알브레히트 뒤러

Albrecht Dürer
알브레히트 뒤러
프라도 미술관 26살 뒤러의 자화상
태어난(1471-05-21)21 May 1471
뉘른베르크, 신성 로마 제국 뉘른베르크 자유 제국 도시
죽은1528년 4월 6일 (1528-04-06) (56세)
신성 로마 제국 뉘른베르크
국적.독일의
기타이름알브레히트 뒤러, 알브레히트 뒤러, 알브레히트 뒤러
유명한
움직임.하이르네상스
배우자.
(m. 1494)
서명

Albrecht Dürer (/ˈdjʊərər/;[1] 독일어:ˈʔ알 ʁɛ트 ˈ디 ːʁɐ(, 1471년 5월 21일 ~ 1528년 4월 6일)는 독일 르네상스 시대의 화가, 판화가, 이론가였습니다. 뉘른베르크에서 태어난 뒤러는 20대에 고품질의 목판화로 인해 유럽 전역에서 명성과 영향력을 확립했습니다. 그는 라파엘, 지오바니 벨리니, 레오나르도 다빈치 등 당대의 주요 이탈리아 화가들과 접촉했으며, 1512년부터 막시밀리안 1세 황제의 후원을 받았습니다.

뒤러의 자화상 28(1500). 알테 피나코텍, 뮌헨.

뒤러의 방대한 작품에는 판화, 후기 판화, 제단화, 초상화 및 자화상, 수채화 및 책 등이 포함됩니다. 목판화 시리즈는 그의 나머지 작품들보다 더 고딕적입니다. 그의 유명한 판화들에는 세 명의 마이스터스티체 기사, 죽음과 악마 (1513), 그의 서재에 있는 성 제롬 (1514), 그리고 멜렌콜리아 1세 (1514)가 포함됩니다. 그의 수채화는 그가 그 매체의 잠재력에 혁명을 일으켰던 반면, 그의 수채화는 그를 최초의 유럽 풍경 예술가들 중 한 명으로 표시합니다.

뒤러가 이탈리아 예술가들과 독일 인문주의자들에 대한 지식을 통해 고전적인 모티브를 북부 예술에 도입한 것은 북부 르네상스의 가장 중요한 인물들 중 하나로 그의 명성을 확보했습니다. 이것은 수학의 원리, 관점, 그리고 이상적인 비율을 포함하는 그의 이론적 논문에 의해 강화됩니다.

전기

초기 생애 (1471–1490)

13살 뒤러가 그린 자화상 은점 드로잉, 1484. 알베르티나, 비엔나.

뒤러는 1471년 5월 21일에 알브레히트 뒤러와 바바라 홀퍼의 셋째 아들이자 둘째 아들로 태어났습니다.[5][6] 알브레히트 뒤러(Albrecht Dürer, 원래는 알브레히트 아주시)는 성공적인 금세공인으로, 1455년에 헝가리의 귤라 근처의 아주스에서 뉘른베르크로 이주했습니다.[7] 그는 주인의 딸 홀퍼와 결혼했는데, 홀퍼는 자신이 주인의 자격을 갖추었을 때였습니다.[6] 그녀의 어머니도 헝가리에 뿌리를 두고 있었고, 킹가 외링거는[8] 소프론에서 태어났습니다. 알브레히트의 형제 중 한 명인 한스 뒤러 역시 화가였고 그 아래에서 훈련을 받았습니다. 알브레히트의 또 다른 형제인 엔트레스 뒤러는 아버지의 사업을 이어받아 금세공 장인이었습니다.[9] 독일어 이름 "Dürer"는 헝가리어 "Ajtósi"에서 온 번역입니다.[7] 처음에는 헝가리어로 "ajtós"(문을 뜻하는 "ajtós"에서 유래)를 뜻하는 "Türer"였습니다. 문은 가족이 획득한 문장에 포함되어 있습니다. 알브레히트 뒤러는 나중에 뉘른베르크 지방 방언에 적응하기 위해 아버지의 성씨 사전인 '뒤러'를 '뒤러'로 바꿨습니다.[6]

무어인의 날개 달린 흉상뿐만 아니라, 그의 이름에 말장난으로 문을 장식한 뒤러의 문장의 우드컷.

뒤러의 대부 안톤 코베르거(Anton Koberger)는 뒤러가 태어난 해에 금세공업을 떠나 프린터와 출판업자가 되었습니다. 그는 독일에서 가장 성공적인 출판사가 되었고, 결국 독일과 해외에 24개의 인쇄기와 다수의 사무실을 소유하게 되었습니다. 코베르거의 가장 유명한 출판물은 1493년에 독일어와 라틴어 판본으로 출판된 뉘른베르크 연대기입니다. 그것은 전례가 없는 1,809개의 목판 삽화를 포함하고 있었습니다. (비록 같은 블록을 반복적으로 사용하기는 하지만). 뒤러는 볼게무트와 함께 있는 동안 프로젝트 작업을 시작했기 때문에 이 중 일부를 작업했을 수 있습니다.[10]

뒤러는 자전적인 글을 남겼고 20대 중반까지 널리 알려졌기 때문에, 그의 삶은 여러 자료에 잘 기록되어 있습니다. 몇 년간의 학교생활 후, 뒤러는 아버지로부터 금세공과 그림의 기초를 배웠습니다. 비록 그의 아버지는 그가 금세공인으로서 훈련을 계속하기를 원했지만, 그는 그림 그리는 데 너무나 조숙한 재능을 보여 1486년 15세의 나이에 마이클 월게무트의 견습생으로 시작했습니다.[11] 은색 점으로 그려진 자화상은 1484년 (알베르티나, 비엔나)의 "내가 어렸을 때"로 기록되어 있습니다. 이 그림은 현존하는 가장 초기의 어린이 그림들 중 하나이며, 뒤러의 오푸스 원(Opus One)으로서, 그의 작품이 자신으로부터 파생된 것으로 정의하는 데 도움을 주었습니다.[12] 볼게무트는 당시 뉘른베르크의 선두적인 예술가였으며, 큰 작업장에서 다양한 예술 작품, 특히 책을 위한 목판화를 제작했습니다. 뉘른베르크는 당시 중요하고 번영한 도시였으며, 출판과 많은 사치품 무역의 중심지였습니다. 그것은 알프스 산맥을 가로지르는 비교적 짧은 거리인 이탈리아, 특히 베니스와 강한 연관성을 가지고 있었습니다.[10]

방랑자레와 결혼 (1490–1494)

알브레히트 뒤러가 그린 최초의 자화상 (1493), 원래 벨룸 (루브르, 파리)

견습 기간을 마친 뒤, 뒤러는 독일의 일반적인 관습인 방랑자헤르(실제로는 갭 이어)를 따라갔으며, 여기서 견습생은 다른 지역의 예술가들로부터 기술을 배웠고, 뒤러는 약 4년을 떠나 보내야 했습니다. 그는 북유럽의 대표적인 판화가 마르틴 숑가워 밑에서 작업하기 위해 1490년에 떠났지만 뒤러가 1492년 콜마에 도착하기 직전에 사망했습니다. 뒤레르가 그 사이에 어디로 여행을 갔는지는 알 수 없지만, 프랑크푸르트와 네덜란드로 갔을 가능성이 높습니다. 콜마에서 뒤러는 숑가우어의 형제들인 금세공 카스파르와 파울 그리고 화가 루트비히의 환영을 받았습니다. 그해 말 뒤러는 금세공 게오르그의 또 다른 형제 마르틴 숑가워와 함께 살기 위해 바젤로 갔습니다.[n 1] 1493년 뒤러는 스트라스부르로 가서 니콜라우스 게르하르트의 조각을 경험했습니다. 뒤러의 첫 번째 자화상(현재 루브르 박물관에 있는)은 아마도 뉘른베르크에 있는 그의 약혼자에게 다시 보내질 것으로 보입니다.[10]

뉘른베르크로 돌아온 직후인 1494년 7월 7일 23세의 나이로 뒤러는 아그네스 프레이와 결혼식을 올렸습니다. 아그네스는 도시의 저명한 금관악기 연주자 (그리고 아마추어 하프 연주자)의 딸이었습니다. 그러나 결혼으로 자식이 생기지 않았고, 알브레히트와 함께 뒤러라는 이름은 사라졌습니다. 뒤러의 편지에서 알브레히트와 아그네스의 결혼은 일반적으로 행복한 결혼이 아니었습니다. 뒤러는 그의 아내에 대해 극도로 거친 어조로 윌리발드 피르크하이머에게 말을 걸었습니다. 그는 그녀를 "늙은 까마귀"라고 불렀고 다른 저속한 말을 했습니다. 피르크하이머는 또한 아그네스에 대한 반감을 숨기지 않고 그녀를 쓰디쓴 혀를 가진 구두쇠로 묘사하여 어린 나이에 뒤러의 죽음을 도왔습니다.[13] 많은 학자들은 알브레히트가 양성 또는 동성애자라는 가설을 세웠으며, 이는 그의 작품에서 호모에로틱한 주제들이 재발했기 때문입니다. 남자 목욕탕), 그리고 가까운 친구들과의 서신 왕래의 성격.[14][15][16]

이탈리아 첫 여행 (1494–1495)

뒤러의 아내 아그네스 프레이의 스케치 (1494)

결혼한 지 3개월 만에 뒤러는 뉘른베르크에서 페스트가 발발한 것에 자극받아 혼자 이탈리아로 떠났습니다. 그는 알프스를 넘어 여행하면서 수채화 스케치를 했습니다. 일부는 살아남았고 다른 일부는 그의 후기 작품에서 실제 장소의 정확한 풍경으로부터 추론될 수 있습니다. 예를 들어, 그의 판화 네메시스.

이탈리아에서, 그는 베니스의 더 발전된 예술 세계를 공부하기 위해 베니스로 갔습니다.[17] 뒤러는 볼게무트의 지도를 통해 숑가우어와 집서명인의 작품을 바탕으로 드라이포인트로 판화를 만들고 독일식으로 목판화를 디자인하는 방법을 배웠습니다.[17] 그는 또한 독일에서 몇몇 이탈리아 작품들을 접할 수 있었을 것이지만, 그가 이탈리아를 두 번 방문한 것은 그에게 엄청난 영향을 미쳤습니다. 그는 지오반니 벨리니가 베니스의 예술가들 중 가장 나이가 많고 여전히 최고라고 썼습니다. 그의 그림과 판화들은 신체의 비율에 대한 그의 관심과 함께 안토니오 델 폴라이우올로와 같은 다른 사람들의 영향을 보여줍니다. 로렌초 디 크레디와 안드레아 만테그나는 훈련하는 동안 그의 작품을 복제했습니다.[18] 뒤러는 아마도 이번 여행에서도 파도바와 만토바를 방문했을 것입니다.[n 2]

뉘른베르크 복귀 (1495–1505)

멜렌콜리아 1세 (1514), 판화

뒤러는 1495년 뉘른베르크로 돌아와 자신의 작업장을 열었습니다. 다음 5년 동안 그의 스타일은 점점 더 이탈리아의 영향을 북부의 기본 형태로 통합했습니다. 워크숍의 첫 해 동안 거의 틀림없이 그의 최고의 작품들은 대부분 종교적이지만 남성 목욕(1496)c.과 같은 세속적인 장면들을 포함한 그의 목판화들이었습니다. 이것들은 지금까지 대다수의 독일 목판들보다 크고 정교하게 잘려 나갔으며, 훨씬 더 복잡하고 균형 잡힌 구성이었습니다.

이제 뒤러가 직접 목판을 베었을 가능성은 거의 없다고 생각됩니다. 이 작업은 전문 장인에 의해 수행되었을 것입니다. 그러나, 많은 조각되고 채색된 제단 조각들과 목판을 디자인하고 자르는 둘 다를 만들었던 Wolgemut의 작업실에서의 그의 훈련은 분명히 그에게 그 기술이 무엇을 생산하기 위해 만들어질 수 있는지와 블록 절단기와 함께 일하는 방법에 대한 큰 이해를 주었습니다. 뒤러는 그의 디자인을 목판 자체에 직접 그려 넣었거나, 종이로 그린 그림을 블록에 붙였습니다. 어느 쪽이든, 그의 그림은 블록을 자르는 동안 파괴되었습니다.

린다우(콘스탄스 호수) 출신 상인 오스월트 크렐의 초상화, 남독일 중세 무역회사 그로 ß 라벤스버거 헨델스게셀샤프트, 1499

그의 묵시록을[19] 위한 16개의 디자인 시리즈는 1498년으로 거슬러 올라가며, 그의 세인트루이스 판화도 마찬가지입니다. 마이클 드래곤과 싸웁니다. 그는 같은 해에 <위대한 열정>의 첫 일곱 장면을 만들었고, 조금 후에 <성가>와 <성가>에 대한 열한 편의 연작을 만들었습니다. 1496년 작센의 프리드리히 3세에 의해 의뢰된 일곱 개의 슬픔 폴리피치는 뒤러와 그의 조수들에 의해 처형되었습니다. 1500년. 1502년 뒤러의 아버지가 사망했습니다. 뒤러는 1503년에서 1505년 사이에 처녀의 삶을 묘사한 세트 중 첫 17점을 제작했지만 몇 년 동안 완성하지 못했습니다. 이것들이나 위대한 열정 모두 몇 년 후까지 세트로 출판되지는 않았지만, 판화들은 개별적으로 상당한 숫자로 팔렸습니다.[10]

같은 기간 동안 뒤러는 부린을 사용하여 판화를 만드는 어려운 기술을 익혔습니다. 이 기술은 금세공의 필수적인 기술이기도 했기 때문에 아버지와 함께 초기 훈련 중에 배우기 시작했을 가능성이 있습니다. 1496년에 그는 이탈리아 르네상스 미술사가 조르지오 바사리가 게르만적인 특성에 주목하면서 칭찬을 위해 선정한 탕자를 처형했습니다. 그는 곧 매우 상세한 풍경 배경과 동물들을 포함한 네메시스(1502), 바다 괴물(1498), 성 유스타이스(c.1501)와 같은 화려하고 독창적인 이미지들을 제작했습니다. 숲 속의 연못과 버드나무 방앗간과 같은 이 시기의 그의 풍경은 그의 초기 수채화와 상당히 다릅니다. 지형을 묘사하는 것보다 분위기를 포착하는 것에 훨씬 더 중점을 둡니다. 그는 다수의 마돈나, 단일 종교인, 그리고 희극적인 소작농 인물들과 함께 작은 장면들을 만들었습니다. 판화는 휴대성이 뛰어나고, 이 작품들은 몇 년 안에 뒤러를 유럽의 주요 예술 중심지에서 유명하게 만들었습니다.[10]

기도하는 손, 펜과 잉크 드로잉 c.(1508)

뒤러가 베니스에서 만났던 베네치아의 예술가 야코포 데 바르바리는 1500년 뉘른베르크를 방문했고, 뒤러는 그로부터 관점, 해부학, 비율의 새로운 발전에 대해 많이 배웠다고 말했습니다.[20] 데 바르바리는 자신이 알고 있는 모든 것을 설명하기를 꺼렸고, 뒤러는 평생의 선입견이 될 자신의 연구를 시작했습니다. 현존하는 일련의 그림은 뒤러의 실험을 인간의 비율로 보여주며, 유명한 아담과 이브(1504)의 판화로 이어지는데, 이는 살 표면의 질감에 부린을 사용하면서 그의 섬세함을 보여줍니다.[10] 현존하는 유일한 판화로 그의 전체 이름을 새긴 것입니다.

뒤러는 특히 그의 그림과 판화를 위해 많은 수의 준비된 그림들을 만들었고, 많은 그림들이 남아있는데, 가장 유명한 것은 헬러 제단화에 있는 사도를 위한 연구인 1508년경의 베덴데 헨데(기도하는 손)입니다. 그는 그의 어린 토끼(1502)와 거대한 뗏목 조각(1503)을 포함하여 초원의 부분이나 동물들의 정물화를 포함하여 수채화와 바디 컬러(일반적으로 조합된)로 이미지를 계속 만들었습니다.

두 번째 이탈리아 여행 (1505–1507)

이탈리아에서, 그는 그림으로 돌아왔고, 처음에는 린넨에 템페라 화법으로 실행된 일련의 작품들을 제작했습니다. 여기에는 초상화와 제단화, 특히 파움가르트너 제단화와 마기 숭배가 포함됩니다. 1506년 초, 그는 베네치아로 돌아와 1507년 봄까지 그곳에 머물렀습니다.[4] 이때쯤 뒤러의 판화들은 큰 인기를 얻었고 복제되고 있었습니다. 베네치아에서 그는 독일 이민자 사회로부터 산 바르톨로메오 교회에 대한 귀중한 의뢰를 받았습니다. 이것은 처녀의 경배 또는 장미 화환의 향연으로 알려진 제단의 조각이었습니다. 베니스의 독일 공동체 구성원들의 초상화도 포함되어 있지만, 이탈리아의 영향력이 강하게 나타나고 있습니다. 그것은 후에 루돌프 2세 황제에 의해 획득되었고 프라하로 가져갔습니다.[21]

뉘른베르크와 걸작들 (1507–1520)

베네치아에 의해 점령당했음에도 불구하고 뒤러는 1507년 중반까지 뉘른베르크로 돌아와 1520년까지 독일에 머물렀습니다. 그의 명성은 유럽 전역에 퍼졌고 그는 라파엘을 포함한 대부분의 주요 예술가들과 우호적인 관계를 맺고 소통했습니다.[n 3]

뒤러는 1507년에서 1511년 사이에 그의 가장 유명한 그림들 중 일부를 작업했습니다. 아담과 이브 (1507년), 만의 순교 (1508년 작센의 프리드리히를 위하여), 아이리스와 함께 한 성모 (1508년), 제단 뒤의 성모 추정 (1509년 프랑크푸르트의 야콥 헬러를 위하여), 삼위일체의 경배 (1511년). 이 기간 동안 그는 또한 1511년에 아포칼립스 시리즈의 두 번째 판과 함께 출판된 "위대한 열정"과 "처녀의 일생"이라는 두 개의 목판 시리즈를 완성했습니다. 베네시안 이후의 목판화들은 뒤러의 키아로스쿠로 모델링 효과의 발전을 보여주며,[23] 하이라이트와 그림자가 대비될 수 있는 중간 톤을 인쇄 전반에 걸쳐 만들어냅니다.

이 시기의 다른 작품들로는 1511년에 처음 출판된 37점의 열정적인 작은 나무 조각들과 1512년에 같은 주제의 15점의 작은 판화들이 있습니다. 그림이 자신의 판화들과 비교했을 때 소비된 시간을 정당화하기에 충분한 돈을 벌지 못한다고 불평하면서, 그는 1513년부터 1516년까지 그림을 만들지 않았습니다. 뒤러는 1513년과 1514년에 그의 가장 유명한 세 개의 판화들을 만들었습니다: 기사, 죽음과 악마 (1513년, 아마도 에라스무스의 기독교 기사 편람에 근거한 것일 것입니다),[24] 성 제롬 그의 연구, 그리고 많이 논쟁이 된 멜렌콜리아 1세 (둘 다 뒤러의 어머니가 사망한 해인 1514년).[n 4] 뒤러가 1513년에 그린 예술 작품의 더 뛰어난 펜과 잉크 그림들은 그의 친구 피르크하이머를 위한 초고였습니다. 이 초안들은 나중에 뿔과 나무 조각을 결합하여 루스터바이브첸 샹들리에를 디자인하는 데 사용되었습니다.

1515년, 그는 리스본에 도착한 코뿔소 목판화를 그 동물을 본 적 없이 다른 예술가의 글과 스케치로부터 만들었습니다. 인도 코뿔소의 이미지인 그 이미지는 매우 강력해서 그의 가장 잘 알려진 것 중 하나로 남아있고 지난 세기 후반까지도 일부 독일 학교 과학 교과서에 여전히 사용되었습니다.[10] 1520년까지 몇 년 동안 그는[26] 1515년 최초의 서양 인쇄 별 차트의 목판과 1516년 린넨에 템페라로 초상화를 그리는 등 다양한 작품을 제작했습니다. 그의 유일한 에칭 실험은 이 시기에 이루어졌으며, 1515년에서 1516년 사이에 5개, 1518년에 6개의 에칭을 만들어냈습니다. 이 기법은 그가 체계적이고 고전적인 형태의 미학에 맞지 않는 것으로 포기했을 수도 있습니다.[27]

막시밀리안 1세의 후원

막시밀리안 1세 초상화

1512년부터 막시밀리안 1세는 뒤러의 주요 후원자가 되었습니다. 그는 192개의 블록으로 인쇄된 방대한 작품인 개선문을 의뢰했는데, 이 작품의 상징성은 피르크하이머의 호라폴로의 상형문자 번역에 의해 부분적으로 알려졌습니다. 디자인 프로그램과 설명은 요하네스 스타비우스에 의해 고안되었고, 건축 설계는 마스터 건축가이자 화가인 요르그 쾰데러에 의해 고안되었고, 나무를 자르는 것은 히에로니무스 안드레에에 의해 고안되었고, 뒤러는 디자이너 총 책임자로 있습니다. 개선문은 1512년 마르크스 슈트라이츠-사우르바인에 의해 제작된 개선문에 이어 뒤러 뿐만 아니라 알브레히트 알토르퍼와 한스 스프링킹클레의 목판화를 포함하는 개선문이 이어졌습니다.

뒤러는 황제의 인쇄된 기도서를 위해 변두리 이미지를 펜으로 작업했습니다; 이것들은 1808년에 리소그래피로 출판된 첫 번째 책의 일부로 팩시밀리가 출판되기 전까지는 꽤 알려지지 않았습니다. 뒤러의 책 작업은 알 수 없는 이유로 중단되었고 장식은 루카스 크라나흐 대제와 한스 발둥을 포함한 예술가들에 의해 계속되었습니다. 뒤러는 또한 1519년 막시밀리안이 사망하기 직전의 초상화를 포함하여 황제의 초상화를 여러 개 만들었습니다.

막시밀리안은 때때로 돈을 지불하지 못하는 매우 돈이 부족한 왕자였지만, 알고 보니 뒤러의 가장 중요한 후원자였습니다.[28][29][30] 그의 궁정에서 예술가와 학식 있는 사람들은 존경을 받았는데, 이는 그 당시에는 흔하지 않았습니다(이후 뒤러는 독일에서는 비귀족으로서 기생충 취급을 받았다고 언급했습니다).[31][32] 피르크하이머(1495년 막시밀리안의 봉사에 들어가기 전에 만난)는 궁정의 중요한 인물이자 위대한 문화 후원자이기도 했는데, 그는 고전 지식과 인문학적 비판 방법론의 가정교사로서 뒤러에게 강력한 영향을 미쳤고, 협력자이기도 했습니다.[33][34] 막시밀리안의 궁정에서 뒤러는 또한 요하네스 스타비우스, 콘라트 푸팅거, 콘라트 셀테스, 한스 트셰르테 (제국 건축가)와 같은 그의 친구가 된 당대의 뛰어난 예술가 및 학자들과 협력했습니다.[35][36][37][38]

뒤러는 자신의 직업을 가진 왕자로서 자신의 능력에 대해 강한 자부심을 나타냈습니다.[39] 어느 날 황제는 뒤러에게 아이디어를 보여주려 했지만, 직접 숯으로 스케치를 하려고 했지만, 항상 그것을 깨뜨렸습니다. 뒤러는 막시밀리안의 손에서 숯을 꺼내 그림을 완성하고 그에게 말했습니다: "이것은 나의 정원입니다."[40][41][42]

또 다른 경우, 막시밀리안은 뒤레르가 사용한 사다리가 너무 짧고 불안정하다는 것을 알고 귀족에게 그 사다리를 잡아달라고 말했습니다. 귀인은 귀인을 섬기는 것은 자신의 아래에 있는 일이라며 거절했습니다. 그러자 막시밀리안이 직접 사다리를 들고 와서 귀족에게 언제든지 농민으로 귀족을 만들 수는 있지만, 뒤러 같은 예술가를 귀족으로 만들 수는 없다고 말했습니다.[43][44][45]

슈타비우스와 콘라트 헤인포겔의 지휘 아래 알브레히트 뒤러가 만든 천구 북반구[de]

이 이야기와 아우구스트 시게르트가 그린 1849년 그림은 최근에 관련성을 갖게 되었습니다. 이 19세기 그림은 뒤러가 성에서 벽화를 그리는 것을 보여줍니다. 비엔나 슈테판 대성당. 이것은 이전에 언급된 (황제가 사다리를 들고 있던) 조우에 대한 17세기 "예술가들의 전설"을 반영하는 것으로 보입니다. 이 조우는 뒤러가 비엔나 벽화를 작업하던 시기와 일치합니다. 2020년 미술 감정가들은 복원 작업 중에 현재 뒤러의 것으로 추정되는 필적을 발견했는데, 이는 뉘른베르크의 거장이 실제로 상트페테르부르크의 벽화 제작에 참여했음을 시사합니다. 스티븐 대성당. 최근 뉘른베르크에서 열린 2022 뒤러 전시회(그림 기법도 추적되어 뒤러의 다른 작품들과 연결되는)에서는 커미셔너의 정체성이 논의됩니다. 이제 시게르트의 그림(그리고 그와 관련된 전설)은 이것이 막시밀리안이라는 것을 암시하는 증거로 사용됩니다. 뒤러는 역사적으로 1511년 황제의 봉직에 들어간 것으로 기록돼 있으며 벽화의 연대는 1505년 정도로 추정되지만 이들이 서로 알고 작업한 시기가 1511년 이전일 가능성이 있습니다.[46][47][48]

지도 및 천문학 작품

뒤러의 우주 탐험은 궁정 천문학자 요하네스 스타비우스와의 관계와 협력으로 이어졌습니다.[49] 스타비우스는 또한 종종 뒤러와 막시밀리안의 재정적 문제를 해결해주는 중재자 역할을 하기도 했습니다.[50]

1515년 뒤러와 스타비우스는 견고한 기하학적 구에 투영된 최초의 세계 지도를 만들었습니다.[51] 또한 1515년에 스타비우스, 뒤레르, 천문학자 콘라트 헤인포겔[de]이 남반구와 북반구의 첫 번째 평면구와 첫 번째 인쇄된 천체도를 제작하여 유럽 전역에서 우라노메트리 분야에 대한 관심이 다시 부활했습니다.[52][53][54][55]

네덜란드 여행 (1520–1521)

성 제롬의 서재 (1521)는 뒤러의 네 번째이자 마지막 주요 여정 동안 그려진 가장 중요한 그림입니다.

막시밀리안의 죽음은 뒤러가 (아마도 관절염으로 인한) 나의 시각과 손의 자유를 잃고 마르틴 루터의 저술에 의해 점점 더 영향을 받는 것을 염려하는 시기에 일어났습니다.[56] 1520년 7월 뒤러는 막시밀리안이 그에게 준 황제 연금을 갱신하고 아헨에서 즉위할 새로운 황제 카를 5세의 후원을 확보하기 위해 네 번째이자 마지막 여행을 했습니다. 뒤러는 아내와 하녀와 함께 라인강을 통해 쾰른으로 이동한 후 앤트워프로 이동하여 은화, 분필, 숯 등으로 많은 그림을 그려 호평을 받았습니다. 대관식에 참석했을 뿐만 아니라, 그는 쾰른(그가 스테판 로흐너의 그림을 존경했던 곳), 니메겐(Nijmegen), 헤르토겐보쉬(Hertogenbosch), 브뤼헤(Michelangelo's Madonna of Bruges), 겐트(Ghent),[57] 그리고 질란트(Zeeland)를 방문했습니다.

뒤러는 많은 양의 판화들을 그에게 가져가서 그들에게 주고, 교환하거나, 얼마에 팔았는지 일기에 썼습니다. 이것은 이 시기에 인쇄물에 저장된 화폐 가치에 대한 희귀한 정보를 제공합니다. 그림과 달리, 그들의 판매는 매우 드물게 기록되었습니다.[58] 귀중한 기록적 증거를 제공하는 한편, 뒤러의 네덜란드 일기에서도 이번 여행이 수익성이 없었다는 사실이 밝혀지고 있습니다. 예를 들어, 뒤러는 막시밀리안의 마지막 초상화를 그의 딸 오스트리아의 마거릿에게 주었지만, 마거릿이 그 초상화를 싫어하고 그것을 받아들이지 않자 결국 그 그림을 하얀 천과 교환했습니다. 이 여행 동안 그는 또한 베르나르 판 오를리, 얀 프로부스트, 제라드 호렌부트, 장 모네, 요아힘 파티니르, 토마소 빈치도르를 만났지만 쿠엔틴 마티스를 만나지는 못한 것 같습니다.[59]

연금을 확보한 뒤러는 1521년 7월 원인을 알 수 없는 병에 걸려 여생을 괴롭혔고 노동률을 크게 떨어뜨렸습니다.[10]

뉘른베르크 (1521년 ~ 1528년)

살바토르 문디, 나무에 그린 미완성 유화, 풀 페인팅

뉘른베르크로 돌아오는 길에 뒤러는 십자가에 못 박힌 장면과 사크라 대화곡을 포함한 종교적 주제를 가진 많은 거대한 프로젝트를 수행했지만 둘 다 완성되지 않았습니다.[60] 이것은 부분적으로 그의 건강이 나빠졌기 때문일 수도 있지만, 아마도 그가 기하학과 원근법, 사람과 말의 비율, 그리고 요새화에 대한 그의 이론적인 작업을 준비하는 데 시간을 할애했기 때문일 수도 있습니다.

그러나, 이러한 강조의 변화의 한 가지 결과는 뒤러가 그의 삶의 마지막 몇 년 동안 예술가로서 상대적으로 적게 생산했다는 것입니다. 그림 속에는 성모 마리아와 아이(1526), 살바토르 문디(1526), 성녀를 보여주는 두 장의 판넬인 히에로니무스 홀츠슈허의 초상화만 있었습니다. 존 위드 세인트. 피터는 배경에, 세인트 폴은 세인트 폴과 함께. 배경에 표시. 뒤레르가 뉘른베르크 시에 준 마지막 위대한 작품인 '사도'는 100명의 길드원에게 답례로 주어졌습니다.[61]

판화에 관해 말하자면, 뒤러의 작품은 그의 논문을 위해 초상화와 삽화로 제한되었습니다. 초상화에는 마인츠의 알베르트 추기경, 작센의 선거인 프리드리히, 인문학자 윌리발드 피르크하이머, 필리프 멜랑숑, 로테르담의 에라스무스가 포함되어 있습니다. 뒤러는 추기경, 멜랑숑, 뒤러의 마지막 주요 작품인 뉘른베르크 귀족 울리히 스타크의 초상화를 옆모습으로 묘사했습니다.

뒤러는 공식적인 고전 교육의 부족을 호소했음에도 불구하고 지적인 문제에 크게 관심이 있었고 소년 시절 친구였던 윌리발드 피르크하이머로부터 많은 것을 배웠고, 그는 의심할 여지 없이 그의 많은 이미지의 내용에 대해 자문했습니다.[62] 그는 또한 에라스무스와 다른 학자들과의 우정과 서신을 통해 큰 만족감을 얻었습니다. 뒤러는 생전에 두 권의 책을 만드는 데 성공했습니다. 측정에 관한 네 권의 책은 1525년 뉘른베르크에서 출판되었고, 독일어로 된 성인을 위한 최초의 수학 책이었고,[10] 이후 갈릴레오와 케플러에 의해 인용되었습니다. 다른 하나는 도시 요새에 관한 연구로 1527년에 출판되었습니다. 인간의 비율에 관한 네 권의 책은 1528년 그가 죽은 직후 사후에 출판되었습니다.[4]

뒤러는 뉘른베르크에서 56세의 나이로 사망하여 6,874 플로린의 재산을 남겼습니다. 그는 요하네스프리드호프 묘지에 묻혔습니다. 그의 작업장이 있었고 그의 미망인이 1539년 사망할 때까지 살았던 천문학자 베른하르트 발터의 상속자들로부터 1509년에 구입한 그의 큰 집은 뉘른베르크의 중요한 랜드마크로 남아 있습니다.[10]

뒤러와 종교개혁

뉘른베르크에 있는 알브레히트 뒤러 왕가

뒤러의 글을 보면 루터가 가톨릭교회를 떠난 적이 있는지는 불분명하지만 루터의 사상에 동조했을 수도 있다는 것을 알 수 있습니다. 뒤러는 1520년 자신의 일기에서 루터를 그리고자 하는 욕망에 대해 다음과 같이 썼습니다: "그리고 신은 내가 마틴 루터 박사에게 갈 수 있도록 도와주신다. 그래서 나는 그의 초상화를 정성껏 그리고 구리판에 새겨서 내가 많은 어려움들을 극복하도록 도와준 기독교인의 영원한 기념을 만들고자 합니다."[63] 뒤러는 1524년 니콜라스 크라처에게 보낸 편지에서 "우리의 기독교 신앙 때문에 우리는 경멸과 위험 속에 서 있어야 합니다. 왜냐하면 우리는 욕을 먹고 이단자라고 불리기 때문입니다."라고 썼습니다. 가장 중요한 것은, 피르크하이머가 1530년 요한 체르트에게 보낸 편지에서 다음과 같이 썼습니다: "처음에 저는 루터를 믿었습니다, 축복받은 기억의 알버트처럼… 하지만 누구나 볼 수 있듯이, 상황은 더 나빠졌습니다." 뒤러는 심지어 1525년 3월 뉘른베르크 시의회가 루터교 설교와 예배를 의무화하는 데 기여했을 수도 있습니다. 특히 뒤러는 츠빙글리, 안드레아스 칼슈타트, 멜랑숑, 에라스무스, 코르넬리우스 그라페우스와 같은 다양한 개혁가들과 접촉했습니다.[64] 하지만 에라스무스와 C. 그라페우스는 가톨릭의 변화제라고 더 잘 알려져 있습니다. 또한 1525년부터 "농민전쟁의 정점과 붕괴가 있었던 해, 작가는 [루테란] 운동과 다소 거리를 두는 모습을 볼 수 있다..."[65]

1518년 뒤러의 최대 에칭인 대포

뒤러의 후기 작품들도 개신교의 동정심을 보여준다고 주장되고 있습니다. 그의 1523년 최후의 만찬 목판은 종종 복음을 지지하는 그리스도에 초점을 맞춘 것처럼 복음적인 주제를 가진 것으로 이해되어 왔으며,[66] 비록 이러한 해석에 의문이 제기되었지만, 개신교의 특질의 표현인 성찬 잔을 포함했습니다.[67] 1523년에 완성되었지만 1526년까지 배포되지 않은 성 필립의 판화가 지연된 것은 성자들의 이미지에 대한 뒤레르의 불안감 때문일 수도 있습니다. 뒤레르가 우상 파괴자가 아니었음에도 불구하고 말년에는 종교에서의 예술의 역할을 평가하고 의문을 제기했습니다.[68]

유산과 영향력

삼위일체의 예찬 (란다우어 제단)
묵주의 향연 (1506)
플로렌스 Galleria degli Uffizi 목재에 기름을 묻힌 마기(1504)의 숭배

뒤러는 그의 그림들이 주로 소수의 도시들에 위치한 개인 소장품들에 있었기 때문에, 특히 그의 동시대 사람들이 그의 예술을 주로 경험했던 매체인 판화 제작에서 다음 세대의 예술가들에게 거대한 영향력을 행사했습니다. 판화를 통해 그의 명성을 유럽 전역에 퍼뜨리는 그의 성공은 의심할 여지 없이 라파엘, 티티안, 파르미지아니노와 같은 주요 예술가들에게 영감을 주었는데, 그들 모두는 그들의 작품을 홍보하고 배포하기 위해 판화 제작자들과 협력했습니다.

그의 판화들은 그의 독일 후계자들에게 위협적인 영향을 미쳤던 것으로 보입니다. 그들은 큰 판화들을 거의 시도하지 않았지만 뒤러의 주제들을 작고 다소 비좁은 작품들로 이어나갔습니다. 루카스 반 레이든(Lucas van Leyden)은 16세기 전반 3분의 1에서 대형 판화를 계속해서 성공적으로 제작한 유일한 북유럽 판화가였습니다. 뒤레르의 그늘에서 훈련한 이탈리아 판화가들의 세대는 모두 그의 풍경 배경의 일부(줄리오 캄파뇰라, 지오반니 바티스타 팔룸바, 베네데토 몬타냐, 크리스토파노 로베타)를 직접 모방하거나, 판화 전체(마르칸토니오 라이몬디와 아고스티노 베네치아노)를 모방했습니다. 그러나 뒤러의 영향력은 마르칸토니오가 그의 새로운 판화 스타일을 완성한 1515년 이후 덜 지배적이 되었고, 그는 알프스를 넘어 북부 판화도 지배했습니다.

뒤레르는 이탈리아에서 상대적으로 영향력이 적었는데, 이탈리아에서는 아마도 베네치아에 있는 그의 제단 뒤의 그림만 볼 수 있었을 것이고, 그의 독일 후계자들은 독일과 이탈리아 양식을 혼합하는 데 덜 효과적이었습니다. 그의 강렬하고 자화상은 현재까지 특히 더 극적인 초상화 양식을 원했던 19세기와 20세기의 화가들에게 강한 영향을 미치고 있습니다. 뒤러는 비판적인 호의에서 한 번도 떨어지지 않았고, 1570년에서 1630년 사이의 뒤러 르네상스, 19세기 초의 독일과 1870년에서 1945년 사이의 독일 민족주의에서 그의 작품에 대한 상당한 관심의 부활이 있었습니다.[10]

루터 교회는 매년 4월 6일 미켈란젤로,[69][70] 루카스 크라나흐 장로, 한스 부르크마이어와 함께 뒤러를 기념합니다.

이론적 작업

그의 모든 이론적인 작품들에서, 라틴어가 아닌 독일어로 그의 이론을 전달하기 위해, 뒤러는 모국어인 장인들의 언어에 기초한 그래픽 표현들을 사용했습니다. 예를 들어, "Schneckenlinie" ("달팽이 줄")은 나선형을 뜻하는 그의 용어였습니다. 그래서 뒤러는 루터가 성경을 번역하면서 시작한 독일 산문의 확장에 기여했습니다.[61]

측정에 관한 네 권의 책

기하학에 대한 뒤러의 연구는 측정에 관한 네 권의 책(Undweysung der Messung mit dem Zirckel und Richtscheyt 또는 나침반과 자로 측정하는 지침서)이라고 불립니다.[71] 첫 번째 책은 선형 기하학에 초점을 맞추고 있습니다. 뒤러의 기하학적 구조에는 나선, 콘코이드 및 에피클로이드가 포함됩니다. 그는 또한 아폴로니우스와 1522년 요하네스 베르너의 '리벨루스 슈퍼 비긴티 두오부스 엘레멘티스 코니시스'를 그렸습니다.

두 번째 책은 2차원 기하학, 즉 규칙적인 다각형의 구성으로 넘어갑니다.[72] 여기서 뒤러는 유클리드보다 프톨레마이오스의 방법을 선호합니다. 세 번째 책은 이러한 기하학의 원리를 건축, 공학 및 타이포그래피에 적용합니다. 건축에서 뒤레르는 비트루비우스를 인용하지만 자신의 고전적인 디자인과 기둥을 정교화합니다. 타이포그래피에서 뒤러는 이탈리아의 선례에 의존하여 라틴 알파벳의 기하학적 구조를 묘사합니다. 하지만, 그의 고딕 알파벳 구성은 완전히 다른 모듈식 시스템에 기반을 두고 있습니다. 네 번째 책은 첫 번째와 두 번째의 진행을 입체적인 형태로 이동하고 다면체의 구축으로 완성합니다. 여기서 뒤러는 다섯 개의 플라톤 고체와 일곱 개의 아르키메데스 반정규 고체, 그리고 자신의 발명품 몇 가지에 대해 이야기합니다.

인간의 비율에 관한 네 권의 책

인간의 비율에 관한 4권의 삽화

뒤러의 인간 비율에 관한 연구는 1528년의 인간 비율에 관한 네 권의 책(Vier Bücher von Menschlicher Production)이라고 불립니다.[73] 첫 번째 책은 주로 1512/13년에 구성되어 1523년에 완성되었는데, 신체의 모든 부분이 전체 키의 분수로 표현된 남성과 여성 모두 5가지 다른 구성 형태를 보여줍니다. 뒤러는 비트루비우스와 "2~3백 명의 살아있는 사람들"에 대한 경험적 관찰에 기반을 두었습니다.[61] 두 번째 책은 8가지 유형을 더 포함하고 있는데, 이것은 분수가 아니라 알베르티우스 체계로 나뉘어져 있는데, 뒤러는 아마도 프란체스코 디 조르지오의 1525년의 데 하모니카 문디 토티우스에게서 배웠을 것입니다. 뒤러는 세 번째 책에서 볼록거울과 오목거울의 수학적 시뮬레이션을 포함하여 도형의 비율을 수정할 수 있는 원리를 제시합니다. 여기서 뒤러는 인간의 관상도 다루게 됩니다. 네 번째 책은 운동 이론에 대한 내용입니다.[20]

그러나 마지막 책에는 뒤러가 1512년에서 1528년 사이에 작업한 미학에 관한 자화자찬 에세이가 추가되어 있는데, 여기서 우리는 '이상적 아름다움'에 관한 그의 이론을 알게 됩니다. 뒤러는 알베르티의 객관적 아름다움 개념을 거부하고, 다양성에 기초한 상대주의적 아름다움 개념을 제안했습니다. 그럼에도 뒤러는 그러한 코드의 기준을 정의하는 것이 어렵다는 것을 알았음에도 불구하고, 여전히 진리는 자연 안에 숨겨져 있으며, 아름다움을 명령하는 규칙이 있다고 믿었습니다. 1512/13년에 그의 세 가지 기준은 함수('Nutz'), 순진한 ï 승인('Wohlgefallen'), 행복 배지('Mittelmass')였습니다. 그러나, 알베르티나 레오나르도와 달리 뒤러는 아름다움의 추상적인 개념뿐만 아니라 예술가가 어떻게 아름다운 이미지를 창조할 수 있는지에 대해서도 이해하는 것에 가장 어려움을 겪었습니다. 1512년부터 1528년 최종안 사이에 뒤러의 믿음은 인간의 창의성을 자발적이거나 영감을 받은 것으로 이해하는 것에서 '선택적 내적 합성'이라는 개념으로 발전했습니다.[61] 즉, 예술가는 아름다운 것을 상상하기 위해 풍부한 시각적 경험을 기반으로 합니다. 한 명의 예술가가 가진 영감 이상의 능력에 대한 뒤러의 믿음은 "한 사람이 하루 안에 종이 반 장에 펜으로 무엇인가를 그릴 수도 있고, 그의 작은 쇠로 그것을 작은 나무 조각으로 자를 수도 있다"고 주장하게 만들었습니다. 그리고 작가가 1년 내내 극도의 근면함으로 일하는 다른 사람의 작품보다 더 훌륭하고 예술적인 것으로 드러났습니다."[74]

  • Title page of Vier Bücher von menschlicher Proportion showing the monogram signature of artist
    예술가의 모노그램 서명을 보여주는 Vier Bücher von menschlicher Proportion의 제목 페이지
  • Dürer often used multiview orthographic projections.
    Dürer는 종종 다중 뷰 맞춤법 프로젝션을 사용했습니다.
  • Dürer's study of human proportions
    인간의 비율에 관한 뒤러의 연구

요새화에 관한 책

1527년 뒤러는 또한 도시, 성, 지방의 요새화에 관한 다양한 교훈(Etriche Underrichtzu Bebfestigung der Stett, Schlossund Flecken)을 출판했습니다. 그것은 아마도 Hieronymus Andreae에 의해 뉘른베르크에서 인쇄되었고 1603년에 Johan Jansen에 의해 아르넴에서 재인쇄되었습니다. 1535년에 그것은 또한 라틴어로 "도시, 요새, 성, 여러가지 방법으로 설계되고 강화됨: 가장 필요한 전쟁 수용 (Devrbus, arcibus, castellisque condis, aciendisationes alquot : praesenti bellorum needicitati communitati community)"으로 번역되었습니다. 파리에서 크리스티안 웨첼(Wecheli/Wechelus)이 출판했습니다.[75]

이 작품은 그의 다른 작품들보다 덜 철저하게 이론적이며, 곧 이탈리아의 다각형 요새화 이론(이탈리아인의 흔적 – 바스티온 요새 참조)에 의해 가려졌지만, 그의 디자인은 독일 동부 영토와 발트해 지역까지 어느 정도 영향을 미친 것으로 보입니다.

펜싱

뒤러는 그의 일생 동안 군인과 기사들의 스케치와 목판화를 많이 만들었습니다. 그러나 그의 가장 중요한 무공은 1512년에 막시밀리안 1세의 후원을 확보하기 위한 노력의 일환으로 이루어졌습니다. 뉘른베르크 그룹의 기존 원고를 참고로 하여, 그의 작업장은 광범위한 ο πλοδιδα σκα λια sive Armorvm Tractandorvm Meditatio Alberti Dvreri (무기 훈련 또는 무기 취급에 관한 Albrecht Dürer의 명상, MS 26-232)를 제작했습니다. 뉘른베르크 문헌과 한스 탈호퍼의 작품 중 하나인 제목 없는 베를린 그림책(Libr)을 바탕으로 한 또 다른 원고.Pict.A.83)도 이 무렵 그의 작업장에서 유래된 것으로 생각됩니다. 이 스케치들과 수채화들은 뒤러의 다른 작품들과 마찬가지로 디테일과 인간의 비율에 세심한 주의를 보여주며, 그의 그래플링, 장검, 단검, 메서의 삽화들은 어떤 펜싱 매뉴얼에서도 최고 수준입니다.[76]

갤러리

  • 도면 및 판화
  • Nemesis, c. 1501/02
    네메시스 1501/02
  • Virgin Suckling The Child, 1503
    1503년 아이를 빨아먹는 버진
  • Man of Sorrows, 1509
    애환의 남자, 1509
  • The Expulsion from Paradise, 1510
    1510년 낙원으로부터의 추방
  • The Scourging of Christ, c. 1511, Private collection.
    그리스도의 재앙, 1511년 개인 소장품.
  • Bearing of the Cross, 1512
    1512년 십자가의 베어링
  • Rhinoceros, 1515, National Gallery of Art
    코뿔소, 1515, 국립미술관
  • Bearded Saint in a Forest, c. 1516
    1516년 숲 속의 수염난 성녀
  • Head of an Old Man, 1521
    1521년 노인의 머리
  • St. Christopher, engraving, 1521
    세인트 크리스토퍼, 판화, 1521년
  • Portrait Of Bilibald Pirkeymheir, 1524
    1524년 빌리볼드 피르키메헤어 초상화

작품목록

참고문헌

메모들

  1. ^ 여기서 그는 니콜라우스 케슬러의 'Epistolare beati Hieronymi'의 앞 작품으로 성 제롬의 목판을 제작했습니다. 에르빈 파노프스키(Erwin Panofsky)는 이 판화가 코베르거(Koberger)의 '성자의 삶'(1488)과 볼게무트(Wolgemut) 작업장의 '울미안 양식'을 결합했다고 주장합니다. Panofsky (1945), 21
  2. ^ 이 여행에 대한 증거는 확실하지 않습니다. 파노프스키(Panofsky, 1943년 Albrecht Dürer)는 이 여행이 일어났다는 제안을 지지하며, 2020-22년 대형 전시회 "Dürer's Journals"의 여러 큐레이터를 포함한 다수의 학자들에 의해 받아들여지고 있지만, 다른 학자들에 의해 논란이 되고 있습니다. Katherine Crawford Luber 포함 (Albrecht Dürer and Venetian Renaissance, 2005)
  3. ^ 바사리에 따르면 뒤러는 라파엘에게 수채화로 된 자화상을 보냈고, 라파엘은 여러 장의 그림을 되돌려 보냈습니다. 하나는 1515년의 것으로, 뒤레르(또는 그의 상속자들 중 한 명)가 라파엘로가 자신에게 보낸 것이라고 단언하는 글이 새겨져 있습니다. 봐 Salmi, Mario; Becherucci, Luisa; Marabottini, Alessandro; Tempesti, Anna Forlani; Marchini, Giuseppe; Becatti, Giovanni; Castagnoli, Ferdinando; Golzio, Vincenzo (1969). The Complete Work of Raphael. New York: Reynal and Co., William Morrow and Company. pp. 278, 407. 뒤러는 지오반니 벨리니를 "매우 오래되었지만 여전히 그림에서 최고"라고 묘사합니다.[22]
  4. ^ 어머니가 돌아가시기 두 달 전인 올해 3월, 그는 어머니의 초상화를 그렸습니다.[25]

인용

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원천

더보기

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외부 링크