고전 할리우드 영화

고전 할리우드 영화는 영화 비평에서 무성 영화 시대의 후기인 1910년대에서 1920년대에 처음으로 발전한 영화 제작의 서사적이고 시각적인 스타일을 설명하기 위해 사용되는 용어입니다. 그 후 대략 1927년부터 1969년까지 할리우드 황금기 동안 미국 영화의 특징이 되었습니다.^[1] 그것은 결국 전 세계적으로 가장 강력하고 널리 퍼진 영화 제작 스타일이 되었습니다.^[2]

유사하거나 연관된 용어로는 고전 할리우드 서사, 할리우드 황금기, 올드 할리우드, 고전적 연속성 등이 있습니다.^[3] 이 기간은 스튜디오 시대라고도 하며, 후기 무성 시대의 영화도 포함할 수 있습니다.^[1]

역사

1910년대-1927: 침묵의 시대와 고전 양식의 출현

수천 년 동안 서사적 스토리텔링 예술의 유일한 시각적 기준은 극장이었습니다. 1890년대 중반 첫 번째 서사 영화 이후, 영화 제작자들은 영화 스크린에서 라이브 극장의 힘을 포착하려고 노력했습니다. 대부분의 영화 제작자들은 19세기 후반 무대에서 감독으로 시작했고, 마찬가지로 대부분의 영화 배우들은 보드빌(예: 보드빌)에 뿌리를 두고 있었습니다. 마르크스 형제^[4]) 또는 연극 멜로드라마. 시각적으로 초기 서사 영화는 무대에서 거의 적응하지 못했고, 그들의 서사는 보드빌과 멜로드라마에서 거의 적응하지 못했습니다. "고전적 연속성"으로 알려지게 될 시각적 스타일 이전에 장면들은 풀샷으로 촬영되었고 줄거리와 캐릭터 관계를 묘사하기 위해 세심하게 안무된 스테이징을 사용했습니다. 편집 기술은 극히 제한적이었고, 대부분은 가독성을 위해 물체에 대한 글을 클로즈업하는 것으로 구성되었습니다.

비록 무대에 내재된 현실성은 결여되어 있지만, (무대와 달리) 영화는 명백한 시간과 공간을 조작할 수 있는 자유를 제공하고, 따라서 현실주의의 환상, 즉 시간적 선형성과 공간적 연속성을 창조합니다. 로스트 제너레이션(Lost Generation)이 성년이 된 1910년대 초, 영화 제작은 예술적 잠재력을 발휘하기 시작했습니다. 스웨덴과 덴마크에서 이 시기는 나중에 영화의 "황금 시대"로 알려지게 됩니다; 미국에서 이 예술적인 변화는 D와 같은 영화 제작자들에 기인합니다. W. 그리피스는 마침내 에디슨 트러스트의 지배력을 무너뜨려 영화를 제조 독점에서 독립시켰습니다. 전세계의 영화들은 고전 할리우드 영화에서 발견할 수 있는 시각적이고 서사적인 요소들을 눈에 띄게 채택하기 시작했습니다. 1913년은 마더 하트 (D. W. Griffith), 잉게보르그 홀름 (빅토르 쇤스트룀)과 같은 몇몇 나라 출신의 선구적인 감독들이 영화를 제작함에 따라 이 매체에게 특히 유익한 한 해였습니다. 그리고 영화의 새로운 기준을 설정한 L'enfant de Paris (Léonce Perret). 또한 예브게니 바우어(Georges Sadoul에^[5] 따르면 최초의 진정한 영화 예술가)가 짧지만 다작의 경력을 시작한 해이기도 했습니다.^[6]

일반적으로 세계와 특히 미국에서 그리피스의 영화 제작에 대한 영향력은 타의 추종을 불허했습니다. 그의 배우들도 그들의 연기를 새로운 매체에 적응시키는 데 똑같이 영향을 미쳤습니다. 영화 단편 '마더링 하트'의 주인공인 릴리안 기시는 특히 스크린에서의 연기 기술에 영향을 준 것으로 유명합니다. 기쉬가 주연을 맡은 그리피스의 1915년 서사시 "국가의 탄생"은 수많은 혁신적인 시각 기술을 가진 문학 이야기의 걸작인 스토리텔링의 수단으로서 영화에 획기적인 것이었습니다.^[7] 이 영화는 미국 영화의 많은 발전을 시작해서 몇 년 안에 쓸모없게 되었습니다.^[8] 1913년은 영화 제작의 세계적인 랜드마크였지만, 1917년은 주로 미국 영화였습니다; "고전적인 할리우드 영화"의 시대는 1917년부터 미국의 영화 매체를 지배하기 시작한 이야기와 시각적 스타일로 구별됩니다.^[9]

1927-1969: 사운드 시대와 할리우드의 황금 시대

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고전 할리우드 스타일의 내러티브와 비주얼 스타일은 사운드 필름 제작으로의 전환 이후 더욱 발전했습니다. 미국 영화 제작의 주요 변화는 스튜디오 시스템의 고도화와 함께 영화 산업 자체에서 비롯되었습니다. 몇 개의 주요 스튜디오에서 추진하는 현재의 스타 시스템과 함께 이 제작 방식은 사운드보다 몇 년 앞서 있었습니다.^[10] 1920년 중반까지, 1910년대 초반부터 독립적으로 작업했던 미국의 저명한 감독들과 배우들 대부분은 계속 작업하기 위해 새로운 스튜디오 시스템의 일부가 되어야만 했습니다.

소리 시대의 시작 자체가 모호하게 규정되어 있습니다. 어떤 이들에게는 1927년 개봉한 재즈 싱어(The Jazz Singer)에서 시작되었는데, 그 때 인터벨럼 제너레이션즈(Interbellum Generators)가 나이를 먹고 사운드가 장편 영화에 도입되면서 영화의 흥행 수익이 증가했습니다.^[11] 다른 이들에게 이 시대는 침묵의 시대가 확실히 끝난 1929년에 시작되었습니다.^{[12][better source needed]} 1920년대 후반부터 1960년대까지의 대부분의 할리우드 영화들은 웨스턴, 슬랩스틱 코미디, 뮤지컬, 애니메이션, 전기 영화와 같은 장르를 고수했고, 같은 크리에이티브 팀들은 종종 같은 스튜디오에서 만든 영화들을 작업했습니다. 예를 들어, Cedric Gibbons와 Herbert Stothart는 항상 MGM 영화를 작업했습니다; Alfred Newman은 20세기 폭스사에서 20년간 일했고; Cecil B. 드밀의 영화들은 거의 모두 파라마운트 픽처스에서 만들어졌고,^[13] 헨리 킹 감독의 영화들은 대부분 20세기 폭스를 위해 만들어졌습니다. 마찬가지로 배우들도 대부분 계약 선수였습니다. 영화 역사학자들과 비평가들은 영화가 소리에 적응하고 침묵의 예술적 질 수준으로 돌아오는데 약 10년이 걸렸다고 지적합니다. 1930년대 후반에 위대한 세대가 나이가 들었을 때 그랬던 것입니다.^{[citation needed]}

이 시기에 출현한 많은 위대한 영화 작품들은 매우 엄격한 영화 제작이었습니다. 이것이 가능했던 한 가지 이유는, 그렇게 많은 영화가 만들어졌기 때문에, 모든 영화가 반드시 성공해야만 하는 것은 아니었습니다. 스튜디오는 좋은 대본과 상대적으로 알려지지 않은 배우가 있는 중예산 기능에 도박을 할 수 있습니다. 오슨 웰즈 감독이 연출하고 역대 가장 위대한 영화 중 하나로 평가받는 시티즌 케인(1941)의 경우가 그러했습니다. 하워드 호크스, 알프레드 히치콕, 프랭크 카프라와 같은 의지가 강한 다른 감독들은 그들의 예술적 비전을 이루기 위해 스튜디오와 싸웠습니다. 스튜디오 시스템의 명작은 1939년에 오즈의 마법사, 바람과 함께 사라지다, 노트르담의 꼽추, 무대 코치, 스미스 씨가 워싱턴으로 가다, 데스트리가 다시 타고, 젊은 선생님이 나오셨습니다. 링컨, 폭풍의 언덕, 오직 천사만이 날개를 가지고 있고, 니노치카, 보 게스테, 팔짱을 낀 아기들, 군가 딘, 여자들, 굿바이, 칩스 씨, 그리고 명량의 20대들.^[14]

스타일.

데이비드 보드웰(David Bordwell)에 의해 정교하게 묘사된 고전 할리우드 영화의 시각적-내러티브 스타일은 르네상스(Renaissance)와 그 중심으로서의 인류의 부활에 대한 생각에 많은 영향을 받았습니다.^[15] 세 가지 일반적인 수준, 즉 장치, 시스템 및 시스템의 관계로 구분됩니다.

장치들

고전 할리우드 영화에 가장 내재된 장치는 연속성 편집 장치입니다. 여기에는 연속성 편집의 주요 시각 공간 요소 중 하나인 180도 규칙이 포함됩니다. 180도 규칙은 시청자와 샷 사이에 가상의 180도 축을 만들어 시청자가 장면에서 행동의 위치와 방향 안에서 명확하게 방향을 잡을 수 있도록 함으로써 '사진 플레이' 스타일을 유지합니다. 30도 규칙에 따르면, 장면을 보는 각도의 절단은 시청자가 시각의 변화의 목적을 이해할 수 있을 정도로 중요해야 합니다. 점프 컷으로 알려진 30도 규칙을 지키지 않는 컷은 샷 사이의 시간적 연속성에 대한 환상에 방해가 됩니다. 180도와 30도 규칙은 1902년 프랑스의 선구적인 영화 '달로의 여행'에서 볼 수 있듯이 고전 시대의 공식적인 시작보다 10년 이상 앞선 영화 제작의 기본 지침입니다. 고전적 연속성 편집에서 절단 기법은 교차 절단에서와 같이 연속성을 설정하거나 유지하는 데 도움이 되며, 이는 다른 위치에서 동작의 동시성을 설정합니다. 점프 컷은 촬영 각도를 전혀 변화시키지 않는 축삭의 형태로 허용되지만, 피사체에 가까워지거나 멀어지는 시각을 보여주기 위한 명확한 목적이 있어 시간적 연속성에 지장을 주지 않습니다.^[16]

시스템들

서술논리

고전적인 내레이션은 항상 심리적 동기, 즉 인간 캐릭터의 의지와 정해진 목표를 향한 장애와의 투쟁을 통해 진행됩니다. 이 내러티브 요소는 일반적으로 1차 내러티브(예: 로맨스)가 2차 내러티브 또는 내러티브와 얽혀 구성됩니다. 이 이야기는 시작, 중간, 끝이 분명한 구조로 구성되어 있으며 일반적으로 뚜렷한 해결책이 있습니다. 이 유형의 서사는 배우, 사건, 인과적 효과, 주요 사항, 부차적인 사항을 활용하는 것이 기본적인 특징입니다. 고전 할리우드 영화의 등장인물들은 명확하게 정의할 수 있는 특성을 가지고 있고, 활동적이며, 매우 목표 지향적입니다. 그들은 사회적 우려보다는 심리적 동기에 의해 동기부여되는 인과적 대리인입니다.^[2] 내러티브는 인과 관계자들과 함께 원인과 결과의 연속입니다. 고전적인 스타일에서 사건은 무작위로 발생하지 않습니다.

영화적 시공간

비선형성은 매체의 환상적인 작동에 주의를 환기시키기 때문에 고전 할리우드에서의 시간은 연속적이고 선형적이며 균일합니다. 이 형식에서 허용되는 유일한 시간 조작은 플래시백입니다. 주로 카사블랑카와 같은 캐릭터의 메모리 시퀀스를 도입하는 데 사용됩니다.^[17]

공간과 관련된 고전적 연속성의 가장 큰 규칙은 객체 영속성입니다: 관람자는 사진의 사실성을 유지하기 위해 장면이 영화 프레임의 샷 밖에 존재한다고 믿어야 합니다. 고전 할리우드에서 공간에 대한 대우는 영화의 2차원성("보이지 않는 스타일")을 극복하거나 은폐하기 위해 노력하며, 인간의 신체를 강하게 중심으로 합니다. 고전 영화의 대부분의 촬영은 몸짓이나 표정(중장편 및 중편 촬영)에 초점이 맞추어져 있습니다. André Bazin은 사건들이 객관적으로 존재하는 것처럼 보이고 카메라가 우리에게 연극 전체의 최고의 시야를 제공할 뿐이라는 점에서 고전 영화를 사진으로 찍은 연극에 비유한 적이 있습니다.^[18]

이 공간의 처리는 중심, 균형, 정면성, 깊이의 네 가지 주요 측면으로 구성됩니다. 중요한 인물이나 객체는 대부분 그림 프레임의 중앙 부분에 있으며 초점을 벗어나지 않습니다. 밸런스란 시각적 구성, 즉 캐릭터가 프레임 전체에 고르게 분포되어 있는 것을 말합니다. 액션은 관중을 향해 은은하게 다뤄지며(전방성), 세트, 조명(주로 3점 조명, 특히 하이 키 조명), 의상은 배경(깊이)에서 전경을 분리하도록 설계됩니다.

레거시

1960년대 중반부터 1980년대 초반의 뉴 할리우드는 프랑스 뉴 웨이브와 ^[19]마찬가지로 고전 시대의 낭만주의에 영향을 받았습니다.^[20]

고전 할리우드 영화계의 주요 인물들

미국 영화 연구소가 선정한 미국 영화 역사상 가장 위대한 스크린 전설 25명과 남성 25명, 여성 25명을 선정한 목록에서 이 기록들이 인정을 받았습니다.^[21] 2023년 현재 소피아 로렌(89)이 유일하게 목록에 올라 있습니다.

할리우드 클래식과 황금기의 미국 영화 목록

다음은 할리우드 황금기에 제작된 미국의 주목할 만한 영화 목록입니다.

사일런트 시대

소리시대

원천

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참고 항목

• 무성시대 미국의 애니메이션
• 미국 애니메이션 황금기
• 라디오 황금기
• 텔레비전 황금기
• 맥시멀리스트와 미니멀리스트 영화
• 모더니즘 영화
• 뉴할리우드
• 빈곤열 – 이 시대의 B-영화

참고문헌

더보기

• Bordwell, David; Staiger, Janet; Thompson, Kristin (1985). The Classical Hollywood Cinema. New York: Columbia University Press. ISBN 0-231-06055-6.
• Davis, Blair (2012). The Battle for the Bs: 1950s Hollywood and the Rebirth of Low-Budget Cinema. New Jersey: Rutgers University Press. ISBN 978-0813552538.
• Dixon, Wheeler Winston (2013). Cinema at the Margins. Anthem Press. ISBN 978-0-85728-186-9.
• 파웰, 존 (2008). 할리우드의 히든 아트. 웨스트포트 연결: 프레거 프레스.
• McGilligan, Patrick (1985). Backstory 1: Interviews with Screenwriters of Hollywood's Golden Age (No. 1). University of California Press. ISBN 978-0520056893.
• Salt, Barry. Film Style and Technology: History and Analysis.

외부 링크

• 데이비드 보드웰과 크리스틴 톰슨, "Happy Birthday, Classic Cinema!", 2007년 12월 28일. 1917년부터 오늘날까지 서사영화의 고전적 연속성 분석
• 영화 - 할리우드 골든 Age.com