인상파

Impressionism
이 기사는 예술 운동에 관한 것이다.다른 용도는 인상주의(동음이의)를 참조하십시오.
클로드 모네, 인상, 솔릴 레반트(인상, 일출), 1872년 캔버스에 기름, 파리 마르모탕 모네 박물관.이 그림은 루이 르로이의 기사 인상주의자들의 전시회가 풍자적으로 그림이 기껏해야 스케치일 뿐이라고 암시한 이후 이 운동의 이름의 근원이 되었다.

인상주의는 비교적 작고 얇지만 눈에 보이는 붓글씨, 개방적인 구성, 변화하는 질에서 빛의 정확한 묘사에 대한 강조(종종 시간 경과 효과를 강조함), 평범한 소재, 특이한 시각각, 그리고 중요한 요소로서의 움직임의 포함으로 특징지어지는 19세기 미술 운동이었다.인간의 인식과 경험에 대한 것입니다.인상주의는 1870년대와 1880년대에 독립 전시를 통해 두각을 나타낸 파리에 기반을 둔 예술가 집단에서 비롯되었다.

인상파 화가들은 프랑스 전통 미술계의 거센 반대에 부딪혔다.이 문체의 이름은 클로드 모네의 작품인 인상, 솔레이일 레반트 (인상, 일출)의 제목에서 유래했는데, 이는 비평가 루이 르로이가 파리 신문 르 샤리바리에 실린 풍자 리뷰에서 이 용어를 만들도록 자극했다.시각 예술에서의 인상주의의 발달은 곧 인상주의 음악과 인상주의 문학으로 알려진 다른 매체들의 유사한 스타일이 뒤따랐다.

개요

J. M. W. 터너의 대기 작업은 인상주의의 탄생에 영향을 미쳤습니다, 여기서 The Fighting Temeraire (1839년)

그 시대의 급진 주의자, 초기 인상 주의 학문적 그림의 규칙을 위반했다.그들은 선과 윤곽에 우선을 자유롭게 솔질된 색깔에서, 외젠 들라크루아와 제이 엠 더블유 터너와 같은 화가들의 사례를 자신의 사진들을 건설했다.그것들은 자주 야외 활동으로 칠해져 있는 현대의 삶의 현실적인 장면을 그렸다.이전에, 초상화뿐만 아니라 풍경은 보통 한 스튜디오에서 그려진 것 정물화.[1]인상파 예술가가 그들은 집 밖을 그려 주거나plein 공기 en햇빛의 순간적인 효과를 포착할 수 있다는 것을 발견했다.로customary—to 그들은, 그리고 순수한 혼합 순수한 colour—not이 순조롭게 진행되고 그늘진 혼합의 짧은" 부서진"브러시 놀림을 이용해, 세부 사항 대신 전반적인 시각 효과를 그린 강렬한 컬러 진동 효과를 얻다

피에르 오그스트 르느와르는 댄스 물랭 드 라 갈레트(Bal마치 moulin 드 라 갈레트)에서, 1876년, 박물관 d'Orsay, 한 인상주의의 가장 유명한 걸작 중의.[2]

인상주의는 프랑스에서, 동시에 다른 화가들의 이탈리아 예술가들은 마키아이올리, 윈슬로 호머는 미국에서로 유명한 수많은 또한 옥외 주의의 그림을 탐험했다고 알려졌다.인상파 예술가, 하지만, 새로운 기술 스타일에 특정을 개발했다.직접성과 움직임의 자연스러운 자세와 구성의 빛의 움직임이 나타나는 듯한 색깔을 밝고 다양한 사용으로 표현되 보는 것, 하나의 예술의 그 신봉자들이 주장했다 넘는 다른 방법입니다.

국민이 처음에는 적대적이었던 점차 비록 미술 비평가들과 미술계는 새로운 방식을 못마땅해가 새롭고 독창적인 시각을 갖고 있다는 것을 믿게 되었다.기 그 문제의 세부 사항을 서술보다는 주제를 보는 눈에 감각을 재창조함으로써 그리고 기술과 양식 엄청난 양의 이룸으로써 Neo-Impressionism, 후기 인상주의, 야수파, 입체파 등 다양한 그림을 비롯, 인상주의는 후라고는 결코.

시작

변화의 19century—a 시간의 중간으로 황제 나폴레옹 3세 재건축한 파리와 호응 war—the Académie 데 보자르에 프랑스 예술을 지배했다.그리고 문체의 콘텐트 프랑스 전통 그림의 표준 Académie은 수호자이다.역사 과목, 종교적인 주제를 가지고, 인물 사진, 풍경과 아직도 생활이 아니었다 평가되었다.그 Académie 때 조사되는 현실적인 보였다 조심스럽게 완성된 이미지들을 선호했다.이 화풍은 [3]화가의 손을 가리기 위해 정교한 붓놀림을 세심하게 혼합한 것이다.금색 [4]니스를 바르는 것으로 색상은 절제되었고 종종 더 부드러워졌다.

아카데미에서는 연례 법률 전시회인 살롱 드 파리(Salon de Paris)가 열렸고, 전시회에 출품된 예술가들은 상을 받고, 커미션을 받고, 그들의 명성을 높였다.배심원의 기준은 장-레옹 게롬과 알렉상드르 카바넬과 같은 예술가들의 작품으로 대표되는 아카데미의 가치를 대변했다.

1860년대 초, 네 명의 젊은 화가 - 클로드 모네, 피에르 오귀스트 르느와르, 알프레드 시슬리, 프레데릭 바질 -이 학구 예술가 샤를 글레르 밑에서 공부하는 동안 만났다.그들은 역사나 신화적인 장면보다는 풍경화와 현대 생활에 대한 관심을 공유한다는 것을 발견했다.금세기 중반까지 점점 더 인기를 끌기 시작한 관행에 따라 그들은 [5]종종 야외에서 그림을 그리기 위해 함께 시골로 모험을 가곤 했지만, [6]일반적인 관습처럼 스튜디오에서 정성스럽게 완성한 작품으로 스케치를 만들기 위한 목적은 아니었다.자연에서 직접 햇빛을 받아 그림을 그리고, 세기 초부터 사용 가능하게 된 선명한 합성 안료를 과감하게 사용함으로써, 그들은 구스타브 쿠르베와 바비종파의 사실주의를 더욱 확장시키는 더 가볍고 밝은 그림 방식을 개발하기 시작했다.예술가들이 가장 좋아하는 만남 장소는 파리의 클리시 거리에 있는 카페 게르부아였는데, 그곳에서 토론은 젊은 예술가들이 매우 존경했던 에두아르 마네가 주도했다.그들은 곧 카밀 피사로, 폴 세잔, 아르망 기욤과 [7]합류했다.

에두아르 마네, 잔디 위의 오찬 (Léjeuner sur l'herbe), 1863

1860년대 동안 살롱 배심원들은 모네와 그의 친구들이 제출한 작품 중 절반 가량을 승인된 [8]스타일에 충실한 예술가들의 작품에 찬성하며 기각했다.1863년 살롱 배심원단은 마네의 '잔디 위의 점심'을 주로 야유회에 옷을 입은 두 남자와 함께 있는 나체 여성을 묘사한다는 이유로 기각했다.살롱 배심원들은 역사적이고 우화적인 그림에서 누드들을 일상적으로 받아들였지만, 그들은 마네가 현대적인 환경에 현실적인 [9]나체를 배치했다고 비난했다.배심원들이 마네의 그림을 심하게 거절한 것은 그의 추종자들을 경악하게 했고, 그 해에 이례적으로 많은 수의 작품들이 거절당한 것은 많은 프랑스 화가들을 불안하게 했다.

1863년 거절당한 작품을 본 나폴레옹 3세는 대중이 직접 판단할 수 있도록 법령을 내렸고 거절당한 자의 살롱(Salon des Refusés)이 조직됐다.많은 관객이 웃기만 하는 가운데 '살롱 데 레퓨제스'는 예술의 새로운 경향에 주목해 일반 [10]살롱보다 더 많은 관람객을 끌어모았다.

알프레드 시슬리, 생마르탱 운하의 전망, 오르세 미술관, 1870년

1867년과 1872년에 새로운 살롱 데 레푸세스를 요청하는 예술가의 청원은 거절당했다.1873년 12월, 모네, 르누아르, 피사로, 시슬리, 세잔, 베르테 모리소, 에드가 드가와 다른 몇몇 예술가들은 소시에테 아노니메 코페시브 데스 페인트르, 조각가, 그라뷰르, 그리고 조각가들의 협회를 설립하였다.협회 회원들은 [12]살롱 참여를 포기해야 했다.주최측은 몇 년 전 [13]모네가 플랭 에어 페인팅을 채택하도록 처음 설득한 오래된 외젠 부댕을 포함한 많은 진보적인 화가들을 그들의 첫 번째 전시회에 초대했습니다.모네와 그의 친구들에게 큰 영향을 준 또 다른 화가인 요한 종킨드는 에두아르 마네와 마찬가지로 참여를 거부했다.총 30명의 예술가들이 1874년 4월 사진작가 나다르의 스튜디오에서 열린 첫 전시회에 참가했다.

클로드 모네, 헤이스탁스, (일몰), 1890-1891, 보스턴 미술관

비판적인 반응은 엇갈렸다.모네와 세잔은 가장 심한 공격을 받았다.비평가이자 유머리스트인 루이 르로이는 신문 '르 샤리바리'에 혹평의 글을 썼는데, 그는 클로드 모네의 인상, 해돋이 (인상, 단독 레반트)라는 제목으로 말장난을 하면서 예술가들에게 그들이 알려지게 된 이름을 지어주었다.인상파들의 전시회라는 그의 기사에 조롱의 제목을 붙이면서, 르로이는 모네의 그림은 기껏해야 스케치일 뿐이고 완성된 작품이라고 하기 힘들다고 선언했다.

그는 시청자간의 대화 형식으로 이렇게 썼다.

"인상—저는 확신했습니다.난 그저 내 자신에게, 내가 감명받았으니, 그 안에 어떤 인상이 있을 거라고... 그리고 얼마나 자유롭고, 얼마나 쉬운 일인가!초기 상태의 벽지는 바다 [14]풍경보다 더 완성되어 있습니다."
클로드 모네, 파라솔을 든 여자 - 모네 부인과 아들(카밀과 장 모네), 1875년 워싱턴 D.C. 국립미술관.

인상파라는 말은 곧 대중의 인기를 얻었다.작가들 스스로도 받아들여졌지만, 주로 독립과 반란의 정신으로 통일된 스타일과 기질이 다양했습니다.그들은 1874년과 1886년 사이에 회원이 바뀌긴 했지만 8번이나 함께 전시했다.느슨하고 자발적인 붓놀림을 가진 인상파들의 스타일은 곧 현대 [4]생활과 동의어가 될 것이다.

모네, 시슬리, 모리소, 그리고 피사로는 자발성, 햇빛, 색채의 예술을 꾸준히 추구하면서 가장 순수한 인상주의자로 여겨질 수 있다.드가는 색채보다 그림을 그리는 것이 우월하다고 믿었고 [15]야외에서 그림을 그리는 관행을 경시했기 때문에 이것의 많은 부분을 거부했다.르누아르는 1880년대에 인상주의에서 잠시 눈을 돌렸고, 인상주의 사상에 대한 그의 헌신을 완전히 되찾지 못했다.인상파에서 [16]그들의 지도자로 여겨지기는 했지만, 에두아르 마네는 그의 자유로운 색채 사용을 결코 버리지 않았고, 인상파 전시회에 결코 참가하지 않았다.1861년 스페인 가수상을 받은 살롱에 작품을 계속 출품했고, "살롱은 진정한 전쟁터"[17]라며 다른 이들에게도 그렇게 하라고 종용했다.

상트페테르부르크 에르미타주 몽마르뜨 대로, 1897년 카밀 피사로

핵심 그룹(1870년 프로이센-프랑스 전쟁에서 사망한 마이너스 바질)의 작가들 가운데 세잔에 이어 르느와르, 시슬리, 모네가 그룹전을 기권해 살롱에 작품을 출품할 수 있게 되면서 탈영 사건이 발생했다.피사로와 세잔이 그를 [18]가치없다고 생각한 모네와 드가의 반대에 맞서 옹호한 기욤의 그룹 멤버십과 같은 문제들로부터 의견 불일치가 일어났다.드가는 1879년 전시회에 메리 카사트를 초대했지만, 장 프랑수아 라파엘리, 루도빅 레픽, 그리고 인상파 관행을 대표하지 않는 다른 현실주의자들을 포함시킬 것을 주장하여 1880년 모네는 인상파 화가들을 "선착순 그림 그리기"[19]라고 비난했다.이 그룹은 1886년 폴 시그낙과 조르주 쇠라에게 그들과 함께 전시할 초대장을 놓고 의견이 갈렸다.피사로는 8개의 인상파 전시회에 모두 출품한 유일한 예술가였다.

작가들은 인상파 전시회에서 금전적인 보상을 거의 얻지 못했지만, 그들의 예술은 점차 대중의 인정과 지지를 얻었다.그들의 딜러인 Durand-Ruel은 그가 그들의 작품을 대중에게 공개하고 런던과 뉴욕에서 그들을 위한 쇼를 주선하는 데 큰 역할을 했다.비록 시슬리가 1899년에 가난하게 죽었지만,[20] 르누아르는 1879년에 살롱에서 큰 성공을 거두었다.모네는 1880년대 초에 재정적으로 안정되었고 피사로도 1890년대 초에 안정되었다.이때쯤이면 희석된 형태의 인상파 회화는 살롱 미술에서 [21]보편화 되었다.

인상파 기법

Mary Cassatt, Lydia Arms on Her Arms, 1879년

인상주의의 길을 마련한 프랑스 화가로는 낭만주의 색채주의자인 외젠 들라크루아, 현실주의자인 구스타브 쿠르베의 지도자, 바르비종파의 화가 테오도르 루소 등이 있다.인상파 화가들은 요한 바르톨드 종킨트, 장 밥티스트 카밀 코로, 외젠 부댕의 작품에서 많은 것을 배웠다. 그는 자연에서 직접적이고 자발적인 화법으로 그림을 그리고 젊은 화가들과 친구가 되어 조언했다.

많은 식별 가능한 기술과 작업 습관은 인상파의 혁신적인 스타일에 기여했습니다.이 방법들은 이전 예술가들에 의해 사용되었고, 프란스 할스, 디에고 벨라스케스, 피터 폴 루벤스, 존 컨스터블, J. M. W. 터너와 같은 예술가들의 작품에서 종종 두드러졌지만, 인상파들은 이 모든 것을 함께 사용한 최초의 작가들이었고, 그러한 일관성을 가지고 있었다.이러한 기술은 다음과 같습니다.

  • 짧고 굵은 붓의 페인트는 세부 사항보다는 대상의 본질을 빠르게 포착합니다.페인트는 종종 즉흥적으로 칠해진다.
  • 색채는 가능한 한 적은 혼합으로 나란히 적용되며, 동시 콘트라스트의 원리를 이용하여 보는 이로 하여금 색을 더욱 선명하게 보이게 하는 기법이다.
  • 회색과 다크톤은 보색 혼합으로 만들어집니다.순수한 인상주의는 검은색 페인트의 사용을 피한다.
  • 습식 페인트는 연속적으로 도포될 때까지 기다리지 않고 습식 페인트에 넣어 가장자리가 부드러워지고 색이 섞입니다.
  • 인상파 그림은 초기 화가들이 효과를 내기 위해 조심스럽게 조작했던 얇은 도막(유약)의 투명성을 이용하지 않는다.인상파 회화는 일반적으로 불투명하다.
  • 페인트는 흰색 또는 옅은 색상의 땅에 칠합니다.이전에, 화가들은 종종 어두운 회색이나 강한 색상의 바탕들을 사용했다.
  • 자연광의 놀이가 강조되고 있다.물체의 색 반사에 세심한 주의를 기울인다.화가들은 종종 저녁이나 황혼의 그림자 효과인 소이르를 만들기 위해 저녁에 작업했다.
  • 엔플레인 에어(외부)의 그림자는 표면에 반사되면서 과감하게 하늘색으로 그려져 이전에는 그림으로 표현되지 않았던 신선함을 준다(눈 위의 푸른 그림자가 기법에 영감을 주었다.

새로운 기술이 그 스타일의 발전에 한몫했다.인상파 화가들은 금세기 중반 주석 튜브에 미리 혼합된 물감을 도입하여 예술가들이 야외와 [22]실내 모두에서 보다 즉흥적으로 작업할 수 있게 했다.이전에, 화가들은 마른 안료 가루와 아마인 기름을 갈아서 섞어서 그들만의 페인트를 만들었고, 그것은 동물 [23]방광에 저장되었다.

많은 선명한 합성 색소가 19세기 동안 처음으로 예술가들이 상업적으로 이용하게 되었다.여기에는 코발트 블루, 비리디언, 카드뮴 옐로우, 합성 울트라마린 블루가 포함되었는데, 모두 인상주의 [24]이전인 1840년대에 사용되었습니다.인상파 화가들의 그림 방식은 이 안료들과 1860년대에 [24]상업적으로 이용되기 시작한 세룰리안 [4]블루와 같은 새로운 색들을 과감하게 사용했다.

인상파 화가들의 밝은 화풍을 향한 진보는 점진적이었다.1860년대에 모네와 르누아르는 때때로 전통적인 적갈색이나 회색 [25]바탕의 캔버스에 그림을 그렸다.1870년대까지, 모네, 르누아르, 그리고 피사로는 보통 완성된 [25]그림에서 중간 톤으로 기능하는 밝은 회색이나 베이지 색상의 바탕에 그림을 그리는 것을 선택했다.1880년대에 이르러 일부 인상파 화가들은 흰색 또는 약간 흰 바탕색을 선호하게 되었고,[26] 더 이상 완성된 그림에서 바탕색이 중요한 역할을 하도록 허락하지 않았다.

내용 및 구성

Camille Pisarro, Hay Harvest at Eragny, 1901년, 캐나다 국립미술관, 온타리오 오타와

인상파 이전의 다른 화가들, 특히 얀 스틴과 같은 17세기 네덜란드 화가들은 공통의 주제를 강조했지만, 그들의 구성 방법은 전통적이었다.그들은 주요 주제가 시청자들의 주의를 끌도록 작문을 편곡했다.낭만주의 시대의 예술가였던 J. M. W. 터너는 그의 [27]작품으로 인상주의 스타일을 예상했습니다.인상파 화가들은 주제와 배경의 경계를 완화하여 인상파 그림의 효과가 [28]종종 우연히 포착된 더 큰 현실의 일부인 스냅숏과 유사하도록 했다.사진은 인기를 끌었고, 카메라가 휴대하기 쉬워지면서, 사진은 더 솔직해졌다.사진은 인상파 화가들로 하여금 순간적인 행동을 풍경의 순간적인 빛뿐 아니라 사람들의 [29][30]일상 속에서 표현하도록 영감을 주었다.

Berthe Morisot, Reading, 1873년, 클리블랜드 미술관

인상주의의 발달은 예술가의 현실 재현 능력을 평가절하하는 듯 보였던 사진술에 대한 예술가의 반작용으로 볼 수 있다.초상화와 풍경화 모두 사진술이 "훨씬 효율적이고 안정적으로 [31]생생한 이미지를 만들어냈다"는 점에서 다소 부족하고 진실성이 결여된 것으로 여겨졌다.

그럼에도 불구하고, 사진은 실제로 예술가들이 창조적인 표현의 다른 수단을 추구하도록 영감을 주었습니다, 그리고 현실을 모방하기 위해 사진과 경쟁하기 보다는, 예술가들은 "사진보다 불가피하게 더 잘 할 수 있는 한 가지"에 초점을 맞췄습니다 - 이미지의 개념에서 그것의 바로 주관적인 예술 형태로 더욱 발전함으로써, 바로 바로 그주관성이 없어졌다"[31]고 말했다.인상파 화가들은 정확한 표현을 하기보다는 자연에 대한 그들의 인식을 표현하려고 했다.이것은 예술가들이 그들의 "맛과 양심에 대한 [32]태싯 필연성"으로 그들이 본 것을 주관적으로 묘사할 수 있게 해주었다.사진술은 화가들로 하여금 당시 사진에 결여된 색채와 같은 회화 매체의 측면을 이용하도록 장려했다: "인상주의자들이 사진에 대한 주관적인 대안을 의식적으로 제공한 최초의 인물이었다."[31]

클로드 모네, 자딘 생트아드레세, 1867년 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 일본 판화의 영향을 보여주는 작품.[33]

또 다른 큰 영향은 일본의 우키요에 미술 판화(자포니즘)였다.이러한 판화의 예술은 인상주의의 특징이 된 "스냅샷" 각도와 파격적인 구성에 크게 기여했다.예를 들어 모네의 '자르댕아 생트아드레세'(1867년)는 일본 [34]판화의 영향을 보여주는 강한 비스듬한 대각선 위에 대담한 색상과 구성을 가지고 있다.

에드거 드가는 열렬한 사진작가이자 일본 [35]판화 수집가였다.1874년의 그의 댄스 클래스 (La classe de danse)는 비대칭 구성에서 두 가지 영향을 모두 보여준다.무용수들은 다양한 어색한 자세로 허를 찔려 오른쪽 아래 사분면에 넓은 공간을 남겨둔 것으로 보인다.그는 또한 14년의 작은 무용수와 같은 조각 작품에서 그의 무용수들을 사로잡았다.

여성 인상파

베르테 모리소, 로리앙의 항구, 1869년 워싱턴 D.C. 국립미술관

인상파 화가들은 다양한 정도로 시각적인 경험과 현대적 주제를 [36]묘사하는 방법을 찾고 있었다.여성 인상파 화가들은 이와 같은 이상에 관심이 있었지만 남성 인상파 화가들에 비해 사회적, 직업적 제약이 많았다.특히, 그들은 대로, 카페,[37] 댄스홀의 부르주아적 사회 영역의 이미지에서 제외되었다.이미지뿐만 아니라, 여성들은 그 장소들에서 회의를 야기한 형성적인 토론에서 제외되었다; 그것은 남성 인상파 화가들이 인상주의에 [37]대한 생각을 형성하고 공유할 수 있었던 장소였다.학문적 영역에서, 여성들은 복잡한 과목을 다룰 수 없다고 믿었고, 이로 인해 선생님들은 여학생들에게 [38]가르치는 것을 제한했다.여성의 진정한 재능은 가정과 [38]모성애에 초점을 맞춘다고 믿었기 때문에 예술에 뛰어나는 것은 여성답지 않은 것으로도 여겨졌다.

그러나 몇몇 여성들은 비록 그들의 직업이 개인적인 환경에 의해 영향을 받았음에도 불구하고 그들의 일생 동안 성공을 찾을 수 있었다 – 예를 들어, Bracquemond는 그녀가 그림을 [39]포기하게 만든 그녀의 일에 분개한 남편이 있었다.가장 잘 알려진 네 사람, 즉 메리 카사트, 에바 곤잘레스, 마리 브라크몽, 그리고 베르테 모리소트는 종종 '여성 인상파'라고 불리기도 했다.1874년부터 1886년까지 파리에서 열린 8개의 인상파 전시회에 그들이 참여한 것은 다양했다.모리소는 7번, 카사트는 4번, 브라케몽은 3번, 곤잘레스는 [39][40]불참했다.

Mary Cassatt, Young Girl at a Window, 1885, 캔버스의 기름, 워싱턴 D.C. 국립미술관

당시의 비평가들은 그들의 개인적인 스타일, 기술, [41]주제와 상관없이 이 네 가지를 하나로 묶었다.전시회에서 그들의 작품을 보는 비평가들은 종종 여성 작가들의 재능을 인정하려고 시도했지만 여성성에 [42]대한 제한된 개념으로 제한했다.파리의 비평가 S.C. de Soissons는 인상파 기법이 여성의 인식 방식에 적합하다고 주장하면서 다음과 같이 썼다.

여자는 생각의 독창성이 없고, 문학과 음악은 여성적인 성격이 없다는 것을 이해할 수 있다; 하지만 여자는 관찰하는 방법을 알고, 그리고 그들이 보는 것은 남자들이 보는 것과는 상당히 다르다, 그리고 그들이 그들의 손짓, 화장실에서, 그들의 환경의 장식에서 그들의 손짓에 넣는 예술은 주기에 충분하다.본능적이고, 그들 [43]각각에 내재된 독특한 천재에 대한 생각.

인상주의는 여성들이 친밀한 지식을 가지고 있는 가정 사회 생활을 주제로 합법화했지만, 또한 그들을 그 주제로 한정하는 경향이 있었다.종종 [44]식별할 수 있는 시터들을 국내 환경에서 묘사하는 것이 전시회에서 지배적이었다.그 그림의 주제는 종종 그들의 시선이나 움직임에 의해 그들의 환경과 상호작용하는 여성들이었다.특히 카사트는 그녀의 주제 배치를 알고 있었다: 그녀는 그녀의 지배적인 여성상을 객관화와 진부한 표현으로부터 멀리했다; 그들이 책을 읽지 않을 때, 그들은 대화하고, 바느질하고, 차를 마시고, 그들이 활동하지 않을 때,[45] 그들은 생각에 잠기는 것처럼 보였다.

남성들과 마찬가지로 여성 인상파 화가들도 새로운 시각과 새로운 화법을 찾기 위해 "진실"을 추구했습니다. 화가들은 저마다 개성이 [46]있는 화풍을 가지고 있었습니다.여성 인상주의자들(특히 모리소트와 카사트)은 그들의 그림에서 여성과 사물 사이의 힘의 균형을 의식했다. - 묘사된 부르주아 여성들은 장식적인 대상에 의해 정의되지 않고, 대신 그들이 [47]살고 있는 사물들과 상호작용하고 지배한다.편안해 보이면서도 미묘하게 [48]구속된 여성들에 대한 그들의 묘사에는 많은 유사점이 있다.이탈리아 오페라의 곤잘레스의 상자는 사회적 영역에서 편안히 먼 곳을 응시하는 여성과 옆에 서 있는 남자를 묘사한다.카사트의 그림인 '창가의 소녀'는 색이 더 밝지만 창밖을 내다볼 때 캔버스 모서리에 구속된 채로 있다.

Eva Gonzalés, Un Loge aux Italiens 또는 Box at the Italian Opera, ca. 1874년, 캔버스, 파리 오르세 미술관

경력을 가질 수 있는 그들의 성공과 인상주의의 소멸이 알려진 여성적인 특징에 기인함에도 불구하고, 네 명의 여성 예술가들 (그리고 덜 알려진 여성 인상주의자들)은 인상주의자를 다루는 미술 역사 교과서에서 대부분 제외되었다.1986년 [49]타마르 가브의 여성 인상주의자들이 출간되기 전까지 이들에 대한 지지율이 높았다.예를 들어 1955년에 출판된 Jean Leymarie의 인상주의는 어떤 여성 인상주의자에 대한 정보도 포함하지 않았다.

화가 안드로니키 징고 안토니는 알바니아에 [50]인상주의를 도입한 공인을 받았다.

주요 인상파

프랑스 [51][52]인상주의 발전의 중심 인물은 다음과 같다.

  • 프레데릭 바질 (1841년–1870년)로, 인상파 전시회에 사후에만 참가했다.
  • 구스타브 카일보트(1848년–1894년)로, 다른 사람들보다 젊은 그는 1870년대 중반에 그들과 힘을 합쳤다.
  • 메리 카사트(1844년-1926년)는 미국 태생으로 파리에 살면서 네 번의 인상파 전시회에 참가했다.
  • 폴 세잔(1839년-1906년)은 나중에 인상파에서 벗어났지만
  • 인상파라는 말을 경멸한 에드거 드가(1834년-1917년)
  • 아르만드 기욤(1841년-1927년)
  • 인상파 전시회에[53] 참가하지 않은 에두아르 마네(1832년-1883년)
  • 클로드 모네(1840년-1926년)는 인상파 중 가장 다작이며 그들의 미학을 가장 분명하게[54] 구현한 사람이다.
  • 베르테 모리소(1841년–1895년)로 1879년을 제외한 모든 인상파 전시회에 참가했다.
  • 카밀 피사로 (1830~1903)
  • 피에르 오귀스트 르누아르(1841년-1919년)로 1874년, 1876년, 1877년 및 1882년에 인상파 전시회에 참가했다.
  • 알프레드 시슬리 (1839년-1899년)

갤러리

연대표: 인상파들의 삶

인상파

아티스트와의 관계 및 영향

제임스 애벗 맥닐 휘슬러, 블랙 앤 골드 녹턴: 더 폴링 로켓, 1874년 디트로이트 예술대학

인상파 화가들과 가까운 동료들 중에는 그들의 방식을 어느 정도 도입한 화가들도 있었다.장 루이 포랭([56]1879년, 1880년, 1881년,[55] 1886년)과 드가의 초대로 첫 인상파 전시회에 참가한 이탈리아 화가 주세페 드 니티스가 포함돼 있다.페데리코 잔도메네기는 인상파 화가들과 함께 나타난 드가의 또 다른 이탈리아 친구였다.Eva Gonzalés는 마네의 추종자였고 그 그룹과 함께 전시하지 않았다.제임스 애보트 맥닐 휘슬러는 미국 태생의 화가로서 인상주의에 참여하지는 않았고 회색빛을 선호했다.영국의 예술가인 월터 시커트는 처음에는 휘슬러의 추종자였고, 나중에는 드가의 중요한 제자가 되었다; 그는 인상파 화가들과 함께 전시하지 않았다.1904년 예술가이자 작가인 윈포드 듀허스트는 영어로 출판된 프랑스 화가들에 대한 첫 번째 중요한 연구인 인상주의 회화를 썼다: 그것은 영국에서 인상주의를 대중화하는 데 많은 기여를 했다.

1880년대 초, 인상파 수법은 적어도 표면적으로는 살롱의 예술에 영향을 미쳤다.Jean Béraud와 Henri Gervex와 같은 패셔너블한 화가들은 살롱 [57]예술이 기대하는 매끄러운 마무리를 유지하면서 팔레트를 밝게 함으로써 비판적이고 재정적인 성공을 거두었다.이러한 작가들의 작품은 인상주의 관행과는 거리가 멀지만, 때때로 인상주의라고 불리기도 합니다.

프랑스 인상파 화가들의 영향은 그들 대부분이 죽은 후에도 오래 지속되었다.J.D 같은 아티스트들. 키르센바움은 20세기 내내 인상파 기법을 차용했다.

비욘드 프랑스

발렌틴 세로프의 복숭아를 든 소녀 (1887, 트레티아코프 갤러리)
호주 국립 미술관에서 열린 아서 스트리튼의 1889년 황금 여름 풍경화 이글몬트는 호주 인상주의의 한 예이다.
예테보리 미술관에서 열린 페더 세베린 크뢰이어의 1888년 작품 힙, 힙, 만세!는 스카겐 화가들의 회원들을 보여준다.

인상주의의 영향이 프랑스를 넘어 퍼지면서, 나열할 수 없을 정도로 많은 예술가들이 새로운 스타일의 실천가들로 밝혀졌습니다.보다 중요한 예는 다음과 같습니다.

조각, 사진, 영화

조각가 오귀스트 로댕은 일시적 빛 [61]효과를 나타내기 위해 거칠게 모델링된 표면을 사용한 방법 때문에 인상파라고 불리기도 합니다.

부드러운 포커스와 대기 효과로 특징지어지는 화보 작가들은 인상파 화가로도 불린다.

프랑스 인상파 시네마는 1919년부터 1929년까지 프랑스의 느슨하게 정의된 영화 및 영화 제작자들을 지칭하는 용어이다. 하지만 지금은 논란의 여지가 있다.프랑스 인상파 영화 제작자들은 아벨 갠스, 장 엡스타인, 제르메 둘락, 마르셀 르비에, 루이 델룩, 드미트리 키르사노프를 포함한다.

음악과 문학

주요 기사:인상주의 음악과 인상주의 (문학)
1916년 도쿄 국립서양미술관 '수백합' 클로드 모네

음악적 인상주의는 19세기 후반에서 20세기 중반까지 이어진 유럽 클래식 음악의 운동에 붙여진 이름이다.프랑스에서 출발한 뮤지컬 인상주의는 암시와 분위기를 특징으로 하며 낭만주의 시대의 감정적 과오를 피한다.인상파 작곡가들은 야상곡, 아라베스크, 전주곡과 같은 짧은 형식을 선호했고, 종종 전체 음계와 같은 특이한 음계를 탐구했다.아마도 인상파 작곡가의 가장 주목할 만한 혁신은 주요 7화음의 도입과 3rds에서 5부, 6부 하모니의 코드 구조의 확장이었다.

시각적 인상주의가 음악적 상대에게 미치는 영향은 논란의 여지가 있다.클로드 드뷔시와 모리스 라벨은 일반적으로 가장 위대한 인상파 작곡가로 여겨지지만 드뷔시는 비평가들의 발명이라며 이 용어를 부인했다.에릭 사티도 이 범주에 포함되었지만 그의 접근법은 자연적으로는 덜 진지하고 더 음악적인 새로움으로 여겨졌다.폴 뒤카는 또 다른 프랑스 작곡가로 때때로 인상주의자로 여겨지지만 그의 스타일은 아마도 후기 낭만주의자들과 더 밀접하게 일치할 것이다.프랑스 이외의 음악 인상주의에는 오토리노 레스피기(이탈리아), 랄프 본 윌리엄스, 시릴 스콧, 존 아일랜드(잉글랜드), 마누엘 드 팔라와 아이작 알베니즈(스페인), 찰스 그리피스(미국) 등의 작곡가의 작품이 포함된다.

인상주의라는 용어는 또한 사건이나 장면의 감각적인 인상을 전달하기에 충분한 세부 사항을 선택한 문학 작품을 묘사하는 데 사용되어 왔다.인상주의 문학은 보들레르, 말라르메, 랭보, 그리고 베를랭을 예로 들며 상징주의와 밀접한 관련이 있다.Virginia Woolf, D.H. Lawrence, Henry James, 그리고 Joseph Conrad와 같은 작가들은 캐릭터의 정신적인 삶을 구성하는 인상, 감각, 감정을 해석하기 보다는 묘사하는 방식으로 인상주의적인 작품들을 썼다.

카밀 피사로, 농장의 아이들, 1887년

후기 인상주의

주요 기사:후기 인상주의

1880년대에 몇몇 예술가들은 색깔, 패턴, 형태 및 선의 사용에 대해 인상파의 예에서 파생된 다른 교훈들을 개발하기 시작했다.빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라, 그리고 앙리 드 툴루즈 로트렉.이 화가들은 인상파보다 약간 어렸고, 그들의 작품은 후기 인상파로 알려져 있다.카밀 피사로는 잠시 점묘법으로 그림을 그렸고 모네조차도 엄격한 플린 에어 페인팅을 포기했다.제1, 제3회 인상파 전시회에 참가한 폴 세잔은 그림 구조를 강조하는 매우 개성적인 비전을 키워 포스트 인상파라고 불리는 경우가 많다.이러한 사례들은 라벨을 붙이는 것의 어려움을 보여주고 있지만, 원래의 인상파 화가들의 작품은 정의상 인상파로 분류될 수 있다.

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메모들

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레퍼런스

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  • 모펫, 찰스 S.(1986)"신화, 인상주의 1874-1886"제네바: 리처드 버튼 SA

외부 링크

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