추상미술

Abstract art
로버트 들라우나이, 1912-13, 르 프리미어 디스크, 134cm(52.7인치), 개인 소장품

추상 예술은 형상, 형태, 색상, 선의 시각 언어를 사용하여 세계에서 시각적 참조로부터 어느 정도 독립적으로 존재할 수 있는 구성을 만든다.[1] 서구 예술은 르네상스 시대부터 19세기 중반까지 원근법과 가시적 현실에 대한 환상을 재현하려는 시도로 뒷받침되어 왔다. 19세기 말까지 많은 예술가들은 기술, 과학, 철학에서 일어나고 있는 근본적인 변화를 포괄하는 새로운 종류의 예술을 창조할 필요성을 느꼈다. 개인 예술가들이 이론적 주장을 이끌어낸 원천은 다양했고, 당시 서구 문화의 모든 영역에서 사회적, 지적 선점들을 반영했다.[2]

추상예술, 비구상예술, 비목상예술, 비표상예술 등은 밀접한 관련성이 있는 용어다. 그들은 비슷하지만, 아마도 같은 의미의 것은 아닐 것이다.

추상화는 예술에서 이미지를 묘사함에 있어서 현실에서 벗어나는 것을 의미한다. 정확한 표현에서 이러한 이탈은 경미할 수도 있고, 부분적일 수도 있고, 완전할 수 있다. 추상화는 연속체를 따라 존재한다. 아무리 높은 수준의 진실성을 지향하는 예술이라도 완벽한 표현은 불가능하기 때문에 적어도 이론적으로는 추상적이라고 말할 수 있다. 예를 들어 눈에 띄는 색과 형태를 바꾸는 자유가 필요한 예술작품은 부분적으로 추상적이라고 말할 수 있다. 총체적 추상화는 알아볼 수 있는 어떤 것에 대해서도 언급된 흔적이 없다. 예를 들어 기하학적 추상화에서는 자연주의적 실체에 대한 참조를 찾을 수 없을 것 같다. 비유적 예술과 완전한 추상화는 거의 상호 배타적이다. 그러나 비유적, 대표적(또는 사실적) 예술은 종종 부분적 추상성을 포함하고 있다.

기하학적 추상화와 서정적 추상화 모두 완전히 추상적인 경우가 많다. 부분적 추상화를 구현하는 수많은 예술 운동들 중에는 예를 들어 색채가 눈에 띄게 그리고 의도적으로 비주얼의 현실을 변화시키는 fauvism과 묘사된 실생활 실체의 형태를 바꾸는 입체주의가 있을 것이다.[3][4]

초기 예술과 많은 문화에서의 추상화

주요 기사: 선사시대 미술과 동양 미술사

도자기, 직물, 글씨와 바위 위의 그림 등 초기 문화의 많은 예술은 상징적이거나 장식적인 목적을 가지고 있었을 수 있는 단순하고 기하학적 그리고 선형적인 형태를 사용했다.[5] 추상예술이 소통하는 것은 이 정도의 시각적 의미에 있다.[6] 중국 서예나 이슬람 서예의 아름다움을 읽을 줄 모르고 감상할 수 있다.[7]

이슬람 세계

19세기에 만들어진 무함마드의 신체적 외모를 장식한 힐랴.

때때로 비유 예술에 대한 이슬람의 부정적인 시각은 이슬람 세계에 복잡한 추상 예술적 표현의 확산을 가져왔다. 추상적인 이슬람 예술은 이슬람 그 자체만큼이나 거의 오래되었고, 그것의 가장 오래된 예들 중 일부는 바위의 돔과 같은 초기 건물에서 발견될 수 있다. 이슬람 예술은 인간과 동물을 그리는 것에 대해 유보적인 태도를 가지고 있을 수 있지만, 엄격한 법학자들에 의해서도 허용되는 식물과 무생물체에 대해서는 그렇게 느끼지 않는다. 따라서 일부 이슬람 예술만이 추상적인 것으로 여겨질 수도 있다.

이슬람 예술은 전통적으로 서예, 테셀링 기하학적 무늬, 아라베스크라고 불리는 식물인간 문양을 중심으로 전개된다. 이러한 요소들은 건축, 양탄자 제조, 도자기, 유리 제조, 금속공예 등 모든 이슬람 응용 예술에서 찾아볼 수 있으며, 그렇지 않으면 비유적인 그림의 경계를 장식할 수도 있다.

십자군 전쟁이 불러온 기독교계와 이슬람 세계의 광범위한 대화 결과, 이슬람 추상적 패턴이 유럽의 장식 예술, 특히 이탈리아와 스페인에도 적용될 것이다. 대표적인 예로는 스페인 무데자르 미술과 베네치아 고딕 건축이 있다.

동아시아

12세기 중국 량카이, 튀긴 잉크로 불멸

중국 회화에서 추상화는 당나라 화가 왕모(王母)가 튀어 나온 화풍을 발명한 것으로 볼 수 있다.[8] 그의 그림은 하나도 남아 있지 않지만, 이런 양식은 일부 송나라 회화에서 뚜렷이 보인다. 찬불화가 량카이(楊 kai, c. 1140–1210)는 깨달은 자의식과 연계된 자발성을 높이기 위해 정확한 표현이 희생되는 그의 '먹튀김 속의 불모지'에서 그림화에 이 양식을 적용했다. 톈타이 불교에 정통한 고 유젠이라는 송 화가는 일련의 잉크 튀김 풍경을 만들어내 결국 많은 일본 선화가들에게 영감을 주었다. 그의 그림들은 안개가 짙게 낀 산들을 보여주는데, 그 산들의 모양은 거의 보이지 않고 극도로 단순하다. 이런 종류의 그림은 세슈 도요가 만년에 계속되었다.

산시장, 중국 위젠시 미스트 제거

중국화에서 추상화의 또 다른 예는 주더룬의 우주 서클에서 볼 수 있다. 이 그림의 왼쪽에는 바위토양의 소나무가 있는데, 그 가지에는 그림의 오른쪽을 무질서하게 뻗은 덩굴이 달려 있고, 그 빈 공간에는 완벽한 원(나침반의[9] 도움을 받아 만든 것 같다)이 떠 있다. 이 그림은 혼돈과 현실이 자연의 규칙적인 진로를 보완하는 단계인 도이스트 형이상학을 반영한 것이다.

도쿠가와 일본에서도 일부 선승화가들은 절대 계몽주의를 대표하는 원인 엔소를 창시하였다. 보통 한 번의 자발적인 붓놀림으로 만들어지는 것이 선화의 일부를 인도하는 미니멀리즘 미학의 패러다임이 되었다.

19세기

주요 기사: 낭만주의, 인상주의, 후기 인상주의, 표현주의, 영적 예술

교회의 후원은 줄어들었고 대중들의 사적인 후원은 예술가들에게 생계를 제공할 수 있게 되었다.[10][11] 추상 미술의 발전에 기여한 세 가지 예술 운동은 낭만주의, 인상주의, 표현주의였다. 예술가의 예술적 독립은 19세기 동안 발전되었다. 보이는 것에 대한 객관적인 관심은 존 컨스터블, J M W 터너, 카밀 코롯의 그림으로부터 그리고 그것들로부터 바비존 학교의 플린 에어 페인팅을 계속한 인상파 화가들에게까지 구별될 수 있다.

제임스 맥닐 휘슬러, 녹턴 인 블랙 앤 골드: 떨어지는 로켓 (1874년), 디트로이트 예술 연구소. 1877년 휘슬러는 이 그림을 비난하는 비평가 존 러스킨을 명예훼손으로 고소했다. 러스킨은 휘슬러가 "대중들의 얼굴에 페인트 냄비를 던진 것에 대해 200기니를 요구했다"[12][13]고 비난했다.

제임스 맥닐 휘슬러(James McNeill Whistler)는 새로운 예술에 대한 초기 암시를 했다. 그는 그의 그림인 블랙 앤 골드에서 녹턴을 그렸다. 추락하는 로켓(1872)은 물체의 묘사보다 시각적 감각에 더 중점을 두었다. 그보다 더 일찍, 그녀의 '정신' 그림으로, 추상적인 모양을 가지고 작업하려는 조지아나 호튼의 선택은, 추상적인"이 아직 개념이 아닌 시대에, 그녀 주체의 부자연스러운 본질과 관련이 있다(1871년 그녀가 전시회를 조직했다).

표현주의 화가들은 페인트 표면의 대담한 사용법, 왜곡과 과장, 강렬한 색채 등을 탐구했다. 표현주의자들은 현대 경험에 대한 반응과 인식, 그리고 인상주의와 다른 19세기 후반 그림의 보수적인 방향에 대한 반응인 감정적으로 충실한 그림을 제작했다. 표현주의자들은 존재의 심리 상태를 묘사하는 것에 찬성하여 주제 문제에 대한 강조를 급격하게 바꾸었다. 에드바르 뭉크와 제임스 엔소르 같은 예술가들이 주로 포스트 인상주의자들의 작품에서 영향을 받았음에도 불구하고 그들은 20세기에 추상화의 등장에 중요한 역할을 했다. Paul Cézanne은 인상주의자로 시작했지만,[14] 그의 목표는 새로운 시각 예술의 기초가 되었고, 후에 Georges Braque와 Pablo Pica에 의해 입체파로 발전되었다.

덧붙여 19세기 후반에는 동유럽의 신비주의와 초기 모더니즘 종교철학에서 신학파 Mme에 의해 표현되었다. Blavatsky는 Hilma af Klint와 Wassily Kandinsky와 같은 선구적인 기하학 예술가들에게 깊은 영향을 끼쳤다. 조르주 구르드지프와 P.D.의 신비로운 가르침. 오우펜스키는 20세기 초 피에트 몬드리안과 그의 동료들의 기하학적 추상적 스타일의 초기 형성에 중요한 영향을 끼쳤다.[15] 영적주의는 또한 카시미르 말레비치와 프란티셰크 쿠프카의 추상적인 예술에 영감을 주었다.[16]

20세기

프란치스코 피카비아, 1909년, 카우츠크, 센트럴 퐁피두, 무제 국립 다르트 모데네, 파리
앙리 마티스, 노란 커튼, 1915년 현대미술관. 그의 파우비스트 색과 마티스를 그리는 것은 순수한 추상화에 매우 가깝다.
주요 기사: 서양화, 파우비즘, 큐비즘

폴 고갱, 조르주 서랏, 빈센트 반 고흐, 폴 세잔에 의해 행해진 후기 인상주의는 20세기 예술에 엄청난 영향을 끼쳤고 20세기 추상화의 등장으로 이어졌다. 반 고흐, 세잔, 고갱, 서랏과 같은 화가들의 유산은 현대 미술의 발전을 위해 필수적이었다. 20세기 초에 앙리 마티스를 비롯한 몇몇 젊은 예술가들, 이전의 쿠비스트 조르주 브라크, 안드레 데레인, 라울 뒤피, 모리스 드 블라민크 등은 비평가들이 파우비즘이라고 불렀던 "야생"과 다색, 표현력 있는 풍경, 인물화로 파리 미술계에 혁명을 일으켰다. 그의 표현력 있는 색채 사용과 자유롭고 상상력이 풍부한 그림인 앙리 마티스는 콜리우레(1914), 노트르담의 전망(1914), 1915년의 노란 커튼에서 순수한 추상화에 매우 가깝다. 파우베스가 개발한 색의 원어는 추상화의 또 다른 선구자인 바실리 칸딘스키에 직접적인 영향을 미쳤다.

큐비즘은 궁극적으로는 주체에 달려 있지만, 20세기 추상화의 문을 직접 연 미술운동이 파우비즘과 함께 되었다. 파블로 피카소는 자연에 대한 모든 묘사는 입방체, 구체, 원뿔의 세 고체로 축소될 수 있다는 세잔의 생각을 바탕으로 그의 첫 입체파 그림을 그렸다. 피카소는 레 드모아젤레스 다비뇽(1907)의 그림으로 아프리카 부족의 가면과 자신의 새로운 입체파 발명품들을 연상시키는 다섯 명의 매춘부와 함께 원시적이고 원시적인 사창가의 풍경을 극적으로 묘사하는 새롭고 급진적인 그림을 만들었다. 분석적 입체주의는 1908년부터 1912년까지 파블로 피카소와 조르주 브라케에 의해 공동 개발되었다. 입체파의 첫 번째 분명한 발현인 분석적 입체주의는 1920년대까지 브라케, 피카소, 페르난드 레거, 후안 그리스, 알버트 글리제, 마르셀 뒤샹 등이 실천한 '합성 입체파'가 그 뒤를 이었다. 합성 큐비즘은 다양한 질감, 표면, 콜라주 원소, 파피어 콜레, 그리고 다양한 병합된 주제의 도입으로 특징지어진다. 큐비즘의 실마리를 잡은 커트 슈비터스와 맨 레이 등 콜라주 아티스트들은 다다라는 운동의 발전에 큰 역할을 했다.

프란티셰크 쿠프카, 아모르파, 푸구엔덕스 쿨루르스(두 가지 색깔의 푸구), 1912년, 캔버스 위의 기름, 210 x 200 cm, 프라하 나로드니 갈레리. 1912년 파리 1912년 오 살롱 드 오토네 "Les Indédependants"에서 출판, 1912년 파리 살롱 드 오토네에 전시.
로버트 들라우나이, 1912년, 윈도 오픈 동시 (제1부, 제3의 모티브), 캔버스에 오일, 45.7 × 37.5 cm, 테이트 모던

이탈리아의 시인 필리포 토마소 마리네티는 1909년에 미래주의의 매니페스토를 발표했는데, 이 선언문은 훗날 1911년 소리, 소음과 냄새의 회화에서 카를로 카라나 움베르토 보시오니 열차 인 모션과 같은 예술가들에게 영감을 주어 큐비즘과 함께 유럽 전역의 미술 운동에 심오한 영향을 미칠 추상화의 한 단계로 발전시켰다.[17]

1912년 프란티셰크 쿠프카가 추상화 아모르파, 푸구엔드룩스 쿨루르스 (Fugue in Two Colors)(1912년)를 전시한 살롱 드 라 섹션 도르(Salon de la Section d'Or)에서 시인 기욤 아폴리나레는 로버트 들로네이, 오르피즘을 비롯한 여러 작가의 작품명을 붙였다.[18] 그는 그것을 "시각적 영역에서 빌린 것이 아니라 완전히 예술가에 의해 창조된 요소들로 새로운 구조를 그리는 예술은 순수 예술이다"[19]라고 정의했다.

세기 전환 이후 유럽 주요 도시의 예술가들 간의 문화적 연결은 모더니즘의 높은 열망과 동등한 예술 형태를 만들기 위해 노력하면서 극도로 활발해졌다. 아이디어는 예술가의 서적, 전시, 성명서를 통해 교차할 수 있어서 많은 출처가 실험과 토론에 열려 있었고, 다양한 추상화 모드의 기초를 형성했다. 《세상 뒤바꾸기》에서 나온 다음의 추출물은 당시 문화의 상호연계성에 대한 인상을 준다: 1912년 1월(모스크바에서) 열린 제2회 다이아몬드 전시회에서 뮌헨에서 보낸 그림뿐 아니라 일부 회원들이 참가했기 때문에 "데이비드 벌리우크의 현대 미술 운동에 대한 지식은 극히 최신식이었을 것이다. 독일 다이 브뤼케 그룹 중, 파리에서 피카소와 함께 로버트 들라우나이, 앙리 마티스, 페르난드 레거 등의 작품이 왔다. 봄철에 데이비드 불리우크는 입체주의에 대해 두 번 강의하고 장편 출판물을 계획했는데, 그것은 다이아몬드 케이브가 자금을 대는 것이었다. 그는 지난 5월 해외로 나갔다가 독일에 있는 동안 프린터에서 나온 연감 드르 블라우 리페더와 맞설 각오를 하고 돌아왔다.[20]

1909년부터 1913년까지 이 '순수한 예술'을 찾기 위한 많은 실험 작품들이 많은 예술가들에 의해 만들어졌다. 피카비아, 그 봄 1909,[21]c., Spring[23]와 행렬, 세비야, 1912년에 1912,[22]춤을;[24]바실리 칸딘스키는(1911년)과 무제(먼저 추상 수채화), 1913,[25]애드립 21A, 클로드 모네 시리즈, 그리고 사진을 그렸다;[26]František Kupka은 오르페우스 교도에 페인트를 칠했었다 Caoutchouc 일을 그렸다 디스크 Newto.N(연구 푸가에 T에wo Colors), 1912[27] and Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fugue in Two Colors), 1912; Robert Delaunay painted a series entitled Simultaneous Windows and Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912–13);[28] Léopold Survage created Colored Rhythm (Study for the film), 1913;[29] Piet Mondrian, painted Tableau No. 1 and Composition No. 11, 1913.[30]

와실리 칸딘스키, 제목 없는 (구성 7세, 프레미에르 추상화 연구), 수채화, 1913년[31]
1923년 화이트 2세 와실리 칸딘스키

그리고 수색은 계속되었다. 나탈리아 곤차로바와 미하일 라리오노프의 레이이스트(Luchizm) 그림은 광선 같은 선을 이용해 공사를 했다. 카시미르 말레비치는 1915년에 완전히 추상적인 첫 작품인 슈프리마티스트 블랙 스퀘어를 완성했다. 또 다른 슈프림파티스트 그룹인 류보프 포포바는 1916년에서 1921년 사이에 Architectonic Constructure와 Spatial Force Constructure를 만들었다. 피에트 몬드리안은 1915년과 1919년 사이에 색의 직사각형이 있는 수평선과 수직선의 추상적인 언어를 발전시키고 있었는데, 신플라스틱주의는 몽드리안, 테오 반 도스부르크와 다른 그룹의 드 스티글이 미래의 환경을 재편성하려는 미학이었다.

음악

시각 예술은 점점 추상화되면서 음악의 몇 가지 특성, 즉 소리의 추상적 요소와 시간의 분열을 이용한 예술 형태를 발전시킨다. 아마추어 음악가인 Washily Kandinskinsky는 영혼 속에 있는 마크와 연상색깔의 가능성에 영감을 받았다.[32][33][34] 우리의 모든 감각은 다양한 자극에 반응하지만 감각은 더 깊은 미적 수준에서 연결되어 있다는 생각을 찰스 보들레르에 의해 제시되었다.

이와 밀접한 관련이 있는 것은 예술이 <영적 차원>을 가지고 있으며 '매일' 체험을 초월하여 영적 평면에 도달할 수 있다는 생각이다. Theosophical Society는 세기의 초창기에 인도와 중국의 신성한 서적의 고대 지혜를 대중화했다. 피에트 몬드리안, 와실리 칸딘스키, 힐마 아프 클린트 등 '객관 없는 상태'를 지향하는 다른 예술가들이 '내부적인' 대상을 창조하는 하나의 방법으로 오컬트에 관심을 갖게 된 것도 이런 맥락에서였다. 기하학에서 발견되는 보편적이고 시대를 초월한 형상들: 원, 사각, 삼각형은 추상 예술에서 공간적 요소가 된다; 그것들은 색과 같이 가시적 현실의 기초가 되는 근본적인 시스템이다.

러시아의 아방가르드

카지미르 말레비치, 블랙 스퀘어, 1923년, 러시아 박물관
주요 기사: 러시아 아방가르드와 퓨처리즘(미술)

러시아의 많은 추상 미술가들은 예술이 더 이상 외딴 것이 아니라 삶 그 자체라고 믿으며 건설주의자가 되었다. 예술가는 현대 제작의 도구와 재료를 사용하는 법을 배우면서 기술자가 되어야 한다. 예술은 삶으로! 블라디미르 타틀린의 슬로건이었고, 미래의 모든 건설주의자들의 슬로건이었다. 바르바라 스테파노바와 알렉산드르 말레 등은 이젤화를 버리고 극장 디자인과 그래픽 작품에 에너지를 돌렸다. 반대편에는 카지미르 말레비치, 안톤 페브스너, 나움 가보가 서 있었다. 그들은 예술은 본질적으로 영적인 활동이며, 실용적이고 물질적인 의미에서 삶을 조직하는 것이 아니라, 세계 속에서 개인의 위치를 창조하는 것이라고 주장했다. 예술이라는 물질주의적인 제작사상에 적대적인 사람들 중 다수가 러시아를 떠났다. 안톤 페브스너는 프랑스로, 가보는 먼저 베를린으로, 그리고 나서 영국으로, 그리고 마침내 미국으로 갔다. 칸딘스키는 모스크바에서 공부한 후 바우하우스로 떠났다. 1920년대 중반까지는 예술가들이 자유롭게 실험할 수 있었던 혁명 기간(1917~1921년)이 끝났고, 1930년대에는 사회주의 리얼리즘만이 허용되었다.[35]

바우하우스

독일 바이마르에 있는 바우하우스(Bauhaus)는 1919년 월터 그로피우스(Walter Gropius)에 의해 설립되었다.[36] 교육 프로그램의 바탕이 된 철학은 건축과 회화에서 직조, 스테인드글라스까지 모든 시각적, 플라스틱 예술의 통합이었다. 이 철학은 영국의 예술공예운동과 데우트셔 베르쿤드의 사상으로부터 성장했다. 교사 중에는 폴 클라이, 와실리 칸딘스키, 요하네스 이텐, 요제프 알베르스, 아니 알베르스, 라슬로 모홀리 나기 등이 있었다. 1925년 학교는 드사우로 옮겨졌고, 1932년 나치당이 정권을 잡으면서 바우하우스는 폐쇄되었다. 1937년 퇴폐미술전 '엔타테 쿤스트'에는 나치당이 탐탁지 않게 여기는 모든 종류의 전위미술이 담겨 있었다. 그 후, 바우하우스뿐만 아니라, 일반적으로 유럽으로부터 파리, 런던, 미국으로의 엑소더스가 시작되었다. 폴 클리는 스위스로 갔지만 바우하우스의 많은 예술가들은 미국으로 갔다.

파리와 런던의 추상화

쿠르트 슈비터스, 다스 언빌드, 1919년 스타츠갈레리 슈투트가르트

1930년대 동안 파리는 전체주의의 발흥으로 영향을 받은 러시아, 독일, 네덜란드와 다른 유럽 국가 출신의 예술가들이 사회를 보게 되었다. 소피 타우버와 장 아프는 유기체/기하학적 형태를 이용한 그림과 조각에 협력했다. 폴란드 카타르지나 코브로는 수학적으로 기초를 둔 사상을 조각에 적용했다. 많은 종류의 추상화는 현재 가까이에서 예술가들이 다양한 개념적, 미적 그룹을 분석하기 위한 시도로 이어졌다. 조아킨 토레스-가르시아가[37] 미셸 수포르의[38] 도움을 받아 조직한 세르클레 엣 카레 그룹 회원 46명의 전시회에는 칸딘스키, 안톤 페브스너, 커트 슈비터스처럼 다양한 추상주의자들뿐만 아니라 네오플라스틱주의자들의 작품도 담겨 있었다. 테오 반 도스버그가 너무 무기한으로 비판한 미술 학술지는 색과 표면만이 구체적인 현실인 추상적 예술을 정의하는 선언문을 발표했다.[39] 1931년에 좀 더 열린 집단으로 설립된 추상화-크레오레이션은 1935년에 정치 상황이 악화되고, 다시 많은 예술가들이 런던에 모여들면서 추상화가들에게 참조점을 제공했다. 영국 추상미술의 첫 전시회는 1935년 영국에서 열렸다. 이듬해에는 피에트 몬드리안, 조안 미로, 바바라 헵워스, 벤 니콜슨의 작품을 포함하여 니콜테 그레이에 의해 더욱 국제 추상적이고 구체적인 전시회가 개최되었다. 헵워스, 니콜슨, 가보는 성당으로 옮겼다. 이브스는 콘월에서 그들의 '건설주의자' 작업을 계속하기 위해 무리를 짓는다.[40]

아메리카: 세기 중반

주요 기사: 모더니즘, 후기 모더니즘, 미국 모더니즘, 초현실주의
1939-1942년 피에트 몬드리안이 그린 캔버스에 새겨진 유화는 '작성 10번'이다. 이에 대해 데 스티글의 동료 예술가 테오 반 도스부르크는 비구상적인 예술 작품과 평화와 영성의 이상을 연결시켜 줄 것을 제안했다.[41]

1930년대에 나치가 집권하는 동안 많은 예술가들은 유럽을 떠나 미국으로 갔다. By the early 1940s the main movements in modern art, expressionism, cubism, abstraction, surrealism, and dada were represented in New York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, were just a few of the exiled Europeans who arrived in New York.[42] 유럽 예술가들이 가져다 준 풍부한 문화적 영향은 증류되었고 지역 뉴욕 화가들에 의해 형성되었다. 뉴욕의 자유의 기후는 이러한 모든 영향을 번창하게 했다. 주로 유럽 미술에 집중했던 미술관들은 성숙하기 시작한 현지 미술계와 미국 젊은 작가들의 작품을 주목하기 시작했다. 이때의 어떤 예술가들은 성숙된 작품에서 뚜렷이 추상화되었다. 이 시기 동안 피에트 몽드리안의 그림 구성 제10호, 1939–1942년 원색으로 특징지어지는, 백색 지형과 흑색 격자 선은 직사각형과 추상 예술에 대한 그의 급진적이지만 고전적인 접근을 분명하게 정의했다. 조지아 오키프와 같은 이 시대의 일부 예술가들은 분류에 반대했다. 그는 모더니즘 추상주의자였지만 그녀는 이 시대의 어떤 특정한 그룹에도 가입하지 않고 매우 추상적인 형태를 그렸다는 점에서 순수한 독불장군이었다.

결국 다양한 스타일의 작업을 하던 미국 예술가들이 응집력 있는 스타일리시즘 그룹으로 결합하기 시작했다. 가장 잘 알려진 미국 예술가 그룹은 추상적 표현주의자들과 뉴욕 학교로 알려지게 되었다. 뉴욕시에는 토론을 장려하는 분위기가 있었고 배움과 성장을 위한 새로운 기회가 있었다. 예술가들과 교사 존 D. 그레이엄과 한스 호프만은 새로 도착한 유럽 모더니스트들과 성년이 되어가는 젊은 미국 예술가들 사이에서 중요한 다리 인물이 되었다. 러시아에서 태어난 Mark Rothko는 강한 초현실주의 이미지로 시작했는데, 이것은 나중에 1950년대 초반의 그의 강력한 색채 구성으로 녹아들었다. 표현주의적 몸짓과 그림그 자체만으로도 잭슨 폴록, 로버트 마더웰, 프란츠 클라인에게는 일차적으로 중요해졌다. 1940년대 아르실레 고르키와 빌렘 드 쿠닝의 비유적 작품이 10년 말까지 추상화로 진화했다. 뉴욕시가 중심이 되었고 전세계의 예술가들이 뉴욕을 향해 몰려들었다;[43] 미국의 다른 곳에서도.

후기 개발

주요기사 : 추상표현주의, 색채 분야, 서정적 추상화, 후기 추상화, 조각, 미니멀 아트

디지털 아트, 하드 에지 그림, 기하학적 추상화, 미니멀리즘, 서정적 추상화, 추상적 표현주의, 색장화, 단색화, 조립화, 네오다, 모양 캔버스화 등은 20세기 후반의 추상화와 관련된 몇 가지 방향이다.

미국에서는 도날드 저드의 미니멀리스트 조각에서 볼 수 있는 "Art as Object"와 프랭크 스텔라의 그림이 오늘날 더 새로운 순열화로 보여지고 있다. 다른 예로는 서정적 추상화와 로버트 마더웰, 패트릭 헤론, 케네스 놀랜드, 샘 프란시스, 싸이 터블리, 리차드 디벤콘, 헬렌 프랭켄탈러, 조안 미첼 등 다양한 화가들의 작품에서 볼 수 있는 감각적인 색채 사용 등이 있다.

인과

현대 미술에서 추상화의 유행이 증가하고 있는 것에 대해 제시된 사회역사적 설명 중 하나는, 테오도르 W. 아도르노의 이름과 연계된 설명으로, 그러한 추상화는 산업 사회에서의 사회관계의 추상화에 대한 대응이며, 이를 반영한다는 것이다.[44]

프레데릭 제임슨도 비슷하게 모더니즘적 추상적 돈의 힘의 함수로서 모든 것을 교환 가치와 동등하게 동일시한다.[45] 추상예술의 사회적 콘텐츠는 후기 현대 세계에서 정확하게 사회적 존재의 추상적 성격 즉 법적 형식, 관료적 비인격화, 정보/권력이다.[46]

이와는 대조적으로, 포스트 중정주의자들은 형식과 물질에 대한 전통적인 관념의 붕괴와 함께 양자 이론을 현대 예술에서 콘크리트와 추상화의 이혼의 기초가 되는 것으로 볼 것이다.[47]

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참고 항목

다른 매체에서

참조

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원천

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외부 링크