픽토리얼

Pictorialism
1907년경 조지 실리의 "검은 그릇"Camera Work, No 20 (1907)에 게재되었습니다.

화보주의는 19세기 후반과 20세기 초반 동안 사진을 지배했던 국제적인 스타일과 미적 운동이다.이 용어의 표준적인 정의는 없지만, 일반적으로 그것은 사진작가가 단순히 기록하는 것이 아니라 이미지를 만드는 수단으로 직설적인 사진이 될 수 있는 것을 어떻게든 조작한 스타일을 말한다.통상, 화상의 사진은, 선명한 초점이 없는 것(다른 것에 비해 더 많은 것), 흑백 이외의 색(따뜻한 갈색부터 짙은 파란색까지)으로 인쇄되어, 눈에 보이는 붓놀림이나 그 외의 표면의 조작이 있는 경우가 있습니다.화보 작가에게 사진은 그림, 그림, 조각과 같은 감정적인 의도를 보는 [1]이의 상상 영역에 투영하는 방식이었다.

운동으로서의 회화주의는 1885년부터 1915년까지 번성했지만, 1940년대 후반까지 일부에 의해 여전히 장려되고 있었다.사진은 단순한 현실의 기록일 뿐이라는 주장에 따라 시작되었고, 진정한 예술 형태로서의 모든 사진의 위상을 높이려는 운동으로 변모되었다.30년 이상 동안 화가, 사진작가, 미술 비평가들은 반대되는 예술 철학에 대해 논쟁을 벌였고, 결국 몇몇 주요 미술관에 의해 사진이 입수되었다.

회화주의는 제2차 세계대전이 끝날 때까지 인기가 시들해지지 않았지만 1920년 이후 점차 인기가 떨어졌다.이 기간 동안 새로운 스타일의 사진 모더니즘이 유행했고 대중의 관심은 더 날카롭게 초점을 맞춘 이미지로 옮겨갔다.몇몇 중요한 20세기 사진작가들은 그들의 경력을 화보적인 스타일로 시작했지만 1930년대에 이르러 날카롭게 초점을 맞춘 사진작가로 전환했다.

개요

에바 왓슨슈체, 1905년 '장미'

암실에서 필름과 인화의 발달과 관련된 기술적 과정으로서의 사진은 19세기 초에 시작되었고, 전통적인 사진 인화의 선구자는 1838년에서 1840년 사이에 두드러졌다.새로운 매체가 생긴 지 얼마 되지 않아 사진작가, 화가 등에서는 매체의 과학적 측면과 예술적 측면의 관계에 대해 논쟁을 벌이기 시작했다.1853년 초, 영국의 화가 윌리엄 존 뉴턴은 사진작가가 이미지를 [2]약간 초점이 맞지 않게 유지한다면 카메라가 예술적인 결과를 낼 수 있다고 제안했다.다른 사람들은 사진이 화학 실험의 시각적 기록과 동등하다고 강하게 믿었다.사진사학자 나오미 로젠블럼은 "매체의 이중성, 즉 예술과 문서 모두를 생산하는 능력이 발견 직후에 입증되었다"고 지적한다.그럼에도 불구하고, 19세기의 상당 부분은 이러한 방향 중 어느 것이 미디어의 진정한 [3]기능인지에 대해 논의하는 데 소비되었습니다."

이러한 논쟁은 19세기 말과 20세기 초에 절정에 달했고, 보통 사진의 특정한 스타일로 특징지어지는 운동의 창조로 절정에 달했다: 그림주의.이 스타일은 먼저 단순히 [4]사실을 기록하는 것이 아니라 시각적 아름다움을 창조하는 사진의 능력을 강조하는 뚜렷한 개인적 표현에 의해 정의된다.그러나 최근 역사학자들은 회화주의가 단순한 시각적 스타일 이상이라는 것을 인식하고 있다.그것은 그 시대의 변화하는 사회 문화적 태도와 직접적인 맥락에서 진화했고, 따라서 단순히 시각적 경향으로 특징지어서는 안 된다.한 작가는 회화주의가 "동시에 운동이자 철학이며 미학이며 [5]문체"라고 언급했다.

사진의 일부 역사가 묘사하는 것과 달리, 그림주의는 예술적 감성의 선형적인 진화의 결과로 생겨난 것이 아니라, "복잡하고, 발산적이며, 종종 열정적으로 충돌하는 전략"[6]을 통해 형성되었다.사진작가들과 다른 사람들이 사진이 예술이 될 수 있는지에 대해 토론하는 동안, 사진의 출현은 많은 전통 예술가들의 역할과 생계에 직접적인 영향을 미쳤다.사진술이 발달하기 전에는, 초상화를 그리는 것이 사람의 모습을 기록하는 가장 일반적인 수단이었다.수천 명의 화가들이 이 예술 형식에 종사하고 있었다.그러나 사진술은 미니어처 초상화에 대한 필요성과 관심을 빠르게 없애버렸다.이러한 효과의 한 예는 런던에 있는 왕립 아카데미의 연례 전시회에서 목격되었다; 1830년에 300점 이상의 미니어처 그림들이 전시되었지만, 1870년에는 33점만이 [7]전시되었다.사진은 하나의 예술 형태를 대신했지만, 사진 자체가 예술적일 수 있는지에 대한 의문은 해결되지 않았다.

어떤 화가들은 곧 사진을 그들의 예술에 포함시킬 모델의 포즈, 풍경 또는 다른 요소들을 기록하는 데 도움을 주는 도구로 채택했다.들라크루아, 쿠르베, 마네, 드가, 세잔, 고갱을 포함한 많은 19세기 위대한 화가들이 직접 사진을 찍고, 다른 사람들의 사진을 사용하고, 사진의 이미지를 그들의 작품에 [8]접목시킨 것으로 알려져 있다.인쇄물과 강의실에서는 사진과 예술의 관계에 대한 열띤 논쟁이 계속되는 반면, 사진 이미지와 그림의 구별은 점점 더 어려워졌다.사진술이 계속 발전함에 따라, 그림과 사진 사이의 상호작용은 점점 [9]더 상호적이 되었다.앨빈 랭던 코번, 에드워드 슈타이첸, 거트루드 케세비에, 오스카 구스타브 레이랜더, 사라 초이트 시어스를 포함한 적지 않은 화보 사진작가들은 원래 화가로 훈련을 받았거나 그들의 사진 기술 외에도 그림을 그리기 시작했다.

대륙간 여행과 무역의 급속한 증가로 인해 전 세계의 문화와 사회가 영향을 받은 것은 같은 시기였다.한 대륙에서 출판된 책과 잡지는 점점 더 쉽게 다른 대륙에서 수출되고 팔릴 수 있게 되었고, 신뢰할 수 있는 메일 서비스의 발달은 개인의 아이디어, 기술, 그리고 가장 중요한 것은 사진, 실제 인쇄물의 교환을 가능하게 했다.이러한 발전은 "다른 어떤 사진 장르보다 [10]사진 분야에서 더 국제적인 움직임"으로 이어졌다.미국, 영국, 프랑스, 독일, 오스트리아, 일본 등의 카메라 클럽들은 정기적으로 서로의 전시회에 작품을 빌려주고, 기술 정보를 교환하고, 서로의 일기에 에세이와 비판적인 논평을 실었다.영국의 Linked Ring, 미국의 Photo-Sequation, 그리고 프랑스의 Photo-Club de Paris에 의해 이끌려, 처음에는 수백 명의 그리고 수천 명의 사진작가들이 이 다차원 운동에 대한 공통의 관심사를 열정적으로 추구했다.불과 10여 년 사이에 서유럽과 동유럽, 북미, 아시아, 호주에서 유명한 사진작가들이 발견되었다.

Kodak 카메라의 영향

이미지를 캡처하고 재현하는 실용적인 과정이 발명된 후 처음 40년 동안, 사진은 과학, 역학, 예술에 대한 전문 지식과 기술을 가진 매우 헌신적인 개인들의 영역으로 남아있었다.사진을 찍기 위해, 사람은 화학, 광학, 빛, 카메라의 역학과 이러한 요소들이 어떻게 결합되어 장면을 적절하게 그리는지에 대해 많은 것을 배워야 했다.쉽게 배우거나 가볍게 할 수 있는 일이 아니었기 때문에 비교적 적은 수의 학자나 과학자, 전문 사진가 집단으로 한정되어 있었다.

Kodak 카메라 광고, 1888 – "사진에 대한 지식은 필요 없습니다."

그 모든 것이 몇 년 사이에 바뀌었다.1888년 조지 이스트먼은 최초의 휴대용 아마추어 카메라인 코닥 카메라를 선보였다.그것은 "너는 버튼을 누르고 나머지는 우리가 [11]한다"라는 슬로건을 내걸고 마케팅되었다.카메라에는 약 100장의 2.5인치 원형 사진 노출을 생성하는 필름 롤이 사전 탑재되어 있어 작동 중에 휴대하기 쉽고 휴대하기 쉬웠습니다.필름에 찍힌 모든 사진들이 공개된 후, 카메라 전체가 뉴욕 로체스터에 있는 코닥 회사에 반환되었고, 그곳에서 필름이 개발되었고, 인화가 이루어졌으며, 새로운 사진 필름이 안에 배치되었다.그 후, 카메라와 인화물을 고객에게 돌려주었고, 고객은 더 많은 사진을 찍을 준비가 되어 있었다.

이 변화의 영향은 엄청났다.갑자기 거의 모든 사람이 사진을 찍을 수 있게 되었고, 몇 년 사이에 사진은 세계에서 가장 큰 유행 중 하나가 되었다.사진 수집가 마이클 윌슨은 "수천 명의 상업 사진작가들과 수백 배의 아마추어들이 매년 수백만 장의 사진을 제작하고 있다...전문적인 작업의 질 저하와 스냅샷의 홍수(사냥에서 빌려온 용어, 조준할 시간을 들이지 않고 빠른 샷을 발사한다는 의미)로 인해 세상은 기술적으로 훌륭하지만 미학적으로 무관심한 [11]사진들로 넘쳐났습니다.

이러한 변화와 동시에 카메라, 필름, 인쇄물에 대한 새로운 수요를 충족시키기 위한 국가 및 국제 상업 기업의 발전도 있었다.1893년 시카고에서 열린 세계 콜럼비아 박람회에서 2700만 명 이상이 참가한 아마추어용 사진은 전례 없는 [12]규모로 판매됐다.세계 각국의 사진을 전시한 대형 전시물, 최신 상품을 전시하고 판매하는 카메라와 암실 장비 제조업체, 수십 개의 초상화 스튜디오, 심지어 박람회 자체의 현장 문서까지 있었다.갑자기 사진과 사진작가가 가정용품이 되었다.

많은 진지한 사진작가들이 경악했다.그들의 공예품, 그리고 몇몇 예술품들은 새롭게 참여되고 통제되지 않으며 대부분 자격이 없는 시민들에 의해 공동 채택되고 있었다.예술과 사진에 대한 논쟁은 사진을 찍을 수 있는 사람이 있다면 사진을 예술이라고 부를 수 없다는 주장을 중심으로 심화되었다.예술과 같이 사진을 가장 열정적으로 옹호하는 사람들 중 일부는 사진을 "혹은" 매체로 보여서는 안 되고 보여서는 안 된다고 지적했습니다.-어떤 사진은 사실 현실의 단순한 기록이지만, 올바른 요소만 있으면 어떤 사진은 사실 예술 작품입니다.보스턴 이브닝 트랜스크립트의 미술 평론가 윌리엄 하우 다운스는 1900년에 "예술은 기질, 취향, 감정의 문제라기보다는 방법과 과정의 문제"라고 말하며 이 입장을 요약했다.예술가의 손에 의해 사진은 예술품이 된다...한마디로 사진작가가 예술이나 장사를 [13]하는 것입니다.

사진과 예술에 대한 논쟁, 코닥 카메라의 영향, 변화하는 사회적 문화적 가치 등 이 모든 요소들이 결합되어 예술과 사진이 세기의 전환기에 어떻게 함께 등장할 것인지에 대한 진화의 발판을 마련했습니다.화보주의를 추진한 코스는 사진술이 확립되자마자 설정되었지만, 19세기 후반이 되어서야 국제적인 화보주의 운동이 일어났다.

회화주의의 정의

헨리 피치 로빈슨, 1858년 '페이드 어웨이'

1869년 영국의 사진작가 헨리 피치 로빈슨은 "사진 속 그림 효과: 구도와 사진작가를 [14]위한 키아로스쿠로"라는 책을 출판했습니다.이것은 화가와 미술사학자들이 표현적인 분위기를 전달하기 위해 극적 조명과 음영을 사용하는 것을 가리키는 이탈리아 용어인 chiaroscuro an라는 특정한 문체적 요소의 맥락에서 사진을 지칭하는 "그림"이라는 용어가 처음으로 보편적으로 사용된 것이다.그의 책에서 로빈슨은 그가 "복합 인쇄"라고 부르는 것을 장려했는데, 이것은 그가 20년 전에 여러 개의 네거티브 또는 인쇄물을 조작함으로써 개별적인 이미지들의 개별적인 요소들을 새로운 단일 이미지로 결합함으로써 고안한 방법이었다.로빈슨은 직접 개입을 통해서만 최종 이미지가 나왔기 때문에 사진을 통해 "예술"을 창조했다고 생각했다.로빈슨은 평생 동안 그 용어의 의미를 계속 확장해 왔다.

오스카 레즐랜더, 마커스 아우렐리우스 루트, 존 러스킨을 포함한 다른 사진작가들과 예술 비평가들도 이러한 생각을 되풀이했다.직선사진은 예술적 해석의 필터 없이 현실을 보여준다는 순수 대표성이라는 믿음이 화보주의의 발흥의 주요 원동력 중 하나였다.그것은 어디까지나 예술적 의도나 가치가 [15]결여된 시각적 사실에 대한 단순한 기록이었다.로빈슨과 다른 사람들은 "지위의 평등이 [9]달성되려면 사진의 보통 용인되는 한계를 극복해야 한다고 강하게 느꼈다.

Robert Demachy는 나중에 "좋은 사진과 예술 사진 사이에 어떤 차이가 있는가?"라는 제목의 기사에서 이 개념을 요약했다.그는 "화보 촬영을 할 때, 우리는 아마도 무의식적으로 우리 화학공예의 가장 오래된 공식보다 수백 년 더 오래된 규칙의 엄격한 준수에 얽매여왔다는 것을 깨달아야 한다.우리는 뒷문으로 예술의 신전에 몰래 들어갔고, 수많은 아답트들 [16]틈에 끼어 있었다.

사진을 예술로 홍보하는 데 있어 어려운 점 중 하나는 예술이 어떻게 보여야 하는지에 대한 다양한 의견이 있었다는 것이다.수십 명의 화보 사진작가를 선보인 제3회 필라델피아 살롱 1900 이후, 한 평론가는 "진정한 의미의 예술에 대한 아이디어가 대다수의 [17]출품자들이 듣거나 생각한 적이 있는지" 궁금해했다.

몇몇 사진작가들은 그림을 모방함으로써 진정한 예술가가 되는 것을 보았지만, 적어도 한 유파는 사진작가에 직접적인 영감을 주었다.예술과 사진에 대한 논쟁이 일상화되던 1880년대, 톤리즘으로 알려진 회화의 스타일이 처음 등장했다.몇 년 안에 그것은 회화주의의 [18]발전에 중요한 예술적 영향을 끼쳤다.제임스 맥닐 휘슬러, 조지 이네스, 랄프 알버트 블레이크록, 아놀드 뵈클린 같은 화가들은 자연의 이미지를 단순히 기록하는 것과 대조되는 자연의 경험을 예술가의 가장 높은 의무로 보았다.이 예술가들에게 그들의 그림은 관객에게 감정적인 반응을 전달하는 것이 필수적이었다.그것은 그림의 분위기적 요소를 강조하고 "변형적인 모양과 가라앉은 톤..."을 사용함으로써 도출되었다.[[19]전하다] 엘레지아적 우울감을 전달하다.

Alfred Stieglitz의 "Spring Showers, the Coach", 1899~1900

알프레드 슈틸리츠는 나중에 사진에 이와 같은 감성을 적용하면서 이렇게 말했다. "대기란 우리가 모든 것을 볼 수 있는 매체이다.따라서 자연에서와 같이 사진 속의 진가를 보기 위해서는 대기가 있어야 합니다.대기는 모든 선을 부드럽게 하고, 명암에서 음영으로의 전환을 촉진하며, 거리감을 재현하는 데 필수적입니다.멀리 있는 물체의 특징인 윤곽이 희미해지는 것은 대기 때문입니다.자연에 대한 분위기와 색조는 사진에 [20]대한 분위기입니다.

현대 회화주의의 다작의 창시자인 폴 L. 앤더슨은 진정한 예술 사진은 "암시와 미스터리"를 전달한다고 그의 독자들에게 충고했다. "신비는 상상력을 발휘할 기회를 제공하는 반면, 암시는 직접적 또는 간접적인 [21]수단으로 상상력을 자극하는 것을 포함한다."과학은 진실한 정보에 대한 요구에 부응할 수 있지만 예술은 [19]감각의 자극에 대한 인간의 욕구에 부응해야 한다고 화가는 주장했다.이것은 각 이미지, 이상적으로는 각 인쇄물에 대해 개성을 나타내는 마크를 작성하는 것만으로 실행할 수 있습니다.

화보 작가들에게 진정한 개성은 [19]예술 사진의 전형으로 여겨지는 독특한 판화의 창조를 통해 표현되었다.껌이나 브로밀 인쇄와 같은 소위 "엔노블링 과정"[22]을 통해 이미지의 외관을 조작함으로써, 화가는 때때로 그림이나 석판으로 오인되는 독특한 사진을 만들 수 있었다.

초기 화보주의를 표방했던 가장 강한 목소리 중 다수는 신세대 아마추어 사진작가였다.오늘날 그 의미와는 대조적으로, "아마추어"라는 단어는 그 당시 논의에서 다른 의미를 내포하고 있었다.이 단어는 경험이 부족한 초보자를 나타내기보다는 예술적 우수성과 엄격한 학문적 [23]영향력으로부터의 자유를 위해 노력하는 사람을 특징지었다.아마추어들은 왕립사진협회와 같은 오랜 기간 확립된 사진 단체들에 의해 제정된 엄격한 규칙에 얽매이지 않기 때문에 규칙을 어길 수 있는 사람으로 여겨졌다.영국 잡지 아마츄어 포토그래퍼의 한 기사는 "사진은 예술이다. 아마 아마 그 아마추어가 [23]곧 전문가와 동등하고 종종 더 뛰어나게 되는 유일한 것일 것이다."라고 말했다.이러한 태도는 전 세계 많은 나라에서 우세했다.1893년 독일에서 열린 함부르크 국제사진전에서는 아마추어 작품만 허용됐다.당시 쿤스트할레 함부르크의 감독이었던 알프레드 리크투르크는 "모든 매체에서 훌륭한 초상화는 경제적 자유와 [23]실험할 시간을 가진 아마추어 사진작가에 의해 그려지는 것"이라고 믿었다.

1948년에 S.D.Jouhar는 픽처 사진을 "주로 장면의 심미적 상징적 기록과 예술가의 개인적인 의견과 해석으로 수용적인 관객의 마음에 감정적인 반응을 전달할 수 있다"고 정의했다.독창성, 상상력, 목적의 통일성, 휴식의 질을 보여야 하며 [24]무한한 자질을 갖춰야 한다고 말했다.

수년에 걸쳐 "아트 사진"과 "카메라 워크" (둘 다 알프레드 슈틸리츠), "인상주의 사진" (조지 데이비슨), "뉴 비전" (뉴 비전), 그리고 마침내 [25]1940년대 이후 독일에서 "주사적 사진" (서브젝티브 사진)을 포함한 다른 이름들이 붙여졌다.스페인에서 사진작가들은 가끔 "간섭주의자"라고 불렸지만, 그 스타일 자체는 "간섭주의자"[26]로 알려져 있지 않았다.

갤러리

모더니즘으로의 이행

제인 리스, 스페이스스, 1922년

19세기에서 1940년대로의 회화주의의 진화는 느리면서도 단호했다.그것은 유럽에 뿌리를 두고 미국과 전 세계로 몇 번의 반분명한 단계로 퍼져나갔다.1890년 이전에는 주로 영국, 독일, 오스트리아, 프랑스에 있던 옹호자들을 통해 회화주의가 생겨났다.1890년대에 중심이 뉴욕과 슈틸리츠의 다면적인 노력으로 옮겨갔다.1900년 무렵에는 회화주의가 세계 각국에 퍼졌고, 수십 개의 도시에서 회화 사진의 주요 전시회가 열렸다.

1910년 버팔로의 올브라이트 갤러리가 슈틸리츠의 291 갤러리에서 사진 15장을 구입하면서 화보주의와 사진 전반의 절정에 이르렀다.사진술이 박물관 소장품 가치가 있는 예술로 공식 인정된 것은 이번이 처음이며, 많은 사진작가의 사고방식이 확실히 바뀌었음을 알렸다.이 순간을 위해 오랫동안 노력한 슈틸리츠 감독은 이미 화보주의를 넘어 새로운 비전을 구상하고 있음을 시사했다.그는 이렇게 썼다.

화보사진의 어리석음과 엉터리가 태양전지를 강타할 때이다...예술품이라고 주장해도 소용없다.사진작가가 완벽한 사진을 만들도록 하세요.그리고 만약 그가 완벽의 애호가이자 선견자라면, 결과물은 직선적이고 아름다운 사진, 즉 진짜 사진이 [27]될 것이다.

슈틸리츠가 현대 회화와 조각, 그리고 클라렌스 H에 더 많은 관심을 쏟기 시작한 직후입니다.화이트와 다른 사람들은 새로운 세대의 사진작가의 리더십을 이어받았다.제1차 세계대전의 냉혹한 현실이 전 세계 사람들에게 영향을 미치면서, 대중들의 과거 예술에 대한 취향이 바뀌기 시작했다.선진국들은 산업과 성장에 점점 더 초점을 맞추고 있으며, 예술은 새로운 건물, 비행기, 산업 경관의 딱딱한 이미지를 특징으로 하여 이러한 변화를 반영하고 있다.

1960년대까지 화보 사진을 계속 만든 20세기 사진작가 아돌프 파스벤더는 화보주의는 아름다움에 우선하기 때문에 영원하다고 믿었다.그는 "그렇게 되면 이상주의, 감성, 예술과 아름다움의 모든 감각을 파괴해야 하기 때문에 그림주의를 근절하는 것은 해결책이 없다.항상 화보주의가 있을 거예요."[28]

국가별 화보주의

호주.

호주에서 회화주의의 주요 촉매제 중 하나는 1889년과 1897년 사이에 런던, 취리히, 비엔나에서 사진 화학과 인쇄를 공부한 존 카우프만(1864년-1942년)이었다.1897년 고국으로 돌아온 그는 한 신문에서 [29]"예술 작품으로 오인될 수 있는 사진"을 전시함으로써 동료들에게 큰 영향을 주었다.이후 10년 동안 해롤드 카즈노, 프랭크 헐리, 세실 보스톡, 헨리 말라드, 로즈 시몬즈[30], 올리브 코튼 등 사진작가들이 전국의 살롱과 전시장에서 화보 작품을 전시하고 호주 사진 저널과 호주 사진 리뷰에 사진을 게재했다.

오스트리아

1891년 빈의 아마추어 사진가 클럽(Club der Amerato Photoshen in Vien, Vienna 아마추어 사진가 클럽)은 비엔나에서 제1회 국제 사진 전시회를 열었다.Carl Sma, Federico Mallmann 및 Charles Scolik [de]에 의해 설립된 The Club은 다른 나라의 사진 그룹과의 관계를 증진시키기 위해 설립되었다.알프레드 부쉬벡이 1893년 클럽의 회장이 된 후, 그것은 이름을 비엔나 카메라 클럽으로 단순화했고 1898년까지 지속된 비엔나 포토그래피쉬 블래터라는 호화 잡지를 발행하기 시작했다.그것은 알프레드 스티글리츠와 로버트 [31]드마키와 같은 영향력 있는 외국 사진작가들의 기사를 정기적으로 실었다.

다른 나라들과 마찬가지로, 상반된 관점은 사진작가들이 그림주의가 의미하는 바를 정의하는 데 더 넓은 범위의 사람들을 끌어들였다.Hans Watzek [de], Hugo Henneberg [de] 및 Heinrich Kün은 특히 프랑스, 독일 및 미국에 있는 다른 조직과의 정보 교환을 증가시키기 위해 Das Kleblatt (The Trilfolium)라는 조직을 결성했습니다.처음에는 소규모 비공식 그룹이었지만, Das Kleeblatt는 국제적인 인맥을 통해 Wiener Camera-Klub에서 영향력을 키웠고, 다른 여러 단체들은 지역 전역의 다른 도시에 설립되었습니다.다른 나라들과 마찬가지로, 그림주의에 대한 관심은 제1차 세계대전 이후 사라졌고, 결국 오스트리아 조직의 대부분은 1920년대에 [31]무명해졌다.

캐나다

1917년 전시 포스터

캐나다의 화보주의는 처음에는 포토세션에 선출된 첫 동포였던 시드니 카터(1880-1956)에 초점을 맞췄다.이것은 그가 토론토에 있는 스튜디오 클럽, 해롤드 모티머-램브 (1872년–1970년)와 동료 분리주의자 [32]퍼시 하진스와 함께 그림 사진작가 그룹을 모으도록 영감을 주었다.1907년 카터는 몬트리올 미술 협회에서 캐나다 최초의 그림 사진 전시회를 조직했다.카터와 동료 사진작가 Arthur Goss는 비록 그들의 노력이 [33]약간의 저항에 부딪혔지만, 토론토 카메라 클럽의 회원들에게 화보주의 원칙을 소개하려고 시도했다.

잉글랜드

1853년에 아마추어 사진작가 윌리엄 J.뉴턴은 "나무와 같은 '자연물체'는 '인정된 미술의 원리'[34]에 따라 촬영되어야 한다"는 생각을 제안했다.거기서부터 헨리 피치 로빈슨과 피터 헨리 에머슨을 포함한 다른 초기 사진작가들은 계속해서 사진의 개념을 예술로 홍보했다.1892년, 로빈슨은 조지 데이비슨과 알프레드 매스켈과 함께 예술 the 링크드 링으로서 사진의 이상에 전념하는 최초의 단체를 설립했습니다.그들은 프랭크 수트클리프, 프레드릭 H. 에반스, 앨빈 랭던 코번, 프레드 홀러, 제임스 크레이그 아난, 알프레드 호슬리 힌튼, 그리고 다른 사람들을 포함한 같은 생각을 가진 사진작가들을 그들과 함께 초대했다.곧 Linked Ring은 사진을 예술의 형태로 간주하는 운동의 선두에 섰다.

링크드 링이 엄선된 미국인 그룹을 회원으로 초대한 후, 클럽의 목표와 목적에 대한 논쟁이 벌어졌다.1908년 영국 회원들보다 더 많은 미국 회원들이 연례 전시회에서 선보였을 때, 그 조직을 해체하기 위한 움직임이 도입되었다.1910년까지 링크드 링은 해체되었고, 회원들은 그들만의 길을 갔다.

프랑스.

프랑스의 회화주의는 Constant Puyo와 Robert Demachy라는 두 명의 이름으로 지배된다.이들은 프랑스 사진협회와는 별도의 단체인 '포토클럽 드 파리'의 가장 유명한 회원들이다.그들은 특히 색소 작용, 특히 중크롬산 [35]껌을 사용하는 것으로 잘 알려져 있다.1906년, 그들은 이 주제에 관한 책인 "Les Procédés d'art en Photographie"를 출판했다.두 사람 모두 [36]또한 20세기 초 예술 사진을 다루는 가장 영향력 있는 프랑스 출판물이 된 Bulletin du Photo-Club de Paris (1891–1902)와 La Revue de Photographie (1903–1908)에 많은 기사를 썼다.

독일.

함부르크의 테오도르와 오스카 호프마이스터 형제는 그들의 나라에서 처음으로 사진을 예술로 옹호한 사람들 중 하나였다.아마추어 사진 진흥 협회(Gesellschaft zur Förderung der Amerchotographie)의 회의에서, 하인리히 벡, 조지 아인벡, 그리고 오토 샤프를 포함한 다른 사진작가들은 화보주의의 원인을 발전시켰다.Herinrich Kün과 함께 The Homestisters는 나중에 The Presidium (Das Praesidium)을 결성했고, 그 멤버들은 함부르크의 Kunsthalle에서 열리는 주요 전시회에서 중요한 역할을 했다.오늘날 칼 마리아 우도 렘메스는 연극 백스테이지 사진 분야에서 회화주의 스타일을 대표한다.

일본.

1889년, 사진작가 오가와 카즈마사, W. K. 버튼, 카지마 세이베이 등이 일본 사진 협회를 결성하여 일본 사진 협회를 결성하였다.이 새로운 스타일에 대한 수용은 처음에는 느렸지만, 1893년 버튼은 외국 사진 예술 [37]전시회인 가이코쿠 사신가 텐레인카이로 알려진 주요 초청전을 조직했다.전시된 296점의 작품들은 런던 카메라 클럽의 회원들로부터 나온 것으로 피터 헨리 에머슨과 조지 데이비슨의 중요한 사진들이 포함되어 있다.이 전람회의 폭과 깊이는 일본 사진작가들에게 큰 영향을 미쳐 "전국 [37]미술사진의 담론을 망쳤다"고 말했다.전람회가 끝나고 카지마씨가 새로운 조직을 설립해, 대일본 사진 비평가 협회(대일본 사진 비평가 협회)가 아트 사진에 관한 독자적인 견해를 전개했다.

1904년 샤신게포(Shashin Geppo)라는 새로운 잡지가 창간되어 수년간 화보주의의 발전과 논쟁의 중심이 되었다.오가와씨등이 제창하는 아트 사진의 의미와 방향은, 아키야마 테츠스케씨, 카토 세이이치씨와 함께 새로운 그룹 「유츠즈샤」를 결성하는 사진작가 사이토 타로씨, 에가시라 하루키씨에 의해서 새로운 저널에 도전되었다.이 새로운 그룹은 그들이 [37]예술 사진의 "내면의 진실"이라고 부르는 것에 대한 그들만의 개념을 홍보했습니다.이후 10년 동안 많은 사진작가들이 이 두 조직 중 하나에 참여했습니다.

1920년대에 회화주의와 모더니즘 사이의 전환을 연결하는 새로운 조직들이 형성되었다.그 중에서도 가장 눈에 띄는 것은 후쿠하라 신조와 그의 형 후쿠하라 로소에 의해 결성된 사진예술협회이다.은색 젤라틴 [37]프린트를 사용한 소프트 포커스 이미지에 대한 노골적인 이미지 조작을 거부한 소노카이초(조화가 들어간 라이트)로 히카리의 컨셉을 촉진했다.

네덜란드

브람 로만, 크리스 슈버, 칼 에밀 뫼글을 포함한 네덜란드 화가의 1세대는 1890년경에 작업을 시작했다.그들은 처음에는 자연주의적인 주제에 초점을 맞췄고 백금 인쇄를 선호했다.처음에는 링크드 링이나 포토세션과 동등한 네덜란드어가 없었지만, 1904년 몇몇 소규모 단체들이 협력하여 제1회 국제 사진 살롱을 만들었습니다.3년 후 Adriann Boer, Ernest Loeb, Johan Huijsen 등은 네덜란드 예술 사진 클럽(Nederlandsche Club voor Foto-Kunst)을 설립하여 현재 라이덴 [38]대학에 소장되어 있는 중요한 그림 사진 컬렉션을 수집했습니다.네덜란드 화가의 2세대로는 앙리 베르센브루게, 베르나르 에일러, 베렌드 즈웨어스가 있다.

러시아

화보주의는 유럽 잡지를 통해 러시아로 먼저 전파되었고 러시아의 에브게니 비슈냐코프와 폴란드의 얀 불학이 옹호하였다.곧 새로운 세대의 화가가 활동하기 시작했다.여기에는 알렉세이 마우진, 세르게이 로보비코프, 표트르 클레피코프, 바실리 울리틴, 니콜라이 안드레예프, 니콜라이 스비쇼프-파올라, 레오니드 쇼킨, 알렉산더 그리네베르크가 포함됐다.1894년 모스크바에 러시아 사진 협회가 설립되었지만 회원들 간의 의견 차이로 인해 두 번째 조직인 모스크바 예술 사진 협회가 설립되었습니다.두 사람 모두 [39][40]수년 동안 러시아에서 화보주의의 주요 창시자였다.

스페인

스페인의 주요 화보 촬영지는 마드리드와 바르셀로나였다.마드리드에서 운동을 이끈 사람은 안토니오 카노바스로, 그는 레알 소시에다드 포토그라피카 데 마드리드를 설립하고 잡지 '라 포토그라피아'를 편집했다.카노바스는 스페인에 예술 사진을 처음 소개했다고 주장했지만, 그의 경력 내내 로빈슨과 같은 초기 영국 화가의 우화적인 스타일에 뿌리를 두고 있었다.그는 그 스타일이 "사진은 [41]아니다, 그럴 수 없으며 앞으로도 그럴 수 없을 것"이라고 말하면서 그의 지문에 어떠한 표면 조작도 사용하는 것을 거부했다.이 나라의 다른 영향력 있는 사진작가로는 카를로스 이니고, Manual Renon, Joan Vilatoba, 그리고 Conde de la Ventosa로만 알려진 사람이 있다.유럽의 다른 나라들과 달리, 그림주의는 1920년대와 1930년대 내내 스페인에서 인기가 있었고, 벤토사는 그 기간 동안 가장 많은 작품을 그린 화가였다.안타깝게도 이들 사진작가 중 어느 누구에게서도 원본 사진이 남아 있는 경우는 거의 없습니다.그들의 이미지는 현재 잡지 [42]복제물에서만 알려져 있습니다.

미국

화보주의의 정의와 방향을 확립한 주요 인물 중 한 명은 미국인 알프레드 스티글리츠로, 그는 아마추어 시절 시작했지만 빠르게 화보주의의 홍보를 직업이자 집착으로 삼았다.슈틸리츠는 그의 글, 조직, 화보 사진작가를 발전시키고 홍보하기 위한 개인적인 노력을 통해 시작부터 끝까지 화보주의의 지배적인 인물이었다.독일 사진작가의 발자취를 따라, 슈틸리츠는 1892년 뉴욕에서 포토세션이라고 불리는 단체를 설립했습니다.슈틸리츠는 그룹의 멤버들을 직접 뽑았고, 그는 그룹의 행동과 행동을 엄격히 통제했다.게르트루드 케세비에, 에바 왓슨-슈체, 앨빈 랭던 코번, 에드워드 스타이첸, 조셉 케일리 등 자신의 비전이 맞는 사진작가를 선정함으로써 슈틸글리츠는 사진을 예술로 받아들이기 위한 운동에 엄청난 개인적이고 집단적인 영향력을 가진 친구들의 고리를 형성했다.Stieglitz는 또한 자신이 편집한 두 개의 출판물인 Camera Notes와 Camera [43]Work를 통해, 그리고 수년 동안 그림 사진작가들만을 전시했던 갤러리를 뉴욕에 설립하고 운영함으로써, 계속해서 그림주의를 홍보했다.

처음에는 슈틸리츠에 초점을 맞췄지만 미국에서의 화보주의는 뉴욕에만 국한되지 않았다.보스턴 F.에서. 홀랜드 데이는 그 시대의 가장 다작하고 유명한 화가 중 한 명이었다.클라렌스 H 오하이오에 있는 동안 놀라운 화보 사진을 제작한 화이트는 전혀 새로운 세대의 사진작가를 가르쳤다.서부 해안에서는 캘리포니아 카메라 클럽과 서던 캘리포니아 카메라 클럽이 저명한 화가 애니 브릭먼, 아놀드 젠티, 애들레이드 한스컴 리슨, 에밀리 피치포드, 윌리엄 에드워드 다슨빌을 [44]포함했습니다.그 후, 시애틀 카메라 클럽은, 쿄 코이케 박사, 프랭크 아사키치 쿠니시게, 마츠시타 이와오(나중에 엘라 E도 포함)를 포함한 일본계 미국인 화가의 그룹에 의해서 시작되었다. 맥브라이드, 스나미 [45]소이치).

기술

Miron A.셜링, 알렉산더 J. 골로빈 초상화, 1916년

화보 사진작가들은 평범한 유리판이나 필름 네거티브를 찍는 것으로 시작했다.일부는 장면의 초점을 조정하거나 특수 렌즈를 사용하여 부드러운 이미지를 만들었지만, 대부분의 경우 인쇄 과정이 사진의 최종 외관을 통제했다.화가는 특정한 효과를 내기 위해 다양한 종이와 화학적 과정을 사용했고, 일부는 붓, 잉크 또는 색소로 인쇄의 색조와 표면을 조작했다.다음은 가장 일반적으로 사용되는 그림 프로세스 목록입니다.이러한 과정에 대한 자세한 내용은 크로포드(85-95페이지)와 다음(332-334페이지)에서 확인할 수 있습니다.특별한 언급이 없는 한, 아래의 설명은 이 두 권의 책에서 요약된다.

  • Broomoil 프로세스:이것은 인쇄를 확대할 수 있는 오일 프린트 공정의 변형입니다.이 공정에서는 통상적인 은 젤라틴 프린트를 한 후 중크롬산칼륨 용액으로 표백한다.이것에 의해, 인쇄 표면이 딱딱해지기 때문에, 잉크가 달라붙습니다.브로모일 프린트의 밝은 영역과 어두운 영역을 모두 조작하여 오일 프린트보다 더 넓은 톤 범위를 제공할 수 있습니다.
  • 카본 프린트:티슈지에 중크롬산칼륨, 카본블랙 또는 다른 안료와 젤라틴을 코팅하여 만든 매우 섬세한 프린트입니다.카본 프린트는, 뛰어난 디테일을 제공할 수 있어, 모든 사진의 프린트 중에서 가장 영속적입니다.가공 전과 후의 용지의 안정성 때문에, 카본 인쇄 티슈는 상업적으로 만들어진 최초의 사진 제품 중 하나였습니다.
  • 시안형:초기 사진 과정 중 하나인 청록색 타입은 화가가 짙은 파란색 색조로 실험했을 때 잠깐의 변화를 경험했다.그 색은 빛에 민감한 철염으로 코팅된 종이로 만들어졌다.
  • 중크롬산껌:화가가 가장 좋아하는 작품 중 하나인 이 판화들은 아라비아 고무, 중크롬산칼륨, 그리고 한 명 이상의 화가의 색소를 종이에 발라 만들었습니다.이 감작된 용액은 빛이 닿는 곳에서 서서히 굳어지며, 이 부분들은 몇 시간 동안 유연성이 유지됩니다.사진작가는 용액의 혼합물을 변화시켜 노출을 더 짧게 또는 더 길게 하고 노출 후 착색 부위를 빗질하거나 문지르는 방식으로 상당한 제어를 했습니다.
  • 오일 프린트 프로세스:중크롬산껌과 젤라틴 용액을 도포한 종이에 기름진 잉크를 발라 만듭니다.음성을 통해 노출되면, 노출되지 않은 부분은 부드러워지는 반면 빛이 닿는 곳에서 껌 젤라틴이 굳어집니다.아티스트의 잉크는 브러시로 도포되고 잉크는 굳은 부분에만 부착됩니다.이 과정을 통해 사진작가는 어두운 부분이 안정적으로 유지되는 동안 껌 프린트의 밝은 부분을 조작할 수 있습니다.오일 프린트는 네거티브와 직접 접촉해야 하기 때문에 확대할 수 없습니다.
  • 플래티넘 인쇄: 플래티넘 인쇄에는 2단계 프로세스가 필요합니다.우선, 용지를 철염으로 감작시켜, 네거티브와 접촉시켜 희미한 화상을 형성한다.그리고 나서 그 종이는 철염을 백금으로 대체하는 과정에서 화학적으로 개발된다.이것에 의해, 매우 다양한 톤의 이미지가 생성되어 각각이 강하게 실현됩니다.

화보 사진작가

다음은 경력 동안 화보주의에 종사한 저명한 사진작가들의 두 가지 목록입니다.첫 번째 목록에는 경력 전부 또는 거의 모든 기간 동안 주로 화보 작가(일반적으로 1880년부터 1920년까지 활동한 사람들)가 포함되어 있습니다.두 번째 목록에는 20세기 사진작가가 포함되어 있는데, 이들은 활동 초기에 화풍을 사용했지만 순수하거나 직선적인 사진작가로 더 잘 알려져 있다.

주로 화보 작가였던 사진 작가들

화보 작가로 시작한 20세기 사진작가

원천

  • 앤더슨, 폴 L.사진술의 예술.필라델피아: 리핀콧, 1919년
  • Anderson, Paul L. 화보 사진: 그 원칙과 실천.General Books, 2009. (1917년판 재인쇄) ISBN1-153-08767-7
  • 브라운, 줄리 K.경쟁 이미지: 사진과 세계 콜럼비아 박람회.투싼:애리조나 대학 출판부, 1994년ISBN 0-8165-1382-1
  • 버넬, 피터사진의 비전: 그림 사진, 1889~1923년.유타주 솔트레이크시티: 페레그린 스미스, 1980.ISBN 0-87905-059-4
  • 카스티요, 알레한드로모던 픽처리즘. 아만다 부쉐누아르와 그녀의 시적 환상.맥시코.에디시오네스 노바르테2020. OLID: OL28982611M
  • 크로포드, 윌리엄'빛의 지킴이', '이력 & 작업 가이드'를 소개합니다.돕스 페리, NT: 모건 & 모건, 1979.ISBN 0-87100-158-6
  • 다음, 패트릭(Ed.) 인상파 카메라: 유럽의 사진 사진, 1888-1918(2006).ISBN 1-85894-331-0
  • 도티, 로버트사진 분리, 사진 예술로서의 사진.뉴욕 로체스터: 조지 이스트먼 하우스, 1960년.
  • 에머슨, 피터 헨리 "사진, 그림 예술"아마추어 사진작가.제3권 (1886년 3월 19일), 페이지 138–139.
  • 풀튼, 마리안느, 보니 요켈슨, 캐슬린 A.어윈 모더니즘으로 가는 그림주의 클라렌스 H. 화이트 사진 학교리졸리, 1996년ISBN 0-8478-1936-1
  • 잘 들어, 마가렛링크 링: 1892~1910년 영국의 사진 분리 운동.런던' 하이네만, 1979년
  • 존슨, 드류 히스.캡쳐 라이트: 캘리포니아 사진 걸작, 1850년부터 현재까지.오클랜드: 오클랜드 미술관, 2001.ISBN 9780393049930
  • 킹, S. 칼스페인의 사진 인상파 화가: 그림 사진의 미학과 기법의 역사.Lewiston, NY: Edwin Meller Press, 1989.ISBN 0-88946-564-9
  • 콜튼, L. A. (에드)개인 빛의 영역: 캐나다의 아마추어 사진, 1839년-1940년.토론토:피츠헨리와 화이트사이드, 1984년ISBN 0-88902-744-7
  • 레이저자프, 잉게보르츠주벨렌 voor een fotomuseum / 네덜란드 화보 사진의 걸작 1890-1915.라이덴: Stichting Vfrieten van het Frentenkabinet van de Universit, 1998.ISBN 90-804274-2-X
  • 마틴, 데이비드, 니코렛 브롬버그.Shadows of a Funting World: 픽처 포토그래피와 시애틀 카메라 클럽.시애틀:Henry Art Gallery, 2011.ISBN 0-295-99085-6
  • 매카롤.스테이시California Dreamin' : 카메라 클럽과 화보 사진의 전통.보스턴:보스턴 대학 미술관, 2004.ISBN 1-881450-21-X
  • 웨스턴 J 네프현대 사진의 50대 개척자 알프레드 슈틸리츠 소장품.바이킹 프레스, 1978년ISBN 0-670-67051-0
  • 노리, 클로드프랑스 사진술의 기원부터 현재까지.뉴욕; 판테온, 1979년ISBN 0-394-50670-7
  • 로버츠, 팸(ed.) 알프레드 스티글리츠: 카메라 워크, The Complete Photoses 1903~1917 쾰른:타셴, 1998년ISBN 3-8228-3784-9
  • 녹색이야, 조나단카메라 워크: 비판적인 앤솔로지.애퍼처, 1973년ISBN 0-912334-73-8
  • Padon, Thomas(에드)'진실의 아름다움, 화보주의와 예술로서의 사진', 1845, 1945.밴쿠버, BC: 밴쿠버 아트 갤러리, 2008.ISBN 978-1-55365-294-6
  • 피터슨, 크리스찬 A.포토 세션 후: 미국 화보 사진 1910-1955.뉴욕: Norton, 1997.ISBN 0-393-04111-5
  • 피터슨, 크리스찬 A.미니애폴리스 예술대학의 사진 촬영.
  • 로젠블럼, 나오미사진의 세계사뉴욕: Abbeville Press, 1989년.ISBN 1-55859-054-4
  • 샤프, 애런미술과 사진.뉴욕: 펭귄, 1991년ISBN 0-14-013132-9
  • 스턴버거, 폴 스펜서입니다아마추어용과 미학용 사이: 미국에서의 사진 예술로서의 합법화, 1880~1900.앨버커키:뉴멕시코 대학 프레스, 2001.ISBN 0-8263-2151-8
  • 테일러, 존영국의 그림 사진, 1900~1920년.런던:1978년 영국 예술 위원회ISBN 0-7287-0171-5
  • 터커, 앤 윌크스(에드)일본 사진의 역사뉴헤이븐: 예일대학교 출판부, 2003.ISBN 0-300-09925-8
  • Watriss, Wendy (ed.)이미지와 메모리: 중남미 사진, 1866~1994년.오스틴:텍사스 대학 출판사, 1998.ISBN 0-292-79118-6
  • 윌슨, 마이클, 리드, 데니스캘리포니아의 회화주의: 사진은 1900~1940년.말리부:게티 박물관, 1994년ISBN 0-89236-312-6

레퍼런스

  1. ^ 다음, 페이지 8
  2. ^ 도티, 페이지 11
  3. ^ 존슨, 페이지 121
  4. ^ 맥칼롤, 17페이지
  5. ^ 노드스트롬과 데이비드 우터스입니다"사진의 예술 만들기"실례, 페이지 33
  6. ^ 스턴버거, 페이지 XI
  7. ^ 하커, 16페이지
  8. ^ 샤프, 10-12페이지
  9. ^ a b 하커, 19페이지
  10. ^ 맥칼롤, 10페이지
  11. ^ a b 윌슨, 페이지 1
  12. ^ 브라운, 페이지 24
  13. ^ 로젠블럼, 페이지 296
  14. ^ 1869년 로빈슨
  15. ^ Bunnell, 페이지 2
  16. ^ Robert Demachy, Camera Notes, Vol 3, No 2, 1899년 10월, 페이지 46.Padon에서 전재, 페이지 120
  17. ^ 스턴버거, 페이지 136
  18. ^ 윌슨, 페이지 3
  19. ^ a b c 로젠블럼, 페이지 297-299
  20. ^ 알프레드 슈틸리츠, "미국에서의 예술사진에 대한 탄원"사진 모자이크, 제28권, 1892년윌란에서는 페이지 30
  21. ^ 앤더슨(1919), 페이지 90
  22. ^ Morozov, Samuel (October 1977). "Early Photography in Eastern Europe - Russia". History of Photography. 1 (4): 345.
  23. ^ a b c 윌슨, 페이지 4
  24. ^ 왕립사진학회지, 1948년 8월
  25. ^ Bunnell, 페이지 1
  26. ^ 킹, 페이지 112
  27. ^ American Masters – Alfred Stieglitz: The Eloquent Eye (DVD). Perry Miller Adato. Winstar.{{cite AV media notes}}: CS1 유지: 기타 인용 AV미디어 (주) (링크)
  28. ^ 피터슨, 160페이지
  29. ^ 게일 뉴턴, "호주 화보 사진:빛을 보다" (Padon), 97~99페이지
  30. ^ 2016년 5월 16일 퀸즐랜드 미술관 로즈 심몬즈 퀸즐랜드 화보 사진작가
  31. ^ a b Manon Hübscher, 비엔나 카메라 클럽, 촉매와 도가니, 다음, 페이지 125–129
  32. ^ 콜튼, 페이지 4/11
  33. ^ 콜튼, 페이지 38
  34. ^ 브라이언 리디, "영국에서 화보 사진의 기원과 발전"다음은 pp 657171
  35. ^ Julien Faure-Conorton, Robert Demachy의 사진작품의 특징화, 상황화 및 수신(1859~1936) (Ph.D.논문 – 프랑스어), 파리, EHESS, 2015, 1136 페이지.
  36. ^ 미셸 포이베르, "전투 없는 아방가르드:프랑스 반근대주의자와 미국 포토세션의 전근대주의.다음 페이지 31-35
  37. ^ a b c d 가네코 류이치 "일본에서의 사진 촬영"파돈어, 페이지 81-84
  38. ^ 잉게보르스레이저자프, "네덜란드에서의 사진주의"다음 페이지 13914147
  39. ^ Tchmyreva, Irina. "Edtudes for the History of Russian Pictorlialism". Retrieved 2014-11-22.
  40. ^ Sviblova, Olga (2005). Quiet Resistance: Russian Pictorialism of the 1900s‒1930s. Moscoe: Multimedia Complex of Actual Arts. pp. 182–190.
  41. ^ 킹, 페이지 133
  42. ^ 킹, 페이지 125
  43. ^ 도티, 페이지 5-10
  44. ^ McCarroll, 페이지 15~30
  45. ^ 마틴, 페이지 10-30

외부 링크

Wikimedia Commons는 Picturalism과 관련된 미디어를 가지고 있습니다.
위키 인용문에는 픽토리얼리즘과 관련된 인용문이 있다.