우키요에

Ukiyo-e
Painting of a finely dressed Japanese woman in 16th-century style.Colour print of a busy theatre
Colour print of a colourfully made-up Japanese actor making a bold expression with his fingers extended, facing right. Colour print of a closeup of a heavily made-up mediaeval Japanese woman peering through a translucent comb.
Colour landscape print of a group of three walking to the left, forests and a tall mountain in the background. Colour print of a bird flying near some flowers
A set of three colour prints of a samurai being menaced by a gigantic skeleton
왼쪽 위부터:

우키요에는[a] 17세기부터 19세기까지 번성한 일본 미술의 한 장르입니다.그곳의 예술가들은 여성 미인, 가부키 배우와 스모 선수, 역사와 민담의 장면, 여행 장면과 풍경, 동식물, 그리고 에로티카와 같은 주제의 목판화와 그림을 제작했습니다.우키요에라는 말은 '떠다니는 세계의 그림[s]'으로 번역됩니다.

1603년, 에도 시(도쿄)는 지배적인 도쿠가와 막부의 소재지가 되었습니다.사회질서의 최하층에 위치한 조닌층(상인, 장인, 노동자)은 도시의 급속한 경제성장으로 가장 큰 수혜를 입었고, 가부키 극장인 게이샤의 오락에 빠져들기 시작했습니다.그리고 유흥가의 궁인들; 우키요 ('유쾌한 세계')라는 용어는 이러한 쾌락주의적 생활양식을 묘사하기 위해 만들어졌습니다.인쇄되거나 그려진 우키요에 작품들은 집을 장식할 여유가 있을 정도로 부유해진 초인 계층에게 인기가 있었습니다.

1670년대에 히시카와 모로노부의 그림과 아름다운 여인들의 단색 판화가 등장한 최초의 우키요에 작품.컬러 프린트는 점차 도입되었고, 처음에는 특별한 커미션에만 사용되었습니다.1740년대까지 오쿠무라 마사노부와 같은 예술가들은 여러 장의 목판을 사용하여 색 영역을 인쇄했습니다.1760년대에 스즈키 하루노부의 "브로케이드 인쇄물"의 성공으로 풀 컬러 제작이 표준이 되었고, 각각의 인쇄물을 만드는 데 10개 이상의 블록이 사용되었습니다.몇몇 우키요에 화가들은 회화를 전문적으로 만들었지만, 대부분의 작품은 판화였습니다.예술가들은 인쇄를 위해 자신의 목판을 조각하는 경우가 드물었고, 오히려 판화를 디자인한 작가, 목판을 자르는 조각가, 수공예 종이에 목판을 잉크로 칠하고 압착하는 인쇄자, 그리고 작품에 자금을 대주고 홍보하고 배포하는 출판사로 나뉘었습니다.인쇄 작업이 수작업으로 이루어졌기 때문에 프린터는 인쇄 블록에 색상을 혼합하거나 그라데이션하는 것과 같이 기계로는 실용적이지 않은 효과를 얻을 수 있었습니다.

전문가들은 토리이 키요나가, 우타마로, 샤라쿠와 같은 거장들의 미인과 배우들의 초상화를 18세기 후반에 들어 귀하게 여겨왔습니다.19세기에는 일본 미술의 가장 유명한 작품 중 하나인 호쿠사이 화백의 가나가와 앞바다의 대파도와 히로시게 화백의 도카이도 53정거장이 탄생하면서 우키요에 전통의 대가들이 계속되었습니다.이 두 거장의 죽음과 1868년 메이지 유신 이후의 기술적, 사회적 근대화에 대항하여 우키요에의 생산은 급격한 감소에 들어갔습니다.그러나 20세기에 일본 전통 장면의 판화에 대한 서양의 관심을 이용한 신한가(新漢歌) 장르와 한 명의 예술가가 디자인하고, 조각하고, 인쇄한 개인주의적 작품을 장려한 소사쿠항가(小a ('歌) 운동이 일본의 판화에서 부활했습니다.20세기 후반 이후의 판화는 개인주의적인 흐름으로 이어져 왔으며, 종종 서양에서 수입한 기술로 만들어졌습니다.

우키요에는 19세기 후반 서양의 일본 미술, 특히 호쿠사이와 히로시게의 풍경에 대한 인식을 형성하는 중심이었습니다.1870년대부터, 자포니즘은 중요한 경향이 되었고 빈센트 반 고흐와 같은 후기 인상주의 화가들과 앙리 드 툴루즈-로트렉과 같은 아르누보 화가들에게 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 에드가 드가, 에두아르 마네, 클로드 모네와 같은 초기 인상주의 화가들에게도 강한 영향을 미쳤습니다.

역사

선사

헤이안 시대 (794–1185) 이후의 일본 미술은 두 가지 주요한 길을 따라왔습니다: 토사 학파의 작품들로 가장 잘 알려진 일본의 주제에 집중하는 원주민주의 야마토에 전통; 그리고 중국에서 영감을 받은 카라에, 예를 들어 세슈 도요와 그의 제자들의 단색 수묵화와 같은 다양한 스타일의.가노 화파는 [1]두 가지 특징을 모두 통합했습니다.

고대부터, 일본의 예술은 귀족, 군사 정부, 그리고 종교적인 [2]권위자들에게서 후원자들을 발견했습니다.16세기까지만 해도 서민들의 삶이 그림의 주요 소재가 되지 못했고, 이들을 포함했을 때도 작품은 지배층 사무라이와 부유한 상인 [3]계층을 위해 만들어진 사치품이었습니다.그 후의 작품들은 도시 사람들에 의해 그리고 마을 사람들을 위해 등장했는데, 그 중에는 저렴한 단색 그림과 극장과 유흥가의 장면들이 포함되어 있었습니다.이러한 시코미에(仕込絵- ()의 수공 특성은 제작 규모를 제한시켰는데, 곧 대량 생산 목판 인쇄로 전환된 장르에 의해 극복되었습니다.

A painted screen of six panels depicting a park-like setting in which visitors enjoy the scenery.
가노 히데요리의 다카오 단풍구경(16세기 중반)은 [2]서민생활을 담은 일본의 초기 작품 중 하나입니다.

16세기 내전의 긴 기간 동안, 정치적으로 영향력 있는 상인들의 계층이 발전했습니다.에도 시대의 조닌의 전신인 이 마치슈들은 궁정과 연합했고 지역 사회에 대한 권력을 가지고 있었습니다. 예술에 대한 그들의 후원은 16세기 말과 17세기 [5]초에 고전 예술의 부흥을 촉진시켰습니다.17세기 초, 도쿠가와 이에야스 (1543–1616)는 나라를 통일했고 일본에 대한 최고 권력을 가진 쇼군으로 임명되었습니다.그는 에도(오늘날의 [6]도쿄) 마을에 그의 정부를 공고히 했고, 영토 영주들이 그들의 수행원들과 격년으로 그곳에 모이도록 요구했습니다.성장하는 자본의 요구는 그 나라에서 많은 남성 노동자들을 끌어 모았고, 그래서 남성들이 [7]인구의 거의 70%를 차지하게 되었습니다.그 마을은 에도 시대 (1603–1867) 동안 1800명의 인구에서 [6]19세기에는 백만 명 이상으로 성장했습니다.

중앙집권화된 막부는 마치슈의 권력에 종지부를 찍고 지배층 사무라이 계급이 상위에, 상인 계급이 하위에 있는 4개의 사회 계급으로 인구를 나누었습니다.그들의 정치적인 [5]영향력은 박탈당했지만, 상인 계층의 사람들은 에도 [8]시대의 급속한 경제 성장으로부터 가장 많은 혜택을 받았고, 그들의 향상된 부지는 많은 사람들이 유흥가에서 찾는 여가, 특히 에도의[6] 요시와라에서 그들의 집을 장식하기 위한 예술작품을 모으는 것을 가능하게 했습니다.예전에는 그들의 재정적인 [9]수단을 훨씬 넘어서는 것이었습니다.유흥가의 경험은 충분한 부와 예절, 교육을 [10]받은 사람들에게 열려 있었습니다.

Painting of a mediaeval Asian man seated and dressed in splendour
도쿠가와 이에야스는 17세기 초 에도(현재의 도쿄)에 정부를 세웠습니다.
도쿠가와 이에야스의 초상, 카노 교화, 카노 탄유, 17세기

일본의 목판 인쇄는 기원후 770년 햐쿠만토 다라니까지 거슬러 올라갑니다.17세기까지 이런 인쇄는 불교 도장과 이미지를 [11]위한 것이었습니다.활자는 1600년경에 나타났지만, 일본의 활자는 10만여 [b]점이 필요했기 때문에 목판에 글씨를 직접 새기는 것이 더 효율적이었습니다.교토 사가(,ja)에서는 서예가 혼아미 고에쓰(' kō and)와 출판사 스미노쿠라 소안(minok so)이 이세 이야기(1608)를 각색하여 인쇄된 텍스트와 이미지를 결합했습니다.칸에이 시대 (1624–1643) 동안 탄로쿠본 (주황록색 책)이라고 불리는 민담의 삽화가 있는 책들은 목판 [11]인쇄를 사용하여 대량으로 생산된 최초의 책들이었습니다.목판 이미지는 새로운 [13]수도에서의 쾌락적인 도시 생활에 대한 이야기라는 가나조시 장르의 삽화로 계속 발전했습니다.1657년 메이레키 대화재 이후 에도의 재건은 도시의 근대화를 불러왔고, 급속히 [14]도시화되는 환경 속에서 삽화가 들어간 인쇄 서적의 출판이 번성했습니다.

'떠다니는 세상'이라고 번역할 수 있는 우키요(浮世憂き世)라는 용어는 '이 슬픔과 슬픔의 세계'라는 뜻의 고대 불교 용어 우키요(i),)와 동음이 되었습니다.새로운 용어는 때때로 다른 의미들 중에서 '에어로틱(erotic)' 또는 '스타일(stylish)'을 의미하기 위해 사용되었고, 하층 계급을 위한 향락주의 정신을 묘사하게 되었습니다.아사이 료이는 소설 우키요 모노가타리(1661년)[15]에서 이 정신을 기렸습니다.

[L]달과 눈과 벚꽃과 단풍잎을 음미하며 노래를 부르고 사케를 마시고, 강물의 흐름에 따라 나르는 박처럼 곧 닥칠 가난의 전망에도 아랑곳하지 않고, 부유하고 근심 걱정 없이 떠다니는 것만으로도 정신을 돌립니다: 이것이 우리가 우키요라고 부르는 것입니다.

우키요에의 출현 (17세기 후반~18세기 초반)

최초의 우키요에 화가들은 일본 [16]회화계에서 왔습니다.17세기의 야마토에 그림은 잉크를 젖은 표면에 떨어뜨려 윤곽선을 향해 펼 수 있는 윤곽선 형태의 양식을 발전시켰는데, 이 윤곽선 형태의 윤곽선은 [17]우키요에의 지배적인 양식이 되었습니다.

A folding screen painted with Japanese figures at play against a gold background
히코네 스크린은 현존하는 가장 오래된 우키요에 작품으로, 1624년부터 1644년까지 거슬러 올라갑니다.

1661년경, '칸분 미녀들의 초상'으로 알려진 걸려있는 두루마리 그림이 인기를 얻었습니다.대부분 익명의 칸분 시대의 그림들은 우키요에가 [16]독립학교로서 시작되었음을 알려줍니다.이와사 마타베이(1578~1650)의 그림은 우키요에 그림과 매우 유사합니다.학자들은 마타베이의 작품 자체가 우키요에인지 [18]여부에 대해 의견을 달리합니다; 그가 우키요에의 창시자였다는 주장은 일본 연구자들 [19]사이에서 특히 흔합니다.마타베이는 한때 현존하는 가장 초기의 우키요에 작품 중 하나일 수도 있는 별책병풍인 히코네 [20]화면의 작가로 인정되기도 합니다.화면은 세련된 가노풍으로 [21]화파의 정해진 과목이 아닌 현대의 삶을 묘사하고 있습니다.

A black-and-white illustration of a pair of lovers in splendid dress at play
초기 목판화, 히시카와 모로노부, 1670년대 후반 또는 1680년대 초반

우키요에 작품에 대한 수요가 증가함에 따라, 히시카와 모로노부 (1618–1694)는 최초의 우키요에 [16]목판화를 제작했습니다.1672년, 모로노부의 성공은 그의 작품에 사인을 하기 시작할 정도였는데, 이는 책 삽화가들 중 최초의 것이었습니다.그는 다양한 장르에서 작업한 다작 일러스트레이터였으며, 여성 미인을 묘사하는 영향력 있는 스타일을 발전시켰습니다.가장 중요한 것은, 그가 책만을 위한 것이 아니라, 단독으로 서있거나 시리즈의 일부로 사용될 수 있는 한 장의 이미지로서 삽화를 제작하기 시작했다는 것입니다.히시카와 학파는 스기무라 [23]지헤이와 같은 모방자들뿐만 아니라 [22]많은 추종자들을 끌어 모았고, 새로운 [24]예술 형식의 대중화의 시작을 알렸습니다.

도리이 키요노부 1세와 안도 가이게쓰도는 히시카와 학파의 일원은 아니었으나, 사부의 죽음 이후 모로노부의 스타일을 잘 모방한 인물이 되었습니다.키요노부의 야쿠샤에와 그를 따르는 토리이 [25]학파의 카부키 배우, 안도의 비진가와 그의 가이게츠도 학파의 궁인 등, 두 사람 모두 인간의 모습에 초점을 맞추기 위해 배경 세부 사항을 폐기했습니다.안도와 그의 추종자들은 디자인과 포즈가 효과적인 대량 [26]생산에 도움이 되는 틀에 박힌 여성상을 만들었고, 그것의 인기는 다른 예술가들과 학교들이 활용하는 [27]그림에 대한 수요를 만들었습니다.1714년 에이지마 이쿠시마 사건에 연루된 안도의 유배를 끝으로 게이게쓰도 학파와 인기있는 "게이게쓰도 미인"은 막을 내렸습니다.[28]

교토 출신의 니시카와 스케노부 (1671–1750)는 기술적으로 세련된 [29]궁인들의 그림을 그렸습니다.에로틱 초상화의 대가로 여겨지는 그는 1722년 정부의 금지령의 대상이었지만, 그는 계속해서 다른 [30]이름으로 유통되는 작품들을 만들었다고 믿어집니다.스케노부는 경력의 대부분을 에도에서 보냈고, 간토 [29]지방과 간사이 지방 모두에서 그의 영향력이 컸습니다.미야가와 초순 (1683–1752)의 그림은 18세기 초의 삶을 섬세한 색상으로 묘사했습니다.초순은 [31]지문을 남기지 않았습니다.18세기 초 그가 설립한 미야가와 학파는 가이게쓰도 학파보다 선과 색채가 세련된 화풍의 낭만화를 전문으로 했습니다.조순은 후에 호쿠사이를 [27]포함한 그의 지지자들에게 더 큰 표현의 자유를 허락했습니다.

  • 초기 우키요에 명인들
  • Standing portrait of a courtesan Ink and colour painting on silk, Kaigetsudō Ando, c. 1705–10
    기녀의 초상화.
    비단 위의 수묵화와 채색화, 안도 가이게츠도, 1705-10
  • Portrait of actors Hand-coloured print Kiyonobu, 1714
    배우의 초상
    수채화 인쇄물
    키요노부
  • Printed page from Asakayama E-hon Sukenobu, 1739
    아사카야마 이혼의 인쇄 페이지
    스케노부
  • Ryukyuan Dancer and Musicians Ink and color painting on silk, Chōshun, c. 1718
    류큐안 무용수와 음악가
    비단 위의 수묵채화, 초순, 1718

컬러 프린트 (18세기 중반)

초기의 단색 인쇄물과 책에서도 특별한 의뢰를 위해 손으로 색을 추가했습니다.18세기 초 색상에 대한 수요는 오렌지색과 때로는 녹색 [33]또는 노란색으로 손으로 칠한 탄-에[c] 인쇄물로 충족되었습니다.이것들은 1720년대에 핑크빛의 베니에가[d] 유행했고, 나중에는 우루시에의 옻칠 같은 잉크가 유행했습니다.1744년 베니주리에는 여러 장의 목판을 사용한 컬러 인쇄에서 최초의 성공을 거두었는데, 이는 각 컬러마다 하나씩의 목판을 사용한 것으로, 가장 초기의 베니 핑크색과 식물성 [34]녹색이었습니다.

Okumura Masanobu는 서양식 그래픽 관점과 인쇄된 색상의 사용 증가가 혁신이라고 주장했습니다.
1745년 료고쿠교로 저녁의 시원을 만끽하기

17세기 후반부터 18세기 [34]중반까지 인쇄 기술이 비약적으로 발전한 시기에 훌륭한 자기 추진자인 오쿠무라 마사노부(1686-1764)는 중요한 역할을 했습니다.그는 1707년에[35] 상점을 설립했고 마사노부 자신은 학교에 소속되지 않았지만, 여러 장르의 주요 현대 학교들의 요소들을 결합했습니다.그의 낭만적이고 서정적인 이미지의 혁신 중에는 1740년대 [39]우키에[e] 장르에 기하학적 관점의 도입, 길고 좁은 하시라에 판화, 그리고 스스로 쓴 하이쿠 [40]시를 포함한 판화에 그래픽과 문학의 결합이 있었습니다.

우키요에는 18세기 후반에 [41]에도가 오랜 불황을 겪은 후 다누마 오키쓰구의 통치하에 번영으로 돌아온 후에 발전한 풀 컬러 인쇄물의 출현으로 절정에 이르렀습니다.이 인기있는 컬러 인쇄물들은 그것들의 밝은 색이 일본어로 쇼코 [42]니시키라고 알려진 수입된 중국의 슈치앙 브로케이드와 닮은 것처럼 보였기 때문에 니시키에(nishiki-e) 또는 '브로케이드 사진'이라고 불리게 되었습니다.처음 등장한 것은 값비싼 달력 인쇄물로, 무겁고 불투명한 잉크를 가진 매우 미세한(또는 표준보다 미세한) 종이에 여러 블록으로 인쇄되었습니다.이 인쇄물들은 디자인에 매달 날짜가 숨겨져 있었고, 작가가 아닌 후원자의 이름이 새겨진 개인화된 인사로 새해에[f] 발송되었습니다.이 판화들의 판화들은 나중에 상업적인 제작을 위해 다시 사용되었고, 후원자의 이름을 지우고 그것을 [43]예술가의 이름으로 대체했습니다.

스즈키 하루노부(1725–1770)의 섬세하고 낭만적인 인쇄물은 다양한[45] 색상과 [46]반색을 처리할 수 있는 최대 12개의 분리된 블록으로 인쇄되어 표현적이고 복잡한 색상 [44]디자인을 실현한 최초의 것 중 하나였습니다.그의 절제되고 우아한 판화는 와카 시와 야마토에 그림의 고전주의를 연상시킵니다.다작하는 하루노부는 그 [47]시대의 지배적인 우키요에 화가였습니다.1765년부터 하루노부의 다채로운 니시키에의 성공은 손으로 색칠한 [45]판화뿐만 아니라 베니주리에와 우루시에의 한정된 팔레트에 대한 수요의 급격한 감소로 이어졌습니다.

1770년 하루노부의 죽음 이후 하루노부와 토리이 학파의 판화 관념론에 반대하는 경향이 확산되었습니다.가쓰카와 슌쇼 (1726–1793)와 그의 학교는 유행했던 [48]것보다 배우들의 실제 모습에 충실한 가부키 배우들의 초상화를 제작했습니다.때때로 공동 작업자였던 고려사이 (1735–1790)와 기타오 시게마사 [49](1739–1820)는 또한 현대의 도시 패션에 집중함으로써 하루노부의 이상주의 지배로부터 우키요에를 멀어지게 한 여성의 유명한 묘사자였습니다.고려사이는 아마도 18세기의 가장 다작한 우키요에 화가였을 것이고,[50] 이전의 어떤 화가들보다 더 많은 수의 그림과 인쇄 시리즈를 제작했습니다.시게마사가 설립한 기타오 학교는 18세기 [51]말 수십 년간 지배적인 학교 중 하나였습니다.

1770년대에 우타가와 도요하루는 이 [36]장르에서 자신의 전임자들을 따돌렸던 서양의 원근법을 잘 보여주는 여러 우키에 원근법[52] 판화를 제작했습니다.도요하루의 작품은 단순히 인물의 [53]배경이 아닌 우키요에 소재로서 풍경을 개척하는 데 도움이 되었습니다.19세기에 서양식 원근법은 일본의 예술문화에 흡수되어 호쿠사이와 히로시게와 [54]같은 예술가들의 세련된 풍경에 배치되었는데, 후자는 도요하루가 설립한 우타가와 학파의 일원입니다.이 학교는 가장 [55]영향력 있는 학교 중 하나가 될 예정이었고, 다른 어떤 [56]학교보다 훨씬 더 다양한 장르의 작품을 만들었습니다.

  • 얼리컬러 우키요에
  • Two Lovers Beneath an Umbrella in the Snow Harunobu, c. 1767
    눈 속 우산 아래 두 연인
    하루노부
  • Arashi Otohachi as Ippon Saemon Shunshō, 1768
    이폰 사에몬 역의 오토하치 아라시
    슌쇼 7년 (1768년)
  • Hinazuru of the Chōjiya Koryūsai, c. 1778–80
    히나즈루
    1778년 ~ 1780년
  • Geisha and a servant carrying her shamisen box Shigemasa, 1777
    게이샤와 그녀를 업은 하인샤미센상자를
    시게마사
  • Perspective Pictures of Places in Japan: Sanjūsangen-dō in Kyoto Toyoharu, c. 1772–1781
    일본의 장소 투시도: 교토의 산주산겐도
    도요하루 (1772년 ~ 1781년)

절정기(18세기 후반)

A colour print of a close-up of the head and upper torso of a finely dressed Japanese woman. Behind her is a bamboo screen on which is depicted a similar woman's head and upper torso.
대나무를 든 두 미녀
우타마로

18세기 후반에 경제적으로 어려운 [57]시기를 보낸 반면, 우키요에는 특히 간세이 시대(1789-1791)[58]에 작품의 양과 질이 최고조에 달했습니다.간세이 개혁 시대의 우키요에는 1868년 [58]메이지 유신을 계기로 개혁이 결렬되고 긴장이 고조되면서 다음 세기에 퇴폐와 부조화로 무너진 아름다움과[51] 조화에 초점을 맞췄습니다.

특히 1780년대, 토리이[58] 학파의 토리이 키요나가(1752–[51]1815)는 아름다움과 도시 풍경과 같은 전통적인 우키요에 주제들을 묘사했는데, 그는 종종 멀티프린트 가로 두폭화 또는 세폭화로 큰 종이에 인쇄했습니다.그의 작품들은 하루노부가 만든 시적인 꿈의 풍경들을 제공하지 않았고, 대신에 최신의 패션을 입고 경치가 좋은 [59]장소에서 포즈를 취하는 이상적인 여성 형태들의 사실적인 묘사들을 선택했습니다.그는 또한 음악가들과 [60]합창을 포함한 사실적인 스타일의 가부키 배우들의 초상화를 만들었습니다.

1790년에 법이 시행되었는데, 인쇄물에는 검인이 있어야 판매가 가능합니다.이후 수십 년간 검열의 엄격성이 높아졌고, 이를 위반하는 사람들은 가혹한 처벌을 받을 수 있었습니다.1799년부터 예비 초안조차도 [61]승인이 필요했습니다.1801년 도요쿠니를 비롯한 우타가와 학파 범죄자들이 작품을 탄압했고, 1804년 우타마로는 16세기 정치·군사 지도자 도요토미 [62]히데요시를 판화한 혐의로 투옥됐습니다.

우타마로 c.(1753–1806)는 1790년대에 머리와 상반신에 초점을 맞춘 비지노쿠비에 (아름다운 여자들의 큰 머리 그림) 초상화로 이름을 날렸는데, 이것은 다른 사람들이 이전에 가부키 [63]배우들의 초상화에서 사용했던 방식입니다.Utamaro는 매우 다양한 계층과 배경에서 피실험자의 특징, 표현, 배경에 미묘한 차이를 끌어내기 위해 선, 색상, 인쇄 기술을 실험했습니다.우타마로의 개성적인 아름다움은 전형적이고 이상화된 이미지와 극명한 대조를 이룹니다.[64]10년 말, 특히 그의 후원자인 쓰타야 주자부로가 1797년에 사망한 후, 우타마로의 엄청난 생산량은 [65]질적으로 떨어졌고,[66] 그는 1806년에 사망했습니다.

1794년에 갑자기 나타났다가 10개월 후에 갑자기 사라진 수수께끼의 샤라쿠의 판화는 우키요에의 가장 잘 알려진 작품 중 하나입니다.샤라쿠는 인상적인 가부키 배우들의 초상화를 제작했고, 배우와 묘사된 캐릭터 [67]사이의 차이를 강조하는 그의 판화에 더 높은 수준의 사실성을 도입했습니다.그가 묘사한 표정적이고 일그러진 얼굴들은 하루노부나 [46]우타마로와 같은 예술가들에게 더 흔한 고요하고 가면 같은 얼굴들과 극명한 대조를 이룹니다.쓰타야에 [66]의해 출판된 샤라쿠의 작품은 저항을 발견했고, 1795년에 그의 작품은 나타난 것처럼 신비롭게 중단되었습니다; 그의 진짜 정체는 [68]아직 알려지지 않았습니다.우타가와 도요쿠니(Utagawa Toyokuni, 1769–1825)[67]는 극적인 자세를 강조하고 샤라쿠의 현실성을 피하여 에도 마을 사람들이 접근하기 쉬운 스타일로 가부키 초상화를 만들었습니다.

지속적으로 높은 수준의 품질은 18세기 후반의 우키요에를 표시하지만, 우타마로와 샤라쿠의 작품은 종종 그 [66]시대의 다른 거장들을 무색하게 합니다.키요나가의 [58]추종자 중 한 명인 에이시 (1756년–1829년)는 우키요에 디자인을 맡기 위해 쇼군 도쿠가와 이에하루의 화가 자리를 버렸습니다.그는 우아하고 호리호리한 기녀들의 초상화에 세련된 감각을 가져왔고, 많은 유명한 [66]학생들을 남겼습니다.정교한 선으로 섬세한 기녀들의 초상화를 그려낸 에이쇼사이 fl.초키 (1786–1808).우타가와 학파는 에도 [69]시대 후기에 우키요에 산출물을 지배하게 되었습니다.

에도는 에도 시대 동안 우키요에 생산의 중심지였습니다.또 다른 주요 중심지는 교토와 오사카 주변의 가미가타 지역에서 발달했습니다.에도 인쇄물의 소재의 범위와 대조적으로 가미가타의 소재는 가부키 배우의 초상화인 경향이 있었습니다.가미가타 판화의 양식은 18세기 후반까지 에도의 판화와 거의 구별되지 않았는데, 부분적으로는 예술가들이 두 [70]지역을 자주 오갔기 때문입니다.색상은 [71]에도보다 가미가타 판화에서 더 부드럽고 색소가 더 짙게 나타나는 경향이 있습니다.19세기에는 가부키 팬들과 다른 [72]아마추어들이 많은 판화를 디자인했습니다.

  • 절정기의 명인들
  • Cooling on Riverside Kiyonaga, c. 1785
    강가의 냉방
    키요나가
  • Three Beauties of the Present Day Utamaro, c. 1793
    현대의 세 미녀
    우타마로
  • Ichikawa Ebizo as Takemura Sadanoshin Sharaku, 1794
    타케무라 사다노신 역의 이치카와 에비조
    샤라쿠
  • Onoe Eisaburo I Toyokuni, c. 1800
    오노에 에이사부로 1세
    도요쿠니, 1800
  • Niwaka Festival in the Licensed Quarters Chōki, c. 1800
    허가구역 니와카 축제
    초키, 1800

늦은 개화: 식물, 동물, 풍경 (19세기)

A colour illustration of a violent wave
1831년 가나가와 앞바다 호쿠사이의 대파도

1841년부터 1843년까지의 덴포 개혁은 기녀와 배우들의 묘사를 포함한 사치품의 겉으로 드러나는 것을 억제하고자 했습니다.그 결과, 많은 우키요에 예술가들이 여행 장면과 자연, 특히 새와 [73]꽃의 사진을 디자인했습니다.풍경화는 모로노부 이래로 제한된 관심을 받았고, 그것들은 키요나가와 춘초의 작품에서 중요한 요소를 형성했습니다.에도 시대 후기에 이르러서야 풍경화가 하나의 장르로, 특히 호쿠사이와 히로시게의 작품을 통해 독자적으로 자리 잡게 되었습니다. 비록 우키요에는 이들 후기 [74]거장들에 앞서 오랜 역사를 가지고 있지만, 풍경화 장르는 우키요에 대한 서양인들의 인식을 지배하게 되었습니다.일본의 풍경은 엄격한 [75]자연 관찰보다는 상상력, 구도, 분위기에 더 많이 의존했다는 점에서 서양의 전통과 차이가 있었습니다.

이와토 카구라 춤 아마테라스의 기원, 구니사다의 트립티치, 1856년, 천상의 바위 동굴에서 나온 신토 태양 여신 아마테라스가 햇빛을 세상에 되돌려 놓는 모습을 묘사하고 있습니다.

자칭 "미친 화가" 호쿠사이 (1760–1849)는 길고 다양한 경력을 즐겼습니다.그의 작품은 우키요에 공통된 감성의 결여와 서양 미술의 영향을 받은 형식주의에 초점을 맞춘 것이 특징입니다.그의 업적 중에는 타키자와 바킨의 소설 초승달 [자]의 삽화, 스케치북 시리즈, 호쿠사이 만화, 그리고 일본 [78]예술의 가장 유명한 작품 중 하나인 그의 가장 잘 알려진 작품인 [77]가나가와 앞바다의 대파도를 포함한 [76]후지산 36경으로 풍경 장르를 대중화한 것이 있습니다.옛 거장들의 작품과 대조적으로 호쿠사이의 색채는 대담하고 평면적이며 추상적이었으며, 그의 주제는 유흥가가 아니라 서민들의 [79]직장생활과 환경이었습니다.기존의 거장들인 에이젠, 쿠니요시, 쿠니사다도 1830년대에 호쿠사이의 풍경화로 발을 들여놓았고, 대담한 구도와 [80]놀라운 효과를 지닌 판화를 제작했습니다.

자주 유명한 조상들의 관심을 받지는 못했지만, 우타가와 학파는 이 쇠퇴기에 몇 명의 석사들을 배출했습니다.다작을 한 쿠니사다 (1786–1865)는 기녀와 [81]배우들의 초상화를 만드는 전통에서 적수가 적었습니다.그런 라이벌들 중 한 명은 [82]풍경화에도 능숙했던 아이젠 (1790–1848)이었습니다.아마도 이 후기의 마지막 중요한 구성원이었던 쿠니요시(1797–1861)는 호쿠사이가 그랬던 것처럼 다양한 주제와 스타일을 시도했습니다.그의 격렬한 전투에서의 전사들의 역사적인 장면은, 특히 [83]수코덴(1827–1830)과 추신구라(1847)[84]의 영웅 시리즈는 인기가 있었습니다.그는 풍경과 풍자적인 장면에 능했는데 후자는 에도 시대의 독재적인 분위기에서 거의 탐구되지 않은 분야였습니다. 구니요시아가 감히 그런 주제에 도전할 수 있었던 것은 당시 [83]막부가 약화되고 있다는 신호였습니다.

히로시게(1797–1858)는 호쿠사이의 가장 큰 라이벌로 여겨집니다.그는 새와 꽃, 그리고 고요한 풍경의 사진을 전문으로 했고, 도카이도 53역과 [85]키소카이도 69역과 같은 여행 시리즈로 가장 잘 알려져 있는데, 후자는 [82]아이젠과 협력한 노력입니다.그의 작품은 호쿠사이의 작품들보다 더 현실적이고, 은은하게 채색되었고, 분위기가 있었습니다; 자연과 계절들은 주요한 요소들이었습니다: 안개, 비, 눈, 그리고 달빛이 그의 [86]작품들에서 두드러진 부분들이었습니다.양자인 2세 히로시게와 사위인 3세 히로시게를 포함한 히로시게의 추종자들은 메이지 [87]시대까지 그들의 주인의 풍경 스타일을 이어갔습니다.

쇠퇴 (19세기 후반)

1868년의 메이지 유신과 호쿠사이의[88] 죽음 이후, 우키요에는 양과 [89]질에서 급격한 쇠퇴를 겪었습니다.메이지 시대의 급속한 서구화는 목판 인쇄의 서비스를 저널리즘으로 바꾸고, 사진과 경쟁에 직면하게 했습니다.순수한 우키요에를 실천하는 사람들은 점점 드물어졌고, 취향은 [88]낡은 시대의 잔재로 보이는 장르를 외면했습니다.예술가들은 가끔 눈에 띄는 작품들을 계속해서 제작했지만, 1890년대에 이르러 그 전통은 [90]빈사상태에 빠졌습니다.

독일로부터 수입된 합성 색소는 19세기 중반부터 전통적인 유기 색소를 대체하기 시작했습니다.이 시대의 많은 판화들은 밝은 빨간색을 많이 사용했고, aka-e ('붉은 그림')[91]이라고 불렸습니다.요시토시 (1839–1892)와 같은 예술가들은 1860년대 살인과 귀신,[92] 괴물과 초자연적인 존재, 전설적인 일본과 중국의 영웅들의 소름 끼치는 장면들의 유행을 이끌었습니다.그의 달의 백 가지 측면 (1885–1892)은 달을 [93]모티브로 하여 환상적이고 일상적인 다양한 주제들을 묘사합니다.기요치카(1847–1915)는 철도의 도입과 같은 도쿄의 급속한 근대화를 기록한 판화와 일본의 중국, [92]러시아와의 전쟁에 대한 묘사로 유명합니다.일찍이 가노파의 화가였던 치카노부(1838-1912)는 1870년대에 특히 황실과 메이지 [94]시대의 일본 생활에 서양의 영향을 미친 장면들의 판화로 변신했습니다.

서구개론

에도 시대 [95]초까지 무역 관계를 맺고 있던 네덜란드 상인들을 제외하고, 서양인들은 19세기 중반 이전에는 일본 미술에 거의 관심을 두지 않았고, 그렇게 했을 때는 [95]동양의 다른 미술과 거의 구분하지 않았습니다.스웨덴의 박물학자 칼 피터 툰베리는 나가사키 근처의 네덜란드 무역 정착지 데지마에서 1년을 보냈고 일본 판화를 수집한 초기 서양인 중 한 명이었습니다.우키요에의 수출은 그 후 서서히 성장했고, 19세기 초에 네덜란드 상인 상인 아이작 티칭의 컬렉션은 파리의 예술 [96]감식가들의 관심을 끌었습니다.

Black-and-white photo of a traditional-style Japanese building
1867년 파리에서 열린 국제전시회 일본 사쓰마 전각.

1853년 미국 제독 매튜 페리의 에도 도착은 1854년 가나가와 협약으로 이어졌고, 이 협약은 2세기가 넘는 은둔 생활 끝에 일본을 외부 세계에 개방했습니다.우키요에 인쇄물은 그가 [97]미국으로 가져온 물건들 중 하나였습니다.그러한 판화들은 적어도 1830년대부터 파리에서 나타났고, 1850년대까지 [98]수가 많았습니다. 반응은 엇갈렸고, 우키요에를 칭찬할 때조차도 일반적으로 자연주의적 관점과 [99]해부학의 숙달을 강조한 서양 작품들보다 열등하다고 여겨졌습니다.일본 미술은 1867년 [95]파리에서 열린 국제 전시회에서 주목을 받았고, 1870년대와 [95]1880년대에 프랑스와 영국에서 유행했습니다.호쿠사이와 히로시게의 판화는 일본 [100]미술에 대한 서양인들의 인식을 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다.서양에 소개될 당시 일본에서는 목판 인쇄가 가장 일반적인 대중매체였고, 일본인들은 그것을 지속적인 [101]가치가 거의 없다고 여겼습니다.

초기 유럽의 우키요에와 일본 미술의 지지자이자 학자들은 작가 에드몽 드 공쿠르와 일본 미술 [103][g]평론가 필립 버티를 [102]포함하고 있는데, 이들은 일본주의라는 용어를 만들었습니다.1862년에는 에두아르 데소예, [104]1875년에는 미술상 지그프리드 빙 등 일본 상품을 판매하는 상점들이 문을 열었습니다.1888년부터 1891년까지 빙은 영어, 프랑스어, 독일어 [106]판으로 잡지 Artistic[105] Japan을 출판했고, 1890년 에콜 데 보자르에서 메리 [107]카사트와 같은 예술가들이 참석한 우키요에 전시회를 큐레이션했습니다.

Cover of book of sheet music depicting a stylized wave
시각 예술뿐만 아니라 음악도 서양의 우키요에에서 영감을 얻었습니다: 드뷔시의 라머 (1905)의 관현악 악보 표지입니다.

미국인 어니스트 페놀로사(Ernest Fenollosa)는 일본 문화의 최초의 서양인 신자였으며, 일본 예술을 장려하는 데 많은 기여를 했습니다.호쿠사이의 작품들은 보스턴에 있는 일본 미술관의 첫 큐레이터로서 그의 첫 번째 전시회에서 눈에 띄었고, 1898년 도쿄에서 그는 [108]일본에서 첫 번째 우키요에 전시회를 큐레이터했습니다.19세기 말까지 서양에서 우키요에의 인기는 대부분의 수집가들의 수단을 넘어 가격을 끌어올렸습니다. 드가와 같은 몇몇 사람들은 자신들의 그림을 그런 판화와 교환했습니다.하야시 다다마사는 파리에 기반을 둔 존경 받는 취향의 유명한 상인이었는데, 그의 도쿄 사무소는 대량의 우키요에 인쇄물을 평가하고 서양에 수출하는 일을 담당했기 때문에 일본 비평가들은 후에 그가 일본의 [109]국보를 빼돌렸다고 비난했습니다.일본 화가들이 [110]서양의 고전 회화 기법에 몰두하고 있었기 때문에, 그 배수구는 일본에서 처음으로 눈에 띄지 않았습니다.

일본 미술, 특히 우키요에 판화는 인상주의 [111]초기부터 서양 미술에 영향을 주었습니다.초기의 화가이자 수집가들은 일찍이 1860년대에 [98]일본의 주제와 구성 기술을 그들의 작품에 포함시켰습니다. 마네의 그림에 있는 무늬가 있는 벽지와 양탄자는 우키요에 그림에서 발견되는 무늬가 있는 기모노에서 영감을 받았고, 휘슬러는 우키요에 [112]풍경에서와 같이 덧없는 자연의 요소에 그의 관심을 집중했습니다.반 고흐는 열성적인 수집가였고 히로시게와 [113]아이젠의 판화로 복제품을 그렸습니다.드가와 카사트는 일본의 영향을 받은 작품과 시각 [114]속에서 순식간에, 일상적인 순간들을 묘사했습니다.우키요에의 평면 원근법과 변조되지 않은 색상은 그래픽 디자이너와 포스터 [115]제작자들에게 특히 큰 영향을 주었습니다.툴루즈-로트렉의 석판화들은 우키요에의 납작한 색과 윤곽이 있는 형태뿐만 아니라, 그 주제인 공연자와 [116]매춘부들에 대해서도 그의 관심을 보여주었습니다.그는 이 작품의 많은 부분에 일본 [116]판화의 도장을 모방하여 자신의 이니셜을 원 모양으로 새겼습니다.우키요에의 영향을 받은 당시의 다른 예술가들로는 모네,[111] 라 파르게,[117] 고갱,[118] 그리고[119] 보나르와 [120]뷔야르와 같은 레 나비스 멤버들이 있습니다.프랑스 작곡가 클로드 드뷔시는 호쿠사이와 히로시게의 판화에서 그의 음악에 영감을 얻었는데, 이는 라메르(1905)[121]에서 가장 두드러졌습니다.에이미 로웰과 에즈라 파운드와 같은 이미지주의 시인들은 우키요에 판화에서 영감을 발견했습니다; 로웰은 동양적인 주제 또는 [122]동양적인 스타일에 대한 "떠다니는 세계의 그림들"이라는 시집을 출판했습니다.

후손 전통 (20세기)

Monochromatic print of a man in a heavy coat standing, looking away from the viewer at the ocean
어부
야마모토 카나에, 1904년

여행 스케치북은 메이지 정부가 시민들이 그들의 [123]나라를 더 잘 알도록 하기 위해 일본 내 여행을 장려하면서 1905년부터 인기 있는 장르가 되었습니다.1915년에 출판사 와타나베 쇼자부로는 외국인과 고급 [124]일본인을 대상으로 일본의 전통적인 소재를 특징으로 하는 인쇄물 스타일을 묘사하기 위해 "새로운 인쇄물"이라는 용어를 도입했습니다.유명한 예술가들은 여성을 묘사하는 방식으로 "다이쇼 시대의 우타마로"라고 불리는 하시구치 고요, [125]여성의 이미지에 더 현대적인 감성을 가져온 이토 신스이, 그리고 현대적인 [126]풍경을 만든 카와세 하스이를 포함했습니다.와타나베는 또한 외국인 예술가들의 작품들을 출판했는데, 1916년에 영국의 찰스 W. 바틀렛 (1860–1940)에 의해 인도와 일본을 주제로 한 판화 세트가 초기 성공을 거두었습니다.다른 출판사들도 와타나베의 성공을 따랐고, 고요나 요시다 히로시와 같은 일부 신한가 예술가들은 자신들의 [127]작품을 출판하기 위해 스튜디오를 설립했습니다.

소사쿠항가('창작판화') 운동의 예술가들은 디자인, 조각, 인쇄 등 인쇄 과정의 모든 면을 한 [124]손으로 장악했습니다.이 방법은 당시 도쿄 미술학교 학생이었던 야마모토 카나에(山本 yam, 1882~1946)가 탄생한 것으로 알려져 있습니다.1904년, 그는 목판 인쇄술로 어부를 제작했는데, 이 기술은 일본 미술계에서 구식이고 상업적인 대량 [128]생산과 연관되어 있다고 비판을 받았습니다.이는 1918년 일본목화가협회의 창립을 [129]계기로 시작된 운동입니다.이 운동은 예술가들의 개성을 선호했고, 따라서 지배적인 주제나 [130]스타일이 없었습니다.작품들은 온치 고시로(1891-1955)의 완전히 추상적인 것에서부터 히라츠카 운이치([129]1895-1997)의 일본 장면의 전통적인 형상화까지 다양했습니다.이 예술가들은 대중에게 다가가기를 원해서가 아니라, 그 자체로 창조적인 목적으로 판화를 제작했고, 그들의 판화 매체를 전통적인 [131]우키요에 목판에 제한하지 않았습니다.

20세기 후반과 21세기의 판화는 이전의 운동, 특히 소사쿠 항가 운동의 개인적인 표현에 대한 관심으로부터 발전해 왔습니다.인쇄업자들의 [132]전통적인 목재 절단 기술에는 스크린 인쇄, 에칭, 메조틴트, 혼합 매체 등 서양의 방법들이 포함되어 있습니다.

스타일.

중국의 그림 해설서인 지위안 화주안(겨자씨 정원 해설서)은 많은 일본 화가들에 의해 사용되게 되었고, 화가들의 훈련과 에도 시대 그림의 발전에 주요한 요소가 되었습니다.
Colour print of a Japanese woman's face. The colours are bold and flat, and the contours are outlined in black.
밤에 신사를 참배하는 여인, 하루노부, 17세기굵고 평평한 선은 평평한 색상의 영역을 정의하고 포함합니다.

초기의 우키요에 화가들은 중국 고전 회화의 구성 원리에 대한 정교한 지식과 훈련을 가지고 왔습니다; 이 화가들은 점차 중국의 영향을 벗어나 일본 고유의 성어를 발전시켰습니다.초기 우키요에 예술가들은 인쇄 매체가 수세기에 걸친 기술을 적용한 새로운 도전이라는 점에서 "Primitives"라고 불렸습니다. 그들의 이미지 디자인은 [133]"Primitives"로 간주되지 않습니다.많은 우키요에 예술가들은 카노와 다른 화가 [134]학교의 선생님들로부터 훈련을 받았습니다.

대부분의 우키요-e 프린트의 특징은 잘 정의되고 굵고 평평한 [135]선입니다.초기의 인쇄물은 단색이었고, 이 선들이 유일한 인쇄물 요소였습니다. 색상이 등장했음에도 불구하고 이 특징적인 선들은 [136]계속해서 지배적이었습니다.우키요에(ukiyo-e) 구도 형태들은 전형적으로 단일 깊이 평면에 도형들이 있는 평평한[137] 공간들에 배열됩니다.수직적, 수평적 관계와 [138]선, 형태, 무늬 등 세부적인 부분에 관심이 쏠렸습니다.작곡은 종종 비대칭적이었고, 관점은 종종 위에서 보는 것과 같은 특이한 각도였습니다.이미지의 요소들은 자주 잘라져서 구성에 즉흥적인 [139]느낌을 주었습니다.컬러 인쇄에서는 대부분의 컬러 영역의 윤곽이 선명하게 정의되며,[140] 대개 라인워크에 의해 결정됩니다.평면적인[137] 색채의 심미성은 서양 전통에서 기대되는 변조된 색채와 대조되며, 젠가 붓 그림의 은은한 단색 잉크 붓 놀림이나 가노 [140]화파의 음색과 같은 상류층이 후원하는 일본 미술의 다른 중요한 현대 전통과 대조됩니다.

Photo of a tea bowl, dark-coloured, humble, and asymmetric
16세기 찻사발에 담긴 와비사비의 미학

우키요에의 화려하고 과시적이며 복잡한 패턴, 변화하는 패션에 대한 관심, 긴장되고 역동적인 포즈와 구성은 전통적인 일본 미학의 많은 개념과 현저한 대조를 이룹니다.이들 중 두드러진 와비사비는 [141]시간의 흐름을 보여주는 증거와 함께 단순함, 비대칭, 불완전함을 선호하며, 시부이는 섬세함, 겸손, [142]절제를 중시합니다.우키요에는 아이키의 [143]세련미, 세련된 스타일과 같은 미학적 개념과 덜 충돌할 수 있습니다.

우키요에는 그래픽 원근법에 대한 특이한 접근법을 보여주는데, 같은 시기의 유럽의 그림들과 비교했을 때 낙후된 것으로 보일 수 있습니다.서양식 기하학적 관점은 1770년대의 아키타랑가 화가들에 의해 가장 두드러지게 실행된 일본에서 알려졌고, 평행선의 동질성을 사용하여 깊이감을 만드는 중국의 방법들과 마찬가지였습니다.이 기법들은 때때로 우키요에 작품에 함께 등장했는데, 기하학적 관점은 배경의 깊이에 대한 환상을 제공하고,[144] 전면의 중국적 관점은 더 표현적입니다.이 기법들은 처음에는 서양 [145]작품들로부터 직접적으로 배운 것이라기보다는 중국의 서양화를 통해서 배운 것일 가능성이 높습니다.이 기법들에 익숙해진 지 오래, 예술가들은 그들의 구성적이고 표현적인 [146]필요에 따라 전통적인 기법들과 조화를 이루어왔습니다.깊이를 나타내는 다른 방법으로는 불교 그림에서 사용되는 중국의 삼자 구도법이 있는데, 큰 형태는 전경에, 작은 형태는 중앙에, 작은 형태는 배경에 놓인다; 이것은 호쿠사이의 대파도에서 볼 수 있는데, 큰 배는 전경에, 작은 배는 뒤에 두고,그들 [147]뒤에 작은 후지산이 있습니다.

미술사가 와카쿠라 미도리[자]가 "세르펜틴 자세"[h]라고 부르는 것은 우키요에 초기부터 미인의 자세를 취하는 경향이 있었는데, 이는 피험자들의 몸이 뒤를 향하면서 부자연스럽게 뒤틀리는 것을 포함합니다.미술사가 고노 모토아키는 이것이 전통적인 부요춤에 뿌리를 두고 있다고 주장했습니다. 스와 하루오는 이 포즈들이 우키요에 예술가들이 취한 예술적 라이선스라고 반박했고, 겉보기에는 편안한 포즈가 부자연스럽거나 불가능한 신체적 극단에 도달하게 만들었습니다.이는 사실적인 원근법이 [148]구성의 다른 부분에 적용될 때에도 그대로 유지되었습니다.

테마 및 장르

대표적인 소재는 여성 미인(비진가), 가부키 배우(야쿠샤에), 풍경이었습니다.묘사된 여성들은 주로 여가를 즐기는 궁인들과 게이샤들이었고,[149] 유흥가에서 오락을 찾을 수 있도록 홍보했습니다.예술가들이 궁인들의 패션과 헤어스타일을 묘사한 세부사항은 인쇄물의 연대를 어느 정도 신뢰할 수 있게 해줍니다.여성들의 신체적 특징에 대한 정확성에 대한 관심은 줄어들었고, 이는 그 날의 화보 패션을 뒤따랐습니다. 정형화된 얼굴, 한 세대에서는 키가 크고 날씬한 몸매, [150]다른 세대에서는 작은 체형이었습니다.유명인들의 초상화는 그 [151]시대의 가장 인기 있는 오락물 중의 하나인 가부키와 스모 세계에서 특히 수요가 많았습니다.풍경은 많은 서양인들에게 우키요에를 정의하게 되었지만, 우키요에의 [74]역사에서 풍경은 비교적 늦게 번성했습니다.

Colour print of two finely dressed Japanese women by a heater. The wallpaper and other items are extensively embossed.
미인들의 초상화는 우키요에의 주종이었습니다.이 브로케이드 인쇄물의 벽지와 기타 물품들은 광범위하게 양각되어 있습니다.
누리호크의 저녁눈, 하루노부, 1766년

우키요에 판화는 책 삽화에서 비롯되었는데, 모로노부의 초기 한 장짜리 판화는 원래 그가 [12]삽화를 그린 책에서 나온 것들이었습니다.일러스트레이션의 E-hon 책은 인기가 있었고[152] 우키요에 예술가들에게 계속해서 중요한 배출구가 되었습니다.후기에 호쿠사이는 3권으로 된 후지산의 백경과 15권으로 된 호쿠사이 만화를 제작했는데, 후자는 다양한 사실적이고 환상적인 주제의 [153]4,000개 이상의 스케치로 구성된 개요서입니다.

전통적인 일본 종교는 대부분의 아브라함 [154]신앙의 의미에서 섹스나 포르노를 도덕적 타락으로 보지 않으며, 메이지 시대의 도덕 변화가 그것을 억압하기 전까지는 슌가 에로틱 판화가 주요 [155]장르였습니다.도쿠가와 정권이 일본에 엄격한 검열법을 적용받았지만, 포르노는 중요한 범죄로 여겨지지 않았고 일반적으로 검열관들의 [62]승인을 받았습니다.이 판화들 중 많은 것들은 침실 장면, 관음기, 그리고 [156]거대한 해부학에 대한 그들의 명백한 묘사들에서 높은 수준의 그림 솜씨와 종종 유머를 보여주었습니다.궁인들의 묘사와 마찬가지로,[157] 이 이미지들은 유흥가의 오락과 밀접하게 연관되어 있었습니다.거의 모든 우키요에 장인들이 어느 시점에서 [158]슌가를 만들었습니다.티몬 스크리치는 슌가에 대한 사회적 수용에 대한 기록은 없지만, 슌가에 대한 사회적 수용성에 대한 기록은 거의 확실히 일부 우려가 있었고, 그 수용성의 수준이 [157]후대 수집가들, 특히 서구에서 과장되었다고 주장합니다.

자연의 풍경은 역사를 통틀어 아시아 예술의 중요한 부분이었습니다.비록 인간 해부학의 묘사가 현대까지 더 공상적으로 남아있었지만, 예술가들은 식물과 동물의 정확한 형태와 해부학을 면밀히 연구해왔습니다.우키요에 자연 판화는 가초에라고 불리는데, 이는 "꽃과 새 그림"으로 번역되지만, 장르는 꽃이나 새 이상으로 개방되어 있었고, 꽃과 새가 반드시 [73]함께 등장하지는 않았습니다.호쿠사이의 세밀하고 정확한 자연 판화는 가초에를 하나의 [159]장르로 정립시킨 것으로 평가받고 있습니다.

1840년대의 덴포 개혁은 배우와 기녀의 묘사를 억압했습니다.풍경과 가초에를 제외하고, 예술가들은 고대의 전사들이나 전설, 문학, 종교의 장면과 같은 역사적인 장면들의 묘사에 관심을 기울였습니다.11세기 겐지[160] 이야기와 13세기 헤이케[161] 이야기는 우키요에를 [160]포함한 일본 [160]역사 전반에 걸쳐 예술적 영감을 주고 있습니다.미야모토 무사시 (1584–1645)와 같은 유명한 무사와 검객들이 자주 소재였고, 일본과 중국 [162]신화의 괴물, 초자연적인 인물, 영웅들에 대한 묘사도 그러했습니다.

17세기부터 19세기까지 일본은 세계의 나머지 국가들로부터 스스로를 고립시켰습니다.주로 네덜란드와 중국과의 무역은 나가사키 근처 데지마 섬으로 제한되었습니다.나가사키에라고 불리는 이국적인 사진들이 외국인 관광객들과 [97]그들의 상품들에게 팔렸습니다.19세기 중엽, 요코하마는 1859년 이후 주요 외국인 정착지가 되었고,[163] 이로부터 일본에서 서양의 지식이 확산되었습니다.특히 1858년부터 1862년까지 요코하마-e 인쇄물은 다양한 수준의 사실과 환상으로 일본인들과 [164]접촉하고 있는 세계 거주민들의 증가하는 공동체를 기록하고 있습니다. 서양인들과 그들의 기술을 담은 세 폭의 그림들은 특히 [165]인기가 있었습니다.

전문화된 인쇄물에는 감식가를 겨냥한 수리모노, 고급, 한정판 인쇄물이 포함되었는데, 그 중 다섯 줄로 된 교카시는 [166]보통 디자인의 일부였습니다.[12] 그리고 종종 취급되어 어려움을 겪는 우치와에 인쇄된 손 부채.

생산.

그림

주요 기사:니쿠히츠가

우키요에 예술가들은 종종 판화와 그림 둘 다를 만들었습니다. 어떤 예술가들은 이런 저런 [167]것들을 전문적으로 만들었습니다.이전의 전통과는 달리, 우키요에 화가들은 밝고 선명한 [168]색을 선호했고,[169] 종종 판화의 선작업과 비슷한 효과인 수미잉크로 윤곽을 묘사했습니다.인쇄술의 기술적 한계에 구애받지 않고,[170] 화가는 더 넓은 범위의 기술, 안료, 표면을 이용할 수 있었습니다.화가들은 홍화, 간 껍질, 납,[171] 신나바와 같은 광물이나 유기 물질로 만들어진 색소와 나중에 파리 그린과 프러시안 [172]블루와 같은 서양에서 수입된 합성 염료로 그림을 그렸습니다.가장 일반적인 표면은 비단이나 종이 카케모노 [167]걸이, 마키모노 걸이, 혹은 부병풍이었습니다.

인쇄물제작

주요 기사:일본의 목판화
Carved woodblock for printing
인쇄용 키블럭, 우타가와 요시이쿠, 1862

우키요에 판화는 여러 [173]공방에서 장인들의 팀이 만든 작품이었습니다. 디자이너들이 직접 [174]목판을 자르는 것은 드문 일이었습니다.노동은 판화를 의뢰하고 홍보하고 배포하는 출판사, 디자인 이미지를 제공하는 예술가, 인쇄를 위해 목판을 준비하는 목각공, 그리고 [175]종이에 목판을 인상을 남기는 인쇄공 등 네 개의 그룹으로 나뉘었습니다.보통 완성된 [176]인쇄물에는 작가와 출판사의 이름만 표기됩니다.

우키요에 판화는 [178]서양에서처럼 기계적인 프레스에 의해서가 아니라 수작업으로 종이에[177] 감명을 받았습니다.작가는 얇은 종이 위에 잉크 드로잉을 제공했는데, 그것은 체리[i] 나무 블록에 붙여서[179] 종이의 상층을 떼어낼 수 있을 때까지 기름으로 문질러서 블록 절단기가 가이드로 사용할 수 있는 반투명한 종이 층을 남겼습니다.블록커터는 이미지의 검은색이 아닌 부분을 잘라내어 잉크가 묻은 인상 [173]부분을 남겼습니다.그 [179]과정에서 원래의 도면이 파괴되었습니다.

블록을 위로 향하게 하여 인쇄물을 만들어 프린터의 압력을 다양하게 하여 다양한 효과를 낼 수 있도록 하였으며 종이가 수성 수지 [178]잉크를 흡수하는 것을 보고 심지어 수평 [182]스트로크에서도 빠르게 도포할 수 있었습니다.프린터의 기술 중에는 옷 패턴이나 어망의 [183]질감과 같은 효과를 얻기 위해 잉크를 바르지 않은 목판을 종이 위에 눌러 이미지를 엠보싱하는 것이 있었습니다.다른 효과로는 문으로 종이를 문지르면서 [185]색을 밝게 하는 것, 니스를 칠하는 것, 덧칠하는 것, 금속이나 운모로 먼지를 털고 내리는 [184]눈을 모방하는 것 등이 있습니다[184].

우키요에 인쇄물은 상업적인 예술 형태였고, 출판사는 중요한 [186]역할을 했습니다.출판은 경쟁이 치열했습니다. 그 기간 동안 천 명이 넘는 출판사가 알려져 있습니다.그 숫자는 1840년대와 1850년대에[187] 250명 정도로 정점을 찍었고, 에도에서만[188] 200명이 되었고, 일본의 개방 이후에 서서히 줄어들어서 20세기가 시작될 때까지 40명 정도가 남아있었습니다.출판사들은 목판과 판권을 소유했고, 18세기 후반부터 그림책과 인쇄 출판사 [j][189][189]길드를 통해 판권을[187] 시행했습니다.출판사가 작가나 목판 커터에게 더 이상 지불하지 않고 목판을 재사용할 수 있었기 때문에 여러 번의 프레스 작업을 거친 판화는 특히 수익성이 뛰어났습니다.목판은 또한 다른 출판업자나 [190]전당포에 거래되거나 팔렸습니다.출판업자들도 대개는 상인이었고,[189] 가게에서 서로의 상품을 파는 경우가 많았습니다.작가의 직인 외에도 출판사들은 자신들의 직인으로 인쇄물을 표시했습니다. 어떤 것은 단순한 로고이고, 어떤 것들은 주소나 기타 [191]정보를 포함하여 상당히 정교합니다.

A publisher's seal in the shape of a flower within a stylized mountain
1790년대 우타마로와 샤라쿠를 출판한 쓰타야 주자부로의 발행인 직인

인쇄 디자이너들은 자신의 [192]이름으로 서명할 수 있는 자신의 인쇄물을 제작할 수 있는 권리를 부여받기 전에 견습 기간을 거쳤습니다.젊은 디자이너들은 목판을 자르는 비용의 일부 또는 전부를 부담할 것으로 예상됩니다.예술가들이 명성을 얻으면서, 출판사들은 대개 이러한 비용을 부담했고, 예술가들은 더 높은 [193]수수료를 요구할 수 있었습니다.

근대 이전의 일본에서, 사람들은 평생 동안 수많은 이름으로 살 수 있었는데, 그들의 어린 시절 요묘 개인 이름은 어른이 되었을 때의 조쿠묘 이름과는 다릅니다.예술가의 이름은 가세이(예술가 성)에 이어 아자나 개인의 예술 이름으로 구성되었습니다.가세이는 우타가와나 토리이 등 화가가 속한 학교에서 가장 많이 가져갔고, 아자나는 대개 대가의 화명에서 한자를 따왔다. 예를 들어 구니사다나 구니요시 등 도요쿠니(豊国国貞)의 많은 제자들이 그의 이름에서 "쿠니"(国国芳)를 따왔다.예술가들이 그들의 작품에 서명한 이름들은 때때로 그들의 [195]경력을 통해 이름을 바꾸었기 때문에 혼란의 원인이 될 수 있습니다; 호쿠사이는 그의 70년 [196]경력 동안 100개가 넘는 이름을 사용한 극단적인 경우였습니다.

이 인쇄물은 대량으로 [186]판매되었으며, 19세기 중반에는 인쇄물의 총 발행부수가 수천 [197]장에 이를 수 있었습니다.소매업자들과 여행 판매자들은 부유한 마을 [198]사람들에게 알맞은 가격으로 그것들을 홍보했습니다.어떤 경우에는,[186] 인쇄물들이 인쇄 예술가의 기모노 디자인을 광고하기도 했습니다.17세기 후반부터 인쇄물은 [191]종종 시리즈의 일부로 판매되었으며, 각 인쇄물에는 시리즈 이름과 해당 [199]시리즈의 인쇄 번호가 찍혔습니다.수집가들이 자신들의 수집품을 완성하기 위해 시리즈의 새로운 인쇄물을 각각 구입했기 때문에 이는 성공적인 마케팅 기법임을 증명된 것은 수집가들이 자신들의 수집품을 [191]완벽하게 유지하기 위해서였습니다.19세기에 이르러 히로시게의 도카이도 53역과 같은 작품들은 수십 [199]장의 인쇄물들을 보유하게 되었습니다.

컬러프린트제작

일본의 컬러 인쇄는 1640년대까지 거슬러 올라가지만, 초기의 우키요에 인쇄는 검은색 잉크만을 사용했습니다.색상은 타네 인쇄물의 빨간색 납 잉크를 사용하여 손으로 추가하기도 했고, 나중에는 베니 인쇄물의 분홍색 홍화 잉크를 사용하기도 했습니다.컬러 인쇄는 1720년대에 책으로, 1740년대에 단판 인쇄로 출시되었으며, 각각의 색상에 따라 다른 블록과 인쇄가 가능했습니다.초기 색상은 분홍색과 녹색으로 제한되었고, 기술은 이후 20년 동안 최대 5가지 [173]색상을 허용하도록 확장되었습니다.1760년대 중반에는 10개 이상의 [201]목판으로 만든 다채로운 색깔의 니시키에[173] 판화를 가져왔습니다.각 색상의 블록을 올바르게 정렬하기 위해 한쪽 모서리와 인접한 [173]면에 겐토(kento)라는 등록 마크를 배치했습니다.

Photo of a dish of deep blue powder
프러시안 블루는 19세기에 눈에 띄는 합성 염료였습니다.

인쇄업자들은 처음에 광물이나 채소로 만든 천연 염료를 사용했습니다.그 염료들은 원색의 빨강, 파랑,[202] 노랑 색소들로부터 다양한 색들을 섞을 수 있게 해주는 반투명한 품질을 가지고 있었습니다.18세기에 프러시안 블루는 인기를 끌었고, 특히 호쿠사이와 히로시게의 [202]풍경에서 두드러졌고, 프린터가 색상의 눈금을 만들거나 다른 [203]색상을 혼합한 보카시에서도 그러했습니다.값싸고 일관성 있는 합성 아닐린 염료는 1864년에 서양으로부터 도착했습니다.그 색깔들은 전통적인 색소보다 더 거칠고 밝았습니다.메이지 정부는 서구화 [204]정책의 일환으로 그들의 사용을 장려했습니다.

비평과 역사학

우키요에 예술가들의 동시대 기록은 희귀합니다.가장 중요한 것은 해설서와 예술가 전기를 모은 '우키요에 대한 다양한 생각'입니다.오타 난포는 1790년경에 더 이상 확장되지 않은 최초의 판본을 편찬했습니다.이 작품은 에도 시대에는 인쇄물을 볼 수 없었지만, 손으로 복사한 판본으로 유통되었고,[205] 우키요에루이코의 120가지 이상의 변형이 [206]알려져 있습니다.

제2차 세계 대전 이전에 우키요에에 대한 지배적인 견해는 판화의 중요성을 강조했고, 이 견해는 우키요에의 설립을 모로노부의 탓으로 돌립니다.전쟁 이후 우키요에 그림의 중요성과 17세기 야마토에 그림과의 직접적인 연관성으로 생각이 바뀌었고, 이 관점은 마타베이를 이 장르의 원조로 보고 있으며, 특히 일본에서 선호되고 있습니다.이 견해는 1930년대에 이르러 일본 연구자들 사이에 널리 퍼졌지만, 당시 군국 정부는 궁중과 관련된 야마토에 족자 그림과 때로는 반권위주의적인 상인 [19]계층과 관련된 판화 사이의 분열을 강조하고자 이를 억압했습니다.

미국의 일본 미술 학자 어니스트 페놀로사는 우키요에의 포괄적인 비평사를 완성한 최초의 인물입니다.

우키요에에 관한 최초의 종합적인 역사적이고 비평적인 작품들은 서양에서 왔습니다.어니스트 페놀로사는 1878년부터 도쿄 제국대학 철학과 교수를 지냈고, 1886년부터 일본 정부의 미술국장을 지냈습니다.1896년의 그의 우키오예 석사는 최초의 종합적인 개요였고 시대적인 측면에서 역사에 접근하여 대부분의 후기 작품들의 무대를 마련했습니다: 원시 시대의 마타베이를 시작으로 우타마로의 도래와 함께 쇠퇴하기 시작한 18세기 후반의 황금기로 발전했습니다.그리고 [207]1830년대 호쿠사이와 히로시게의 풍경과 함께 잠시 부활했습니다.대영박물관의 동양 판화와 드로잉 보관자 로렌스 비욘은 1908년 극동 회화에서 페놀로사의 것과 비슷한 설명을 썼지만, 우타마로와 샤라쿠를 거장들 중 한 명으로 꼽았습니다.아서 데이비슨 피케는 [208]1915년에 일본 판화에 대한 보다 포괄적인 수다로 페놀로사와 빈욘의 작품을 바탕으로 만들었습니다.제임스 A. 1954년 미셰너의 '떠다니는 세상'은 초기 작품들의 연대표를 광범위하게 따르면서, 시대별로 분류를 줄이고 초기 화가들을 원시 화가가 아닌 초기 회화 [209]전통에서 나오는 뛰어난 거장으로 인식했습니다.우키요에는 미셰너와 한때 그의 협력자였던 리처드 레인에게 [210]마타베이보다는 모로노부와 함께 시작했습니다.1962년 레인의 일본판화의 대가들은 우키요에를 일본 미술의 계보 안에 확고히 위치시키면서 시대 구분의 접근을 유지했습니다.이 책은 요시토시나 키요치카와 같은 예술가들을 고인이 된 [211]거장으로 인정하고 있습니다.

다카하시 세이이치로의 1964년판 일본 전통 목판화는 우키요에 예술가들을 세 시기로 분류했습니다: 첫 번째는 하루노부를 포함한 원시 시대였고, 그 다음은 키요나가, 우타마로, 샤라쿠의 황금기였습니다.그리고 예술작품에 묘사될 수 있는 것을 지시하는 엄격한 사치법의 1790년대부터 시작된 선언 이후 쇠퇴의 마감기.그럼에도 불구하고 이 책은 이 마지막 시기의 대가들을 이전의 [212]작품들보다 더 많이 인식하고 있으며, 우키요에 그림을 야마토에 [17]그림의 부활로 보고 있습니다.1868년 메이지 유신이 일어나자 [213]고바야시 다다시는 막부가 엄격한 법의 통과를 통해 권력을 잡으려는 필사적인 시도와 그 시기의 쇠퇴를 확인함으로써 다카하시의 분석을 더욱 정교하게 다듬었습니다.

우키요에 장학금은 예술가들의 목록화에 초점을 맞추는 경향이 있는데, 이는 다른 영역의 예술 분석에 적용되기 시작한 엄격함과 독창성이 결여된 접근법입니다.그러한 카탈로그는 수가 많지만, 인정받는 천재들의 집단에 집중하는 경향이 압도적입니다.우키요에와 그 예술가들에 대한 초기의 기초적인 평가, 특히 비교적 소수의 [214]예술가들에 대한 독창적인 연구는 거의 추가되지 않았습니다.우키요에의 상업성은 항상 인정되어 왔지만, 예술가들과 그들의 작품에 대한 평가는 감정가들의 미적 선호에 의존했고 현대의 상업적 [215]성공에는 거의 신경을 쓰지 않았습니다.

우키요-e 캐논에 포함되는 기준은 초기 문헌에서 급속히 발전했습니다.우타마로는 우키요에의 쇠퇴의 타락한 상징으로 페놀로사와 다른 사람들에 의해 특히 논쟁적이었습니다. 우타마로는 그 양식의 가장 위대한 거장 중 한 명으로 일반적인 인정을 받았습니다.요시토시와 같은 19세기의 예술가들은 무시당하거나 소외당했고, 20세기 [216]말이 되어서야 학자들의 관심을 끌었습니다.쿠니사다나 쿠니요시와 같은 후기 우타가와 예술가들에 대한 작품들은 이들 예술가들이 누렸던 동시대의 존경심을 되살렸습니다.많은 후기 작품들은 예술의 이면에 있는 사회적 또는 다른 조건들을 조사하고,[217] 그것을 쇠퇴의 시기에 놓을 가치 평가에 무관심합니다.

소설가 다니자키 준이치로는 우키요에를 발견했다고 주장하면서 더 높은 미적 감각을 주장하는 서양인들의 우월한 태도에 대해 비판했습니다.그는 우키요에가 서양인들의 가치관의 관점에서 이해하기 가장 쉬운 일본 예술의 형태일 뿐이며, 모든 사회 계층의 일본인들이 우키요에를 즐겼지만, 당시의 유교적 도덕은 서양의 [218]발견에 대한 과시로 인해 침해된 사회적 관습인 그것을 자유롭게 논의하는 것을 방해했다고 주장했습니다.

Black-and-white comic strip in Japanese
다고사쿠에서 모쿠베노 도쿄 겐부츠까지(도쿄에서 다고사쿠와 모쿠베 관광), 1902

20세기 만화의 역사가들인 일본 만화와 만화는 20세기 이전의 일본 미술과 미술 형식을 연결하는 서사를 전개해 왔습니다.호쿠사이의 책은 서사적이지도 않고, "만가"라는 용어가 호쿠사이에서 유래한 것도 아니지만, 호쿠사이 [219]만화의 전조로서 특별히 강조되고 있습니다.영어와 다른 언어에서 "망가"라는 단어는 "일본 만화" 또는 "일본 스타일 만화"[220]의 제한적인 의미로 사용되는 반면, 일본어에서는 모든 형태의 만화,[221] 만화,[222] 캐리커처를 나타냅니다.

수집 및 보존

지배층은 하층 사회 계층의 집에 허용되는 공간을 엄격하게 제한했습니다. 상대적으로 작은 크기의 우키요에 작품은 이러한 [223]집에 걸기에 이상적이었습니다.우키요에 그림의 후원자에 대한 기록은 거의 남아있지 않습니다.인쇄물보다 훨씬 비싼 가격에 팔렸기 때문에 부유한 상인들과 아마 사무라이 [10]계급의 사람들이 구입했을 것입니다.19세기에 가장 많은 양이 만들어졌기 때문에 후기 판화는 현존하는 가장 많은 예이며, 오래될수록 [224]생존 가능성이 적습니다.우키요에는 주로 에도와 연관되어 있었고, 에도 방문객들은 종종 기념품으로 소위 아즈마에라고[k] 불리는 것을 구입했습니다.그것들을 판매한 상점들은 핸드헬드 선풍기와 같은 제품들을 전문적으로 판매하거나 다양한 [189]종류를 제공할 수 있습니다.

우키요 전자인쇄 시장은 일용직에서 부유한 [225]상인에 이르기까지 이질적인 대중에게 판매되면서 매우 다양해졌습니다.생산과 소비 습관에 대한 구체적인 정보는 거의 알려져 있지 않습니다.에도에서의 자세한 기록은 다양한 기녀, 배우, 스모 선수들에 대해 기록되어 있지만, 우키요에와 관련된 기록은 남아있지 않거나 아마도 존재했을 것입니다.우키요-e 소비의 인구 통계에 관해 이해되는 것을 결정하는 것은 간접적인 [226]수단이 필요했습니다.

인쇄물의 가격을 결정하는 것은 전문가들에게 어려운 일입니다. 하드 피규어의 기록이 부족하고, 생산 품질,[227] 크기,[228] 수급, 방법 등이 매우 다양했고, 풀컬러 [229]인쇄가 도입되는 등의 변화를 겪었기 때문입니다.그 [230]기간 내내 사회적, 경제적 여건이 유동적이었기 때문에 얼마나 비싼 가격을 고려할 수 있는지도 판단하기 어렵습니다.19세기에는 디럭스 [232]에디션의 경우 16개월에서[231] 100개월까지 판매되는 인쇄물이 남아 있습니다.오쿠보 준이치는 1920년대와 1930년대의 몬 가격이 표준 [233]인쇄물의 경우 일반적일 가능성이 높다고 말합니다.느슨한 비교로, 19세기 초의 소바 국수 한 그릇은 일반적으로 [234]16개월에 팔렸습니다.

Colour print illustration of a Japanese woman crouching. The image combines two photos of the same image. The right side of the photo is faded.
우키요에 프린트는 빛에 민감합니다.왼쪽 절반은 1989년의 이 인쇄물이고, 오른쪽은 2001년까지 전시된 후 같은 인쇄물입니다.
우타가와 요시타키 19세기

우키요-e 프린트의 염료는 낮은 수준의 빛에도 노출되면 변색되기 쉬우며, 이로 인해 장기간 표시가 바람직하지 않습니다.그것들이 인쇄된 종이는 산성 물질과 접촉하면 변질되기 때문에 보관함, 폴더 및 마운트는 중성 pH 또는 알칼리성이어야 합니다.프린트는 정기적으로 치료가 필요한 문제가 있는지 검사하고 곰팡이 [235]변색을 방지하기 위해 70% 이하의 상대습도에서 보관해야 합니다.

우키요에 그림의 종이와 안료는 빛과 계절적인 습도 변화에 민감합니다.시트가 습도의 급격한 변화에 따라 찢어질 수 있으므로 마운트는 유연해야 합니다.에도 시대에는, 종이를 긴 섬유 종이 위에 올려놓고, 또 다른 옻칠 [236]나무 상자에 넣어 둔 평범한 오동나무 상자에 말아서 보관했습니다.박물관 환경에서는 빛과 환경오염에 대한 노출로 인한 열화를 방지하기 위해 표시시간을 크게 제한하고, 두루마리를 풀고 다시 굴리는 데 주의를 기울이며, 두루마리를 굴리고 다시 굴리는 것은 종이에 오목한 부분을 야기하며, 두루마리를 굴리고 다시 굴리는 것은 [237]주름을 발생시킵니다.너무 건조한 분위기에서 보관된 두루마리는 [238]부서지기 쉬워지기 때문에 두루마리가 보관되는 습도 수준은 일반적으로 50%에서 60% 사이입니다.

우키요에 판화는 대량 생산되었기 때문에 이를 수집하는 것은 그림 수집과는 다른 고려 사항을 제시합니다.현존하는 인쇄물의 상태, 희귀성, 비용, 품질에 있어서 매우 다양합니다.인쇄물에 얼룩, 얼룩, 얼룩, 웜홀, 눈물, 주름 또는 도그마크가 있거나 색상이 희미해졌거나 수정되었을 수 있습니다.조각가들이 여러 판본을 거친 인쇄물의 색상이나 구성을 변경했을 수도 있습니다.인쇄 후 자를 때,[239] 종이가 여백 안에서 다듬어졌을 수 있습니다.인쇄물의 가치는 작가의 명성, 인쇄 상태, 희귀성, 원본 인쇄 여부 등 다양한 요소에 따라 결정됩니다. 고품질의 나중 인쇄물도 [240]원본 가치의 일부를 얻을 수 있습니다.

우키요에 인쇄물은 종종 여러 판본을 거쳤으며, 때로는 나중 판본에서 블록이 변경되기도 했습니다.목판을 다시 잘라 만든 판본들은 해적판과 다른 [241]가짜 판본들뿐만 아니라 후대의 합법적인 복제품들과 같이 유통되기도 합니다.우키요에 복제품 제작자인 다카미자와 엔지(1870~1927)는 퇴색한 원본에 신선한 색을 인쇄하기 위해 목판을 자르는 방법을 개발했고, 그 위에 담뱃재를 사용하여 신선한 잉크가 숙성된 것처럼 보이게 했습니다.새로고침된 인쇄물은 원본 [242]인쇄물로 판매됩니다.사기당한 수집가들 중에는 미국 건축가 프랭크 로이드 라이트가 있었는데, 그는 다카미자와 인쇄물 1500여 점을 일본에서 미국으로 가져갔고, 그 중 일부는 진실이 [243]밝혀지기 전에 팔았습니다.

우키요에 예술가들은 개인 이름 앞의 성인 일본식으로 지칭되며, [244]우타마로, 호쿠사이 등 유명한 예술가들은 개인 이름만으로 지칭됩니다.딜러들은 일반적으로 우키요에 인쇄물을 표준 크기의 이름으로 언급합니다. 가장 일반적으로 34.5 x 22.5 센티미터 (13.6 인치 × 8.9 인치) aiban, 22.5 x 19 센티미터 (8.9 인치 × 7.5 인치) chuban 및 38 x 23 센티미터 (15.0 인치 × 9.1 인치) oban[203]—정확한 크기는 다양하며 인쇄 [245]후 종이를 다듬는 경우가 많습니다.

Photograph of a modernistic building
일본 우키요에 박물관

우키요에의 가장 큰 고품격 컬렉션들은 [246]일본 밖에 있습니다.19세기 전반 프랑스 국립도서관의 소장품들이 대표적인 예입니다.대영박물관은 1860년에[247] 소장을 시작하여 20세기 후반까지 70000점에 [248]달했습니다.10만 점을 돌파한 가장 큰 규모는 1912년 [249]어니스트 페놀로사가 자신의 소장품을 기증하면서 시작된 보스턴 [246]미술관에 있습니다.일본에서 처음으로 우키요에 판화를 전시한 것은 1925년 마쓰카타 고지로가 제1차 세계대전 중 파리에서 수집품을 모아 도쿄 [250]국립현대미술관에 기증한 것으로 보입니다.일본에서 가장 많은 우키요에 수집품은 마쓰모토시에 [251]있는 일본 우키요에 박물관에 소장된 10만 점입니다.

참고 항목

메모들

  1. ^ "우키요예"는 오래된 문헌에 등장합니다.
  2. ^ 이러한 유형의 대부분은 반복되는 문자였습니다. 특정 문자가 동일한 페이지에서 여러 번 사용되었기 때문에 프린터에서 사용할 수 있어야 했습니다.
  3. ^ 태닝(태닝): 붉은 납에 유황과 염석을[32] 섞어 만든 안료
  4. ^ 베니(beni): 홍화 [34]꽃잎으로 만들어진 색소.
  5. ^ Torii Kiyotada [ja]는 최초의 [36]우키에를 만들었다고 알려져 있습니다. 마사노부는 자신을 [37]혁신가라고 광고했습니다.
    1644년 네덜란드 문헌을 바탕으로 1734년 일본에 서양식 기하학적 원근법화를 소개한 '나침반과 자를 사용한 드로잉의 규칙에 대한 한 평자의 설명'(에도 시대의 네덜란드어 학습, 란가쿠 참조).이 주제에 대한 중국어 텍스트도 10년 [36]동안 등장했습니다.
    오쿠무라는 기하학적 관점에 대해 중국의 자료를 통해 배웠을 가능성이 있으며, 그 중 일부는 오쿠무라의 [38]작품과 현저한 유사성을 가지고 있습니다.
  6. ^ 1873년까지 일본의 달력은 양력이었고, 매년 일본의 새해는 그레고리력의 1월이나 2월의 다른 날에 해당했습니다.
  7. ^ Burty는 [103]1872년에 프랑스어로 le Japonisme라는 용어를 만들었습니다.
  8. ^ 자타이시세이(즉, "격리 자세")
  9. ^ 전통적인 일본의 목판들은 곡물을 따라 절단되었고, 서양의 목판들은 곡물을 따라 절단되었습니다.두 방법 모두 나무 [180]둘레에 따라 목판의 크기가 제한되었습니다.20세기에 합판은 가격이 싸고, 조각하기 쉽고,[181] 크기의 제한이 적기 때문에 일본의 목공예가들이 선택하는 재료가 되었습니다.
  10. ^ 지혼 토이야(地本問屋, "그림책과 인쇄 출판사 길드")[189]
  11. ^ 아즈마에(사진, "동쪽 수도 사진")

참고문헌

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