음악극장

Music theatre
이 기사는 1960년대 아방가르드 전통의 음악극에 관한 것이다. 브로드웨이의 전통에 있는 뮤지컬과 뮤지컬 코미디는 뮤지컬 극장을 보라.

음악극장은 오페라나 뮤지컬 극장과 같은 전통적인 장르와는 반대로 20세기 경에 걸쳐 생겨난 공연 장르다.[1][2] 이 용어는 1960년대와 1970년대에 비음향적 제스처, 움직임, 의상 및 기타 시각적 요소를 점수 내에 포함하는 기악 및 성악 구성에 대한 전위적 접근법을 설명하기 위해 유명해졌다.[3] 이 작곡들(예: 리게티의 아벤투스 (1962년), 마우리시오 카겔의 시합 (1964년), 피터 맥스웰 데이비스의 미친 왕을 위한 여덟 곡)은 콘서트 홀 무대에서 공연될 예정이었는데, 이는 어쩌면 더 긴 곡의 일부분일 수도 있다.[4]

1980년대 이후 음악극이라는 용어는 아방가르드와 공연예술의 기술과 이론을 이용하여 음악과 연극을 결합하는 새로운 방법을 실험하는 모든 라이브 프로젝트를 포함하게 되었다; 이것은 아놀드 쇤과 같은 1960년대 음악극장에 영향을 준 역사적 작품들을 포함하도록 확장되었다.버그의 삐에로 루나르(1912), 이고르 스트라빈스키의 L'Histoire du sandat(1918), 그리고 커트 웨일의 Mahagonny-Songspiel(1927).[5][6][a] 이 작품의 파격적 규모와 생소한 미학적 언어는 오페라나 뮤지컬 극장의 확립된 전통, 제도, 담론 외의 위치에 놓이는 경우가 많다. 이 때문에 이 장르는 새로운 음악극장과[7] 실험음악극장이라고도 불렸다.[8]

음악 극장 프로젝트는 작곡가가 주도하며, 작곡가가 텍스트, 무대, 디자인의 많은 요소들을 결정하는데, 보통은 리브렛티스트, 감독 또는 디자이너에 의해 결정된다.[9] 그들의 작품을 작곡하고 지휘하는 주요 음악 극장 예술가의 예로는 조르주 아퍼기스와 헤이너 괴벨스가 있다.[10] 로리 앤더슨, 메러디스 몽크, 로버트 애슐리 같은 몇몇 음악 극장 예술가들도 그들 자신의 작품을 공연한다.[11] 그 외 음악극장 감독으로는 로버트 윌슨, 크리스토프 마르탈러가 있으며, 폴란드의 '고트 노래'와 독일의 '다이하워커' 등 공연단이 총체적으로 창작한 작품도 있다.[12]

오페라와 뮤지컬 극장과 구별되는 장르로서의 음악 극장의 타당성은 국가적 맥락에 따라 다르다.[13][14] 독일이나 벨기에와 같은 일부 국가에서는 축제, 공연장, 기금 기구의 전용 인프라에 의해 그 개념이 널리 이해되고 지원된다. 다른 국가에서는 오페라, 극장 또는 공연 예술에 전적으로 포함되거나, 또는 분류를 넘어 한계 상태로 추방된다.[15] 그럼에도 불구하고, 21세기 작곡가 사이먼 스틴 안데르센, 요하네스 크라이들러, 제니퍼 월쉬와 같은 비음향, 연극, 그리고 "공연적" 요소에 대한 새로운 작곡적 관심이 장르와 그 역사에 대한 관심의 부활을 이끌었다.[16][17][18]

메모들

  1. ^ 작곡가 알렉산더 괴어는 "나는 새로운 작품들과 함께 공연할 수 있는 기존의 관련 레퍼토리의 혈통을 찾을 수 있어야만 새로운 형태의 음악 극장이 성공할 수 있다고 믿었다"고 썼다. 홀 2015, 페이지 x

참조

  1. ^ Salzman & Desi 2008 페이지 5.
  2. ^ 2017, 페이지 528을 다시 채워라.
  3. ^ 클레멘츠 2001.
  4. ^ 홀 2015, 페이지 4~5.
  5. ^ 2017, 페이지 527–531.
  6. ^ 홀 2015, 페이지 4.
  7. ^ 애들링턴 2019, 페이지 1-11
  8. ^ 비첼 2013
  9. ^ Rebstock & Roesner 2012, 페이지 21.
  10. ^ 2017, 페이지 539를 다시 채워라.
  11. ^ 2017년 재포장, 561페이지.
  12. ^ 2017, 페이지 536, 538을 다시 채워라.
  13. ^ Salzman & Desi 2008 페이지 4.
  14. ^ 2017, 페이지 529.
  15. ^ 2017, 페이지 545를 다시 채워라.
  16. ^ 애들링턴 2019, 페이지 6.
  17. ^ 월시 2016, 페이지 5.
  18. ^ 슐로모위츠 2018, 페이지 72.

참고 문헌 목록

  • Adlington, Robert, ed. (2019). New Music Theatre in Europe: Transformations between 1955–1975. Abingdon: Routledge.
  • Bithell, David (2013). "Experimental music theater". Grove Music Online (8th ed.). Oxford University Press. doi:10.1093/gmo/9781561592630.article.A2240884.
  • Clements, Andrew (2001). "Music theatre". Grove Music Online (8th ed.). Oxford University Press. doi:10.1093/gmo/9781561592630.article.19452.
  • Hall, Michael (2015). Music Theatre in Britain 1960–1975. Woodbridge: The Boydell Press. ISBN 978-1-78327-012-5.
  • Rebstock, Matthias; Roesner, David, eds. (2012). Composed Theatre: Aesthetics, Practices, Processes. Bristol: Intellect. ISBN 978-1-84150-456-8.
  • Rebstock, Matthias (2017). "Varieties of Independent Music Theatre in Europe". In Brauneck, Manfred (ed.). Independent Theatre in Contemporary Europe: Structures–Aesthetics–Cultural Policy. Bielefeld: transcript. pp. 523–573. ISBN 978-3-8376-3243-9.
  • Salzman, Eric; Desi, Thomas (2008). The New Music Theater: Seeing the Voice, Hearing the Body. New York: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-509936-2.
  • Shlomowitz, Matthew (July 2018). "Where Are We Now?". Tempo. 72 (285): 70–73. doi:10.1017/S0040298218000116.
  • Walshe, Jennifer (May 2016). "The New Discipline". MusikTexte [de]: Zeitschrift für Neue Musik. 149: 3–25.

추가 읽기

  • Roesner, David (2014). Musicality in Theatre: Music as Model, Method and Metaphor in Theatre-Making. Farnham: Ashgate. ISBN 978-1-4094-6101-2.
  • Symonds, Dominic; Taylor, Millie, eds. (2014). Gestures of Music Theater: The Performativity of Song and Dance. Oxford: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-999716-9.