엘스워스 켈리

Ellsworth Kelly
엘스워스 켈리
Kelly smiling on the red carpet
Ellsworth Kelly는 2008년 2월 9일 로스앤젤레스에서 열린 LACMA의 브로드 컨템포러리 아트 뮤지엄의 갈라 오프닝에 도착합니다.
태어난(1923-05-31) 1923년 5월 31일
뉴버그, 뉴욕, 미국
죽은2015년 12월 27일(2015-12-27)(92)
Spencertown, 뉴욕, 미국
국적.아메리칸
교육프랫 연구소
에콜 국립미술관
보스턴 미술관 학교
로 알려져 있다회화, 조각, 판화
어워드프라미움 임페리얼

엘스워스 켈리(Ellsworth Kelly, 1923년 5월 31일 ~ 2015년 12월 27일)는 미국의 화가, 조각가, 판화 제작자로 하드 에지 페인팅, 컬러 필드 페인팅 및 미니멀리즘과 관련된 인물이다.그의 작품은 존 맥러플린과 케네스 놀랜드의 작품과 유사하게 선, 색, 형태를 강조하는 평범한 기법을 보여준다.켈리는 종종 밝은 색을 사용했다.그는 뉴욕의 스펜서타운에서 살았고 일했다.

어린시절

켈리는 뉴욕에서 [1]북쪽으로 약 60마일 떨어진 뉴욕 뉴버그에서 앨런 하우 켈리와 플로렌스 로즈 엘리자베스 켈리의 3남매 중 둘째 아들로 태어났다.그의 아버지는 스코틀랜드계 아일랜드계 독일계 보험회사 경영자였다.그의 어머니는 웨일즈와 펜실베니아 독일 국적의 전직 교사였다.그의 가족은 뉴버그에서 거의 7,500명의 사람들이 사는 마을인 뉴저지의 오라델로 이사했다.그의 가족은 오라델 저수지 근처에 살았는데, 그의 친할머니가 그가 8, 9살이었을 때 그에게 조류학을 소개해주었다.

그곳에서 그는 형태와 색에 대한 열정을 키웠다.존 제임스 오듀본은 그의 경력 내내 켈리의 일에 특히 강한 영향을 끼쳤다.작가 유진 구센은 켈리가 매우 잘 알려진 2색, 3색 그림 (Three Panel: Red Yellow Blue, I 1963)은 그가 어린 나이에 자주 본 조류 관찰과 2색, 3색 새에 대한 연구로 추적할 수 있다고 추측했다.켈리는 어렸을 때 종종 혼자였고 어느 정도 '외톨이'가 되었다고 말했다.그는 약간의 말더듬이가 있어서 10대 [1]시절까지 지속되었다.

교육

켈리는 공립학교에 다녔고, 거기서 미술 수업은 재료에 중점을 두고 "예술적 상상력"을 개발하려고 했습니다.이 커리큘럼은 미국 모더니즘 화가 아서 웨슬리 다우(Arthur Wesley Dow)[1]가 가르쳤던 컬럼비아 대학 사범대학이 발표한 진보적 교육 이론에서 나타난 광범위한 교육 흐름의 전형이었다.비록 그의 부모님은 켈리의 미술 교육을 지원하는 것을 꺼렸지만, 그의 학교 선생님인 도로시 랭 옵수트는 켈리가 [2]더 나아가도록 격려했다.그의 부모님이 기술 훈련 비용만 부담했기 때문에, 켈리는 1941년부터 1943년 [citation needed]새해 첫날에 육군에 입대할 때까지 다녔던 브루클린의 프랫 연구소에서 처음 공부했다.

군사의

1943년 미군에 입대하자마자 켈리는 603 공병 위장 대대에 배치되어 많은 예술가들이 참여하도록 요청하였다.그는 뉴저지 주 포트 딕스에 입성하여 콜로라도 주 캠프 헤일로 보내져 산악 스키 부대와 함께 훈련하였다.그는 전에 스키를 타본 적이 없었다.6주에서 8주 후,[1] 그는 메릴랜드 포트 미드로 전근되었다.세계 2차 대전 동안, 그는 유령 군대라고 알려진 기만 부대에서 다른 예술가들과 디자이너들과 함께 일했다.유령 병사들은 연합군의 [3]방향과 배치에 대해 추축군을 오도하기 위해 팽창식 탱크, 트럭, 그리고 다른 속임수를 사용했다.그가 복무하는 동안 군사 위장에 노출되는 것은 그의 기본 예술 [1]훈련의 일부가 되었다.켈리는 1943년부터 유럽의 전쟁 국면이 끝날 때까지 그 부대에서 복무했다.

전후 교육

켈리는 1946년부터 47년까지 보스턴의 미술관 학교에서 G.I. Bill을 공부하기 위해 사용했고, 그곳에서 그는 박물관의 소장품들을 이용했고, 그 후 파리의 Ecole Nationale supérieure des Beaux-Arts에서 공부했습니다.보스턴에 있는 동안 그는 보리스 미르스키 갤러리에서 그의 첫 번째 그룹 쇼에 전시했고 록스베리에 [4]있는 노퍽 하우스 센터에서 미술 수업을 가르쳤다.켈리는 파리에 있는 동안 [5]미학을 확립했다.그는 수업에 자주 참석하지 않았지만 프랑스 [6]수도의 풍부한 예술 자원에 몰두했다.그는 1948년 프랑스 화가 폴 세잔에 대한 막스 베크만의 강연을 듣고 그해 [7]파리로 이사했다.그곳에서 그는 음악과 춤을 실험하는 동료 미국인 존 케이지와 메르스 커닝햄, 프랑스 초현실주의 화가 장 아르프, 추상 조각가 콘스탄틴 브랑쿠지를 만났는데, 그의 자연 형태의 단순화는 [8]그에게 지속적인 영향을 미쳤다.알베르토 마그넬리, 프란시스 피카비아, 알베르토 지아코메티, 조르주 반통글루와 같은 아티스트들을 그들의 스튜디오에서 방문한 경험은 [9]변화적이었다.

직업

6년 동안 해외에 있었지만 켈리의 프랑스어는 여전히 서툴렀고 그는 오직 한 점의 그림만 팔았다.1953년 그는 스튜디오에서 쫓겨났고 이듬해 미국으로 돌아왔다.[10] 그는 자신의 작품과 관련이 있다고 느낀 예술가인 Ad Reinhardt 전시회에 대한 리뷰를 읽고 관심을 갖게 되었다.뉴욕으로 돌아왔을 때, 그는 예술 세계가 "매우 [1]힘들었다"는 것을 알았다.켈리는 현재 미국 미술 운동에 필수적인 혁신가이자 공헌자로 여겨지고 있지만, 켈리의 예술과 지배적인 양식적 [5]경향 사이의 연관성을 찾는 것은 어려운 일이었다.1956년 5월 켈리는 베티 파슨스의 갤러리에서 그의 첫 뉴욕시 전시회를 열었다.그의 예술은 그 당시 뉴욕에서 인기 있었던 것보다 더 유럽적인 것으로 여겨졌다.그는 1957년 가을 그녀의 갤러리에 다시 모습을 드러냈다.그의 세 작품:휘트니 미술관의 "Young America 1957" 전시회에서 아틀란틱, 바, 페인팅 인 쓰리 패널이 선정되어 전시되었다.그의 작품들은 다른 29명의 작가들의 작품과는 근본적으로 다른 것으로 여겨졌다.예를 들어, 세 장의 패널로 그림을 그리는 것은 특히 주목받았습니다; 그 당시 비평가들은 그가 세 개의 [1]캔버스로 작품을 만든 것에 의문을 제기했습니다.예를 들어 Michael Plante는 켈리의 다중 패널 조각이 설치 제한으로 인해 비좁아졌고, 이로 인해 조각과 [11]방의 아키텍처 간의 상호 작용이 감소했다고 말했습니다.

켈리는 결국 동료 예술가이자 친구였던 아그네스 마틴과 스튜디오를 공유하던 코엔티 슬립에서 웨스트 67번가 [12]27번지에 있는 고층 스튜디오/공동 호텔 데 아티스트의 9층으로 이사했습니다.

켈리는 1970년 뉴욕시를 떠나 스펜서타운으로 갔고 1984년 [13]그의 파트너인 사진작가 잭 시어와 합류했다.켈리는 2001년부터 사망할 때까지 스펜서타운에 있는 20,000평방피트의 스튜디오에서 건축가 리처드 글럭먼에 의해 재구성되고 확장되는 작업을 했다.켈리와 시어는 2005년 [13]화가가 사망할 때까지 함께 살던 1815년경에 지어진 나무로 된 식민지 시대의 집으로 이사했다.Shear는 Ellsworth Kelly [9]Foundation의 이사입니다.2015년 켈리는 오스틴에 있는 텍사스 대학의 블랜턴 미술관에 자신의 건물 디자인 컨셉을 명상 장소로 선물했습니다.오스틴이라는 이름의 2,715평방피트의 석조 건물은 색유리 창문, 토템 나무 조각, 흑백 대리석 판넬을 특징으로 하며 켈리가 디자인한 유일한 건물이며 그의 가장 기념비적인 작품이다.[14]켈리가 30년 전에 디자인한 오스틴은 2018년 [15]2월에 오픈했습니다.

켈리는 2015년 12월 27일 뉴욕주 스펜서타운에서 [16]92세의 나이로 사망했다.

페인팅

파리에 있는 동안 켈리는 그 인물을 계속 그렸지만 1949년 5월, 그는 그의 첫 [2]추상화를 그렸다.빛이 수면에 어떻게 분산되는지를 관찰하면서 그는 우연히 배치된 흑백 직사각형으로 만들어진 센느(1950)를 그렸다.1951년 그는 우연 I에서 VII에 의해 배열된 스펙트럼 색이라는 8개의 콜라주를 시작했다.그는 번호가 매겨진 종이 조각들을 사용하여 그것을 만들었습니다. 각각은 40인치x40인치 격자 위에 놓아야 할 18가지 색조 중 하나를 가리킵니다.8개의 콜라주는 각각 다른 [17]과정을 사용했다.

엘스워스 켈리, The Meschers, 1951년, 캔버스에 기름, 59×59인치, 현대미술관.켈리는 1940년대와 1950년대에 최첨단 회화의 선구자였다.

켈리는 1952년 모네의 후기 작품에 대한 발견으로 화가적 표현의 자유를 얻었다: 그는 매우 큰 형식으로 작업을 시작했고 연속성과 단색의 [18]회화의 개념을 탐구했다.화가로서 그는 그때부터 오로지 추상적인 방식으로 작업했다.1950년대 후반, 그의 그림은 형태와 평면적 질량을 강조했다.이 시기의 그의 작품은 1930년대와 1940년대 초반의 미국 기하학적 추상화로부터 1960년대 중반과 1970년대 [2]중반의 미니멀리즘과 축소 예술에 이르기까지 유용한 가교를 제공하기도 했다.예를 들어 켈리의 부조 그림 블루 태블릿은 [19]유대 박물관에서 1963년에 열린 반년 전시회 "새로운 추상화를 향해"에 포함되었다.

1960년대에 그는 불규칙하게 각진 캔버스로 작업하기 시작했다.화가의 첫 번째 모양 캔버스인 옐로 피스(1966)는 직사각형 지지대와 그림의 인물/배경 관계에 대한 그의 재정의로 켈리의 중심적인 분리를 상징한다.구부러진 모서리와 하나의 모든 것을 아우르는 색상으로, 캔버스 자체가 구도가 되어 뒤에 있는 벽을 그림의 [20]지면으로 변모시킨다.

1970년대에 그는 자신의 [18]레퍼토리에 곡선을 추가했다.그린 화이트(1968년)는 켈리의 작품에서 삼각형의 첫 등장을 나타내며, 켈리의 작품 활동 내내 다시 나타나는 형태이다. 그림은 두 개의 뚜렷한 모양의 단색 캔버스로 구성되어 있으며, 서로 위에 설치된 두 개의 뚜렷한 캔버스: 크고 반전된 녹색 사다리꼴이 작은 흰색 삼각형 위에 수직으로 배치되어 있다.새로운 기하학적 [21]구성

1970년 뉴욕시를 떠나 스펜서타운으로 간 후, 그는 인근 채텀 마을에 있는 예전 극장을 빌려서 이전에 그가 거주했던 어떤 스튜디오보다 더 넓은 스튜디오에서 일할 수 있게 했다.1년 동안 그곳에서 일한 후, 켈리는 채텀 시리즈가 될 14개의 그림 시리즈에 착수했다.각각의 작품은 반전된 타원 형태로 두 개의 캔버스로 구성되어 있으며, 각각의 캔버스는 다른 색상의 단색이다.작품들은 비율과 팔레트에 따라 다양하며,[22] 두 작품 사이의 균형과 대비를 이루기 위해 각 패널의 크기와 선택한 색상에 세심한 주의를 기울였다.

켈리가 1972년에 시작해 1983년까지 완성하지 못한 12개의 작품 중 더 큰 시리즈인 그레이는 원래 반전 발언으로 생각되어 색이 [23]바랬다.1979년에 그는 별도의 [2]패널로 만들어진 두 가지 색상의 그림에 곡선을 사용했다.

이후의 그림에서 켈리는 그의 팔레트를 증류하고 새로운 형태를 도입했다.각각의 작품에서, 그는 많은 흰색 페인트로 조심스럽게 그린 직사각형 캔버스로 시작했다; 대부분 검은색으로 칠해진 모양 캔버스가 위에 [24]놓여있다.

켈리는 1996년 인터뷰에서 "우리 모두가 예술로부터 원하는 것은 고정감, 일상생활의 혼돈에 반대하는 감각이라고 생각한다.물론 이것은 착각이다.캔버스가 썩다.페인트의 색이 변하다.하지만 당신은 세상을 영원히 유지할 수 있는 것처럼 계속 얼리려고 해요.어떤 의미에서 제가 포착하려고 했던 것은 유동성의 현실입니다. 예술을 개방적이고 불완전한 상태로 유지하고, 보는 것의 [25]황홀함을 느끼기 위해서입니다."

켈리는 "나는 내가 사진을 합성하고 싶지 않다는 것을 깨달았다… 나는 그것들을 찾고 싶었다.저는 제 비전이 세상의 사물을 선택하고 제시하는 것이라고 느꼈습니다.나는 지각에 대한 조사가 가장 흥미로웠다.볼거리가 너무 많아서 모든 게 환상적으로 보였어요.[25]

석판화 및 도면

켈리는 1940년대 후반부터 [26]식물과 꽃의 그림을 제출했습니다.아일란투스(1948)는 보스턴에서 그린 첫 번째 식물 그림이고 히아신스(1949)는 [27]파리에 있을 때 그린 첫 번째 그림이다.1949년부터 파리에 사는 동안(그리고 앙리 마티스와 장 아르프의 이 주제에 영향을 받았다) 그는 단순한 식물과 해초 [28]형태를 그리기 시작했다.식물 연구는 대부분 잎, 줄기, 꽃의 윤곽 그림을 연필이나 펜으로 깔끔하게 그려 [29]페이지 중앙에 배치한다.

그는 1960년대 중반 파리에서 마에뜨 에디튀르와 함께 그의 27개의 석판화 모음 (1964-66)을 만들었을 때 일치된 방식으로 판화를 시작했다.그때 그는 그의 첫 번째 식물 석판 [28]인쇄 그룹을 만들었다.1970년부터 그는 주로 Gemini G.E.L.과 공동 작업을 했다.초기 28종류의 이식 석판화 시리즈인 '식물 석판화 스위트'는 72종의 인쇄물과 셀 수 없이 많은 [30]잎 그림으로 성장한 말뭉치의 시작을 알렸다.1971년, 그는 제미니 G.E.[31]L.에서 4개의 판화와 여러 개의 미러 콩코드 판을 완성했다. 18피트 길이의 그의 보라색/빨간색/회색/오렌지(1988)는 지금까지 만들어진 [32]단일 판 석판 인쇄물 중 가장 클지도 모른다.그의 최근 판인 The River, States of the River, and River II는 켈리가 [33]파리에서의 초기 시절부터 가지고 있던 물에 대한 매력을 반영한다.1975년 켈리는 워즈워스 아테뉴엄 미술관의 매트릭스 시리즈를 전시한 최초의 예술가였다.전시회에는 켈리의 옥수수 줄기 그림 시리즈와 1974년 그의 Cor-ten 강철 조각 [34]2점이 전시되었다.

조각품

흰색 커브(2002년), 스위스 리헨에 있는 폰다테이션 베일러 정원에 있는 흰색 알루미늄으로 만들어졌다.

켈리는 그림으로 더 잘 알려져 있을지 모르지만, 그는 또한 그의 경력 내내 조각 일을 했다.1958년 켈리는 그의 첫 번째 나무 조각품 중 하나인 콩코드 릴리프 1세(1958)를 구상했는데, 이것은 느릅나무로 된 적당한 크기의 벽면 부조물로, 맨 위 오른쪽과 왼쪽 아래 모서리가 제거된 두 개의 직사각형 형태 사이의 시각적 놀이와 균형을 탐구한다.그는 그의 [35]경력을 통해 나무로 30개의 조각품을 만들었다.1959년부터 그는 접힌 [36]조각들을 자유롭게 만들었다.로커 시리즈는 1959년 켈리가 로어 맨하탄의 코엔티 슬립에 살던 아그네스 마틴과 가벼운 대화를 나눈 후 시작되었다.테이크아웃 커피잔에서 종이 상판을 가지고 놀면서 켈리는 둥근 물건의 일부를 잘라 접었다가 테이블 위에 올려놓고 앞뒤로 흔들었다.곧, 그는 그의 첫 번째 원형 조각인 포니를 만들었다.제목은 굽은 로커 [37]지지대를 가진 어린이의 취미용 말을 말합니다.

1973년에 켈리는 정기적으로 대규모 야외 조형물을 만들기 시작했다.켈리는 도장된 표면을 포기하고 다듬지 않은 강철, 알루미늄 또는 [38]청동을 선택했으며, 종종 Curve XXII(1981년)와 같은 토템 형태의 구성을 선택했습니다.토템 형태의 그의 자유자재로 된 조각들은 높이가 15피트인 반면, 그의 벽 부조물은 너비가 [35]14피트 이상에 이를 수 있다.켈리의 조각은 "절대적인 단순함과 형태의 [39]명료함을 고수하는 것에 기초하고 있다."1980년대 작품으로는 스펜서타운에서 활동하던 이 기간 동안 그는 처음으로 자신의 작품과 마찬가지로 자신의 작품에 많은 에너지를 쏟았고, 그 과정에서 140여 [37]점의 작품 중 60% 이상을 제작했다.

Glenstone에서의 제목 없음 (2005)

켈리는 다양한 형태의 아이디어들을 사용하여 그의 작품들을 만들었다.그는 그림으로 시작해서 그림을 개량해서 판화를 만들고, 판화를 가져다가 자유자재로 조각을 만들었을지도 모른다.그의 조각품들은 완전히 단순하고 종종 한 눈에만 빠르게 볼 수 있다.뷰어는 주변의 공간으로부터 격리된 매끄럽고 평평한 표면을 관찰합니다.이런 평탄함과 미니멀리즘은 전경과 [39]배경을 구별하기 어렵게 만든다.켈리의 블루 디스크는 1966년 뉴욕 유대인 박물관에서 열린 '프라이머리 구조'라는 제목의 반년 전시회에 포함되었고, 많은 젊은 예술가들이 이제 막 최소한의 [citation needed]형태로 작업하기 시작했다.

스타일.

윌리엄 루빈은 "켈리의 발전은 단호하게 내향적이었다: 추상적 표현주의에 대한 반응도 그의 [40]동시대인들과의 대화의 결과도 아니었다"고 언급했다.그의 많은 그림들은 단색(보통 밝은 색)으로 구성되어 있으며, 일부 캔버스는 불규칙한 모양을 하고 있으며, 때때로 "모양 캔버스"라고 불린다.그의 그림이나 모양 캔버스 형태에서 볼 수 있는 선의 질은 매우 미묘하고 완벽함을 암시한다.이것은 그의 작품 Block Island Study(1959)[citation needed]에서 입증된다.

영향

켈리의 군대에서의 배경은 그의 [1]작품들의 진지함의 원천으로 제시되어 왔다.군 복무를 하는 동안 켈리는 그의 특정 대대가 일하는 위장술에 노출되었고 영향을 받았다.이것은 그에게 형태와 그림자의 사용, 그리고 눈에 보이는 것의 건설과 분해에 대해 가르쳤다.그것은 그의 초기 예술가로서의 교육의 기본이었다.보스턴에서 온 켈리의 친구인 랄프 코번은 파리를 방문했을 때 그에게 자동 드로잉 기술을 소개했다.켈리는 종이를 보지 않고 이미지를 만드는 이 기술을 채택했다.이러한 기술들은 켈리가 그의 그림 스타일을 느슨하게 하는데 도움을 주었고 그가 [1]예술이라고 믿는 것에 대한 그의 수용을 넓혔다.파리에서 그의 마지막 1년 동안, 켈리는 아팠고 우울증에 시달렸다; 심스는 그것이 그 [39]기간 동안 흑백의 주요 사용에 영향을 미쳤다고 생각했다.

앙리 마티스와 파블로 피카소에 대한 켈리의 동경은 그의 작품에서 두드러진다.그는 [5]사물의 영감 때문에 사물을 다양한 방식으로 보고 다른 매체에서 일하는 훈련을 받았다.Piet Mondrian은 그의 그림과 [5]조각에서 그가 사용한 비객관적인 형태에 영향을 미쳤다.켈리는 파리에서 공부하는 동안 로마네스크와 비잔틴 시대의 예술과 건축에 영향을 받았다.초현실주의와 네오 플라스틱주의에 대한 그의 소개는 그의 작품에 영향을 미쳤고 기하학적 형태의 [5]추상화를 시험하게 만들었다.

큐레이팅

2014년 켈리는 매사추세츠 [41]주 사우스 해들리에 있는 마운트 홀리요크 대학 미술 박물관에서 마티스 그림 전시회를 개최했습니다.2015년에는 클라크 아트 [42]인스티튜트에서 "모네/켈리"의 큐레이터를 맡았다.

1990년 켈리는 전시회 '아티스트의 선택:'엘스워스 켈리 조각화와 단일 형태'를 소장하고 있다.

사생활

1956년, 그는 같은 건물로 이사한 로버트 인디애나 씨를 만났고 그들은 파트너가 되었다.켈리는 그의 멘토가 되었다.그들은 1964년경에 헤어졌다.그 이유 중 하나는 인디애나가 그의 그림에서 단어를 사용한 것이고 켈리는 그러한 기술이 하이 [43]아트의 가치가 없다고 생각했다.

1984년부터 그가 사망할 때까지 켈리는 엘스워스 켈리 [44][45][46]재단의 이사로서 일하는 그의 남편인 사진작가 잭 시어와 함께 살았다.

아트웍(선택)

바르셀로나 디에드랄 모양의 조각상

전람

켈리의 첫 번째 개인전은 1951년 파리 아르노 갤러리에서 열렸다.그의 첫 번째 뉴욕 개인전은 1956년 베티 파슨스 갤러리에서 열렸다.1957년,[48] 그는 로스앤젤레스 페러스 갤러리에서 열린 단체전에서 작품을 선보였다.1959년에 그는 현대 미술관의 획기적인 전시회인 16명의 [49]미국인에 포함되었습니다.켈리는 1961년 상파울루 비엔날레에 초청되어 공연을 했다.그의 작품은 나중에 1964년, 1968년, 1977년, 1992년에 문서에 포함되었다.2007년 베니스 비엔날레에는 그의 작품들이 전시되어 있었다.

켈리의 첫 회고전은 1973년 현대미술관에서 열렸다.그의 작품은 1982년 뉴욕 휘트니 미국 미술관에서 열린 조각 전시회, 1987년부터 1988년까지 미국과 캐나다를 광범위하게 여행한 종이 작품 전시회, 1996년 th에 의해 조직된 경력 회고전을 포함한 수많은 회고전에서 인정을 받았습니다.e Solomon R. 로스앤젤레스의 현대미술관, 런던의 테이트 갤러리, 뮌헨의 하우스 데 쿤스트 박물관을 둘러본 구겐하임 박물관.이후 뉴욕 메트로폴리탄 미술관(1998년), 케임브리지 포그 미술관(1999년), 샌프란시스코 현대미술관(1988년/2002년), 필라델피아 미술관(2007년), 뉴욕 현대미술관(2007년)[50] 등에서 켈리의 작품 개인전이 열렸다.

1993년 파리의 국립미술관(Galerie Nationale du Jeu de Paume)은 "엘스워스 켈리:The French Years, 1948-54)"는 워싱턴 D.C. 국립미술관을 방문한 작가와 시의 관계를 바탕으로 작성되었으며, 2008년 오르세 미술관은 "통신문: 폴 세잔 엘스워스 켈리" 전시회에서 켈리를 기렸다.[51]Haus der Kunst는 [52]2012년에 처음으로 켈리의 흑백 작품을 종합적으로 회고했다.

2013년의 예술가의 90회 생일을 계기로 국립 미술관 미술관 워싱턴에 있으며, 반즈 재단 필라델피아의 쇼에, 필립스 컬렉션 미국 워싱턴에서 패널 그림들을 전시했다;그리고 현대 미술 박물관의"채텀 시리즈"의 쇼를 시작했다 5조각품들을 합친 지문의 전시회에 올랐다.[53]

선정된 개인전

공탁료

오스틴, 오스틴, 블랜턴 미술관의 오스틴

1957년 켈리는 필라델피아 펜 센터에 있는 교통 빌딩을 위해 65피트 길이의 벽 조형물을 제작하도록 의뢰받았는데, 이는 지금까지 그의 가장 큰 작품이었다.대부분 잊혀진 채, 거대한 벽을 위한 조각 (1957)이라는 제목의 조각품은 결국 해체되었다.켈리는 이후 구겐하임의 피터 B에 영구 설치되도록 설계된 강철 조각상 라이트 커브(1966)를 포함한 많은 공공 임무를 수행했다.루이스 극장,[54]파리의 유네스코 본부에 1969년 벽화, 커브 22세 링컨 파크 시카고에서 1981년(상);M.Pei는에 의해 싱가폴의 래플스 시티 건물에 대한 1985년 위원회, 휴스턴 Triptych, 수직 청동대의 비행기가 미술관 휴스턴에서 키가 큰 콘크리트에 1986년에 탑재된, 토템(1987년), 조각 항의라도.rt바르셀로나, Parc de la Creueta del Coll; 모튼 H를 위한 댈러스 패널(블루 그린 블랙 레드)(1989)Meyerson 심포니 센터, 달라스, 네슬레의 Vevey, Switzerland곳에 있는 본사에서 사용하기 위해서 1989년 조각[55][31일]갈리아(1993년), 기념비적인 조각 의뢰에 의해 연구소 미술관 Contemporain, 님, 프랑스, 두 부분으로 된 기념비의 미국 홀로코스트 기념 박물관, 워싱턴 DC, 1993년;그리고 대규모 베를린 패널의 D.eutscher 1998년 베를린의 번데스타그.보스턴에 있는 John Joseph Moakley 미국 법원(Henry N. Cobb이 설계)을 위해 그는 건물 [56]전체에 걸쳐 중앙 로툰다에 설치된 21개의 선명한 색상의 알루미늄 패널인 The Boston Panels를 단일 작품으로 디자인했습니다.

2013년 엘스워스 켈리는 파리 퐁데이션 루이뷔통에서 프랭크 게리가 디자인한 강당의 커튼 역할을 하는 대규모 멀티패널 그림 '스펙트럼 VII'(2014년 완성)를 의뢰받았다."Ellsworth Kelly", Francesca Pietropaolo ed, Cahiers de la Fondation, No.1, (파리:Fondation Louis Vuitton, 2014).

높이가 28피트이고 페인트가 칠해진 벌집 알루미늄으로 만들어진 켈리의 두 패널 블루 블랙(2001)은 세인트 루이스 [57]퓰리처 예술 재단에 의뢰되었고, 대규모 청동 무제(2005)는 필립스 컬렉션의 [58]안마당에 특별히 의뢰되었다.2005년 Kelly는 Renzo Piano로부터 시카고 예술 인스티튜트 모던 윙의 유일한 현장 특화 작업을 의뢰받았습니다.그는 자신이 만든 것 중 가장 큰 벽 조각품인 화이트 커브를 만들었고,[59] 이것은 2009년부터 전시되고 있다.켈리는 2008년 [60]베를린 주재 미국 대사관 안뜰에 40피트 스테인리스 스틸 조각인 베를린 토템을 설치했다.그는 이후 파리 루이뷔통 재단의 강당에 12가지 색상의 스트립으로 구성된 Spectrum VII(2014년) 커튼을 만들었다.

1986년에 켈리는 개인 수집가를 위한 그의 첫 번째 독립 건물을 구상했지만, 그것은 실현되지 않았다.2015년에야 블랜턴 미술관은 오스틴 [61]텍사스 대학의 박물관 구내에 14개의 흑백 대리석 패널과 색 유리창을 포함한 2,715평방피트의 석조 건물에 대한 그의 디자인을 얻었다.이 건물은 2018년 2월 18일 일반에 공개되었다.예술과 건축의 작품인 오스틴은 켈리의 [62]경력의 정점으로 여겨진다.

켈리는 1968년 넬슨 A를 위해 대형 야외 조각품을 제작하도록 의뢰받았다.뉴욕 올버니의 록펠러 엠파이어 스테이트 플라자 아트 컬렉션.'옐로우 블루'라는 이름의 이 조각상은 엠파이어 스테이트 플라자 배경에서 영감을 얻은 것으로 높이가 9피트이고 폭이 거의 16피트에 달하는 켈리의 가장 큰 입상 조각품이다.옐로우 블루는 그의 첫 번째 강철 조각품이며, 현재까지 [63]도색된 강철 조각으로 남아있는 유일한 조각품이다.

컬렉션

1957년 휘트니 미술관은 아틀란틱이라는 그림을 구입했다.그 그림은 흰 물결 모양의 호 두 개를 그린 것으로 켈리의 첫 박물관 [64]구매였다.오늘날 그의 작품은 파리 퐁피두 센터, 마드리드 아르테 레이나 소피아 국립박물관, 넬슨 A 주지사를 포함한 많은 공공 컬렉션에 있습니다. 록펠러 엠파이어 스테이트 플라자 아트 컬렉션, 올버니, 뉴욕, 테이트 모던, 런던.1999년 샌프란시스코 현대미술관은 엘스워스 켈리의 작품 22점, 그림, 벽면 부조, 조각품을 구입했다고 발표했다.그것들은 2천만 [65]달러 이상으로 평가되어 왔다.2003년, 메닐 컬렉션은 스케치,[66] 작업 도면, 콜라주를 포함한 188개의 작품을 종이에 액자에 담았다.주목할 만한 개인 수집가로는 특히 일라이 브로드와 귀네스 [12]팰트로가 있다.

인식

켈리는 또한 뉴욕 바드 칼리지(1996년), [69]애넌데일 온 허드슨, 런던 왕립미술대학(1997년),[31] 하버드 대학교, 캠브리지(2003년), 윌리엄스 칼리지(2005년)[70] 등에서 수많은 명예 학위를 받았습니다.

켈리 우표

미국 우정국은 2019년 1월에 켈리의 작품을 기리는 우표 세트가 2019년에 발행될 것이라고 발표했다.USPS의 보도자료에서는 켈리가 "실제 요소에 기초한 추상화의 변별적 스타일"을 개척한 것을 인정하고 있습니다.옐로우 화이트, 큰 벽을 위한 색상, 블루 레드 록커, 스펙트럼 I, 사우스 페리, 블루 그린, 오렌지 레드 릴리프(델핀 세이리그용), 메시스, 레드 블루, 가자 [71][72]등 10개 작품이 대표적이다.우표 세트는 2019년 [73]5월 31일에 발행됩니다.

아트마켓

딜러 베티 파슨스는 1956년에 그에게 처음으로 개인전을 제안했다.1965년, 파슨스와 거의 10년을 보낸 후, 그는 시드니 [64]재니스 갤러리와 함께 전시하기 시작했다.1970년대와 1980년대에 그의 작업은 뉴욕의 [64]레오 카스텔리와 블럼 헬먼이 공동으로 담당했다.1992년, 그는 뉴욕과 로스앤젤레스의 매튜 마크스 갤러리와 런던의 앤서니 도페이 갤러리에 합류했다.마크스의 로스앤젤레스 갤러리 정면은 1954년 파리에 거주하면서 그린 콜라주인 흑백 패널 연구(Study for Black and White Panels)와 그림 블랙 오버 화이트(Black Over White)[74]에서 영감을 받았다.1964년부터 그는 로스앤젤레스의 Gemini G.E.L.과 뉴욕 시 근처의 Tyler Graphics Ltd.에서 판화와 편집된 조각품을 제작했습니다.

2014년 켈리의 그림 레드 커브(1982)는 크리스티 뉴욕에서 [75]경매로 450만 달러에 팔렸다.엘스워스 켈리의 작품 경매 기록은 2007년 [76]11월 14일 소더비 뉴욕 컨템포러리 아트 이브닝 세일에서 520만 달러에 팔린 13부작 그림 스펙트럼 VI(1969년)에 의해 수립되었다.

2019년 11월 크리스티는 레드 커브 VII라는 작품으로 980만 [77]달러에 팔린 이 예술가의 경매 기록을 세웠다.

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외부 링크

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