미술 공예 운동

Arts and Crafts movement
"트렐리스" 벽지를 위한 윌리엄 모리스 디자인, 1862

예술과 공예 운동은 장식과 미술의 국제적 경향으로 대영제국에서[1] 가장 먼저 그리고 가장 완전하게 발전했고 그 후 대영제국과 나머지 유럽과 [2]미국으로 퍼져나갔다.

장식 예술의 빈곤과 그것이 만들어진 [3]조건에 대한 반작용으로 시작된 이 운동은 약 1880년에서 1920년 사이에 유럽과 북미에서 번성했다.그것은 후에 아르누보 운동이라고 불리게 된 것의 영국식 표현인 모던 스타일의 뿌리이며, 이것이 강한 [4]영향을 미쳤다.일본에서는 1920년대에 밍게이 운동으로 나타났다.그것은 전통적인 장인 정신을 상징했고, 종종 중세, 낭만, 또는 민속 장식의 스타일을 사용했다.그것은 경제와 사회 개혁을 주창했고 그 [3][5]지향점은 반산업적이었다.그것은 [1]1930년대 모더니즘에 의해 대체되기 전까지 유럽의 예술에 큰 영향을 미쳤고,[6] 그 영향력은 오랫동안 공예가, 디자이너, 마을 계획가들 사이에서 지속되었다.

이 용어는 1887년 [7]T. J. 코브든 샌더슨 미술 공예 전시 협회 회의에서 처음 사용되었지만, 그 기초가 된 원칙과 스타일은 영국에서 적어도 20년 동안 발전해 왔다.그것은 역사가 토마스 칼라일, 미술 비평가 러스킨, 그리고 디자이너 윌리엄 [8]모리스의 아이디어에서 영감을 얻었다.스코틀랜드에서는 찰스 레니 맥킨토시와 [9]같은 주요 인물들과 관련이 있다.

기원과 영향

디자인 리폼

예술과 공예 운동은 19세기 중반 영국의 디자인과 장식을 개혁하려는 시도에서 비롯되었다.그것은 개혁가들이 기계와 공장 생산과 관련된 기준의 하락에 대한 반응이었다.그들의 비평은 1851년 대전에서 본 것들로 날카로워졌는데, 그들은 그것이 지나치게 화려하고 인위적이며 사용된 재료의 품질에 대해 무지하다고 여겼다.미술사학자 니콜라우스 페브너는 이 전시품들이 "패턴을 창조하는 기본적인 욕구, 표면의 완전성"을 무시하고 "상세히 취약함"[10]을 보여주는 것이라고 썼다.디자인 개혁은 전시회 주최자인 헨리 콜 (1808–1882), 오웬 존스 (1809–1874), 매튜 디그비 와이어트 (1820–1877), 리처드 레드그레이브 (1804–1888)[11]에서 시작되었는데, 이들은 모두 과도한 장식과 실용적이지 못하거나 형편없이 만들어진 [12]물건들을 비난했습니다.주최측은 [13]"전시품에 대한 비난에 침착하지 못했다"고 말했다.예를 들어, 오웬 존스는 "건축가, 조립공, 종이 조각공, 직조공, 칼리코 프린터공, 도공"이 "아름다움 없는 고상함, 또는 [13]지성 없는 아름다움"을 만들어냈다고 불평했다.공산품에 대한 이러한 비판으로부터 저자들이 생각하는 디자인의 올바른 원리에 대해 설명하는 여러 출판물이 나왔다.Richard Redgrave의 디자인에 관한 보충 보고서(1852)는 디자인과 장식의 원리를 분석하고 [12]"장식의 적용에 있어 더 많은 논리가 필요하다"고 주장했다.와이어트의 19세기 산업예술(1853), 고트프리드 셈퍼의 위센샤프트, 인더스트리 언 쿤스트 (1852), 랄프 워넘의 장식 분석(1856), 레드그레이브 디자인 매뉴얼 (1876년)과 같은 다른 작품들도 비슷한 맥락으로 이어졌다.장식 문법은 특히 영향력이 컸고,[12] 학생 상으로 널리 배포되어 1910년까지 9쇄에 달했다.

존스는 장식이 "장식된 것 보다 부차적이어야 한다"고 선언했고, "장식된 것에 대한 장식에 적합해야 한다"고, 벽지와 카펫은 "평탄하거나 평범한 [14]것 이외의 어떤 것도 암시하지 않는다"고 말했다.이 작가들은 평면적이고 단순한 자연 모티브를 표방한 반면, 대전의 직물이나 벽지는 최대한 사실적으로 보이는 자연 모티브로 장식될 수 있다.레드그레이브는 "스타일"은 장식 전에 튼튼한 건축과 사용된 재료의 질에 대한 적절한 인식을 요구한다고 주장했다."[15]유틸리티는 장식보다 우선해야 한다."

1892년 윌리엄 모리스가 켈름스콧 프레스에서 15세기 인쇄업자 니콜라스 젠슨에게서 영감을 받아 황금 활자로 인쇄한 존 러스킨의 고딕 양식의 본질.베니스의 돌의 이 장은 예술과 공예 운동을 위한 일종의 선언문이었다.

그러나 19세기 중반의 디자인 개혁가들은 예술과 공예 운동의 디자이너들까지 가지 못했다.그들은 건축보다는 장식에 더 관심이 많았고,[15] 제조 방법에 대한 이해가 부족했으며, 산업적인 방법에 대해서는 비판하지 않았다.반면 미술 공예 운동은 디자인 개혁만큼이나 사회 개혁의 운동이었고, 선도적인 실무자들은 두 가지를 분리하지 않았다.

A. W. N. 푸긴

1843년 램스게이트에 있는 퍼긴의 집 '그랜지'그 단순화된 고딕 양식은 국내 건축에 적용되었고, 예술과 공예 운동의 건축을 형성하는데 도움을 주었다.

이 운동의 아이디어 중 일부는 건축에서 고딕 부흥의 리더인 A. W. N. Pugin (1812–1852)에 의해 예견되었다.예를 들어, 그는 Arts and Crafts [16]예술가들이 그랬던 것처럼 물질, 구조, 그리고 기능에 대한 진실을 옹호했다.퍼긴은 도시의 무질서한 성장과 가난한 사람들에 대한 대우와 같은 현대 사회의 결점을 [17]중세와 비교하는 사회 비평가들의 경향을 명확히 표현했다. 이러한 경향은 러스킨, 모리스, 예술 공예 운동과 함께 일상화되었다.의 책 콘트라스트 (1836)는 중세시대의 좋은 예와 대조적으로 좋지 않은 현대 건물과 도시 계획의 예를 그리고 그의 전기 작가 로즈마리 힐은 "그가 건축에서 장인 정신과 전통의 중요성에 대해 거의 지나갔지만, 나머지 세기가 걸릴 것이라는 결론을 도출했다"고 언급합니다.러스킨과 모리스는 세부적으로 운동할 것이다."그녀는 1841년에 그가 건물을 위해 지정한 여분의 가구인 "돌풍의자, 오크 테이블"을 "태아에 있는 예술과 공예 인테리어"라고 묘사했다."[17]

존 러스킨

예술과 공예 철학은 토마스 칼라일[18]작품에서 깊은 영향을 받은 러스킨의 사회적 비판에서 많은 부분을 따왔다.러스킨은 국가의 도덕적, 사회적 건강을 건축의 질과 일의 본질과 연관시켰다.러스킨은 산업혁명에서 만들어진 일종의 기계화된 생산과 분업을 "종업 노동"이라고 여겼고, 그는 건강하고 도덕적인 사회가 그들이 만든 것을 설계하는 독립적인 노동자를 필요로 한다고 생각했다.그는 공장에서 만든 작품들이 "최악"이라고 믿었고, 수공예와 장인 정신이 품위와 [19]노동력을 결합시켰다.그의 추종자들은 산업 생산보다 공예 생산을 선호했고 전통적인 기술의 손실에 대해 걱정했지만, 기계 [20]자체보다는 공장 시스템의 영향에 더 골머리를 앓았다.윌리엄 모리스의 "수공예품"에 대한 생각은 본질적으로 [21]어떤 종류의 기계도 없는 작업이라기보다 분업도 없는 작업이었다.

윌리엄 모리스

예술과 공예 운동에 중요한 영향을 준 섬유 디자이너 윌리엄 모리스

윌리엄 모리스(1834–1896)는 19세기 후반 디자인의 거물이자 미술 공예 운동에 주요한 영향을 끼쳤다.이 운동의 심미적이고 사회적인 비전은 그가 1850년대에 낭만 문학에 대한 사랑과 사회 [22]개혁에 대한 헌신을 결합한 에드워드 번 존스를 포함옥스퍼드 대학의 학생 모임인 버밍엄 세트와 함께 개발한 아이디어에서 비롯되었다.존 윌리엄 맥케일은 "칼라일의 과거와 현재가 현대 화가들과 함께 영감을 받고 절대적인 [23]진리로 자리 잡았다"고 지적한다.말로리모르테 다르의 중세주의는 그들의 초기 [24]스타일에 대한 기준이 되었다.번 존스의 말을 빌리자면,[25] 그들은 "세대에 대한 성전"을 치르려고 했다.

필립 웹에 의해 설계되어 1860년에 완공된 벡슬리히스에 있는 윌리엄 모리스의 레드 하우스; 예술과 공예[26] 운동의 가장 중요한 건물 중 하나

모리스는 다양한 공예품을 실험하고 가구와 [27]인테리어를 디자인하기 시작했다.그는 개인적으로 미술 공예 운동의 특징인 [27]디자인뿐만 아니라 제조에도 관여했다.러스킨은 디자인의 지적 행위와 육체적 창조의 수동적 행위를 분리하는 것은 사회적으로나 미적으로나 해롭다고 주장했었다.모리스는 이 아이디어를 더욱 발전시켰고, 그가 개인적으로 적절한 기술과 재료를 익히기 전에는 그의 작업장에서 어떠한 작업도 수행되어서는 안 된다고 주장하면서, "위엄 있고 창의적인 인간의 직업이 없다면 사람들은 삶과 단절될 것이다."[27]라고 주장했다.

1880년대에 문을 연 Merton에 있는 Morris & Co 공장에 있는 직조 창고

1861년, 모리스는 가구와 장식용품을 상업적으로 만들기 시작했고, 중세 스타일을 본떠 과감한 형태와 강한 색을 사용했다.그의 패턴은 식물군과 동물군을 기반으로 했고, 그의 제품은 영국 시골의 지역 또는 국내 전통에서 영감을 받았습니다.재료의 아름다움과 장인의 작품을 보여주기 위해 일부러 미완성 상태로 남겨둔 것도 있어 촌스러운 모습을 연출할 수 있다.모리스는 자연과 [28]단순함을 강조하며 모든 예술작품을 집 장식에 통합하기 위해 노력했다.

사회 및 설계 원칙

미국의 미술 공예 전문가들과 달리, 영국의 대부분의 미술 공예가들은 기계에 대해 강하고 약간 일관성이 없는 부정적인 감정을 가지고 있었다.그들은 '장인'을 자유롭고 창의적이며 손으로 작업하는 것으로 생각했고, '기계'는 영혼이 없고 반복적이며 비인간적이라고 생각했다.이 대조적인 이미지들은 부분적으로 존 러스킨 (1819–1900)의 베니스의 돌에서 유래했는데, 이것은 예술과 공예의 디자이너들이 계속해서 돌려보낸 현대 산업주의에 대한 강력한 비난을 담고 있는 베니스의 건축사이다.1900년 경 산업계에 등을 돌린 수많은 작은 작업장 뒤에는 기계들에 대한 불신이 자리 잡고 있었고, 그들이 '크래프트'라고 부르는 것을 만들기 위해 산업화 이전의 기술들을 사용했다.

- Alan Crawford, "W. A. S. Benson, 기계, 영국의 [29]예술 공예 운동"

산업 비평

윌리엄 모리스는 산업사회에 대한 러스킨의 비판을 공유했고, 때때로 현대 공장, 기계 사용, 분업, 자본주의 그리고 전통적인 공예 방법의 상실을 공격했다.그러나 기계에 대한 그의 태도는 일관성이 없었다.그는 한때 기계에 의한 생산은 "전혀 나쁜 [10]일"이라고 말했지만,[30] 다른 때는 기계의 도움으로 자신의 기준에 맞는 제조사에 기꺼이 일을 맡겼다.모리스는 사치품도 값싼 쓰레기도 만들어지지 않는 "진정한 사회"에서는 기계가 개선되어 [31]노동시간을 단축하는 데 사용될 수 있다고 말했다.피오나 맥카시는 "간디 같은 후대의 광신도들과는 달리, 윌리엄 모리스는 기계가 그가 [32]필요로 하는 품질을 생산하는 한 기계 그 자체를 사용하는 것에 대해 실질적인 반대는 없었다"고 말한다.

모리스는 예술가가 손으로[10] 작업하는 장인-디자이너여야 한다고 주장했고, 그가 중세 시대에 존재했다고 믿었던 것처럼 자유로운 장인의 사회를 주창했다."장인들이 그들의 일을 즐겼기 때문에"라고 그는 썼다. "중세는 서민들의 예술에서 위대한 시기였다."우리 박물관에 있는 보물은 그 시대의 가정에서 사용되는 흔한 도구일 뿐입니다.그때는 수백 개의 중세 교회가 각각 걸작이었습니다.그때는 미숙한 [33]농민들이 지었습니다.중세 미술은 예술과 공예 디자인의 모델이었고, 중세 생활, 문학, 건축은 이 운동에 의해 이상화되었다.

모리스의 추종자들 또한 기계와 공장 시스템에 대해 다른 견해를 가지고 있었다.를 들어, 예술과 공예 운동의 중심 인물인 C. R. Ashbee는 1888년에 "우리는 기계를 거부하는 것이 아니라 환영한다.하지만 우리는 그것이 [10][34]숙달되는 것을 보고 싶습니다."성공하지 못하고 제조의 현대적인 방법들에 대한 자신의 조합 및 학교 공예 조합의 날을 세운 후에 그는"현대 문명 기계에 의존"[10]지만 그는"메커니즘"라고 부르는 해로운 영향을 비난할 수 있는은``어떤 기계적 상품 생산은 국가에 나쁘다도 말했다.을 인정했다. 목적 없이 친구들과 놀다노예가 기른 지팡이나 아동용품을 [35]생산하는 것도 마찬가지입니다.반면에 윌리엄 아서 스미스 벤슨은 예술과 공예 양식을 산업 환경에서 생산된 금속 세공에 적응시키는 데 아무런 거리낌이 없었다.(따옴표 참조).

모리스와 그의 추종자들은 현대 산업이 의존하는 노동 분업이 바람직하지 않다고 믿었지만, 모든 디자인이 디자이너에 의해 수행되어야 하는 정도는 논쟁과 의견 불일치의 문제였다.모든 예술과 공예 예술가들이 직접 상품을 만드는 모든 단계를 수행하는 것은 아니며, 그것이 장인의 정신의 정의에 필수적인 것이 된 것은 20세기부터이다.모리스는 많은 공예품(직조, 죽이기, 인쇄, 서예, 자수 등)을 직접 경험하는 것으로 유명했지만, 그의 공장에서 디자이너와 이그제큐티브의 분리를 문제 삼지 않았다.모리스의 가까운 정치적 동료인 월터 크레인은 도덕적, 예술적 이유로 분업에 대해 동정적이지 않은 견해를 취했고 디자인과 제작은 같은 손에서 이루어져야 한다고 강하게 주장했다.크레인의 친구이자 동시대의 루이스 포맨 데이는 모리스에 대한 존경심에 있어 크레인만큼 아낌없이 크레인에게 동의하지 않았다.그는 디자인과 실행의 분리는 현대사회에서 불가피할 뿐만 아니라, 그러한 전문화만이 최고의 디자인과 최고의 [36]제작을 가능하게 한다고 생각했다.미술 공예 전시회의 설립자들 중 디자이너도 제작자가 되어야 한다고 주장하는 사람은 거의 없었다.1950년대에 쓴 피터 플로드는 이렇게 말했다. "학회 설립자들은...자체 디자인을 실행한 적은 없지만, 항상 상업적인 [37]회사에 넘겼습니다."디자이너가 제작자여야 한다는 생각은 "모리스나 초기 미술 공예 교육에서 나온 것이 아니라 W. R. 레타비 [37]같은 사람들에 의해 [20세기] 첫 10년에 만들어진 2세대 정교 교리에서 나온 것"이다.

사회주의

Morris, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, C.R. Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner, 그리고 A를 포함한 많은 예술 공예 운동 디자이너들은 사회주의자들이었다. H. [38]맥머도1880년대 초, 모리스는 디자인하고 [39]만드는 것보다 사회주의를 홍보하는 데 더 많은 시간을 할애했다.애쉬비는 후에 치핑 [7]캠든으로 이주하면서 동런던에 수공예품조합이라고 불리는 공예가 공동체를 만들었다.알프레드 호어 [20]파월처럼 사회주의자가 아닌 신봉자들은 고용주와 고용인 사이의 보다 인간적이고 개인적인 관계를 주장했다.루이스 포맨 데이는 크레인과의 오랜 우정에도 불구하고 사회주의자가 아닌 또 다른 성공적이고 영향력 있는 예술 공예 디자이너였다.

다른 개혁 운동과의 연계

영국에서 이 운동은 의상 개혁,[40] 시골주의, 정원 도시[6] 운동, 포크송 부흥과 관련이 있다.모든 것이 어느 정도 "단순한 삶"[41]이라는 이상에 의해 연결되었다.유럽 대륙에서 이 운동은 건축, 응용 예술, 가정 디자인 및 [42]의상의 국가적 전통을 보존하는 것과 관련이 있었다.

발전

모리스의 디자인은 1862년 런던에서 열린 국제 박람회에 그의 회사 작품이 전시되었을 때 관심을 끌면서 빠르게 인기를 끌었다.Morris & Co의 초기 작업의 대부분은 교회를 위한 것이었고, Morris는 St James' PalaceSouth Kensington Museum(현재의 Victoria and Albert Museum)에서 중요한 인테리어 디자인 의뢰를 받았습니다.이후 그의 작품은 민주적인 예술을 만들고자 하는 바람에도 불구하고 중상류층 사이에서 인기를 끌었고, 19세기 말까지 집과 가정 인테리어에서의 예술과 공예 디자인은 전통적인 산업적 방법으로 만들어진 제품을 모방한 영국의 지배적인 스타일이 되었다.

19세기 후반과 20세기 초반 예술과 공예 사상의 확산은 많은 협회와 공예 공동체를 설립하는 결과를 낳았지만, 모리스는 당시 사회주의에 대한 집착 때문에 그들과 거의 관련이 없었다.영국에서 130개의 예술 공예 단체들이 결성되었는데, 대부분은 1895년에서 [43]1905년 사이였다.

1881년, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler와 다른 사람들은 특히 시골의 노동자 계층에게 이익을 위해서가 아니라 그들에게 유용한 직업을 제공하고 그들의 취향을 향상시키기 위해 감독하에 수공예품을 선택하도록 장려하기 위해 가정 예술과 산업 협회를 설립했습니다.1889년에는 450개의 학급, 1,000명의 교사, 5,000명의 [44]학생이 있었다.

1882년 건축가 A.H.MackmurdoSelwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton, Benjamin [45][46]Creswick을 포함한 디자이너들의 파트너십인 Century Guild를 결성했습니다.

1884년, 예술 노동자 길드는 윌리엄 레타비, 에드워드 프라이어, 어니스트 뉴턴, 머빈 매카트니, 제럴드 C 등 다섯 명의 젊은 건축가들에 의해 시작되었다. Horsley는 순수 예술과 응용 예술을 결합하고 후자의 위상을 높이는 것을 목표로 하고 있다.그것은 원래 조지 블랙올 시몬즈에 의해 감독되었다.1890년까지 길드는 150명의 회원이 있었으며, 이는 예술과 공예 [47]양식의 실무자 수가 증가하는 것을 대표한다.그것은 아직 존재한다.

1875년에 설립된 런던 백화점 리버티 앤 컴퍼니는 예술과 공예 운동의 추종자들이 선호하는 "예술적인 드레스"와 같은 스타일의 상품을 판매하는 유명한 소매상이었다.

1887년 이 운동에 이름을 붙인 미술 공예 전시 협회는 월터 크레인 회장과 함께 결성되어 1888년 [48]11월 런던의 뉴 갤러리에서 첫 전시회를 열었다.이것은 [49]1881년 그로브너 갤러리의 겨울 전시회 이후 런던에서 열린 최초의 현대 장식 예술 전시회였다.Morris & Co.는 가구, 직물, 카펫, 자수로 전시회에 잘 나왔다.에드워드 번 존스는 "지난 20년 동안 일어난 변화를 처음으로 측정할 [50]수 있다"고 말했다.그 협회는 여전히 디자이너 [51]장인 협회로 존재한다.

1888년 C.R.영국에서 이 스타일을 가장 늦게 실천한 애쉬비는 런던 이스트 엔드에 길드와 공예 학교를 설립했습니다.그 길드는 중세 길드를 모델로 한 공예 협동조합으로 노동자들의 장인정신에 만족감을 주기 위한 것이었다.러스킨과 모리스의 원리를 다루는 숙련된 장인들은 수공예품을 생산하고 견습생들을 위한 학교를 운영했습니다.모리스만 제외하고 거의 모든 사람들은 이 아이디어를 열광적으로 받아들였다. 모리스는 사회주의를 장려하는 일에 관여했고 애쉬비의 계획을 대수롭지 않게 여겼다.1888년부터 1902년까지 길드는 약 50명을 고용하며 번창했다.1902년 애쉬비는 런던 밖으로 길드를 이전하여 코츠월드의 치핑캠프덴에 실험적인 공동체를 시작했다.길드의 작업은 단순한 환경에서 망치질된 은색 표면, 흐르는 철조망, 색색의 돌로 이루어진 것이 특징이다.Ashbee는 보석과 은색 식기를 디자인했습니다.그 길드는 치핑 캠든에서 번창했지만 번영하지 못했고 1908년에 해산되었다.몇몇 장인들이 머물면서 이 [16][52][53]지역의 현대 장인정신 전통에 기여하였다.

C.F.A. 보이시(1857–1941)는 직물, 타일, 도자기, 가구, 금속 세공도 디자인한 예술 공예 건축가였다.그의 문체는 간결함과 세련미를 겸비했다.그의 벽지와 직물은 납작한 색상의 대담한 윤곽으로 스타일화된 새와 식물 형태를 특징으로 하여 [16]널리 사용되었다.

모리스의 사상은 G.K.분배주의에 영향을 미쳤다. 체스터튼힐라이어 벨록.[54]

콜튼 피시아크레는 1925년 영국 데본의 킹스웨어에서 예술과 공예의 전통에 따라 별장으로 설계되었다.

19세기 말, 미술 공예 운동 이상, 가구와 목공예, 스테인드 glass,[55]가죽 장식, 레이스 짜기., 자수, 러그랑 짜기 만들기, 보석과 금속 공예, enamelin을 포함한 건축, 미술, 조각, 그래픽, 일러스트, 책, 사진, 국내 디자인과 장식 미술 영향을 주다.gd [56]세라믹스1910년까지 "미술과 공예"와 모든 수작업이 유행했다.다양한 품질의[57] 아마추어 수공예품과 무능한 모조품들이 대중들로 하여금 예술과 공예품을 "일반적인 대량 [58]생산품보다 더 유능하고 목적에 맞지 않는 것"으로 여기게 만들었다.

공예미술전람회는 1888년부터 1916년까지 11개의 전시회를 열었다.1914년 전쟁이 발발하면서 그것은 쇠퇴했고 위기에 직면했다.1912년 전시회는 재정적인 [59]실패였다.유럽 대륙의 디자이너들이 도이체 베르쿤트 등의 이니셔티브를 통해 디자인 혁신과 산업과의 제휴를 이루었고, 오메가 워크샵디자인산업 협회에 의해 영국에서 새로운 이니셔티브가 취해지고 있는 동안, 예술 공예 전시 협회는 이제 오래된 가드들의 통제 하에 있었고, 재치 있었다.제조업자와의 상업과 협업에서 순수주의 수작업으로 발전하는 Tania Harrod는 이를 "불편화"[59]라고 표현하고 있다.이 회사의 상업적 역할에 대한 거부감은 그 [59]운명의 전환점으로 여겨져 왔다.니콜라우스 페브너는 그의 책 "현대 디자인의 선구자"에서 예술과 공예 운동을 현대 운동에 영향을 준 디자인 급진주의자로 묘사하지만, 변화하지 못하고 결국 그것에 [10]의해 대체되었다.

나중의 영향

영국의 도예가 버나드 리치사회평론가 야나기 소에쓰와 함께 일본에서 개발한 단순한 공예의 도덕적, 사회적 가치에 대한 많은 아이디어를 영국에 가져왔다.둘 다 러스킨의 열렬한 독자였다.리치는 이러한 아이디어에 대한 적극적인 선전가였고, 이는 전후 수년에 공예가들의 심금을 울렸고, 그는 1940년에 출판된 산업 사회를 러스킨과 모리스의 그것만큼 격한 용어로 비난한 포터 책에서 그것을 설명했다.따라서 예술과 공예의 철학은 미술과 공예 운동의 소멸과 모더니즘의 만조 때인 1950년대와 1960년대에 영국 공예 노동자들 사이에서 지속되었다.1940년대의 영국 유틸리티 가구 또한 예술과 공예의 [60]원칙에서 파생되었다.주요 발기인 중 한 명인 유틸리티 가구 디자인 패널의 회장 고든 러셀은 예술과 공예 아이디어에 물들었다.그는 애쉬비 시절부터 예술 공예 가구 제작 지역인 코츠월드 힐즈에서 가구를 제작했으며, 미술 공예 전시 협회 회원이었다.윌리엄 모리스의 전기 작가 피오나 맥카시는 1970년대 [61]영국공예협회 창립과 테렌스 콘란의 작품(1951년), 영국공예협회(B.131년)[6]의 작품 이면에서도 예술과 공예의 철학을 발견했다.

지역별

브리튼 제도

스테인드글라스 창문, 힐하우스, 헬렌스버그, 아가일, 부테

스코틀랜드

스코틀랜드에서 예술과 공예 운동의 시작은 제임스 발렌타인 (1808–1877년)이 개척한 1850년대의 스테인드글라스의 부활이었다.그의 주요 작품에는 던펠린 수도원의 거대한 서쪽 창문과 세인트루이스의 계획이 포함되어 있다. 에딘버러, 자일스 대성당.글래스고에서 그것은 아마도 발렌타인에게 공부했을 다니엘 코티에에 의해 개척되었고 윌리엄 모리스, 포드 매독스 브라운, 존 러스킨의해 직접적으로 영향을 받았다.그의 주요 작품에는 페이즐리 수도원에서 그리스도의 세례 (1880년경)가 포함되어 있다.그의 추종자 중에는 스티븐 아담과 같은 [62]이름의 아들이 있었다.글래스고 출신의 디자이너이자 이론가인 크리스토퍼 드레서(1834–1904)는 최초의 독립 디자이너 중 한 명이며, 미학 운동의 중추적인 인물이며, 영일 동맹 [63]운동의 주요 공헌자였다.이 운동은 스코틀랜드에서 "비범한 꽃"을 피웠고, 글래스고 미술 학교의 재능에 바탕을 둔 '글래스고 스타일'의 발달로 대표되었다.켈트족의 부흥이 이곳에서 이루어졌고 글래스고 장미와 같은 모티브가 대중화 되었다.찰스 레니 매킨토시 (1868–1928)와 글래스고 예술학교는 [1][56]전 세계적으로 다른 사람들에게 영향을 끼쳤다.

프랭크 셰일러가 쓴 뉴타운의 로버트 오웬 박물관.

웨일스

웨일스의 상황은 영국의 다른 곳과는 달랐다.장인 정신에 관한 한, 예술과 공예는 부활주의 운동이었다.그러나 웨일즈에서는 적어도 1차 세계대전 전까지는 진정한 공예 전통이 여전히 존재했다.돌이나 점토 등 현지 재료는 당연히 [64]계속 사용되었습니다.

스코틀랜드는 스테인드글라스로 예술 공예 운동에서 알려지게 되었고 웨일즈는 도자기로 알려지게 되었다.19세기 중반까지, 지역 장인들이 대대로 사용하던 무겁고 소금기 있는 유약들은 특히 대량 생산된 도자기의 가격이 저렴해지면서 유행이 지났다.그러나 미술 공예 운동은 그들의 작품에 새로운 감상을 가져왔다.영국의 갤러리스트인 호레이스 W 엘리엇은 1885년 이웨니 도자기(17세기)를 방문해 [65]지역 작품을 찾고 운동에 맞는 스타일을 장려했다.이후 20년 동안 그가 런던으로 가져온 작품들은 웨일스 도자기 작품에 대한 관심을 되살렸다.

웨일즈 예술 공예 운동의 주요 발기인은 오웬 모건 에드워즈였다.에드워즈는 웨일스의 국민들을 그들의 언어와 역사에 노출시킴으로써 웨일스의 자존심을 새롭게 하는데 헌신하는 개혁적인 정치인이었다.에드워즈는 "웨일스가 예술과 [66]공예에 대한 교육보다 더 필요로 하는 것은 없다."고 말했지만 에드워즈는 글레이즈나 촌스러운 [67]청렴함에 감탄하는 것보다 웨일스 민족주의를 부활시키는 데 더 관심이 있었다.

건축학에서, Clough Williams-Ellis는 고대 건축물에 대한 관심을 다시 불러일으키기 위해 노력했습니다.

아일랜드

이 운동은 아일랜드로 확산되어, 국가의 문화 발전에 중요한 시기이자[68], 동시에 문학 부흥의 시각적 대응물이며, 아일랜드 민족주의의 출판물이었다.아일랜드에서 스테인드글라스의 예술과 공예 사용은 가장 잘 알려진 예술가인 해리 클라크와 이비 혼에게 인기가 있었다.코크 대학 구내[69]있는 코크 시호난 채플(1916년)로 대표된다.아일랜드에서 일하는 다른 건축가들로는 에드윈 루티엔 경(회사 헤이우드 하우스)이 있었다.라오스, 람베이 섬과 더블린의 아일랜드 전쟁 기념 정원)과 프레드릭 '파 힉스(말라히드 성 건물과 원형 타워).아일랜드 켈트족의 모티브는 은제품, 카펫 디자인, 책 일러스트, 손으로 조각한 가구 등의 움직임과 함께 인기를 끌었다.

유럽 대륙

유럽 대륙에서 예술 공예 디자이너들의 예를 들어 독일에서 1871년의 연방의 Heimatschutz(1897년)[70]고 Vereinigte Werkstätten für 격려 아래 통일 für 독일의 미술관. 암 Handwerk는 1898년에 칼 슈미트에 의해 설립되고, 헝가리 Károly Kó 직후에, 국가 스타일의 부활과 보존 중요한 동기, 이런.아무도 s트란실바니아식 건물의 토속적인 스타일을 살렸다.여러 다양한 민족이 강력한 제국(독일, 오스트리아-헝가리, 러시아) 아래 살았던 중앙 유럽에서는, 그 지역의 발견이 민족적 자부심과 독립을 위한 노력과 관련이 있었고, 반면, 영국의 예술과 공예가들에게 이상적인 스타일은 중세에서 발견되었다.중앙 유럽에서는 그것은 외딴 [71]시골 마을에서 찾아졌다.

스웨덴 예술가라르손카린 베르고외 라르손은 그들의 집을 디자인할 때 예술과 공예 운동에서 영감을 받았습니다.

유럽에서 널리 전시된 아트 앤 크래프트 스타일의 단순함은 앙리 벨데와 같은 디자이너와 아르 누보, 네덜란드스틸 그룹, 비엔나 세레지션, 그리고 궁극적으로는 바우하우스 스타일과 같은 스타일에 영감을 주었습니다.펩스너는 이 양식을 장식 [10]없이 단순한 형태를 사용한 모더니즘의 서막으로 여겼다.

유럽 대륙에서 가장 초기의 예술과 공예 활동은 1890년 벨기에에서 이루어졌는데, 그곳에서 영국 스타일은 헨리 반 드 벨데, 가브리엘디에보, 구스타브 세르리에 보비, 그리고 La Libre Esthétique알려진 그룹을 포함한 예술가들과 건축가들에게 영감을 주었습니다.

20세기 초 오스트리아와 독일에서 예술 공예품들이 찬사를 받았고,[72] 그들의 영감을 받아 영국에서 침체된 동안 그들의 디자인 아래 빠르게 나아갔다.요제프 호프만콜로만 모저가 1903년에 설립한 비엔나 베르크스테테 미술관은 "예술의 통일"과 수공예의 원리에 영향을 받았다.독일공예협회(독일장인협회)는 1907년 독일 기업의 글로벌 경쟁력을 높이기 위해 예술가, 건축가, 디자이너, 산업인 등의 모임으로 결성되었으며, 표준화된 생산품을 옹호함으로써 근대 건축과 산업 디자인 발전에 중요한 요소가 되었다n. 그러나, 그 주요 멤버인 van de Velde와 Hermann Muthesius는 표준화에 대해 상반된 의견을 가지고 있었다.무테시우스는 독일이 무역과 문화에서 선도적인 국가가 되는 것이 필수적이라고 믿었다.보다 전통적인 예술과 공예의 태도를 대표하는 Van de Velde는 예술가들은 영원히 "명령이나 표준화에 반대한다"고 믿었고, "예술가는 자발적으로 그에게 규범이나 형식을 부과하는 규율에 절대 복종하지 않을 것이다."

핀란드에서 헬싱키에 있는 이상주의 예술가들의 식민지는 영국 고딕 부흥기처럼 내셔널 로맨틱 스타일로 작업한 헤르만 게셀리우스, 아르마스 린드그렌, 엘리엘 사리넨[1]의해 설계되었다.

헝가리에서는 러스킨과 모리스의 영향을 받아 카롤리 코스, 알리다르 쾨르스프시-크리스치, 에데 토로츠카이 비간드를 포함한 예술가들과 건축가 집단이 트란실바니아민속 예술과 토속 건축물을 발견했다.같은 도시에 있는 부다페스트 동물원웨켈레 사유지를 포함한 많은 코스의 건물들이 이러한 [74]영향을 보여준다.

러시아에서는 빅토르 하르트만, 빅토르 바스네초프, 옐레나 폴레노바 그리고 아브람체보 식민지와 관련된 다른 예술가들이 영국의 운동으로부터 상당히 독립적으로 중세 러시아 장식 예술의 질을 되살리려고 했다.

아이슬란드에서는 Sölvi Helgason의 작품이 예술과 공예의 영향을 보여준다.

북미

뉴햄프셔위니페소키 호수가 내려다보이는 구름성의 정면과 잔디밭은 1913-4년에 지어졌다.
Warren Wilson Beach House (The Venice Beach House), 캘리포니아 베니스
갬블 하우스, 패서디나, 캘리포니아
시카고, 업타운 부에나 파크 역사 지구에 있는 아트 앤 크래프트 튜더 하우스
연방 건축에 대한 예술 및 공예 스타일의 영향의 예: 면으로 된 베이 창과 석기층을 관찰합니다.
오하이오주 톨레도 인근 Birckhead Place에 있는 Arts and Crafts 주택

미국에서 예술과 공예 스타일은 유럽 예술과 공예의 이상을 미국인들에게 재해석하기 위한 다양한 시도를 시작했다.여기에는 "크래프트맨" 스타일의 건축, 가구, 그리고 그의 잡지 "The Craft"에서 Gustav Stickley에 의해 홍보된 디자인과 Elbert Hubbard의 "The Fra"에서 출판된 로이크로프트 캠퍼스에서 생산된 디자인 등 다른 장식 예술이 포함되었다.두 사람 모두 뉴욕 이스트우드의 장인 워크숍과 뉴욕 이스트오로라의 엘버트 허바드 로이크로프트 캠퍼스에서 생산한 상품을 홍보하기 위한 수단으로 잡지를 사용했다.스티클리의 가구 모조품들('미션 스타일'이라고 잘못 표기된 디자인)에는 그의 형제들이 설립한 3개 회사가 포함되어 있다.

American Craft 또는 Craft style이라는 용어는 종종 미국의 Art NouveauArt Deco의 지배적인 시대 또는 대략 1910년부터 1925년까지의 기간 사이에 유행했던 건축, 인테리어 디자인, 장식 예술의 스타일을 나타내기 위해 사용됩니다. 운동은 특히 칼로샵, 퓨아빅도예, 룩우드도예, 티파니스튜디오와 같은 성공적인 기업을 설립하고 운영하거나 고용한 장인, 디자이너, 사업가 등 여성들에게 직업적인 기회를 열어준 것으로 유명하다.캐나다에서는 '예술과 공예'라는 용어가 우세하지만, '장인'도 [75]인정받고 있습니다.

유럽인들은 산업화로 대체되는 선한 공예품을 재현하려고 노력했지만, 미국인들은 영웅적인 공예품 생산을 대체할 새로운 형태의 미덕, 즉 잘 꾸며진 중산층 집을 세우려 했다.그들은 예술과 공예 장식 예술의 단순하지만 세련된 미학은 산업 소비주의의 새로운 경험을 고상하게 하고, 개인들을 더 합리적으로 만들고 사회를 더 조화롭게 만들 것이라고 주장했다.미국의 예술과 공예 운동은 현대 정치 철학인 진보주의의 미학적 상대였다.특징적으로, 1897년 10월 시카고에서 예술 공예 협회가 시작되었을 때, 그것은 사회 개혁을 [76]위한 최초의 미국 정착촌 중 하나인 헐 하우스였다.

저널과 신문기사를 통해 미국에 보급된 예술과 공예의 이상은 강의를 [76]후원하는 협회에 의해 보충되었다.첫 번째는 영향력 있는 건축가, 디자이너, 교육자 그룹이 윌리엄 모리스에 의해 영국에서 시작된 디자인 개혁을 미국으로 가져오기로 결정한 1890년대 후반 보스턴에서 조직되었습니다. 그들은 현대 공예품 전시회를 조직하기 위해 만났습니다.첫 만남은 1897년 1월 4일 보스턴의 MFA 미술관에서 현대 공예품 전시회를 개최하기 위해 열렸다.장인, 소비자, 그리고 제조업자들이 응용 예술의 심미적, 기술적 잠재력을 깨달았을 때, 보스턴의 디자인 개혁 과정이 시작되었다.이 회의에는 MFA 이사장인 찰스 로링 장군, 윌리엄 스터기스 비글로와 덴만 로스, 수집가, 작가, MFA 이사, 로스 터너, 실베스터 백스터, 보스턴 필사본 미술평론가 하워드 베이커, 랄프 주니어 등이 참석했다.

1897년 4월 5일 보스턴의 코플리 홀에서 열린 제1회 미국 공예품 전시회에서 160명의 장인이 만든 1000여 점의 물건들이 전시되었으며, 그 중 [77]절반은 여성이었다.이 전시회의 주창자 중에는 하버드 건축대학의 설립자인 랭포드 워렌, 사회 개혁가 리처드 모리스 헌트 부인, 아서 애스터 캐리와 에드윈 미드, 그리고 그래픽 디자이너 윌 H. 브래들리 등이 있었다.이 전시회의 성공은 "수공예품에서 더 높은 기준을 개발하고 장려하라"는 명령과 함께 1897년 6월 28일 예술 공예 협회(SAC)를 설립하는 결과를 가져왔다.21명의 창업자는 매출 이상의 것에 관심이 있다고 주장하면서, 최고의 작품성과 디자인으로 작품을 제작할 수 있도록 예술가들의 격려를 강조했다.이 명령은 곧 SAC의 초대 대통령인 찰스 엘리엇 노튼에 의해 작성된 신조로 확대되었습니다.이 신조는 다음과 같습니다.

이 협회는 모든 수공예 분야의 예술 활동을 촉진하기 위해 설립되었습니다.디자이너와 장인이 상호 도움이 되는 관계를 맺고 장인이 그들만의 디자인을 실행하도록 장려하기를 희망합니다.그것은 노동자들에게 좋은 디자인의 존엄성과 가치에 대한 감상을 자극하고 법과 형식에 대한 대중의 조급함과 과도한 장식과 겉치레적인 독창성에 대한 욕구를 상쇄하기 위해 노력한다.그것은 물건의 형태와 용도 사이의 관계, 그리고 [78]장식에서의 조화 및 적합성에 대한 적절한 배려와 절제 또는 질서 있는 배열의 필요성을 주장할 것이다.

1913-14년 보스턴 건축가 J. Williams Beal뉴햄프셔Osipee Mountains에 지은 톰 앤 올리브 플랜트의 산꼭대기 건물인 Castle in the Clouds는 럭나우라고도 알려져 있는 [79]뉴잉글랜드에서 미국 장인 스타일의 훌륭한 예이다.

또한 뉴욕 버팔로와 이스트 오로라엘버트 허바드, 조셉 마벨라, 뉴욕 우드스톡의 버드클리프 콜로니, 펜실베니아 로즈밸리와 같은 유토피아적 커뮤니티, 허버트 호수와 차우게이트에 의해 지어진 뉴저지 주 마운틴 레이크와 같은 개발도 영향을 미쳤다.od, 그리고 현대적인 스튜디오 공예 스타일.스튜디오 도예 – Grueby Faience Company, 뉴올리언스Newcomb Pothery, 마블헤드 도예, Teco 도예, Overbeck 및 Rookwood 도예, 디트로이트의 Mary Chase Perry Stratton의 Pewabic 도예, 콜로라도주 콜로라도 스프링스의 Van Briggle 도예 및 타일 제작 캘리포니아 패서디나의 배첼더와 찰스 롤프의 독특한 가구들은 모두 예술과 공예의 영향을 보여준다.

건축과 예술

프랭크 로이드 라이트, 조지 워싱턴 마허와 시카고의 다른 건축가들의 "프라이리 스쿨", 컨트리 데이 스쿨 운동, 그린과 그린에 의해 대중화된 방갈로와 궁극방갈로 스타일, 줄리아 모건, 버나드 메이벡 등이 미국 미술 공예와 미국 스타일 장인의 대표적인 예이다.복원되고 랜드마크로 보호되는 예는 미국, 특히 버클리 캘리포니아패서디나, 그리고 원래 그 시대에 개발되었지만 전후 도시 재건을 경험하지 못한 다른 도시의 구역에서 여전히 존재한다.미션 리바이벌, 프레리 스쿨, '캘리포니아 방갈로' 스타일의 주거용 건물은 오늘날에도 여전히 미국에서 인기가 있다.

이론가, 교육자, 그리고 판화에서부터 도예와 파스텔에 이르기까지 매체의 다작 예술가로서, 가장 영향력 있는 두 명의 인물은 동부 해안의 아서 웨슬리 다우(1857–1922)와 캘리포니아의 페드로 조셉 드 레모스(1882–1954)였다.컬럼비아 대학에서 가르치고 입스위치 여름 미술 학교를 설립한 다우는 1899년에 그의 랜드마크인 "Composition"을 출판했는데, 이것은 일본 구성의 본질에 분명한 미국적 접근으로 요약되어 장식적인 조화로운 3가지 요소: "notan" (빛과 어두운 영역의 균형)으로 결합되었다.색상의 [80]대칭성입니다.그의 목적은 정교하게 세공되고 아름답게 렌더링된 물건들을 만드는 것이었다.그의 제자 드 레모스는 샌프란시스코 아트 인스티튜트 소장, 스탠포드 대학 박물관 및 아트 갤러리 소장, 스쿨 아트 매거진 편집장이 되었고, 미국과 [81]영국의 예술 학교를 위한 150여 개의 논문과 기사를 통해 다우의 아이디어를 확장하고 실질적으로 수정했습니다.그의 많은 비정통적인 가르침 중 하나는 제조된 제품이 "고귀한 아름다움"을 표현할 수 있고 위대한 통찰력은 콜럼버스 이전 문명의 추상적인 "디자인 형태"에서 찾을 수 있다는 그의 믿음이었다.

박물관

세인트루이스에 있는 미국 미술 공예 운동 박물관. 플로리다의 피터스버그는 [82][83]2021년에 문을 열었다.

아시아

일본에서는 1920년대부터 민예운동을 전개한 야나기 소에쓰가 모리스와 러스킨의 [33]저작에 영향을 받았다.유럽의 예술과 공예 운동처럼, 밍게이는 현대화 산업 앞에서 전통 공예품을 보존하려고 노력했습니다.

아키텍처

그 움직임은...어떤 의미에서는 딱딱한 기계적인 관습적인 삶과 아름다움에 대한 무감각한 것에 대한 반란을 나타낸다(다른 장식품).그것은 조잡한 상품을 생산하는 이른바 산업 진보에 대한 항의로, 그 값싼 물건은 생산자의 삶과 사용자들의 타락으로 인해 지불된다.이는 인간이 기계로 변하는 것, 예술의 인위적인 차별에 대한 것, 그리고 즉각적인 시장 가치나 이윤의 가능성을 예술적 가치의 주요 시험으로 삼는 것에 대한 항의이다.그것은 또한 공통적이고 친숙한 것들의 공통적인 아름다움의 소유에 대한 모든 사람들의 주장을 발전시키고, 한편으로는 사치스러운 과잉에 의해, 또는 다른 한편으로는 가장 일반적인 필요성의 부재와 수단에 대한 갉아먹는 불안감에 의해, 지금 너무 자주 사라지거나 우울해진 이 아름다움의 감각을 깨울 것이다.생활, 잘못된 취향의 범람에 의해 혼란스럽거나 예술과 자연, 그리고 그들의 친절하고 정제된 영향에서 균등하게 벗어난 현대 도시의 바쁜 삶으로 인해 어두워진 우리의 눈에 익숙해진 일상적인 추악함은 말할 것도 없다.

- 1893년 예술공예전시회 회원들의 예술공예 에세이 '디자인과 수공예의 부활

예술과 공예 운동의 많은 리더들은 건축가로서 훈련을 받았고 (예: 윌리엄 모리스, A. H. 맥머도, C. R. 애쉬비, W. R. 레타비) 그 운동이 가장 가시적이고 지속적인 영향을 미친 것은 건축이었다.

런던 벡슬리히스있는 레드 하우스는 1859년 건축가 필립 웹이 모리스에게 디자인한 것으로, 균형이 잘 잡힌 단단한 형태, 넓은 포치, 가파른 지붕, 뾰족한 창문 아치, 벽돌 벽난로, 나무 부속품으로 초기 예술과 공예 스타일을 대표한다.웹은 웅장한 건물을 기반으로 한 고전적 양식과 다른 역사적 양식의 부활을 거부했고, 그의 디자인은 영국 고유의 건축에 바탕을 두고, 돌과 타일과 같은 평범한 재료의 질감을 비대칭적이고 그림 같은 건물 [16]구성으로 표현했다.

1880년대와 1890년대에 주로 지어진 런던 교외 베드포드 공원은 360여 채의 예술과 공예 스타일의 집을 가지고 있으며 한때 미적 거주자로 유명했다.여러 개의 알름하우스는 예술과 공예 양식으로 지어졌습니다. 예를 들어, 1914년부터 1917년 사이에 280개 이상의 건물로 지어진 서리주 화이트리 빌리지와 1939년부터 1971년 사이에 지어진 서섹스주 다이어스 알름하우스입니다.최초의 정원 도시 레치워스 가든 시티는 예술과 공예의 [6]이상에서 영감을 받았습니다.최초의 주택은 배리 파커와 레이먼드 언윈이 이 운동에 의해 대중화된 토속적인 스타일로 디자인했고, 이 마을은 고상한 마음과 소박한 삶을 연상하게 되었다.에드워드 카펜터에 의해 세워진 샌들 만들기 워크숍은 요크셔에서 레치워스 가든 시티로 옮겨졌고 조지 오웰은 레치워스에서 열린 사회주의 컨퍼런스에 가는 "모든 과일 마니아, 나체주의자, 샌들 마니아, 섹스를 즐기는 퀘이커, 네이처 큐어, 평화주의자, 페미니스트"에 대해 이야기했다.[84]

아키텍처 예시

정원 설계

거트루드 지킬은 예술과 공예의 원리를 정원 디자인에 적용했다.그녀는 영국의 건축가 에드윈 루틴스와 함께 일했고, 그의 프로젝트를 위해 그녀는 수많은 풍경을 만들었고, [85]서리 고달밍 근처에 있는 그녀의 집 먼스테드 우드를 설계했다.지킬은 "북쪽의 루티엔"[87]으로 알려진 요크 건축가 월터 브리얼리의 집인 [86]비숍반을 위한 정원을 만들었습니다.브리에리의 마지막 프로젝트인 요크의 Goddards의 정원은 Castle Drogo에서 [88]Lutyens와 Jekyll과 함께 일했던 정원사 George Dillistone의 작품이었다.Goddards의 정원은 울타리와 초본 테두리를 사용하여 정원을 일련의 실외 [89]방으로 나누는 등 집의 예술과 공예 스타일을 반영하는 많은 특징들을 통합했습니다.또 다른 주목할 만한 예술과 공예 정원은 로렌스 존스턴이 디자인히데코트 저택 정원입니다.이 정원도 일련의 실외 방에 배치되어 있으며,[90] Goddards와 같이 집에서 멀리 떨어져 있는 조경은 덜 형식적입니다.예술 및 공예 정원의 다른 예로는 Hestercombe Gardens, Lytes Cary Manor 및 예술 및 공예 건물의 건축 예시의 일부 정원(위 목록)이 있습니다.

미술 교육

모리스의 생각은 1880년대 후반 뉴 에듀케이션 무브먼트에 의해 채택되었고, 이 무브먼트는 애벗숄메와 베달레스(1892)의 학교에서 수공예 교육을 통합하였고, 그의 [61]영향은 20세기 중반 다팅턴 홀의 사회 실험에서 두드러졌다.

영국의 미술 공예가들은 실용적인 공예에 대한 가르침이 거의 없이 추상적인 디자인에 기초한 예술 교육의 정부 시스템에 비판적이었다.공예 교육의 부족은 산업계와 관료계에서도 우려를 불러일으켰고, 1884년 영국 왕립 위원회(William Morris의 조언을 받아들임)는 예술 교육이 디자인의 [91]실행 재료에 대한 적합성에 더 주의를 기울여야 한다고 권고했다.이러한 변화를 만든 첫 번째 학교는 버밍엄 예술 공예학교로, "실행된 디자인을 예술과 디자인의 교육에 도입하는 방법을 선도했다(종이로 디자인하는 것이 아니라 디자인이 의도된 재료로 작업한다).월터 크레인은 1889년 외부 검사관의 보고서에서 버밍엄 예술학교가 '재료와 사용법에 대한 디자인을 고려했다'고 칭찬했다.1877년부터 1903년까지 교장이었던 에드워드 테일러의 지시와 헨리 페인, 조셉 사우설의 도움으로 버밍엄 학교는 선도적인 예술 공예 [93]센터가 되었다.[92]

조지 프램튼입니다1890년 공예미술전람회 정기권.

다른 지방 당국 학교들 또한 공예에 대한 보다 실용적인 교육을 도입하기 시작했고, 1890년대에 예술 노동자 조합의 회원들에 의해 예술 학교에 이상들이 전파되었다.길드의 구성원들은 영향력 있는 위치에 있었습니다.월터 크레인은 맨체스터 예술학교와 그 후 F.M. 심슨, 로버트 애닝 벨, C.J.의 이사였다.앨런은 각각 리버풀 예술대학의 건축학 교수, 회화 및 디자인 강사, 조각학 강사였다.또한 1902년부터 1920년까지 버밍엄 예술학교의 교장이었던 로버트 캐터슨 스미스도 AWG 회원이었다.W. R. 레타비와 조지 프램튼은 런던 시의회(LC)의 검사관 및 자문관이었다.C) 교육위원회와 1896년 LCC는 주로 그들의 업무의 결과로서 중앙예술공예학교를 설립하고 그들을 공동 [94]교장으로 임명했다.독일 바우하우스가 설립되기 전까지 중앙학교는 유럽에서 [95]가장 진보적인 예술학교로 여겨졌다.설립 직후, 캠버웰 예술 공예 학교는 지역 자치구의회에 의해 예술과 공예 라인에 설립되었습니다.

1898년 왕립미술학교의 수장으로서 크레인 교수는 좀 더 실용적인 방향으로 그것을 개혁하려고 노력했지만, 1년 후에 교육위원회의 관료주의에 의해 패배하고 사임했고, 그 후 그는 그의 계획을 실행하도록 아우구스투스 스펜서를 임명했다.스펜서는 레하비를 디자인 학교의 수장으로 영입했고 몇몇 예술노동자조합 회원들을 [94]교사로 영입했다.개혁 후 10년이 지난 지금, 조사 위원회는 RCA를 검토했고, RCA가 여전히 학생들에게 [96]산업 교육을 제대로 시키지 못하고 있다는 것을 알게 되었다.C.R.는 위원회 보고서 발행에 이은 토론에서 다음과 같이 말했다.Ashbee는 매우 비판적인 에세이인 "Whould We Stop Teaching Art"를 발표했는데, 이 에세이에서 그는 예술 교육 시스템이 완전히 해체되고 대신 [97]국가 보조 워크숍에서 공예품을 배울 것을 요구했다.예술과 공예 운동의 중요한 인물인 루이스 포맨 데이는 조사 위원회에 제출한 반대 보고서에서 재료에 직접 작업함으로써 디자인을 가르치는 정설의 확산에 맞서 디자인 원칙을 더 강조해야 한다고 주장하면서 다른 견해를 보였다.그럼에도 불구하고, 예술과 공예 정신은 영국 예술 학교에 철저히 퍼져 있었고, 예술 교육의 역사가인 스튜어트 맥도널드의 관점에서, 2차 세계대전 [94]이후까지 지속되었다.

주요 실무자

장식미술관

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레퍼런스

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참고 문헌 및 추가 독서

외부 링크