입체파

Cubism
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QBism과 혼동하지 말 것.
파블로 피카소, 1910년, 만돌린을 든 소녀(패니 텔리에), 캔버스에 유화, 100.3×73.6cm, 뉴욕 현대미술관

큐비즘은 유럽 회화와 조각에 혁명을 일으키고 음악, 문학, 건축에 관련된 운동에 영감을 준 20세기 초 아방가르드 예술 운동이다.큐비스트 아트워크에서 오브젝트는 추상화된 형태로 분석, 분해 및 재조립됩니다.단일적인 관점에서 오브젝트를 묘사하는 것이 아니라, 아티스트는 보다 [1]큰 맥락에서 오브젝트를 표현하기 위해 다양한 관점에서 오브젝트를 묘사합니다.큐비즘은 20세기의 [2][3]가장 영향력 있는 예술 운동으로 여겨져 왔다.이 용어는 1910년대와 1920년대 동안 파리(몽마르뜨와 몽파르나세) 또는 파리(푸토) 근교에서 생산된 다양한 예술 작품과 관련하여 널리 사용된다.

이 운동은 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 개척되었고, 장 메칭거, 알베르 글리제,[4] 로베르 들뢰네, 앙리 르 포코니에, 후안 그리, 그리고 페르낭 레제르가 합류했다.큐비즘을 이끈 주요 영향 중 하나는 [5]폴 세잔의 후기 작품에서 3차원 형태의 표현이었다.1904년 세잔의 그림 회고전이 살롱 다 오토네에서 열렸고, 1905년과 1906년 세잔의 현재 작품들이 전시되었고,[6] 1907년 그가 죽은 후 두 번의 기념 회고전이 이어졌다.

프랑스에서는 오르피즘, 추상 예술, 그리고 나중에는 청교도 [7][8]등 큐비즘의 분파가 발달했다.입체파의 영향은 광범위했다.프랑스와 다른 나라에서는 미래주의, 우월주의, 다다, 구성주의, 보르티즘, 드 스틸, 아르데코가 입체주의에 대응하여 발전하였다.초기Futurist 그림들 공통점은 입체파에, 과거와 현재의 합체 들고 있으면, 그 과목의 다른 견해의 표현과 동시에 혹은는 동안 구성주의 separ 조각을 건설한 피카소의 기법으로 영향을 받은 것으로 또한 여러가지 관점, 동시성 또는 multiplicity,[9]라고 불리는 모습을 찍었다.에서e [10]요소이러한 이질적인 움직임들 사이의 다른 공통적인 스레드에는 기하학적 형태의 면화 또는 단순화, 기계화와 현대 생활의 연관성이 포함됩니다.

역사

역사학자들은 입체파의 역사를 여러 단계로 나누었다.한 가지 계획에서, 후안 그리스가 [11]만든 문구인 분석 큐비즘으로 알려진 큐비즘의 첫 단계는 프랑스에서 1910년과 1912년 사이에 짧지만 매우 의미 있는 예술 운동으로서 급진적이고 영향력이 있었다.두 번째 단계인 합성 큐비즘은 초현실주의 운동이 인기를 얻었던 1919년 경까지 매우 중요했습니다.영국의 미술사학자 더글라스 쿠퍼는 큐비즘의 세 단계를 그의 책 큐비스트 에폭에서 설명하는 또 다른 계획을 제안했다.쿠퍼에 따르면 피카소와 브라크의 스튜디오에서 운동이 처음 전개된 1906년부터 1908년까지의 초기 큐비즘이 있었고, 두 번째 단계는 "높은 큐비즘"으로 불렸으며, 이 기간 동안 후안 그리스는 중요한 대표자로 부상했고, 마침내 쿠퍼는 "후기 큐비즘"(1911년부터 1914년까지)으로 언급되었다.급진적인 아방가르드 [12]운동으로서의 큐비즘의 마지막 단계로서.더글라스 쿠퍼가 브라크, 피카소, 그리스(1911년부터)와 레거의 작품을 구별하기 위해 이러한 용어를 제한적으로 사용한 것은 의도적인 가치 [5]판단을 암시했다.

파블로 피카소, 1907년 아비뇽의 데모이젤은 입체파 운동의[13] 창설을 향한 중요한 단계로 여겨진다.
파블로 피카소, 1909–10, 그림 단스 운 파우테유(좌식 누드, 팜므 누에 아세이제), 92.1×73cm, 런던 테이트 모던

큐브조어: 1907~1908

주요 기사 : 큐비조어

입체주의는 1907년에서 1911년 사이에 싹텄다.파블로 피카소의 1907년 작품 '아비뇽의 데모이젤'은 종종 큐브 원작으로 여겨져 왔다.

1908년, 칸바일레 미술관에서 열린 조르주 브라크의 전시회에 대한 그의 리뷰에서, 비평가 루이 보크셀레스는 브라크가 "모든 것, 장소, 도형, 집을 기하학적 스키마, [14][15]정육면체로 축소"하며 형태를 경멸하는 대담한 사람이라고 불렀다.

보크셀레스는 마티스가 그에게 "브라크가 1908년식 살롱 다 오토네에 작은 [15]큐브로 만든 그림을 보냈다"고 말한 것을 회상했다.비평가 찰스 모리스는 마티스의 말을 전하며 브라크의 작은 큐브에 대해 이야기했다.L'Estaque의 고가교 모티브는 브라케가 형태의 단순화와 [16]원근법의 해체로 특징지어지는 세 개의 그림을 그리도록 영감을 주었다.

1909년 3월 25일 길 블라스에 있는 조르주 브라크의 1908년 레스타크의 집(및 관련 작품)은 보크셀레스가 기괴한 큐빅(입방체 이상)[17]을 언급하도록 자극했다.거트루드 스타인은 1909년 피카소에 의해 만들어진 풍경화, 예를 들어 오르타 드 에브로 저수지와 같은 것을 최초의 입체파 그림이라고 언급했다.큐비스트들의 첫 번째 단체전은 1911년 봄 파리의 Salon des Indépendants에서 열린 'Salle 41'이라는 방에서 열렸는데, 장 메칭거, 알베르 글리제, 페르낭 레제, 로베르 들뢰네, 앙리 르 포코니에의 작품들은 아직 [5]피카소나 브라케의 작품들은 전시되지 않았다.

1911년까지 피카소는 큐비즘의 창시자로 인정받았고, 브라크의 중요성과 우선순위는 후에 레스타크 풍경에서의 공간, 부피, 질량에 대한 그의 처리와 관련하여 논의되었다.그러나 미술사학자 크리스토퍼 그린은 "이러한 큐비즘의 관점은 어떤 예술가들이 큐비즘으로 불리기에 적합한지에 대한 명확한 제한적 정의와 관련되어 있다"고 썼다. "1911년 살롱 데 인디펜던트에 전시된 예술가의 공헌을 상징화한다.]"[5]

공간, 질량, 시간, 부피의 입체파 묘사가 [18]캔버스의 평탄함을 뒷받침한다는 주장은 1920년대 대니얼 헨리 칸바일러에 의해 만들어졌지만, 1950년대와 1960년대, 특히 클레멘트 [19]그린버그에 의해 비판의 대상이 되었다.

현대 큐비즘의 견해는 피카소나 브라크의 방법과는 너무도 다른 "세일 41" 큐비즘에 대응하여 어느 정도 복잡하다.따라서 큐비즘에 대한 대안적 해석이 발달했다.큐비즘에 대한 더 넓은 견해는 나중에 "살레 41" 예술가들과 연관된 예술가들, 예를 들어 프란시스 피카비아, 1911년 말에 시작된 Section d'Or (또는 푸토 그룹)의 핵심을 형성한 자크 빌롱, 레이몽 뒤샹, 마르셀 뒤샹 형제들; 조각가 조세펜코, 조각가들을 포함합니다.자크 립치츠와 앙리 로렌스, 그리고 루이 마르쿠시스, 로저 드 라 프레즈나예, 프란티셰크 쿱카, 디에고 리베라, 레오폴드 서바이지, 오귀스트 에르빈, 앙드레 로테, 지노 세베리니(1916년 이후), 마리아 블랑차르(1916년 이후) 등의 화가.더 근본적으로, 크리스토퍼 그린은 더글라스 쿠퍼의 용어가 "나중에 표현 [5]방법보다는 도상적이고 이데올로기적인 질문을 강조하는 피카소, 브라크, 그리고 레거의 작품에 대한 해석에 의해 훼손되었다"고 주장한다.

John Berger는 입체파의 본질과 기계도를 동일시한다."큐비즘의 은유적 모델은 도표입니다.이 다이어그램은 보이지 않는 프로세스, 힘, 구조의 가시적인 상징적 표현입니다.도표는 외관의 특정 측면을 회피할 필요는 없지만, 이것들도 모방이나 [20]레크리에이션이 아닌 징후로 취급될 것입니다."

초기 큐비즘: 1909-1914년

Albert Gleizes, L'Homme au Balloka, 발코니 위의 남자(Dr.의 초상화). Théo Morinaud), 1912년, 캔버스에 유화, 195.6×114.9cm(77×45 1/4인치), 필라델피아 미술관.Albert Gleizes가 Jean Metzinger와 함께 "큐비스메"라는 책을 공동 집필한 바로 그 해에 완성되었습니다.1912년 파리 살롱돔 전시장, 뉴욕, 시카고, 보스턴, 1913년

칸와일러의 입체파와 살롱 입체파 사이에는 뚜렷한 차이가 있었다.1914년 이전에, 피카소, 브라크, 그리, 그리고 레저는 파리에서 그들의 작품을 살 수 있는 독점적인 권리로 연간 수입을 보장한 헌신적인 미술상인 다니엘 앙리 칸바일러의 지지를 얻었다.칸바일러는 소수의 감정가들에게만 판매했다.그의 지지는 그의 예술가들에게 비교적 사적인 곳에서 실험할 수 있는 자유를 주었다.피카소는 1912년까지 몽마르뜨에서 일했고, 브라크와 그리스는 1차 세계대전 이후까지 몽마르뜨에 머물렀다.레저는 몽파르나스에 [5]근거지를 두고 있었다.

반면, 살롱 큐비스트는 주로 파리의 주요 비학문적인 살롱인 살롱 d'Automne과 Salon d'Indépendants에서 정기적으로 전시함으로써 명성을 쌓았다.그들은 불가피하게 대중의 반응과 의사소통의 [5]필요성을 더 잘 알고 있었다.이미 1910년에 메칭거, 글리제, 들라우네, 레제르가 포함된 그룹이 형성되기 시작했다.그들은 몽파르나스 대로 근처에 있는 앙리 르 포코니에의 스튜디오에서 정기적으로 만났다.이 소이레에는 종종 기욤 아폴로네르와 앙드레 살몬과 같은 작가들이 포함되어 있었다.다른 젊은 예술가들과 함께, 이 그룹은 [21]색채에 대한 네오인상주의 강조에 반하여 형태에 대한 연구를 강조하고 싶었다.

루이 보크셀은 제26회 인디펜던트 살롱(1910년)의 리뷰에서 메칭거, 글리제, 들뢰네, 레제, 르 포코니에에 대해 "무시 기하학자로써 인간의 신체와 장소를 창백한 [22][23]입방체로 축소한다"고 일축했다.몇 달 후, 1910년 살롱 다 오토네에서 메칭거는 그의 매우 골절된 누드(Nude)를 전시했고, 이것은 뒤 "큐비스메"(1912년)와 레스 페인트레스 큐비스트(1913년)[24]에서 재현되었다.

큐비즘에 의해 야기된 첫 번째 대중적 논란은 1911년 봄 인디펜던트에서 열린 살롱 쇼에서 비롯되었다.Metzinger, Gleizes, Delaunay, Le Fauconnier, Léger의 이 쇼는 처음으로 일반 대중들에게 큐비즘을 주목시켰다.큐비스트 작품 중 로버트 들라우니는 에펠탑 투르 에펠(솔로몬 R)을 전시했다.구겐하임 박물관, 뉴욕).[25]

1911년 10월 8일자 뉴욕타임즈, "큐비스트"가 파리의 가을 살롱을 장악했다.피카소의 1908년작 '앉은 여인'(명상)은 그의 작업실(왼쪽 위)에서 작가의 사진과 함께 재현됐다.Metzinger's Baigneuses(1908-09)는 오른쪽 상단에 재현되어 있습니다.데랭, 마티스, 프리즈, 허빈의 작품과 브라크의 사진도 재현되어 있다.

같은 해 Salon d'Automne에서는 Salle 41의 Indépendants 그룹 외에 Andre Lhote, Marcel Duchamp, Jacqu Villon, Roger de La Fresnaye, Andr Dunoyer de Segonzac, Frantishek Kupka 등의 작품이 전시되었다.이 전시회는 1911년 10월 8일자 뉴욕 타임즈에서 리뷰되었다.이 기사는 겔렛 버제스의 '파리의 [26]야인' 이후 1년, 그리고 현실 예술에 익숙한 미국인들에게 야수파 큐비즘 퓨처리즘 등 유럽 아방 가르데의 실험적인 스타일을 소개한 아모리 쇼가 열리기 2년 전에 발간됐다.1911년 뉴욕타임즈 기사는 피카소, 마티스, 데랭, 메칭거 등의 1909년 이전 작품들을 묘사했다. 1911년 살롱에는 전시되지 않았다.이 기사의 제목은 "큐비스트들이 파리의 가을 살롱을 지배하고 있다"고 부제는 "기이한 그림 학교"가 현재 미술 전시회인 "팔로워들이 하려고 하는 일"[27][28]에서 그 인기를 증가시킨다.

파리 폴 살롱에 전시된 모든 그림들 중에서 소위 "큐비스트" 학교의 특별한 작품만큼 관심을 끄는 작품은 없다.사실 파리발 보도에 따르면 이 작품들이 전시회의 주요 특징이라고 할 수 있다.

"큐비스트" 이론의 미친 성질에도 불구하고, 그것을 주장하는 사람들의 수는 꽤 존경스럽다.Georges Braque, André Derain, 피카소, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger -- 이것들은 파리가 서있기 전에 캔버스에 서명된 이름들 중 몇 개이며, 지금은 멍한 놀라움을 감추지 못하고 있다.

그것들은 무엇을 의미하는가?그들을 책임지고 있는 사람들이 제정신을 잃었나요?예술인가 광기인가?누가 알겠어요?[27][28]

살롱 데 인디펜던트

파리(1912년 3월 20일부터 5월 16일까지)에 위치한 1912년 Salon des Indépendants는 마르셀 뒤샹의 나체 계단 강하 2번 발표로 특징지어졌으며, 그 자체가 큐비스트들 사이에서조차 물의를 일으켰다.그것은 그의 형제들과 다른 큐비스트들을 포함한 교수형 위원회에 의해 사실상 거부되었다.비록 이 작품은 1912년 10월 살롱 드 라 섹션도르와 1913년 뉴욕에서 열린 아모리 쇼에서 선보였지만, 뒤샹은 그의 작품을 [21][29]검열한 그의 형제들과 예전 동료들을 결코 용서하지 않았다.살롱 장면에 새롭게 추가된 후안 그리스는 피카소 초상화를 전시했고 메칭거의 두 번의 전시에는 1911-1912년 덴마크 [30]국립미술관(La Femme au Cheval)이 포함되었다.델라우네의 기념비적인 '라 빌 드 파리'와 '레제'의 '라 노즈' 웨딩(Musée National D'Art Moderne, 파리)도 전시됐다.

갤러리 달마우

1912년, Galeries Dalmau는 장 메칭거, 알베르 글라이즈, 후안 그리즈, 마리 로랑킨, 마르셀 뒤샹의 쇼와 함께 세계 최초로 큐비즘을 선언한 그룹 전시회(Exposicio d'Art Cubista)[31][32][33]를 개최하였다.달마우 전시회는 26명의 [34][35][36]작가들의 83개의 작품으로 구성되었다.자크 나예랄은 글리제스와 인연을 맺어 큐비스트 [31]전시의 서문을 쓰게 되었고, 이 서문은 완전히 번역되어 신문 [37][38]La Veu de Catalunya에 실렸습니다.뒤샹의 누드 계단 내려오기 2호가 처음으로 [39]전시되었다.

전시 전, 전시 중, 전시 후에 광범위한 언론 보도가 유럽 [39]모더니즘의 발전과 전파의 힘으로서 갤러리 달마우를 출범시켰다.언론의 보도는 광범위했지만 항상 긍정적인 것은 아니었다.에스켈라 드 라 토라탁사와[40] 엘 노티시에로[41] 유니버설은 경멸적인 [41]글이 새겨진 일련의 캐리커처를 통해 큐비스트들을 공격했다.미술사학자 Jaime Brihuega는 달마우 전시회에 대해 다음과 같이 쓰고 있다: "그 전시회가 많은 [42]의심을 가지고 환영했던 대중들에게 강한 소동을 일으켰다는 것은 의심의 여지가 없다.

살롱도 오토네

1912년 살롱 다 오토네에 대한 입체파의 기부는 이러한 작품을 전시하기 위해 그랜드 팔레와 같은 정부 소유 건물을 사용하는 것에 관한 스캔들을 일으켰다.정치인 장 피에르 필리프 람푸에의 분노는 1912년 [43]10월 5일자 르 저널 1면에 실렸다.논란은 파리 시 의회로 번졌고, 샹브레 데 데 푸테에서 이러한 [44]예술의 장소를 제공하기 위해 공적 자금을 사용하는 것에 대한 논쟁으로 이어졌다.큐비스트들은 사회당 대리인인 마르셀 셈바트에 [44][45][46]의해 보호되었다.

장 메칭거와 알베르 글리제스가 '큐비스메'를 쓴 것은 이런 대중의 분노의 배경에서였다.[47]전시된 작품들 중에는 현재 로드 아일랜드 디자인 박물관에서 열리고 있는 르 포코니에의 방대한 작품인 Les Montagnards attaqués par des our des our (곰에게 공격당한 산들), Joseph Csaky의 Deux Femme, Two Women (현재 잃어버린 조각품), 쿠파(Kupka)의 매우 추상적인 그림도 있었다.La Source (The Spring) (뉴욕 현대미술관).

추상화와 기성품

Robert Delaunay, 도시의 동시창, 1912, 46 x 40cm, 함부르크 쿤스트할레, 추상 큐비즘의 예

큐비즘의 가장 극단적인 형태는 완전한 추상화에 저항한 피카소와 브라크가 실천한 것이 아니다.반면 다른 입체파들, 특히 프란티셰크 쿱카와 아폴로네르의 오르피스트로 여겨지는 사람들은 눈에 보이는 주제를 완전히 제거함으로써 추상화를 받아들였다.1912년 Salon d'Automne에서 Kupka의 두 출품작인 Amorpha-Fugue de deux Couleurs와 Amorpha chromatique chaude는 매우 추상적이고 (또는 비대표적이며) 방향성이 형이상학적이었다.1912년 뒤샹과 1912년부터 1914년까지 피카비아는 모두 복잡한 감정과 성적 주제에 전념하는 표현적이고 암시적인 추상화를 개발했습니다.1912년부터 델로니는 동시창이라는 제목의 일련의 그림을 그렸고, 이어서 포메스 서큘러즈라는 제목의 시리즈를 그렸는데, 그는 평면 구조와 밝은 프리즘 색조를 결합했다; 병치된 색상의 광학적인 특징에 기초하여 이미지 묘사에서 그의 현실로부터의 이탈은 거의 완벽했다.1913-14년에 레거는 색상, 선, 형태에 비슷한 강점을 주는 형태의 대비라는 제목의 시리즈를 제작했다.그의 입체주의는 추상적인 특성에도 불구하고 기계화와 현대 생활의 주제와 연관되어 있었다.아폴로네르는 레스 파인트르 큐비스트(1913년)[24]에서 추상 큐비즘의 초기 발전을 지지했으며, 새로운 "순수한" 그림을 그 주제에 대해 썼다.그러나 그가 오르피즘이라는 용어를 사용했음에도 불구하고 이 작품들은 너무 달라서 그것들을 하나의 [5]범주에 넣으려는 시도를 무시한다.

또한 아폴리나에르에 의해 오르피스트라고 명명된 마르셀 뒤샹은 큐비즘에서 영감을 받은 또 다른 극단적인 발전에 책임이 있었다.기성품은 작품 자체가 (그림과 마찬가지로) 물건으로 간주되고, 세계의 물질적 잔해(입방주의 건축과 조립에서 콜라주, 페이퍼 콜레)를 사용한다는 공동 고려에서 비롯되었다.뒤샹에게 있어서 다음 논리적 단계는 평범한 물건을 오직 그 자신을 대표하는 자급자족적인 예술 작품으로 제시하는 것이었다.1913년에는 자전거 바퀴를 부엌 의자에 부착했고 1914년에는 병마르기 선반 자체를 [5]조형물로 선택했다.

섹션 d'Or

주요 기사:섹션 d'Or
1912년 10월 1일부터 11월 8일까지 파리 그랜드 팔레에서 열린 살롱 도 오토네.아메데오 모딜리아니의 두 조각상 앞에 조셉 차키의 1911-12년 조각상 그루페 드 펨스가 왼쪽에 전시되어 있습니다.Section d'Or 아티스트의 기타 작품(왼쪽에서 오른쪽):프란티셰크 쿱카, 프란시스 피카비아, 장 메칭거, 앙리 르 포코니에.

가장 눈에 띄는 큐비스트들에 의해 설립된 '그루프 드 푸토'로도 알려진 '섹션도르'는 1911년부터 1914년까지 활동한 입체파와 오르피즘과 관련된 화가, 조각가, 비평가들의 집합체로, 1911년 살롱 데 인데앵상앙에서 논란이 된 후에 유명해졌다.1912년 10월 파리의 La Boétie 갤러리의 Salon de la Section d'Or는 거의 틀림없이 제1차 세계대전 이전의 가장 중요한 큐비즘 전시회로, 많은 청중들에게 큐비즘을 노출시켰다.200점이 넘는 작품들이 전시되었고, 1909년부터 1912년까지 많은 작가들이 그들의 발전을 대표하는 작품들을 전시했다는 사실은 이 전시회에 큐비스트 [48]회고전의 매력을 주었다.

이 단체는 파블로 피카소와 조르주 브라크가 파리의 몽마르트르 지역에서 병행하여 개발한 큐비즘의 좁은 정의와 구별하기 위해 섹션도르라는 이름을 채택한 것으로 보이며, 큐비즘이 고립된 예술 형태라기보다는 웅장한 전통(실제로 황금빛 라)의 지속을 상징한다는 것을 보여주기 위해 채택한 것으로 보인다.티오는 적어도 2,400년 [49]동안 다양한 관심사를 가진 서양 지식인들을 매료시켰다.)

이 섹션의 개념은 메칭거, 글리제, 자크 빌롱의 대화 과정에서 비롯되었다.이 그룹의 제목은 1910년 호세핀 펠라단이 레오나르도 다빈치의 트라타토 델라 피투라를 번역한 것을 읽은 후 빌론이 제안했다.

19세기 말과 20세기 초에 유럽인들은 아프리카, 폴리네시아, 미크로네시아 그리고 아메리카 원주민 미술을 발견했어요.폴 고갱, 앙리 마티스, 파블로 피카소와 같은 예술가들은 이러한 외국 문화의 삭막한 힘과 단순함에 흥미를 느끼고 영감을 받았다.1906년경 피카소는 거트루드 스타인을 통해 마티스를 만났는데, 당시 두 예술가는 최근 원시주의, 이베리아 조각, 아프리카 예술, 아프리카 부족 가면에 관심을 갖게 되었다.그들은 우호적인 경쟁자가 되었고 그들의 경력 내내 서로 경쟁했고, 아마도 1907년까지 그리스, 이베리아, 아프리카 미술의 영향으로 피카소는 그의 작품에 새로운 시대로 접어들게 되었다.1907년 피카소의 그림은 큐비즘의 [13]전신인 아비뇽의 데모이젤에서 볼 수 있듯이 프로토큐비즘으로 특징지어졌다.

파울 세잔, 비베무스 채석장, 1898~1900, 독일 에센 포크왕 박물관

미술사학자 더글라스 쿠퍼는 폴 고갱과 폴 세잔이 "특히 입체파의 형성에 영향을 미쳤고 1906년과 1907년 동안 피카소의 그림에 특히 중요했다"[50]고 말한다.쿠퍼는 다음과 같이 말합니다.「데모이젤은 일반적으로 최초의 입체파 그림이라고 불립니다.큐비즘을 향한 중요한 첫걸음이었지만 아직 큐비즘은 아니기 때문에 이것은 과장된 것이다.파괴적이고 표현주의적인 요소는 세계를 초연하고 현실적인 정신으로 바라본 입체주의 정신과도 배치된다.그럼에도 불구하고 데모이젤은 큐비즘의 출발점으로 삼아야 할 논리적인 그림이다. 왜냐하면 그것은 새로운 그림 속 관용구의 탄생을 의미하기 때문이다. 왜냐하면 피카소는 그 안에서 기존의 관습을 거칠게 뒤엎고 그에 따르는 모든 것이 [13]큐비즘에서 나왔기 때문이다."

미술사학자 대니얼 로빈스는 데모이젤을 큐비즘의 기원으로 보는 것에 대한 가장 심각한 반대는 "그런 추론은 역사적이지 않다"고 썼다.이 친숙한 설명은 피카소의 새로운 그림이 [51]발전하기 직전과 그 시기에 존재했던 번영한 예술의 복잡성을 충분히 고려하는데 실패한다.1905년과 1908년 사이에, 새로운 스타일을 의식적으로 찾는 것은 프랑스, 독일, 네덜란드, 이탈리아, 그리고 러시아에 걸쳐 예술에 빠른 변화를 일으켰다.인상파들은 이중의 관점을 사용했고, 레 나비와 기호파들 모두 그들의 대상을 단순한 기하학적 형태로 줄이며 그림 평면을 평평하게 만들었다.Georges Seurat (예를 들어, Parade de Cirque, Le Chahut, Le Cirque)의 작품에서 가장 두드러지는 신 인상주의 구조와 주제는 또 다른 중요한 영향이었다.문학과 사회사상의 [51]발전에도 유사점이 있었다.

슈라트 외에도 입체파의 뿌리는 세잔의 후기 작품의 두 가지 뚜렷한 경향에서 찾을 수 있다.첫째, 그는 페인트 표면을 작은 다면 영역으로 분해하여 쌍안시로부터 주어진 다원적 관점을 강조하며, 둘째, 자연 형태를 원통이나 구체로 단순화하는 것에 대한 그의 관심이다., 및 원뿔.그러나 입체파는 세잔보다 이 개념을 더 깊이 탐구했다.그들은 묘사된 물체의 모든 표면을 하나의 그림 평면으로 표현했고, 마치 물체의 모든 얼굴이 동시에 보이는 것처럼 표현했다.이러한 새로운 종류의 묘사는 그림과 예술에서 사물을 시각화하는 방식에 혁명을 일으켰다.

Jean Metzinger, 1911–12, La Femme au Cheval, 말을 탄 여인, Statens Museum for Kunst, 덴마크 국립미술관.1912년 인디펜던트 살롱에 전시되어 아폴로네르의 1913년 입체파 화가, 미적 명상에 출판되었습니다.실적: Jacques Nayral, Niels Bohr

큐비즘에 대한 역사적 연구는 1920년대 후반에 시작되었는데, 처음에는 제한된 자료, 즉 기욤 아폴로네르의 의견으로부터 이끌어냈다.그것은 피카소, 브라크, 레제, 그리고 그리스의 발전에 초점을 맞춘 다니엘 헨리 칸바일러의 책 Der Weg zum Kubismus에 크게 의존하게 되었다.이후에 등장한 "분석적"과 "합성적"이라는 용어는 1930년대 중반부터 널리 받아들여지고 있다.두 용어 모두 확인된 사실 이후에 발생한 역사적 영향이다.두 단계 모두 해당 작품이 생성될 당시에는 그렇게 지정되지 않았다.다니엘 로빈스는 "칸바일러가 큐비즘을 피카소와 브라크로 생각한다면 우리의 유일한 잘못은 다른 큐비즘의 작품들을 제한된 [51]정의의 엄격함에 굴복시키는 것이다"라고 썼다.

브라크와 피카소의 작품을 이해하기 위한 수단으로 사후 공식화된 "큐비즘"에 대한 전통적인 해석은 다른 20세기 예술가들에 대한 우리의 감상에 영향을 미쳤다.장 메칭거, 알베르 글리제, 로베르 들뢰네, 앙리 르 포코니에 같은 화가들에게 적용하기는 어려운데, 그들의 전통적인 큐비즘과의 근본적인 차이점은 칸바일레로 하여금 그들을 큐비스트라고 불러야 하는지에 대해 의문을 품게 만들었다.다니엘 로빈스에 따르면, "단지 이러한 예술가들이 전통적인 패턴과 다르게 발전하거나 다양하다고 해서 그들이 큐비즘에서 2차적 또는 위성적 역할로 밀려날 만하다고 제안하는 것은 심각한 [51]실수이다."

큐비즘의 역사는 보통 마티스가 1908년 브라크의 그림과 관련해 큐브를 언급했고, 비평가 루이 보크셀이 두 번 출판했다는 사실을 비슷한 맥락에서 강조한다.하지만, "큐브"라는 단어는 피카소나 브라크가 아니라 메칭거와 들라우네를 언급하면서 1906년에 또 다른 비평가 루이 샤세벤트에 의해 사용되었다.

"M. Metzinger는 M.과 같은 모자이크 화가입니다.시그낙이지만 그는 기계적으로 만들어진 것으로 보이는 색깔의 큐브를 더 정확하게 잘라낸다.][51][52][53] ."

"큐브"라는 단어의 비판적인 사용은 적어도 1901년 5월 장 베랄이 Artet Littérature의 Indépendants에서 Henri-Edmond Cross의 작품을 검토하면서 "그는 크고 정사각형 점묘법을 사용하여 모자이크 같은 느낌을 주었다"고 언급했을 때로 거슬러 올라간다.예술가가 다양한 색을 입힌 고체 물질의 큐브를 사용하지 않은 이유가 궁금할 정도다. 그것은 예쁜 경관을 만들 것이다." (로버트 허버트, 1968, 페이지 [53]221)

큐비즘이라는 용어는 주로 메칭거, 글리제, 들라우네이, [51]레제르 등과 관련하여 1911년까지 널리 쓰이지 않았다.1911년, 시인이자 비평가인 기욤 아폴로네르는 브뤼셀 인데펜던트에서 전시하기 위해 초대된 예술가 그룹을 대표하여 이 용어를 받아들였다.이듬해 살롱 데 라 섹션도르를 준비하면서 메칭거와 글리제스는 이 단어에 대한 혼란을 불식시키고 큐비즘의 주요 옹호책으로 "큐비즘은 큐비즘의 주요 방어책으로 (1911년 파리 살롱 데 인디펜던트와 1912년 파리 [55]살롱 도모네 이후 [54]공공 스캔들을 일으켰다).예술가로서의 그들의 목표를 명확히 하는 이 작품은 큐비즘에 대한 최초의 이론 논문이었고 여전히 가장 명확하고 이해하기 쉬운 것으로 남아 있다.두 작가의 협업만이 아니라 푸토와 쿠르뷔에서 만난 예술가들의 토론이 반영된 결과다.이 책은 피카비아와 뒤샹 형제를 포함한 "파시의 예술가들"의 태도를 반영하고 있으며,[5][51] 출판 전에 이 책의 일부를 읽어주었다.Du "Cubisme"에서 개발한 개념은 시공간에서 다른 지점에서 동시에 물체를 관찰하는 것, 즉 하나의 이미지로 융합된 여러 연속된 각도에서 물체를 포착하기 위해 움직이는 행위(복수의 시점, 이동 원근법, 동시성 또는 다중성)이다.를 클릭합니다.[56]

메칭거와 글리제스의 1912년 선언문 "큐비스메"는 1913년 기욤 아폴로네르의 [24]성찰과 논평 모음인 레스 페인트레스 큐비스트에 의해 이어졌다.1905년부터는 피카소, 1907년부터는 브라크와 밀접한 관계를 맺어왔지만 메칭거, 글리제, 들라우네이, 피카비아, [5]뒤샹 같은 예술가들에게 많은 관심을 기울였다.

1912년 전시가 큐비즘이 넘어간 연속적인 단계를 보여주기 위해 큐비즘을 제작했다는 사실은 많은 청중(예술 비평가, 미술 수집가, 미술상, 일반 대중)이 그들의 작품을 이해할 수 있도록 하려는 예술가들의 의도를 보여준다.의심할 여지 없이, 전시의 큰 성공으로, 큐비즘은 특정한 공통의 [48]철학이나 목표를 가진 예술의 장르나 스타일로 인식되는 아방가르드 운동이 되었다.

크리스탈 큐비즘: 1914-1918

주요 기사:크리스탈 큐비즘
Jean Metzinger, 1914–15, Soldat jouant aux ecechecs(체스 게임의 병사, Le Soldat ar la partie d'echecs), 캔버스, 81.3 × 61 cm, 스마트 미술관, 시카고 대학교

1914년과 1916년 사이에 큐비즘의 상당한 수정은 큰 겹치는 기하학적 평면과 평평한 표면 활동에 대한 강한 강조를 향한 변화에 의해 신호되었다.특히 1917년과 1920년 사이에 중요한 그림과 조각 스타일의 이러한 그룹화는 몇몇 예술가들에 의해 실행되었다. 특히 미술상이자 수집가인 레온스 로젠버그와 계약을 맺은 예술가들에 의해.이 작품들에 반영된 구성의 엄격함, 명확성과 질서감은 비평가 모리스 레이널에 의해 '결정' 큐비즘으로 불리게 되었다.제1차 세계대전이 시작되기 전에 큐비스트에 의해 나타난 4차원, 현대 생활의 역동성, 신비, 앙리 베르그송의 지속 시간 개념과 같은 고려 사항들은 이제 완전히 공식적 [57]기준의 틀로 대체되었다.

크리스탈 큐비즘과 그 관련성 있는 라펠 로드레는 전쟁 중과 직후에 걸쳐 제1차 세계대전의 현실에서 벗어나려는 경향(군 복무자 및 민간 부문에 남아 있는 사람들)과 연계되어 있다.1914년부터 1920년대 중반까지 큐비즘의 정화는 결속력 있는 통합과 자발적인 제약으로 프랑스 사회와 프랑스 [5]문화에서 보수주의를 향한 훨씬 더 광범위한 이념적 변혁과 연결되었다.

1918년 이후의 입체파

파블로 피카소, 세 음악가 (1921년), 현대미술관.세 명의 음악가는 합성 [58]입체파의 전형적인 예이다.

큐비즘의 가장 혁신적인 시기는 1914년 이전이다[citation needed].제1차 세계대전 후 딜러인 레온 로젠베르크의 지원으로 큐비즘은 예술가들의 중심 이슈로 돌아왔고, 1920년대 중반 파리에서 기하학적 추상화와 초현실주의의 출현으로 아방가르드적 지위에 의문이 제기될 때까지 계속되었다.피카소, 브라크, 그리스, 레제, 글리제, 메칭거를 포함한 많은 큐비스트들은 다른 스타일을 발전시키면서 1925년 이후에도 주기적으로 큐비즘으로 돌아왔다.입체주의는 1920년대와 1930년대에 미국인 스튜어트 데이비스와 영국인 벤 니콜슨의 작품에서 다시 나타났다.그러나 프랑스에서는 1925년부터 큐비즘이 쇠퇴했다.레온스 로젠버그는 칸바일레르의 망명길에 발이 묶인 작가들뿐만 아니라 로렌스, 립치츠, 메칭거, 글리제, 차키, 에르빈, 세베리니 등 다른 작가들을 전시했다.1918년 로젠버그는 파리에 있는 모데르 미술관(Galerie de l'Effort Moderne)에서 큐비스트 전시회를 열었다.루이 보크셀은 큐비즘이 죽었다고 주장했지만, 1920년 Salon de la Section d'Or에서 잘 조직된 큐비즘 쇼와 같은 해에 Salon de la Section d'Or의 부활과 함께 이 전시들은 큐비즘이 [5]여전히 살아있다는 것을 보여주었다.

입체파의 재등장은 1917년부터 24년까지 피에르 레베르디, 모리스 레이날, 다니엘 앙리 칸바일레와 그리스, 레제르, 글리제스가 이론적으로 일관되게 글을 쓴 것과 동시에 나타났다.고전주의로의 회귀는 (신고전주의라고 불리는) 이 기간 동안 많은 예술가들에 의해 경험된 (전적으로나 큐비즘 작품과 함께) 때때로 고전주의로의 회귀는 전쟁의 현실을 회피하는 경향과 또한 전쟁 중 그리고 전쟁 직후에 프랑스의 고전주의 또는 라틴 이미지의 문화적 지배와 연결되었다.1918년 이후의 입체주의는 프랑스 사회와 문화 모두에서 보수주의를 향한 광범위한 이념적 변화의 일부로 볼 수 있다.그러나 큐비즘 자체는 그리스와 메칭거와 같은 개별 예술가들의 작품 내에서도, 그리고 브라케, 레제르, 글리제 같은 서로 다른 예술가들의 작품에서도 진화적으로 남아 있었다.공개적으로 논의된 운동으로서의 입체주의는 비교적 통일되었고 정의에 개방되었다.그것의 이론적 순수성은 그것을 사실주의 또는 자연주의, 다다, 초현실주의, 추상화와 같은 다양한 경향을 [5]비교할 수 있는 척도로 만들었다.

디에고 리베라, 메시에르의 초상, 카와시마 엣 푸지타, 1914년

아시아에서의 영향

일본과 중국은 아시아에서 큐비즘의 영향을 받은 최초의 나라 중 하나였다.접촉은 1910년대에 일본 미술지에 번역 출판된 유럽 문헌을 통해 처음 이루어졌다.1920년대에 파리에서 공부한 일본과 중국 작가들, 예를 들어 Ecole Nationale supérieure des Beaux-Arts에 등록한 작가들은 큐비즘을 포함한 현대 미술 운동에 대한 이해를 가져왔다.큐비즘적 특성을 드러낸 대표적인 작품은 요로즈 데쓰고로의 붉은 눈의 자기 초상화(1912년)와 팡간민의 가을 선율(1934년)[59][60]이다.

해석

의도와 비판

시카고 미술원[61], 1912년 파블로 피카소의 초상화, 캔버스에 유화

피카소와 브라크의 큐비즘은 기술적 또는 형식적 의미 이상의 의미를 가지고 있었고 살롱 큐비즘의 뚜렷한 태도와 의도는 그들의 작품의 파생물이 아니라 다른 종류의 큐비즘을 만들어냈다.크리스토퍼 그린은 "어떤 경우에도 분명하지 않다"고 썼다. "다른 큐비스트들이 피카소와 브라크의 패싯, '패시지', 그리고 다원적 관점과 같은 기술 개발에 얼마나 의존했는지는 결코 알 수 없다. 그들은 그 초기 단계에서 '진정한' 큐비즘에 대한 지식이 거의 없었더라면 그러한 연습에 충분히 도달했을 것이다.세잔에 대한 그들만의 이해"라고 말했다.1911년과 1912년에 열린 살롱에서 큐비스트들이 전시한 작품들은 피카소와 브라크가 좋아하는 기존의 세잔과 비슷한 주제(포즈 모델, 정물화, 풍경화)를 넘어 대규모의 현대 생활 주제를 포함시켰다.다수의 대중을 대상으로 한 이 작품들은 문학적,[5] 철학적 함축성을 지닌 주제의 웅변을 보존하면서 표현 효과를 위해 다원적 시각과 복잡한 평면적 면을 사용하는 것을 강조했다.

듀 "큐비즘" 메칭거와 글리제스는 철학자 앙리 베르그송에 의해 제안된 '기간'의 개념에 상징적 표현을 주면서, 과거는 현재로, 그리고 현재는 미래로 흘러들어가는 연속체로써 주관적으로 경험한다.살롱 큐비스트들은 고체, 공간, 여러 관점의 효과의 면화된 처리를 사용하여 의식의 유동성에 대한 물리적, 심리적 감각을 전달함으로써 과거와 현재 그리고 미래의 구분을 모호하게 했다.피카소와 브라크와는 별개로 살롱 큐비스트에 의해 만들어진 주요한 이론적 혁신 중 하나는 [5]동시성의 것으로 앙리 푸앵카레, 에른스트 마하, 샤를 앙리, 모리스 프린싯, 그리고 앙리 베르그송의 이론을 어느 정도 끌어냈다.동시성과 함께, 분리된 공간적 및 시간적 차원의 개념이 포괄적으로 도전받았다.르네상스 시대에 발달한 선형 원근법은 사라졌다.주제는 더 이상 한 순간의 특정 관점에서 고려되지 않고 연속적인 관점을 따라 구축되었다. 즉,[56] 하나의 눈에서 다른 눈까지 자유롭게 돌아다닐 수 있는 여러 각도에서 동시에 보는 것처럼(그리고 다차원적으로) 구성되었다.

동시성, 다중 시점(또는 상대 운동)을 나타내는 이 기술은 1910년 살롱 d'Automne에 전시된 Metzinger의 Nu ar la cheminée; Gleizes의 기념비적인 Le Dépiquage des Moissons (하베스트 탈곡)에서 1912년 Da Dor에 전시된 높은 복잡성으로 밀려났다.1911년 인디펜던트, 1912년 인디펜던트에서 전시된 들라우네의 파리 시.이 야심작들은 큐비즘 역사상 가장 큰 그림들 중 하나이다.1912년 Salon des Indépendants에서도 선보였던 Léger's The Wedding은 과거와 현재에 대한 반응이 집단적인 힘으로 상호 작용하는 단일 시간 프레임 내에서 일어나는 다른 모티브를 제시함으로써 동시성의 개념을 형성했다.이러한 소재와 동시성의 결합은 살롱 큐비즘과 움베르토 보치오니, 지노 세베리니, 카를로 카라에 의한 초기 미래주의 회화를 연결시킨다.그들 자체가 초기 [9]큐비즘에 대응하여 만들어졌다.

큐비즘과 현대 유럽 예술은 지금은 전설적인 1913년 뉴욕에서 열린 아모리 쇼에서 미국에 소개되었고, 그 후 시카고와 보스턴으로 갔다.무기고에서 파블로 피카소는 다른 입체파 작품들 중에서 여성의 두목인 라 팜 오 포 드 무타르데 (1910년)와 레 아르브르 (1907년)를 전시했다.자크 빌롱은 7개의 중요하고 큰 드라이포인트를 전시한 반면, 그의 형 마르셀 뒤샹은 그의 그림 '계단 내려가는 누드' 2호로 미국 대중들을 놀라게 했다.프란시스 피카비아는 그의 추상화 라 단세 아 라 자료와 세비야 라 행렬(1912년)을 전시했다.Albert Gleizes는 La Femme aux phlox(1910)와 L'Homme au 발코니(1912)를 전시했는데, 이 두 작품은 매우 스타일리시하고 면식이 있는 입체파 작품입니다.Georges Braque, Fernand Léger, Raymond Duchamp-Vilon, Roger de La Fresnaye, 그리고 Alexander Archipenco도 큐비즘 작품의 예를 들어 주었다.

입체파 조각

파블로 피카소, 1909년 ~ 10년, 여성의 머리
측면도, 페르난데 올리비에를 모델로 한 청동 조각품
동일한 청동 주물 정면도, 40.5 × 23 × 26 cm
이 사진들은 1913년[62] Umleckleck m Mssichnik에 실렸다.
주요 기사:입체파 조각

그림에서와 같이, 입체파 조각은 Paul Cézanne가 페인트칠한 물체를 구성 평면과 기하학적 입체(입방체, 구체, 실린더, 원추체)로 줄이는 것에 뿌리를 두고 있습니다.그리고 그림에서와 같이, 그것은 만연한 영향을 끼쳤고, 근본적으로 구성주의와 미래주의에 기여했습니다.

입체파 조각은 입체파와 병행하여 발전했다.1909년 가을 동안 피카소는 부정적인 공간에 의해 묘사된 긍정적인 특징을 가진 여성의 머리를 조각했다.더글라스 쿠퍼에 따르면, "첫 번째 진정한 큐비스트 조각은 피카소의 인상적인 여성의 머리이며, 1909-10년에 모델화되었으며,[12] 당시 그의 그림에서 많은 유사한 분석적이고 면모가 있는 머리들과 3차원으로 비교된다."이러한 긍정/부정적 역전은 1912-13년 알렉산더 아치펜코에 의해 야심차게 이용되었습니다. 예를 들어, Women [5]Walking에서요.아치펜코에 이어 파리에서 큐비스트에 합류한 최초의 조각가 조셉 차키는 1911년부터 함께 전시했다.그들은 Raymond Duchamp-Vilon에 이어 1914년에는 Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Ossip Zadkine에 [63][64]의해 뒤를 이었다.

사실, 큐비스트 건축은 어떤 그림상의 큐비스트 혁신만큼이나 영향력이 있었다.그것은 나움 가보와 블라디미르 타틀린의 원구성주의 작품 뒤에 있는 자극이었고, 따라서 20세기 근대주의 [5]조각의 전체 건설적 경향의 출발점이 되었다.

아키텍처

Le Corbusier, Chandigarh, 조립 건물, 인도

큐비즘은 20세기 초반의 예술과 [65]건축 사이의 중요한 연결고리를 형성했다.그림, 조각, 건축에서의 아방가르드 관행 사이의 역사적, 이론적, 그리고 사회 정치적 관계는 프랑스, 독일, 네덜란드와 체코슬로바키아에 초기에 영향을 미쳤다.큐비즘과 건축 사이에는 많은 교차점이 있지만, 그들 사이에 직접적인 연결고리를 그릴 수 있는 것은 몇 가지뿐입니다.대부분의 경우 연결은 형태의 패싯화, 공간적 모호성, 투명성 및 [65]다중성 등의 공유된 형식 특성을 참조하여 이루어집니다.

입체주의에 대한 건축적 관심은 단순한 기하학적 형상을 사용하여 고전적인 원근법의 환상 없이 병치된 3차원 형태의 해체 및 재구성에 집중되었다.공간 관계를 유지하면서 다양한 요소를 겹치거나 투명하게 만들거나 서로 침투시킬 수 있습니다.큐비즘은 1912년부터 현대 건축의 발전에 영향을 미치는 요소가 되었다(레이몽 뒤샹 빌롱과 앙드레 마레에 의해). 건물 설계의 단순화, 산업 생산에 적합한 재료의 사용과 함께 피터 베렌스와 월터 그로피우스와 같은 건축가들과 병행하여 발전했다.d 유리 [66]사용의 증가.

취리히제펠트(취리히혼)의 르 코르뷔지에 센터(하이디 베버 박물관)

큐비즘은 과거를 언급할 필요가 없는 스타일을 추구하는 건축과 관련이 있었다.따라서 회화와 조각의 혁명이 "변화된 세상을 [66][67]향한 심오한 방향 전환"의 일환으로 적용되었다.필리포 토마소 마리네티의 큐보 퓨처리즘 사상은 아방가르드 건축의 태도에 영향을 미쳤다.영향력 있는 De Stijl 운동은 파리의 큐비즘의 영향 아래 피에트 몬드리안이 개발한 네오 플라스틱주의의 미학적 원리를 받아들였습니다.De Stijl은 또한 Gino Severini에 의해 Albert Gleizes의 저서를 통해 입체파 이론과 연결되었다.그러나 1914년부터 마르셀 뒤샹에 의해 구상된 기본적인 기하학적 형태와 산업적 응용의 용이성과의 연결은 파리에서 함께 그림을 전시하고 19년에 아페 큐브주의를 출판한 청교도 창시자 아메데 오젠팡과 샤를 에두아르 장네레에게 맡겨졌다.8.[66] 르 코르뷔지에의 야망은 그의 큐비즘 스타일의 속성을 건축으로 바꾸는 것이었다.1918년에서 1922년 사이에, 르 코르뷔지에는 그의 노력을 순수주의 이론과 그림에 집중했다.1922년, 르 코르뷔지에와 그의 사촌 지네레는 파리에서 35rue de Sévres에 스튜디오를 열었다.그의 이론적 연구는 곧 많은 다른 건축 [68]프로젝트들로 발전했다.

라 메종 큐비스트(큐비스트 하우스)

주요 기사: La Maison Cubiste
1912년, 레이몽 뒤샹 빌롱, 프로제트 호텔(큐비스트 하우스)의 라 메종 큐비스트 연구.그림 1913년 3월 17일 기욤 아폴로네르에 의해 Les Peintres Cubistes에 게재되었다.
앙드레 마레가 1912년 파리 살롱 도트만의 장식예술 섹션에 있는 라 메종 큐비스트를 위해 디자인한 르 살롱 부르주아.왼쪽 벽에 있는 메칭거의 팜메아 레벤테일

1912년 Salon d'Automne에서는 Maison Cubiste(큐비스트 하우스)로 알려지게 된 건축 설비가 전시되었고, 레이몽 뒤샹-빌롱의 건축과 앙드레 마레의 실내 장식이 협력자들과 함께 전시되었다.메종 큐비스트(Maison Cubiste)의 조립 과정에서 쓴 '큐비스메'의 메칭거와 글리제스는 예술의 자율성에 대해 기술하면서 장식적 고려가 예술의 정신을 지배해서는 안 된다는 점을 강조했다.그들에게 장식적인 작업은 "그림의 반대"였다.메칭거와 글리제스는 "진정한 그림은 그 존재의 의미를 지니고 있다"고 썼다.그것은 교회에서 응접실로, 박물관에서 서재로 옮겨질 수 있다.본질적으로 독립적이고, 필연적으로 완전할 필요는 없다.반대로, 조금씩, 좌표광이 존재하는 가공의 깊이로 이끌어야 한다.이것은 이것이나 저 앙상블과 조화를 이루지 않는다.일반적인 것, 우주와 조화를 이룬다.그것은 유기체이다.。[69]

La Maison Cubiste는 전면, 계단, 연철 난간, 거실 두 개가 있는 모델 하우스였다: 마르셀 뒤샹, 메칭거(부채를 든 여인), 글리제, 로렌생, 레제의 그림이 걸려 있는 살롱 부르주아, 그리고 침실.그것은 현대 부르주아 삶의 편안함과 스타일로 입체주의 예술이 전시될 수 있는 집인 L'art decoratif의 사례였다.살롱 다 오토네의 관객들은 뒤샹 빌롱이 디자인한 석고 파사드를 지나 가구가 비치된 [70]두 방으로 갔다.이 건축 설비는 1913년 아모리 쇼, 뉴욕, 시카고,[71] 보스턴에 전시되었고, 뉴욕 전시의 카탈로그에 609번 레이먼드 뒤샹-빌론(Raymond Duchamp-Villon)으로 등재되었으며, "외관 건축, 회반죽"(Facade Architecturale)[72][73]이라는 제목으로 기재되었다.

자크 두체트 호텔 특산품 33루 생자메스, 노이리쉬르세느

인테리어의 가구, 벽지, 천장, 카펫은 앙드레 마레가 디자인한 것으로 아르데코가 되는 것에 대한 입체파의 영향을 보여주는 초기 사례였다.그것들은 매우 밝은 색상의 장미와 다른 꽃무늬들로 구성되어 있었다.

마레는 큐비즘 그림이 걸려 있는 거실을 살롱 부르주아라고 불렀다.레거는 이 이름을 '완벽하다'고 표현했다.레저는 전시회 전 마레에게 보낸 편지에서 "당신의 아이디어는 저희에게 정말 훌륭합니다. 정말 훌륭합니다.사람들은 큐비즘을 국내 환경에서 보게 될 것이고, 이것은 매우 중요하다.[2]

크리스토퍼 그린은 "마레의 앙상블은 그들의 독립성을 그림과 조각으로 허용했기 때문에 큐비스트 작품을 위한 프레임으로 받아들여졌다"고 썼다. "따라서 글라이제스와 메칭거 자신뿐만 아니라 뒤샹 형제(레이몽 뒤샹빌롱)가 파사드와 마레의 파사드를 디자인했다"'레저와 로저 라 프레즈나예'[74]라고 불렀어요.

1927년에 큐비스트 조셉 차키, 자크 립치츠, 루이 마르쿠시스, 조각가 구스타브 미클로스, 앙리 로렌스 등이 함께 스튜디오 하우스, 생자메스, 노이리쉬르세느, 프랑스 패션 디자이너인 자크 두체트가 디자인한 스튜디오 하우스의 장식에 참여했다.그림(피카소의 스튜디오에서 직접 구입한 아비뇽의 데모이젤을 포함)로렌스는 분수를, 차키는 도셋의 계단을,[75] 립치츠는 벽난로를, 마르쿠시스는 큐비스트 [76][77]양탄자를 디자인했다.[78]

체코의 입체파 건축

1912년 요제프 고차르에 의해 건설된 프라하의 검은 마돈나의 집
주요 기사 : 체코의 입체파

원래의 입체파 건축물은 매우 희귀하다.큐비즘은 보헤미아(오늘날 체코 공화국)와 특히 수도 [79][80]프라하에서만 건축에 적용되었다.체코의 건축가들은 최초의 큐비스트 [81]건축물을 디자인한 유일한 사람들이다.입체파 건축은 1910년에서 1914년 사이에 대부분 번성했지만, 제1차 세계대전 이후 입체파나 큐비즘의 영향을 받은 건물도 지어졌다.전후 프라하에서 론도 큐비즘이라는 건축양식이 원형으로 [82]융합되어 발전했다.

요제프 초철의 프라하의 빌라 코바쇼비치

입체파 건축가들은 그들의 이론 규칙에서, 그 안에 담긴 문제를 극복하고 차분하게 극복하는 역동성의 요구를 창의적인 아이디어를 통해 표현함으로써, 그 결과가 보는 이의 역동성과 표현적 유연성의 느낌을 불러일으켰다.이것은 피라미드, 큐브, 프리즘에서 파생된 형상, 주로 삼각형 모양의 사선 표면의 배치와 구성에 의해 이루어져야 하며, 이는 소위 다이아몬드 컷을 연상시키는 돌출된 결정과 같은 단위, 혹은 심지어 후기 고딕 건축물을 연상시키는 동굴을 연상시킨다.이렇게 해서 파사드의 표면 전체가 파사드와 도머까지 조각되어 있습니다.그릴과 다른 건축 장식품들은 입체적인 형태를 취한다.따라서, 육각형 창문과 같은 새로운 형태의 창문과 [82]문도 만들어졌다.체코의 입체파 건축가들은 또한 입체파 가구를 디자인했다.

주요 입체파 건축가들은 파벨 야나크, 요제프 고차르, 블라스티슬라프 호프만, 에밀 크랄리체크, 그리고 요제프 [82]초콜이었다.그들은 주로 프라하에서 일했지만 다른 보헤미안 마을에서도 일했다.가장 잘 알려진 큐비스트 건물은 1912년 요제프 고차르가 세계에서 유일한 큐비스트 카페인 그랜드 카페 오리엔트(Grand Cafe Orient)[79]와 함께 지은 프라하 구시가지에 있는 블랙 마돈나 하우스입니다.블라스티슬라프 호프만은 1912-1914년에 사블리체 묘지의 입구 전각을 지었고, 요제프 초철은 비셰흐라드 아래에 여러 주택들을 설계했습니다.큐비스트 가로등도 1912년 에밀 크랄리체크가 설계한 바세슬라 광장 근처에 보존되어 있으며, 그는 또한 1913년 경 프라하 뉴타운에 다이아몬드 하우스를 지었다.

다른 분야의 입체파

큐비즘의 영향은 다른 예술 분야, 외부 회화와 조각 분야로 확대되었다.거트루드 스타인의 작품들은 구절과 장 전체에 반복과 반복 구절을 구성 요소로 사용한다.소설 Making of American (1906–08)을 포함하여 스타인의 중요한 작품 대부분은 이 기법을 사용한다.그들은 큐비즘의 첫 번째 중요한 후원자였을 뿐만 아니라, 거트루드 스타인과 그녀의 동생 레오도 큐비즘에 중요한 영향을 끼쳤다.차례로, 피카소는 스타인의 작품에 중요한 영향을 끼쳤다.미국 소설 분야에서는 윌리엄 포크너의 1930년 소설 '애즈 아이 레이 다이잉'이 입체파 모드와의 상호작용으로 읽힌다.이 소설에는 15명의 다양한 인물들의 경험담들이 담겨 있는데, 이 인물들은 함께 모이면 하나의 응집된 몸을 만들어낸다.

일반적으로 큐비즘과 관련된 시인들은 기욤 아폴리나에르, 블레이즈 센드라르, 장 콕토, 막스 자콥, 앙드레 살몬, 피에르 레르디이다.미국의 시인 케네스 렉스로스가 설명하듯이, 시의 입체주의는 "엄격한 건축에 의해 자급자족한 새로운 예술적 실체로 요소들을 의식적이고 고의적으로 분리시키고 재결합하는 것이다.이는 초현실주의자들의 자유로운 결합이나 다다의 무의식적 발언과 정치적 허무주의의 결합과는 사뭇 다르다.[83]그럼에도 불구하고, 큐비즘 시인들의 큐비즘과 다다와 초현실주의의 후기 운동 모두에 대한 영향은 깊었다; 초현실주의의 창시자인 루이 아라곤은 브르타뉴, 수포, 엘루아르와 그 자신에게 레르디는 "우리의 즉각적인 연장자, 모범적인 [84]시인이었다"고 말했다.입체파 화가만큼 잘 기억되지는 않지만, 이 시인들은 계속해서 영향을 미치고 영감을 주고 있다; 미국 시인 존 애쉬베리와 론 파젯은 최근 레베리의 작품을 새롭게 번역했다.월러스 스티븐스의 블랙버드를 바라보는 13가지 방법 역시 입체파의 다원적 관점이 어떻게 [85]시로 해석될 수 있는지를 보여준다는 평가를 받고 있다.

존 버거가 말했다: "큐비즘의 중요성을 과장하는 것은 거의 불가능하다.그것은 르네상스 초기에 일어난 것만큼이나 위대한 시각 예술의 혁명이었다.그것이 후기 미술, 영화, 건축에 미치는 영향은 이미 너무 많아서 우리는 [86]거의 알아채지 못합니다.

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보도 기사 및 리뷰

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레퍼런스

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외부 링크

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