벤콘, 오션 파크 129호, 1984년오션 파크 시리즈는 초기 추상 표현주의 작품과 컬러 필드 페인팅을 연결시킨다.앙리 마티스와 조안 미로영향이 이 그림에서 특히 강하다.
헨리 마티스, 1914년 현대미술관 노트르담 조망.1914년부터의 마티스 그림들은 콜리우르의 프랑스 창문[45] 노트르담의 풍경 둘 다 미국의 색채 분야 화가들(로버트 마더웰의 오픈 시리즈 포함)과 특히 리처드 디벤콘의 오션 파크 그림에 큰 영향을 미쳤다.

20세기 회화의 화가다운 유산은 영향과 복잡한 상호관계의 길고 얽힌 주류이다.느슨한 드로잉(확실한 선형의 점 및/또는 비유적인 윤곽)을 동반한 넉넉한 화가의 부분들로 표현력이 풍부한 넓은 영역을 사용하는 것은 앙리 마티스와 잔 미로의 20세기 초반 작품에서 처음 볼 수 있다.마티스와 미로, 그리고 파블로 피카소, 클리, 바실리 칸딘스키, 피에트 몬드리안은 추상 표현주의자들, 후기 추상화의 색채 화가들, 그리고 서정적 추상주의자들에게 직접적인 영향을 끼쳤다.Georgia O'Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, 그리고 Milton Averberry와 같은 초기 미국 모더니스트들과 함께, August Vincent Tack과 Albert Pinkham Ryder와 같은 19세기 후반의 미국인들도 중요한 선례를 제공하고 추상 표현주의자들, 필드 컬러 화가들과 서정치에 영향을 끼쳤다.행동주의자마티스는 1914년 콜리우르의 프랑스 창문과 노트르담[45] 풍경 모두 전반적으로 (로버트 마더웰의 오픈 시리즈포함한) 미국 색채 분야 화가들과 특히 리처드 디벤콘해양 공원 그림에 큰 영향을 미쳤다.미술사학자 제인 리빙스턴에 따르면, 디벤콘은 1966년 로스앤젤레스에서 열린 전시회에서 마티스의 두 그림을 보았고, 그들은 그와 그의 작품에 [46]엄청난 영향을 주었다.제인 리빙스턴은 디에벤콘이 로스앤젤레스에서 본 1966년 1월 마티스 전시회에 대해 다음과 같이 말합니다.

그 이후 그의 작품이 나아갈 방향에 대해 이 경험에 엄청난 무게를 두지 않는 것은 어렵다.그가 그곳에서 본 두 장의 사진이 거의 모든 오션 파크 캔버스에 울려 퍼졌다.1914년에 그려진 콜리우르의 노트르담과 프랑스 창문이 [46]모두 미국에서 처음으로 전시되었다.

리빙스턴은 계속해서 "디벤콘은 깨달음으로 [47]콜리우어에서 프랑스식 창을 경험했을 것"이라고 말한다.

미로는 20세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명이었다.그는 1920년대와 1930년대에 걸쳐 얇아진 유화 물감으로 흐릿하고 다양한 색의 흐린 배경을 만드는 염색 기술을 개척했고, 그 위에 그의 서예, 문자, 풍부한 단어 사전, 그리고 이미지를 더했다.아르실레 고리키는 1940년대 초에 마침내 자신만의 독창성을 발견하기 전에 공개적으로 미로의 작품을 존경하고 미로 같은 그림을 그렸다.1960년대에 미로는 파란색, 흰색 및 기타 단색 색상으로 힘차게 브러시된 페인트의 광택 있는 넓은 영역(추상적 표현주의 척도)을 그렸다. 흐릿한 검은색 오브와 서예 돌과 같은 모양은 아무렇게나 떠다녔다.이 작품들은 젊은 세대의 채색 들판과 흡사했다.전기 작가 자크 뒤팽은 1960년대 초반의 미로의 작품에 대해 이렇게 말했다.

이 캔버스들은 새로운 세대의 화가들의 연구와의 친밀감을 드러내고 있다.미로는 이를 부정하려는 시도를 조금도 하지 않는다.잭슨 폴록과 같은 이들 중 다수는 미로에 대한 빚을 인정했다.Miro는 그들의 일에 활발한 관심을 보이고 그들을 격려하고 지원할 기회를 놓치지 않습니다.또한 그는 그들의 발견을 어떤 [48]경우에 이용하는 것이 그의 품위를 떨어뜨린다고 생각하지 않는다.

미로와 같은 다른 유럽 모더니스트들의 예를 들어, 컬러 필드 운동은 20세기 중반부터 21세기 초반까지 수십 년을 포함한다.색채화란 사실 세 세대의 화가들을 포괄한다.이 세 개의 분리되었지만 연관된 그룹을 지칭하기 위해 일반적으로 사용되는 용어는 추상 표현주의, 포스트 페인틀리 추상화, 그리고 서정적 추상화이다.작가들 중 일부는 이 세 가지 스타일 모두에 관련된 세 가지 시대의 작품화했다.잭슨 폴록, 마크 로스코, 클라이포드 스틸, 바넷 뉴먼, 존 페렌, 아돌프 고틀립, 로버트 머더웰과 같은 색채 분야의 선구자들은 주로 추상적인 표현주의자로 여겨진다.헬렌 프랑켄탈러, 샘 프란시스, 리처드 디벤코른, 줄스 올리츠키, 케네스 놀랜드와 같은 예술가들은 약간 젊은 세대이거나, 모리스 루이스의 경우, 그 세대의 관점과 미적으로 일치했다; 그것은 추상 표현주의자로 시작되었지만 빠르게 후기 추상화로 옮겨갔다.반면 프랭크 스텔라, 로널드 데이비스, 래리 젝스, 래리 푼스, 월터 다비 배너드, 로니 랜드필드, 크리스텐슨 같은 젊은 예술가들은 사후 추상화에서 시작해서 결국 서정 추상화라고 불리는 새로운 유형의 표현주의를 향해 나아갔다.언급된 많은 아티스트들뿐만 아니라 다른 많은 아티스트들도 세 가지 모드를 모두 그들의 경력의 한 단계 또는 다른 단계에서 연습했습니다.컬러 필드 회화의 후기 단계 동안; 1960년대 후반의 시대정신과 시대의 불안의 반영이 포스트 페인팅 추상화의 게슈탈트와 합쳐지면서 컬러 필드 관용구의 정밀도와 결합하는 서정적인 추상화를 만들어냈다.추상적 표현주의자들의 병폐1960년대 후반과 1970년대 초반 유럽에서는 게르하르트 리히터, 안셀름 키퍼[49], 그리고 몇몇 다른 화가들도 추상화와 이미지를 결합하고 풍경 이미지를 통합하며 1970년대 후반까지 신표현주의라고 불린 강렬한 표현력을 지닌 작품을 만들기 시작했다.

화가

다음은 색채 분야 화가, 밀접한 관련이 있는 예술가 및 이들의 더 중요한 영향의 목록입니다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ 를 클릭합니다"Themes in American Art: Abstraction". National Gallery of Art. Archived from the original on June 8, 2011. Retrieved June 11, 2011..
  2. ^ '컬러 필드 페인팅'Tate. 2014년 5월 2일 취득
  3. ^ 에밀 드 안토니오, 화가 그림, 현대미술 장면의 솔직한 역사 1940~1970, 페이지 44, 아베빌 프레스 1984, ISBN 0-89659-418-1
  4. ^ Harold RosenbergWayback Machine에서 2012-01-14년 아카이브 완료.국립 초상화 갤러리, 스미스소니언 연구소.2008년 2월 22일 취득.
  5. ^ "Color As Field: American Painting"뉴욕 타임즈.2008년 12월 7일 취득.
  6. ^ 데 안토니오, 에밀현대미술 장면의 솔직한 역사, 1940~1970.Abbeville Press, 1984. 44, 61-63, 65, 68-69.ISBN 0-89659-418-1
  7. ^ "열린 시리즈 #121"테이트 2008년 12월 7일 회수
  8. ^ 데 안토니오, 에밀현대미술의 솔직한 역사 화가 그림 1940-1970, 44쪽, 아베빌 출판사 1984, ISBN 0-89659-418-1
  9. ^ 바넷 뉴먼
  10. ^ 2008년 12월 7일 회수된 '스미스소니언 박물관 색채화'
  11. ^ 헤스, 토마스 B.(1967년 8월 16일).'몰 폭풍 속으로'뉴욕 페이지 662011년 5월 6일 취득.
  12. ^ NY State Mall 프로젝트의 Pollock #12 1952 Wayback Machine에서 2014-03-13 아카이브 2011년 5월 6일 취득
  13. ^ 2010년 8월 3일 '컬러필드' 아티스트가 다른을 찾았다
  14. ^ 펜튼, 테리'모리스 루이스'sharecom.ca 를 참조해 주세요.2008년 12월 8일 취득
  15. ^ 데 안토니오, 에밀현대미술의 솔직한 역사 화가 그림 1940~1970, 79쪽, 아베빌 출판사 1984, ISBN 0-89659-418-1
  16. ^ 카메아, E.A.Helen Frankenthaler A 회화 회고전, 전시 카탈로그, 12-20페이지, Harry N. 에이브럼스, 포트워스, ISBN 0-8109-1179-5와 연계
  17. ^ '볼드 엠블럼'시간 1969년 4월 18일2008년 2월 8일 취득.
  18. ^ Lempesis, Dimitris. "TRACES:Kenneth Noland". Dream idea machine.
  19. ^ "Morris Louis". National Gallery of Art.
  20. ^ 데 안토니오, 에밀현대미술 장면의 솔직한 역사 화가 그림 1940-1970, 47쪽, 아베빌 출판사 1984, ISBN 0-89659-418-1
  21. ^ a b ' 부시'미술사 아카이브, 캐나다 미술.2008년 12월 9일 취득.
  22. ^ '클라이언트 그린버그'포스트 페인틀리 추상화2008년 12월 8일 취득.
  23. ^ 스미스, 로버타"무중력 컬러, 플로팅 프리"뉴욕 타임즈.2008년 3월 7일2008년 12월 7일 취득.
  24. ^ 데 안토니오, 에밀현대미술의 솔직한 역사 화가 그림 1940-1970, 페이지 81, 아베빌 프레스 1984, ISBN 0-89659-418-1
  25. ^ 모건, 로버트 C랜드필드의 일루미네이션스.전시 카탈로그:로니 랜드필드: 50년간 그린 그림.미국 미술 버틀러 인스티튜트.ISBN 1-882790-50-2
  26. ^ a b Peter Schjeldahl Archived at the Wayback Machine] 2012년 6월 2일 John Seery에 대한 코멘트]
  27. ^ 펜튼, 테리' 부시' sharecom.ca2008년 12월 9일 취득.
  28. ^ 리빙스턴, 제인'리차드 디벤콘의 예술', 1997~1998년 전시회 카탈로그.휘트니미술관 리처드 디벤콘의 작품 56.ISBN 0-520-21257-6
  29. ^ 미국의 추상적 및 비유적 표현주의: 스타일은 시기적절한 예술이다(New York School Press, 2009).ISBN 978-0-9677994-2-1. 페이지 80-83
  30. ^ [1] 2010년 6월 2일 취득한 Wayback Machine 2010-07-03 아카이브
  31. ^ 애쉬튼, 도레'젊은 추상화가: 맞다!'제44호, 제4호, 1970년 2월 31일 ~ 35일
  32. ^ 올드리치, 래리젊은 서정화가들.아트 인 아메리카, 제57권, 제6호, 1969년 11월~12월, 104~113
  33. ^ 도이체 구겐하임 컬러 필드 2010-11-20 Wayback Machine에서 2010년 11월 26일 취득
  34. ^ 전시 카탈로그, 로니 랜드필드: 50년간의 그림.버틀러 예술원, 기적찾기 5-6.ISBN 1-882790-50-2
  35. ^ 래트클리프, 카터새로운 비공식주의자들, 아트뉴스, v. 68, n. 8, 1969년 12월, 페이지 72.
  36. ^ 로드먼, 셀던아티스트와의 대화, 1957년.나중에 "셀던 로드먼과의 대화 노트, 1956년"에서 Writings on Art: Mark Rothko 2006, 미겔의 Lopez-Remiro에 의해 편집되었습니다.
  37. ^ 데 안토니오, 에밀현대미술의 솔직한 역사 화가 그림 1940-1970, 페이지 82, 아베빌 프레스 1984, ISBN 0-89659-418-1
  38. ^ Henry, Walter. palimpsest.stanford.edu – 2008년 10월 12일 Wayback Machine에서 기술 교환 아카이브 완료.스탠포드 대학교, 제11권, 제2권, 1989년 5월, 11~14일.2007년 12월 8일 취득.
  39. ^ 펜튼, 테리'놀랜드 감사'2007년 4월 30일 취득.
  40. ^ No.182, Washington DC Phillips Collection, 2008년 12월 8일 Wayback Machine에서 2009년 2월 28일 아카이브 완료
  41. ^ 블레이크 고프닉, "모리스 루이스: 다른 줄무늬의 화가"워싱턴 포스트, 2008년 12월 8일자
  42. ^ 데 안토니오, 에밀1940~1970년 현대미술 장면의 솔직한 역사, 화가 그림, 1984.81.ISBN 0-89659-418-1
  43. ^ 2007년 4월 30일, Terry Fenton케네스 놀랜드와 아크릴 페인트에 관한 온라인 에세이
  44. ^ 융커, 하워드The New Art: It's Way, Way Out, Newsweek, 1968년 7월 29일, 페이지 3, 55-63.
  45. ^ a b MoMA에서의 1914년 노트르담 전경, 2008년 12월 18일 취득
  46. ^ a b 리빙스턴, 제인"리차드 디벤콘의 예술"1997~1998년 휘트니 미국미술관 전시 카탈로그 62~67.ISBN 0-520-21257-6
  47. ^ 리빙스턴, 제인리처드 디벤콘예술1997-1998년 휘트니 미국미술관 전시 카탈로그 64.ISBN 0-520-21257-6,
  48. ^ 듀팡, 자크조안 미로 인생과 일뉴욕시: Harry N. Abrams, 1962.481
  49. ^ "화이트 큐브: 앤셀름 키퍼.화이트 큐브2008년 12월 15일 취득.

원천

외부 링크