태피스트리

'유니콘의 사냥' 시리즈의 태피스트리 중 하나:뉴욕 메트로폴리탄 미술관 클루이스터 1495–1505 경의 유니콘이 발견되었다.

태피스트리(Tapestry)는 전통적으로 베틀 위에 손으로 짠 직물 예술의 한 형태다.태피스트리(Tapestry)는 warp와 weft 실이 모두 보일 수 있는 대부분의 직물과는 달리 완제품에 모든 warp 실이 숨겨져 있는 waft 면직물이다.태피스트리 직조에서 weft yarns는 전형적으로 불연속적이다; 장인은 각각의 색깔 weft를 작은 패턴의 영역에 앞뒤로 교차시킨다.그것은 다양한 색깔의 가는 실이 와프의 일부에 걸쳐 작용하여 디자인을 형성하는 평범한 면의 짜임이다.^[1]

태피스트리(tapestry)는 비교적 연약하고 만들기도 어렵기 때문에 대부분의 역사적 작품들은 벽(또는 때로는 텐트에) 수직으로 매달리거나 때로는 테이블이나 침대 같은 가구 위에 가로로 걸도록 되어 있다.어떤 시대는 종종 길고 좁은 작은 조각들을 만들었고 다른 직물의 경계선으로 사용되었다.유럽의 태피스트리들은 보통 한쪽에서만 보이도록 만들어지며, 뒷면에 평범한 안감을 덧댄 경우가 많다.그러나 중국의 케시와 프리 콜럼비아 페루의 전통과 같은 다른 전통들은 양쪽에서 볼 수 있도록 태피스트리를 만든다.^[2]대부분의 비버는 울, 린넨 또는 면과 같은 자연적인 와프 실을 사용한다.이 날염 실들은 보통 양털이나 면직물이지만 비단, 금, 은 또는 다른 대안들을 포함할 수 있다.

18세기 고벨린 태피스트리를 측정하기 위해 걸어놓은 메트로폴리탄 미술관으로 옮겨진 크로메 코트 태피스트리 방. 의자도 덮고 있다. 1763-71

태피스트리(Tapestry)는 사실 수놓아진 유명한 베이룩스 태피스트리(Bayeux Tapestry)와 같이 이미지가 새겨진 큰 자수 조각들을 때로는 느슨하게 "태피스트리"^[4]라고 부르기도 하지만,^[3] 다른 자수 기법과 구별해야 한다.^[5]중세부터 유럽의 태피스트리는 이미지가 수십 개의 형상을 포함하고 있어 매우 클 수 있다.그것들은 종종 세트로 만들어졌고, 그래서 방 전체가 그것들과 함께 매달려질 수 있었다.

명예의 승리, 아마도 브뤼셀, 1500년대

중세 말기 유럽 태피스트리(tapestry)는 2차원의 비유적 이미지를 위한 가장 웅장하고 가장 비싼 매개체였으며, 그림의 중요성이 급속도로 높아졌음에도 불구하고, 적어도 16세기 말까지, 그 이상은 아니더라도, 많은 르네상스 시대의 후원자들의 눈에 이러한 위치를 유지했다.^[6]유럽의 전통은 프랑스 혁명과 나폴레옹 전쟁까지 예술 양식의 더 넓은 변화를 계속 발전시키고 반영하다가 19세기에 더 작은 규모로 부활되었다.

용어와 어원

고벨린스 공장에 거울이 달린 하이워프 베틀이 있어 웹 뒤의 위버가 그의 작품(낮은 워프 베틀 사진)을 따라갈 수 있다.

영어로 '테이프스트리'는 두 가지 감각이 있는데, 이 두 가지 모두 여기서 논의된 대부분의 작품에 적용된다.첫째는 위아래에 기술된 태피스트리 짜기 기법을 이용한 작업을 의미하며, 둘째는 비유적인 디자인이 걸려 있는 다소 큰 방직벽을 의미한다.베이룩스 태페스트리처럼 수놓아진 몇몇 작품들은 두 번째 정의를 충족하지만 첫 번째 정의는 충족시키지 못한다.프랑스 등가 타피세리 역시 바늘구멍 작업을 가리는 등 상황이 복잡해 특히 두 가지 기법을 모두 사용하는 가구 커버 등의 조각으로 혼선을 일으킬 수 있다.

옥스포드 영어사전에 따르면, 영어에서 가장 일찍 사용된 것은 1434년의 유언으로, "Gelum meum de tapriwerke cum pleicano"를 언급하였다.^[7]그들은 넓은 정의를 내리는데, "장식이나 화보 소재로 장식된 직물 천으로, 벽걸이, 커튼, 좌석 덮개 등에 사용되는 색상으로 칠하거나 수놓거나 짜여진 색상으로 장식된 직물 천으로, ..."이라고 말하고 나서 태피스트리 짜기로 짠 것을 언급한다.^[8]

태피스트리(tapestry)라는 단어는 올드 프렌치 타피서리에서 유래했으며, "무거운 천으로 덮는 것"을 뜻하는 ^[9]타피서부터 카펫까지 차례로 라틴타페스를 거쳐 타피스에서 유래했다. gen:tapetis)^[10]는 그리스어 άπης(tapēs; gen:τάπητος, tapētos), "carpetcarpet, 깔개".^[11]가장 먼저 증명된 단어 형태는 '선형 브실라바리(Linear Bsyllabary)'로 쓰인 '미케네안 그리스어(Mycenaean Gristian𐀲)' '타페자(ta-pe-ja)'이다.^[12]

그들에게 "타페스트리"는 고전 기간이 끝날 때까지 흔한 영어 용어가 아니었다.단순히 '행랑'이나 '보'라고만 부르지 않는다면, 아라스(Arras)가 주도적인 생산 중심지였던 시기부터 '아라스(Arras)'로 통했다.아라초는 여전히 이탈리아어로 태피스트리의 용어인 반면, 많은 유럽 언어들은 프랑스 공장 이후에 고벨린에 기초한 변형을 사용한다. 예를 들어, 덴마크어와 헝가리어 둘 다 고벨린을 사용한다(그리고 덴마크 태핏에서는 벽지를 의미한다).토마스 캠벨은 1510년 이후 튜더 왕실 소장품 관련 문서에서 "아르라스"는 특히 금실을 사용한 태피스트리를 의미했다고 주장한다.^[13]

생산

태피스트리(tapestry)는 직물의 일종이다.베틀의 다양한 디자인을 사용할 수 있는데, 여기에는 태피스트리가 베버 앞에 수직으로 늘어뜨려져 있는 직립형 또는 "하이워프형" 베틀이나, 중세와 르네상스의 대규모 워크샵에서 흔히 사용되다가 나중에는 주로 작은 조각에 사용되었던 수평형 "로우워프형" 베틀이 포함된다.위버는 항상 작품의 뒷면에 작용하며, 보통 실물 크기의 그리거나 칠한 만화, 또는 아마도 다른 태피스트리를 따르고 있다. 설정에 따라 이 역행은 태피스트리 이미지의 (거울 이미지)이다.이 만화는 일반적으로 최소 중세 말기의 "산업" 워크숍에서 전문 예술가에 의해 제작되었는데, 그 과정에서 종종 더 이상 관여하지 않거나 전혀 하지 않았다.그 만화는 위버에 의해 워프 선으로 추적되었다가, 여전히 볼 수 있는 곳에 놓였고, 때로는 거울을 통해서도 위버 뒤에 걸려 있었다.저워프 베틀로 그 만화는 보통 조각으로 잘라서 짜는 직물 밑에 놓였는데, 그 곳에서 위버는 실의 "그물"을 통해 그 만화를 볼 수 있었다.^[14]살아남은 만화의 매우 드문 예인 라파엘 만화는 이런 식으로 잘려나갔다.

유럽의 "산업적" 태피스트리에서는 와프 실이 보통 양털이었지만, 더 장인적인 환경에서는, 그리고 더 오래된 것에서는, 린넨이 종종 사용되었다.그 날붙이 실들은 털실로, 가장 비싼 태피스트리에 사용되는 실크, 은색 또는 금색 실이 있었다.시스티나 성당 태피스트리와 아브라함 이야기와 같은 몇몇 유명한 디자인은 아마도 헨리 8세를 위해 처음 만들어졌을 것이다, 귀금속과 다른 버전 없이 살아남는다.^[15]비단을 사용하면 비용이 네 배 정도 증가할 수 있고, 금실을 추가하면 비용이 엄청나게 증가하는데, 아마도 양모만 사용할 때보다 50배나 더 많이 든다.^[16]

비버는 육체적으로 힘든 일이었기 때문에 대개 남성이었다. 실을 돌리는 것은 대개 여성 보호구역이었다.타피스트리 품질은 디자인이나 소재와는 별개로 짜임새의 촘촘함에 따라 다양하다.이것의 한 가지 현대적인 척도는 백분위수 당 와프 나사산의 수입니다.1인용 위버가 한 달 안에 중질 태피스트리 정사각형 야드를 생산할 수 있을 것으로 추정되지만 최고급 품질의 절반에 불과하다.^[17]

함수

왕 헨리 8세는 태피스트리 천 아래에 앉아 있었다.

장식 태피스트리의 성공은 부분적으로 그것의 휴대성에 의해 설명될 수 있다. (Le Corbusier는 한때 태피스트리 "노마디드 벽화"^[18]라고 불렸다.)완전히 손으로 짠 태피스트리 형태는 다른 종류의 직물보다 새로운 조형적 디자인을 만들기에 적합하며, 베틀은 훨씬 더 클 수 있다.^[19]왕과 귀족들은 접어서 태피스트리를 한 집에서 다른 집으로 운반할 수 있었다.많은 왕들이 태피스트리의 관리, 수리, 이동에 전념하는 건물들로 '위장' 부서를 두고 있었는데, 이 부서는 커다란 캔버스백으로 접어서 카트에 실어 나른다.교회에서는 특별한 날에 전시되었다.태피스트리는 또한 겨울 동안 단열재를 위해 궁전과 성곽에 장식용으로 장식되었다.관상, 왕실 출품, 결혼식과 같은 특별한 의식 절차를 위해, 그것들은 때때로 밖에 전시된다.^[20]궁전의 더 많은 공공 공간을 위해 고안된 가장 크고 최고의 태피스트리는 특별한 날에만 전시되어 마모와 퇴색성을 줄였다.아마도 더 작은 개인실은 영구적으로 걸려 있었을 것이다.^[21]

많은 작은 조각들이 가구나 쿠션의 덮개 또는 커튼과 침대 옷걸이로 만들어졌다.다른 사람들, 특히 엘리트층 밖의 후원자들을 위해 만들어진 사람들의 경우, 그들이, 즉 일반적으로 태피스트리가 구식인 것처럼 보일 때, 그런 기능들을 위해 잘라서 재사용되었다.가방, 그리고 때로는 옷이 다른 재사용이 되기도 했다.^[22]보바이스 제조소는 오히려 가구 업스튜어리의 전문가가 되었고, 이것이 주요 남은 시장이 되었을 때 프랑스 혁명 이후 살아남을 수 있었다.귀금속 실이 박힌 태피스트리의 경우 샤를 5세의 군인들이 시스티나 성당 태피스트리의 일부에 그랬듯이, 프랑스 디렉터리 정부는 르네상스 시대의 왕실 소장품 대부분을 차지했듯 금속을 회수하기 위해 불태워질 수도 있다.^[23]

중세 시대와 르네상스 시대에는, 발다친이라고 불리는 상징적인 상징적인 엠블럼, 모토, 또는 무기의 외투로 짜여진 풍부한 태피스트리 판넬이 권위의 상징으로 왕좌에 앞뒤로 걸려 있었다.^[24]그러한 상태의 캐노피 아래 좌석은 보통 데이스 위에 올려진다.

그림들이 전형적으로 17세기에 이르러 더 중요한 예술 작품으로 여겨지게 되면서, 궁전의 태피스트리는 덜 움직이게 되었고, 특정한 방의 영구적인 부속품으로 여겨지게 되었다.많은 오래된 태피스트리가 문과 창문 주변에 설치될 수 있도록 잘려진 것은 바로 이때였다.그들은 또한 종종 그림들을 그 위에 걸어놓는 수모를 겪었다.^[25]몇몇 새로운 태피스트리는 특정 방에 맞도록 만들어졌다; 현재 뉴욕에 있는 크룸 코트로부터 세트된 고벨린들의 디자인은 고객 방의 치수에 맞게 쉽게 크기를 조정할 수 있는 장식적인 디자인을 가진 넓은 들판을 가지고 있다.

초기 역사

외베르호그달 태피스트리 5종

고대

태피스트리의 초기 역사에 대해서는 많은 것이 불분명하며, 실제 생존은 매우 드물고, 그리스, 로마 및 기타 문헌의 문학적인 언급은 태피스트리의 기술이 기술되고 있다는 것을 입증하기에 충분한 세부사항을 제공하지 못한다.고대 이집트에서는 리넨을 사용한 태피스트리 짜기 조각이 투트모세 4세(기원전 1391년 또는 1388년)와 투탕카멘(기원전 1323년)의 무덤에서 발견되었는데, 후자는 장갑과 가운이었다.^[26]

약 2천년 전에 광범위한 연대를 부여받은 양털 조각들이 타림 분지의 코탄 인근 산펄(샹펄라)의 공동묘지와 다른 유적지에서 발견되었다.그것들은 헬레니즘 세계를 포함한 다양한 장소에서 만들어진 것으로 보인다.^[27]삼풀 태피스트리(Tapestry)와 아마도 헬레니즘(Hellernistic)으로 알려진 가장 큰 파편들은 커다란 벽걸이에서 나온 것으로 보이지만 바지 한 벌을 만드는데 재사용되었다.

중세 초기 및 고대

500~550년경 비잔틴 이집트에서 온 헤스티아 태페스트리(Hestia Tapestry)는 그리스 문자로 이름이 붙여진, 엔트론 여신 헤스티아 주변에 많은 형상이 있는 대체로 온전한 양털 조각이다.윗부분이 둥근 114 x 136.5cm(44.9 x 53.7인치)로 가정집에 걸렸을 것으로 추정되며, 이 늦은 시기에 그레코로만 이교도의 지속성을 보여준다.클리블랜드 미술관에는 비슷한 시대의 성모 마리아가 있다.^[28]초기 비잔틴 세계가 그들의 옷을 장식하는 것을 좋아했던 이미지가 있는 작은 국경과 조각들 중 많은 부분이 태피스트리에 있었다.

1000년 전후의 많은 생존자들은 높이가 비교적 짧은 큰 긴 태피스트리의 프리제 형태의 발전을 보여준다.이것들은 아마도 높은 곳에 있는 홀이나 교회를 돌아다니도록 고안된 것으로 보인다; 살아남은 예들은 거의 모두 교회에 보존되어 왔지만, 원래 세속적인 것일지도 모른다.1000년경부터 성 게레온의 천은 그리핀의 공격을 받는 황소를 모티브로 한 반복 무늬를 가지고 있는데, 비잔틴 비단(또는 그 페르시아 등가)에서 가져왔으나 아마도 라인란트에서 국소적으로 짜여진 것일 것이다.^[29]그것은 독일 쾰른의 한 교회에서 살아남았다.

1066년 헤이스팅스 전투 당시 윌리엄 공작의 부대를 집결시킨 바이룩스 주교 오도의 모습을 그린 바이룩스 태페스트리 장면

스웨덴에서 1100년 70년 이내에 제작된 외베르호그달 태피스트리 5종은 동물이 인간의 형상을 크게 능가하는 디자인을 가지고 있으며, 다양한 해석을 받아왔다.한 줄기는 기하학적 모티브를 가지고 있다.스코그 태피스트리 역시 스웨덴 출신이지만 아마도 14세기 초반에 나올 법한 스타일이다.

가장 유명한 프리즈는 바이룩스 태페스트리인데, 실제로 자수는 길이 68.38m, 폭 0.5m(224.3ft × 1.6ft)로 원래 더 길었을 것이다.이것은 아마도 1070년대에 영국에서 만들어졌으며, 1066년 노르만 정복의 이야기는 라틴어로 티툴리에 의해 설명되어 매우 분명하다.이것은 앵글로 색슨족 장령 바이런토스의 미망인이 엘리 애비에게 태피스트리를 주거나 그의 행위를 축하하며 매달렸다고 리베르 엘리엔시스가 기록하듯이 앵글로 색슨족 장르의 작품이었는지도 모르는데, 아마도 그러한 작품의 유일한 생존 사례인 바이룩스 태피스트리의 스타일로 추정된다.이것은 991년 말돈 전투에서 그가 죽은 직후에 주어졌기 때문에 아마도 전에 그의 집에 매달려 있었을 것이다.^[30]

같은 시기의 리넬란드와 관련된 로마네스크 양식의 서사적인 종교적인 장면을 선명하게 표현한 그룹이 1200년경 독일의 할베르슈타트 대성당을 위해 만들어졌고, 특정한 공간에 맞게 모양이 다르게 만들어졌다.이것들은 수녀들, 혹은 근처의 케들린부르크 사원의 세속적인 성녀들에 의해 만들어졌을지도 모른다.^[31]

이 시기에는 장식적인 모티브가 반복되었고, 점점 더 자주 헤럴드적이며, 비잔틴 비단 같은 수입 명품 직물의 스타일에 필적하는 것이 일반적인 디자인이었던 것 같다.위에 언급된 태피스트리 중에서, St Gereon의 천은 이 스타일을 가장 잘 나타낸다.^[32]

피크 기간, 약 1350년 이후

플랑드르 16세기, 사냥에서 귀환, 1525–1550, 국립 미술관

1350년경 유럽 태피스트리 역사의 결정적인 전환이 이루어졌으며, 많은 점에서 프랑스 혁명에 따른 격변 속에서 주요 중요 기간이 끝날 때까지 산업의 패턴을 설정했다.^[33]가장 좋은 작품을 의뢰할 수 있는 극소수의 고객을 위해 만들어진 태피스트리는 현재 엄청나게 크고, 매우 비싸며, 매우 자주 세트로 만들어졌으며, 종종 많은 숫자로 복잡한 서술적 장면이나 우화적인 장면을 보여주었다.^[22]그것들은 프랑스 북부와 네덜란드 남부의 비교적 작은 지역의 여러 도시에 집중된 대규모 작업장에서 만들어졌다.관례상 대부분의 생산 센터는 사실 플랜더스 카운티에 있지 않았지만, 이 모든 것을 종종 "플레미쉬 태피스트리"라고 부른다.

직조 작업장에 도착하기 전에, 커미셔닝 과정은 일반적으로 고객, 예술가, 그리고 준비와 계약을 정리하는 상인 또는 딜러를 포함했다.일부 태피스트리는 고객이 등장하기 전에 재고용으로 만들어진 것으로 보인다.워크숍을 설치하는 데 드는 상당한 비용에 대한 자금 조달은 특히 초기에는 모호한 경우가 많지만, 지배자들은 일부 워크숍이나 다른 부유한 사람들을 지지했다.상인이나 딜러도 연루되었을 가능성이 매우 높다.

직조 센터

약 1600년 전에 살아남은 태피스트리가 만들어진 곳은 종종 불분명하다; 1528년부터 브뤼셀은 분명히 그때까지는 도시의 마크와 그것 또는 위버나 상인이 있는 어떤 크기의 태피스트리를 표시하기 위해 그것의 위버를 필요로 했다.^[34]1350년에서 1600년까지의 어느 때라도, 아마도 한 두 센터만이 가장 크고 훌륭한 왕실의 질서를 만들어 낼 수 있었고, 그리고 종종 전쟁이나 전염병에 의해 움직이는 새로운 센터로 이주해 온 고도로 숙련된 위인들 집단이 있을 것이다.처음에는 파리가 그 분야를 이끌었지만, 1418년 이후 그곳의 영국 점령은 이미 중심지인 아라스에게 많은 것을 보냈다.1477년에 차례로 아라가 해고되어 투르나이가 출현하여 다음 세기 초 심각한 전염병이 발생할 때까지 투르나이가 출현하였다.브뤼셀은 중요성이 커지고 있었고, 지금은 가장 중요한 중심지가 되었으며, 80년 전쟁이 네덜란드를 모두 혼란에 빠뜨릴 때까지 남아 있었다.브뤼셀은 17세기 초 부흥기를 맞았으나, 1650년경부터 프랑스 공장들이 점점 그것을 추월하고 있었고, 프랑스 혁명과 나폴레옹 전쟁의 격변으로 인해 대형 태피스트리에 대한 전통적인 수요의 가상 종말이 올 때까지 지배적인 위치를 유지했다.^[35]

프랑스 북부와 저지국의 다른 마을에서는 태피스트리 짜기가 항상 있었는데, 대부분은 작은 조각들을 만드는 다소 작은 작업장에서였다.유럽의 다른 지역, 특히 이탈리아와 독일에서도 그랬다.16세기 중반부터 많은 통치자들이 그들의 영역에서 수준 높은 작업을 할 수 있는 워크샵을 장려하거나 직접 설립했다.이것은 프랑스에서 가장 성공적이었지만, 투스카니, 스페인, 영국 그리고 결국 러시아는 수준 높은 워크샵을 가졌는데, 보통 "플레미시" 센터에서 숙련된 노동자 집단을 수입하는 것을 시작으로 했다.

단골손님들

프랑스 앵거스 성당의 종말론 태피스트리

주요 직조 센터는 중세 말기에 극히 중요한 후원자였던 발루아 가의 프랑스와 부르고뉴 지부에 의해 통치되었다.이것은 프랑스의 요한 2세 (d. 1362년)의 네 아들들 사이에서 태피스트리 수백 개를 소유하고 있는 것으로 밝혀져 있는 재고를 통해 시작되었다.이들 소장품에서 거의 확실한 생존과 14세기 가장 유명한 태피스트리만이 1377년에서 1382년 사이에 파리의 안조 공작 루이 1세를 위해 만들어진 매우 큰 세트인 거대한 아포칼립스 태피스트리뿐이다.^[36]

또 다른 형제인 필립 더 볼드, 부르고뉴 공작 (d. 1404)은 아마도 훨씬 더 사치스러운 소비자였을 것이고, 유럽의 다른 통치자들에게 많은 태피스트리를 선물했다.태피스트리를 훔치는 몇몇 센터들이 그의 영토에 있었고, 그의 선물은 그의 거구의 태피스트리에 대한 취향을 다른 법원에 퍼뜨리기 위한 다소 성공적인 시도로 볼 수 있을 뿐만 아니라 그의 거구의 지위를 홍보하기 위한 시도의 일환으로도 볼 수 있다.부르고뉴와 프랑스와는 별도로, 태피스트리는 여러 영국 플랜타게네츠와 오스트리아, 프로이센, 아라곤, 밀라노의 통치자들에게, 그리고 그의 구체적인 요청으로 오스만 술탄 바자제트 1세(공작의 아들을 위한 몸값 거래의 일환으로)에게 주어졌다.필립이 의뢰한 태피스트리는 하나도 살아남기 위해 나타나지 않는다.^[37]태피스트리에 대한 필립의 취향은 스페인 합스부르크족을 포함한 후손들에게 매우 강하게 계속되는 것이었다.

주제 및 스타일

멧돼지와 곰 사냥, 데본셔 사냥 태피스트리 1430–1450, V&A. 380 x 1020 cm, 무게 50 kg.

대형 태피스트리의 새로운 스타일은 대부분 서술형 주제를 대표하는 인물의 숫자가 많은 피사체를 보여주었다.서술 태피스트리의 높은 비율의 우상화는 서면 자료로 거슬러 올라간다. 성경과 오비드의 변성술은 두 가지 인기 있는 선택이다.

태피스트리 짜기의 특징은 그림과는 달리 하늘, 풀, 물 등 구성의 비교적 평이한 부분만을 포함하는 작품의 면적을 짜는 것은 여전히 상대적으로 많은 양의 느리고 숙련된 작업이 수반된다는 점이다.이는 장엄함을 압도하는 효과에 대한 의뢰인의 기대와 이탈리아 영향에서 비롯된 주 센터의 고립성과 함께, 이탈리아 르네상스 회화의 유행을 고전화시킨 후 오랫동안 인물과 다른 세부 사항들로 북구 작품들이 빽빽하게 남아 그림의 군중을 감소시켰다.

북방 스타일에 대한 중요한 도전은 아마도 1516년에 사도행각을 묘사한 그랜드 세트의 교황 시스티나 채플 커미션을 위해 브뤼셀에 도착한 것이었다.이것들은 로마에서 보내졌고, 또한 지문을 통해 북쪽에 도달하고 있는 하이 르네상스 양식을 고전화한 최근의 기념비적인 방법을 사용했다.

사냥

사냥 장면 또한 매우 인기가 있었다.이런 것들은 대개 특정한 설정이 주어지지 않았지만, 때로는 청장이나 다른 인물들에게 초상화가 주어질 수도 있다.아라스에서 만들어진 것으로 보이는 데본셔 헌팅 태피스트리 1430-1450, V&A 4종은 아마도 곰, 멧돼지, 사슴, 백조, 수달, 매사냥의 사냥을 보여주는 15세기 가장 큰 생존제일 것이다.매우 유행에 맞는 옷을 입은 신사 숙녀 여러분들은 도살장 옆에서 거닐고 있다.1515년 이후의 또 다른 세트는 비록 부분적으로 비단으로 만들어졌지만 비슷한 후기 중세의 스타일을 보여준다. 그래서 비용이 더 많이 든다.

그러나 합스부르크 후원자를 위해 브뤼셀에서 제작된 레 샤세스 드 막시밀리언(1530년대, 루브르)의 12점은 태피스트리에 맞게 변형된 르네상스풍의 작곡 스타일을 보여준다.이들은 한 해 동안 매달 사냥 장면을 갖고 있으며, 도시 주변의 특정 장소도 보여준다.고야는 1770년대에도 여전히 사냥 장면을 디자인하고 있었다.

군대

파스트라나 태피스트리(1470년대) 중 하나인 탕헤르의 가을은 약 10년 전 포르투갈의 아폰소 5세의 승리를 기록했다.투르나이에서 짜임

11세기 이후 예상되는 격차 이후, 14세기 후반 태피스트리가 "공식적인 군사 예술"을 위한 가장 웅장한 매개체로 돌아왔으며, 보통 그들을 위촉하는 사람의 승리를 축하한다.^[38]필립 더 볼드는 1382년 승리한 뒤 2년 만에 세운 로스베케 전투에 의뢰했는데, 이 전투는 높이 5m, 너비 41m가 넘는다.랑캐스터 공작 존은 1393년 필립이 평화협정을 협상하기 위해 칼레에서 가진 외교회의에 그것을 전시했을 때 그것이 바뀌었다고 주장했다.^[39]포르투갈 파스트라나 태피스트리(1470년대)가 초기 사례였고, 그렇게 일찍부터 드물게 살아남았다.

자마 전투 (기원전 202년)는 프랑스 혁명으로 파괴된 세트에 대한 줄리오 로마노와 프란체스코 페니의 설계 후, 스키피오 아프리카누스의 삶의 세트에서 나온 고벨린스의 카피본이다.

많은 세트들이 많은 전투 장면들을 포함하는 고전 영웅들의 삶으로 제작되었다.트로이 전쟁, 알렉산더 대왕, 율리우스 카이사르, 콘스탄티누스 1세는 기념되었을 뿐만 아니라 고대 페르시아의 키루스 대왕과 같은 가능성이 적은 인물들도 기념되었다.

특히 합스부르크의 승리를 축하하는 15세기 현대 전쟁이 많이 있었다.찰스 5세는 1525년 파비아 전투에서 결정적인 승리를 거둔 후 대규모 세트를 의뢰했다. 한 세트는 현재 나폴리의 무소 디 카포디몬테에 있다.1535년 튀니지 정복(파스트라나 태피스트리에 묘사된 탕헤르의 그것보다 더 오래 지속되지 않음)을 정점으로 북아프리카 원정을 이끌었을 때, 그는 플랑드르 미술가 얀 코넬리스 베르메옌을 데리고 갔고, 주로 그가 돌아오면서 주문한 태피스트리의 세트 그림을 제작했다.

현대의 군사 과목은 16세기 많은 전쟁이 종교적이 되면서 다소 인기가 떨어졌고, 때로는 우화적인 과목들이 이들을 다루기 위해 선택되기도 했다.그러나 레판토 해전은 브뤼셀 세트와 함께 기념되었고, 스페인 무적함대가 무적함대 태피스트리 (1591년)로 패한 것이 기념되었다. 이것들은 델프트에서 만들어졌으며, 네덜란드 해군의 승리를 여러 차례 태피스트리로 한 팀에 의해서도 이루어졌다.아르마다 세트는 1834년 의회 버닝에서 파괴되었지만, 지문으로 알려져 있다.두 세트 모두 높고 원거리의 공중관을 채택했는데, 이후 많은 육지전투에서 계속되었으며, 종종 전경에 있는 몇몇 큰 인물들과 결합되었다.루이 14세가 집권 초 승리한 프랑스의 태피스트리는 이런 유형이었다.16세기 말, 한 세트(현 마드리드)는 스페인 네덜란드의 군주가 된 지 얼마 안 된 알베르트의 트라이엄스와 전투(사실상 그의 군대 경력은 다소 성공적이지 못했다)의 의뢰를 받았다.앤트워프 시의회는 브뤼셀에 있는 마아텐 레이무츠 더 젊은이의 워크숍에서 1599년 말 왕실의 앤트워프 입국을 계기로 처음 볼 수 있도록 명령했다.

제1대 말버러 공작인 존 처칠을 위해 제작된 세트장은 고객마다 달랐고, 심지어 장군의 얼굴과 다른 세부 사항들을 다시 작업한 후 그의 적수 중 한 명인 막시밀리안 2세 엠마누엘 바바리아에게 팔렸다.^[40]

밀레플뢰르 스타일

레이디 앤 더 유니콘: AHA mon sl desir (Musée national du Moyen arge, 파리)아마 브뤼셀, C. 1500번지.

밀레플레우르(또는 밀레플레우르스)는 보통 풀에서 자라는 것처럼 푸른 땅에서 보이는 여러 가지 작은 꽃과 식물의 배경 양식이었다.종종 다양한 동물들이 추가되는데, 보통 거의 같은 크기로 토끼나 비둘기와 유니콘은 크기가 크게 다르지 않다.^[41]나무들은 보통 너무 작고 주변의 꽃들과 어울리지 않는 크기인데, 그 특징은 중세 그림에서도 일반적으로 발견된다.

밀레플뢰르 문체는 약 1400년부터 1550년까지 다양한 과목에 사용되었지만, 주로 약 1480년에서 1520년 사이에 사용되었다.많은 과목에서 밀레플뤼어 배경은 태피스트리 꼭대기까지 뻗어있으며, 하늘을 없앴다; 하늘의 최소화는 이미 태피스트리 스타일의 특징이었다; 데본셔 사냥 태피스트리들은 이 스타일의 초기 단계를 보여준다.주로 인물들로 덮인 것과 대조적으로 두드러진 밀레플뤼어 배경은 특히 우화적이고 정중한 대상의 특징이다.파리를 배경으로 한 레이디와 유니콘은 1500년경부터 유명한 예들이다.^[42]

밀레플뢰르 배경은 비교적 작은 종류로 가장 인기 있는 것 중 하나였으며, 대개 넓이보다 키가 더 큰, 헤럴드 태피스트리는 매우 흔해졌다.이것들은 대개 넓은 꽃밭과 함께 가운데에 있는 후원자의 팔장을 특징으로 했다.그들은 종종 그가 주(州)에 앉아 있거나 식사를 할 때 후원자 뒤에 매달리곤 했으며, 왕족들이 사들인 거대한 서사 세트를 감당할 수 없는 많은 귀족들을 위해 만들어졌다.Enghien은 이것들에 특화된 것으로 보이는 더 작은 직조 중심지였다.^[34]초기 형태의 헤럴드 태피스트리는 종종 패턴으로 헤럴드의 요소들을 반복했다.

조경

1531년 레 샤세 드 막시밀리엔의 "9월"

약 1520년 이후, 상위 워크샵들은 밀레플루어 설정에서 벗어나 자연주의적인 경관으로 이동했으며, 모든 요소들은 일관된 원근법으로 크기를 조정했다.주요 내용이 풍경과 동물이었던 태피스트리는 (프랑스어로 "녹색"을 위한) 녹색으로 알려져 있다.태피스트리의 녹색은 특히 색이 바래거나 블루스로 변하는 경향이 있기 때문에 이 장르는 대부분의 색상 변화로 인해 많은 어려움을 겪었다.이런 유형의 소형 태피스트리들은 18세기까지 인기를 끌었으며, 워크샵이 특별한 주문 없이 태피스트리를 만들어 판매상 네트워크를 통해 유럽 전역으로 유통시킬 수 있다는 장점이 있었다.약 1600년부터 그들은 유럽의 풍경화와 판화에서 더 넓은 트렌드를 따랐다.우데나르드는 이러한 것들을 전문적으로 다루었지만, 그것들은 많은 마을에서 생산되었다.^[34]그림과 같이, 인물 한두 개를 추가하면 고전 신화에 나오는 이야기, 즉 사냥 주제에 대한 묘사로 그러한 작품들을 끌어올릴 수 있다.

르네상스 시대의 도래와 주제

네덜란드의 태피스트리 청소부들은 15세기 후반까지 고딕 양식으로 일하는 것이 매우 편안해졌고, 이탈리아 르네상스의 양식적 변화를 반영하는 것이 느렸으며, 아마도 태피스트리에 대한 고객들의 압력이 그 길을 이끌었다.인쇄물 덕분에 이탈리아식 디자인을 북쪽에서 볼 수 있었다.

이탈리아의 독특한 주제는 페트라르칸의 승리였으며, 그의 시 사이클 I 트리온피 (1374년 이전)에서 유래되었다.최초의 녹음된 태피스트리는 1399년 파리 출신의 볼드 오브 부르고뉴 공작 필립이 주문한 3점 세트였다.최신 플로렌스 스타일의 대표적인 후원자인 조반니 데 메디치를 위해 1450년대에 만들어진 세트장은 이탈리아에서 네덜란드 위버로 보낸 만화를 사용했다.그러나 대부분의 디자인이 정교하게 차려입은 수많은 인물들을 포함하고 있고, 그려야 할 도덕적 메시지가 있었기 때문에 피실험자들은 태피스트리 위버 스타일에 적합했다.^[43]

16세기

16세기는 태피스트리의 맛을 이어갔고, 틀림없이 매체 역사상 가장 훌륭한 시기였다.지금쯤 태피스트리를 생산하는 도시들은 대부분 합스부르크 가문에 의해 지배되고 있었는데, 그는 발루아를 대신하여 지배적인 후원자로 삼았다.세기 초에 투르나이는 아마도 여전히 가장 큰 직조 중심지였을 것이다. 그러나 페스트 이후 그것은 브뤼셀로 대체되었다. 브뤼셀은 최근 몇 십 년 동안 발루아와 합스부르크의 네덜란드식 행정 수도로서 이미 1500년까지 가장 질 좋은 직조 중심지였을 것이다.그러나 태피스트리가 짜여진 다른 마을들도 많았다.^[44]

라파엘이 1515–16년에 시스티나 성당을 위해 디자인한 생 스테판의 돌팔매질은 만투아에서 1557년 이전 사본이다.

태피스트리는 영국의 헨리 8세부터 폴란드와 리투아니아의 교황 레오 14세와 시기문트 2세 아우구스투스에 이르기까지 유럽 전역의 통치자들에 의해 네덜란드에서 의뢰되었다.작은 태피스트의 소유권 또한 귀족과 부르주아를 통해 더욱 널리 퍼지고 있었다.1528년부터 브뤼셀에서 만들어진 더 큰 크기의 태피스트리에는 그렇게 표시를 해야 했고, 제조자나 판매업자의 표시로 역사학자의 업무가 훨씬 쉬워졌다.^[45]1476년 관련 길드 간의 합의 이후, 주요 디자인에 대한 만화는 화가 길드원이 공급해야 했고, 반면 착용자들은 특히 밀레페어 디자인에 대해 상세히 설명할 수 있었다.이것은 브뤼셀 작품의 높은 품질의 디자인을 보장했다.^[46]

세기 초에 후기 고딕 양식은 지배를 받았으며, 가장 유명한 밀레플뤼어 "유니콘" 태피스트리 세트는 1500년경에 만들어졌으며, 아마도 파리에서 온 디자인일 것이다.레이디와 유니콘(지금의 파리), 유니콘의 사냥(지금의 뉴욕)이다.1515–16년에 라파엘이 디자인한 시스티나 성당을 위한 교황 레오의 세트장은 태피스트리에 이탈리아 하이 르네상스 양식의 완전한 도입을 표시했고, 북부 최고 디자이너들은 이제 채택을 시도했는데, 이는 유럽 전역에 걸친 판화의 광범위한 배포가 그들에게 하나의 쉬운 경로를 주었지만, 많은 이들이 그것을 택했다.레 샤세스 드 막시밀리언(The Hunts of Maximilian)은 1530년대 버나드 반 올리가 합스부르크족을 위해 고안한 12개의 거대한 브뤼셀 태피스트리 시리즈로, 최신 르네상스 스타일을 달성하기 위한 가장 성공적인 노력 중 하나이다.^[47]기술적으로 15세기 마지막 사분기의 브뤼셀 태피스트리는 이미 더 많은 환상적 요소들을 통합하기 시작할 정도로 정교해졌고, 그들의 주제-물질에 다른 질감을 구별하고, 일반 인물보다는 개인(현재 대부분 알려지지 않은)의 초상화를 포함시켰다.^[48]

세기에 걸쳐 유화는 대부분 판넬 지지대에서 캔버스로 옮겨가 훨씬 더 큰 크기를 허용했고 태피스트리와 진지하게 경쟁하기 시작했다.그림이 허락했지만 태피스트리는 허락하지 않았던 마스터의 손길의 진정성은 합스부르크족을 비롯한 가장 세련된 후원자들에게 인정받게 되었다.그러나 스페인의 샤를 5세와 필립 2세는 태피스트리에 막대한 돈을 계속 썼는데, 분명히 태피스트리가 가장 웅장한 형태의 장식이며 부르고뉴의 조상들과의 연속성을 유지한다고 믿고 있는 것이 분명하다.

17세기

Jacob Jordaens의 바로크 디자인, 말의 창조, 양털, 실크, 금, 은으로 짜인 등각 시리즈, 브뤼셀, 1650년대

17세기 초에는 그림이 꾸준히 자리를 잡아가고 있었지만 엘리트들 사이에서 태피스트리에 대한 취향이 계속되고 있었다.브뤼셀은 여전히 가장 중요한 직조 중심지로 남아 있었고, 루벤스는 대부분 멀지 않은 앤트워프에 기반을 두고 있으며, 웅장한 바로크 양식을 대중에게 가져다 주었으며, 제이콥 조던스 등이 많은 것을 디자인하기도 했다.^[49]후대에 중요한 디자이너들은 저스투스 판 에그몬트 (1674년), 루트비히 판 쇼어 (1702년), 얀 반 올리 (1735년, 오래 지속되는 왕조의 마지막)를 포함했다.브뤼셀의 워크숍은 플랑드르 바로크 회화들이 그들의 시장을 일부 차지했고 프랑스 경쟁은 태피스트리의 남은 틈새시장을 쥐어짜면서 세기의 후반기에 다소 줄어들었다.^[49]

파리에서의 생산은 1608년부터 부활하여 1640년대 내전에서 기세를 올렸으나, 1658년 니콜라스 푸케가 작업장을 설립하면서 다시 시작되었다.콜버트는 몰락한 후 1663년 왕을 위해 설립한 새로운 고벨린스 제조소에 이것을 대부분 합병했고, 오늘날까지 계속된다.항상 민간기업인 보바이스 제조소는 1664년 콜버트에 의해 설립되었으나, 20년이 지난 후에야 의미 있게 되었다.아마도 이전의 소규모 워크숍의 연속인 오부손 태피스트리(Aubusson tapestry)는 계속되었지만 다음 세기에 더욱 중요해질 것이다.궁정 화가들에 의해 최신 스타일 루이 14세의 디자인을 공급받은 고벨린스 작품들은 세기의 나머지 기간 동안 점점 더 지배적이 되었고, 1700년경에는 유럽에서 가장 존경받고 모방된 작업장이 되었다.^[50]

런던 외곽의 모틀레이크 태피스트리 작품들은 1619년 영국의 찰스 1세의 격려로 시작 당시 플랑드르 위버를 이용하여 설립되었고, 1620년대와 1630년대에 유럽에서 가장 좋은 품질의 태피스트리 중 일부를 생산하고 있었다.피렌체의 메디치 워크숍은 계속되었고, 1630년부터는 로마에서 프란체스코 바르베리니 추기경이 불가피하게 수입한 플랑드르 감독으로 시작하게 되었다.모틀레이크와 로마 워크숍은 세기가 끝날 무렵에 끝났다.독일에서는 1604년에 뮌헨에 워크샵이 설립되었고, 세기가 끝날 무렵에는 9개 도시가 추가로 설립되었는데, 많은 도시들이 현지 통치자의 후원을 받았다.^[51]

18세기

프란시스코 고야 만화 파라솔, 1777, 프라도

세기가 시작될 무렵에는 풍경 주제에 대한 관심이 높아졌고, 일부는 여전히 사냥 장면을 가지고 있지만, 다른 일부는 농촌 생활의 장르적 주제를 보여준다.

마드리드의 왕립 태페스트리 공장은 세기에 거의 새로운 공방이 시작되지 않았다.이것은 1720년 스페인이 위트레흐트 조약에 따라 플란더스에서 영토를 잃은 직후에 시작되었다.스페인의 필립 5세는 제이콥 반 데어 고텐과 그의 아들 6명을 마드리드로 데려왔다.가장 잘 알려진 태피스트리들은 1775년부터 프란시스코 고야가 디자인한 것이다.이것들은 대부분 연인이나 시골 사람들이 재창조하는 장르적인 장면들을 보여준다.그의 만화와 그것들로 만들어진 태피스트리 모두 대부분 살아남는데, 프라도에 있는 많은 만화들과 여전히 왕궁에 있는 태피스트리들이 있다.시스티나 성당 태피스트리용 라파엘의 만화와 마찬가지로 현대 비평가들은 만화를 선호하는 경향이 있다.이 작품들은 1997년까지 판데르 고텐스와 후손들이 개인적으로 소장하고 있었으며, 2002년 이 가족의 마지막 구성원이 의장직을 사임했다.전쟁 중 잠시 멈춘 것 외에도, 이 작품들은 태피스트리를 계속 생산해 왔다.^[52]

중세기에 즈음하여, 새로운 로코코 스타일은 태피스트리 분야에서 매우 효과적임이 증명되었는데, 지금은 전보다 훨씬 더 작아졌다.프랑수아 바우처는 보바이를 위해 45개의 만화를 제작했고, 그 후 1753년까지 동물 화가 장바티스트 우드리를 따라 고벨린스의 예술 감독으로 활동했다.^[53]우드리 감독의 가장 잘 알려진 세트는 1720년대 이후 많은 반복으로 만들어진 8인조 '목회자 오락'이었다.

세기의 후반기에 브뤼셀의 주요 워크샵은 1794년에 마지막으로 점차 문을 닫았다.^[49]태피스트리는 신고전주의도 낭만주의도 별로 맞지 않았고, 프랑스 혁명과 나폴레옹 전쟁의 혼란과 함께 대형 구상 태피스트리의 생산이 유럽 전역에서 거의 중단되었다.

19세기

1890년대 모리스 주식회사의 성배 태피스트리 중 하나인 달성

19세기에 윌리엄 모리스는 메르턴 수도원에서 중세풍의 태피스트리 제작 기술을 부활시켰다.모리스 앤 코퍼레이션은 에드워드 버니 존스의 만화를 바탕으로 한 수치와 함께 가정과 교회 사용을 위한 태피스트리 시리즈를 성공적으로 만들었다.1890년대의 6개의 성배 태피스트리 세트는 여러 번 반복되며, 그들이 만든 것 중 가장 크며 아마도 가장 성공적일 것이다.

전통적인 태피스트리는 여전히 파리의 고벨린스 공장과 마드리드의 왕실 공장에서 만들어진다.이들과 몇 개의 오래된 유럽 워크샵들 또한 오래된 태피스트리를 수리하고 복원한다; 영국의 주요 워크샵은 왕립 컬렉션 트러스트의 부서인 햄튼 코트 궁전이다.

외유럽

1620년대 폴리도로스의 죽음

중국식 케시는 태피스트리 짜기로, 보통 유럽의 벽걸이들에 비해 작은 규모로 비단을 사용한다.법정을 위한 의복은 주요 용도 중 하나였다.매듭의 밀도는 일반적으로 매우 높으며, 아마도 훨씬 더 큰 유럽의 태피스트리만큼 많은 작업을 수반하는 최고의 품질의 가운을 가지고 있다.처음에는 동물, 새, 꽃 장식, 또는 황실의 옷을 위한 용과 함께 작은 조각에 사용되었는데, 명 왕조 하에서는 그림을 모사하는 데 사용되었다.

폴리도로스의 죽음(Death of Polydorus)은 1620년대 마카오의 포르투갈 총독을 위해 중국에서 제작된 7개의 대형 태피스트리 행링 중 하나로 서양식과 중국식이 혼합된 특이한 세트 중 하나이다.행랑의 대부분은 자수지만, 인물의 얼굴과 살 부분은 응용한 무늬의 비단 새틴 조각으로, 불교 배너에 자주 사용되는 중국식 기법과 ^[54]더 큰 형태의 탕카를 반영하고 있다.

킬림과 나바호 양탄자 역시 태피스트리 작업의 한 종류인데, 이 두 가지 디자인은 대부분 다른 양탄자 짜기 기법과 유사한 기하학적 패턴으로 제한된다.

모로코 한디라(Moroccan Handira)는 중간아틀라스 지역의 베르베르 여성들이 소녀 지참금의 일부로 만든 손으로 짠 태피스트리다.이 크림색 계열의 태피스트리에는 악마의 눈을 쫓고 행운과 번영을 뜻하는 모로코 단어인 바라카를 데려오는 것으로 여겨지는 자수정과 거울로 장식된 속눈썹이 특징이다.태피스트리는 신부가 결혼식 날 커버로 착용한 뒤 부부용 침실에서 던지기로 사용한다.^[55]

현대 태피스트리

그리스도의 태피스트리 인 글로리, 1962년, 코벤트리 대성당, 높이 75.5피트(23.0m)로 그레이엄 서덜랜드가 디자인하고 핀튼 프레르[fr], 프랑스 펠레틴이 엮었다.

현대와 제2차 세계 대전 이전의 역사를 구분하는 것은 현대 매체에서 위버로서 화가의 우위에 있다.이런 경향은 1950년대 프랑스에 뿌리를 두고 있는데, 아우부손 태피스트리 스튜디오의 '카투니스트' 중 한 명인 장 루르사트는 색상 선정을 간소화하여 생산을 간소화하고,^[56] 스위스 로잔에서 열린 비엔날레 전시회를 조직함으로써 매체의 부흥을 주도했다.1962년 개막한 제1회 비엔날레에 출품된 폴란드 작품은 상당히 참신했다.^[57]폴란드의 전통적인 작업장은 전쟁의 결과로 붕괴되었다.또한 일반적으로 미술 용품들은 구하기 힘들었다.많은 폴란드 예술가들은 예술 학교 훈련의 일환으로 짜는 법을 배웠고, 쥬트나 시살 같은 비정형적인 재료들을 사용함으로써 매우 개인주의적인 작품을 만들기 시작했다.^[57]각 비엔날레와 함께, 다양한 섬유로부터 혁신적인 건축물을 탐구하는 것에 초점을 맞춘 작품들의 인기가 전 세계에 울려 퍼졌다.^[58]

전쟁 전 미국에는 많은 위버들이 있었지만 태피스트리를 생산하기 위한 워크숍의 장기화 된 시스템은 없었다.그러므로, 미국의 비버는 주로 독학이었고 그들의 예술을 짜는 것뿐만 아니라 디자인을 선택했다.이러한 로잔 전시회를 통해 전 세계 각국의 미국 예술가/위버들 등이 폴란드의 실험적인 형태에 대한 추세에 들떠 있었다.^[57]1970년대 내내 거의 모든 비버들은 그 당시에 유행했던 기술과 재료의 어떤 방식을 탐구해왔다.이 운동이 새롭게 실현된 예술 직조 분야에 기여한 것은, '연주 태피스트리'라고 불리며, 질감, 다양한 소재, 디자인에 있어서 개성을 자유롭게 할 수 있는 선택이었다.

1980년대에 웨프트한 얼굴의 태피스트리를 짜는 과정은 안정성의 또 다른 이점이 있다는 것이 분명해졌다.태피스트리(tapestry)를 매개체로 선택한 예술가들은 광범위한 개인적 표현과 스타일, 주제들을 발전시켰고, 전 세계의 태피스트리 전통을 되살리고 새롭게 하기 위한 국제적인 운동에 자극과 자양분을 받았다.커미션을 놓고 경쟁하고 전시 장소를 넓히는 것은 예술가들이 그들의 목표를 어떻게 정의하고 달성하는지에 있어서 필수적인 요소였다.

1951년작 마크 생생스의 르 부케.

1980년대에 이러한 전통적인 과정에서 일하게 된 자극의 대부분은 20년 전, 다양한 예술가인 마크 아담스가 그의 태피스트리 디자인 전시회를 두었던 캘리포니아 북부의 베이 지역으로부터 왔다.그는 계속해서 지역 건물들을 위한 많은 대형 태피스트리를 디자인했다.이 지역에서 또 다른 잘 알려진 화가인 할 페인터는 10년 동안 자신의 디자인을 짜는 동안 다작의 태피스트리 화가가 되었다.그는 "직물이 더 이상 실용적이고 기능적일 필요가 없으며 실내 장식으로 기능할 필요가 없다는 인식으로 현대적인 섬유 운동의 제2단계인 예술적 발달을 도왔던 분위기를 조성한 주요 예술가 중 한 명이었다"^[59]고 말했다.

1980년대 초 많은 예술가들이 보다 전문성을 기르기 위해 노력했고, 그것은 샌프란시스코 태피스트리 워크샵과 같이 새롭게 구성된 아틀리에들이 제공하는 희귀한 교육 프로그램에 참석하기 위한 여행이나 그들이 그들의 필요에 맞는 것으로 확인한 멀리 떨어진 기관들을 의미했다.이런 현상은 북미뿐만 아니라 유럽과 호주에서도 일어나고 있었다.

1982년에 설립된 미국 태피스트리 연합(ATA)이 1986년부터 격년으로 합법화된 전시회를 조직했기 때문에 1986년까지 합법적인 태피스트리 전시회에 들어갈 기회가 생기기 시작했다.2년마다 열리는 이 대회는 핸드위버 길드나 미국의 "컨버전스" 회의와 동시에 개최될 예정이었다.다른 태피스트리 예술가의 작품을 볼 수 있는 새로운 잠재력과 그러한 장소에서 자신의 작품이 어떻게 작동하는지 관찰할 수 있는 능력은 같은 생각을 가진 예술가들의 공동체에 대한 인식을 크게 증가시켰다.전시물을 제작하고 정보를 공유하기 위한 지역 단체가 결성되었다.^[60]

1988년 호주 멜버른에서 열린 국제 태피스트리 심포지엄에서 태피스트리 국제태피스트리 네트워크(ITNET)라는 두 번째 단체가 생기면서 많은 예술인들의 교류 욕구는 더욱 커졌다.그것의 목표는 미국의 태피스트리 예술가들과 떠오르는 국제 사회를 연결하는 것이었다.잡지는 디지털 의사소통이 상호작용을 위한 더 유용한 도구가 되면서 1997년에 중단되었다.세계가 디지털 시대로 접어들면서 전 세계의 태피스트리 예술가들은 서로의 작품을 공유하고 영감을 주고 있다.

스칸디나비아에서 여전히 사용되고 있는 작은 태피스트리의 손으로 짜는 전형적인 베틀

그러나 새 천년이 되자 현장 내 단층선이 모습을 드러냈다.샌프란시스코 주립대처럼 예과에서 직조부품이 강했던 많은 대학들은 컴퓨터 장비로 초점을 옮기면서 더 이상 핸드위빙을 옵션으로 제공하지 않았다.이 관행을 폐기하는 주된 원인은 한 명의 학생만이 프로젝트 기간 동안 장비를 사용할 수 있다는 사실이었지만, 그림이나 도자기와 같은 대부분의 매체에서는 이젤이나 도공 바퀴가 하루에 여러 명의 학생들에 의해 사용된다는 사실이었다.전 세계적으로, 모든 다른 문화권의 사람들은 직업과 개인적인 사용을 위해 이러한 형태의 장식을 채택하기 시작했다.^[61]

동시에, "섬유 아트"는 그들의 예술 프로그램에서 가장 인기 있는 매체 중 하나가 되었다.젊은 예술가들은 섬유로 분류된 재료들을 통해 예술 창작 과정의 더 넓은 범위를 탐구하는 데 관심이 있었다.더 많은 멀티미디어와 조각적 형태로의 이러한 전환과 더 빨리 작품을 만들고자 하는 열망은 현대의 태피스트리 예술가들이 그들의 예술적 형태에서 가시성을 유지하기 위해 어떻게 보조를 맞출 수 있을지 고민하도록 학회 안팎에서 밀어붙이는 효과를 가져왔다.^[62]

버지니아 주립대 예술대학 교수인 수잔 아이버슨은 그녀의 이유를 다음과 같이 설명한다.

나는 몇 년 동안 복잡한 곡물을 탐험한 끝에 태피스트리에 왔다.나는 태피스트리의 단순함, 즉 직설적인 특성 때문에 태피스트리에 매료되었다.형태나 이미지나 질감을 조사할 수 있게 해 주었고, 자신만의 형태를 가질 수 있는 구조적 무결성을 가지고 있었다.나는 무거운 실로 짠 태피스트리의 상당한 품질, 즉 그 물건의 품질이 마음에 들었다.^[63]

또 다른 저명한 예술가 조안 백스터는 다음과 같이 말한다.

태피스트리에 대한 나의 열정은 ECA[에딘버그 예술대학] 1학년 때 그것을 소개하는 첫날에 갑자기 도착했다.나는 그날 전에 태피스트리에 대해 의식적으로 생각해 본 기억이 없지만, 어쨌든 나는 결국 내가 이것을 정말 잘하게 될 것이라는 것을 알았다.그날부터 나는 스코틀랜드와 폴란드에서의 학업을 통해, 영국과 호주에서 스튜디오 위버로 8년, 그리고 1987년부터 독립적인 태피스트리 아티스트로 일하면서, 태피스트리 속으로 점점 더 깊은 직선적인 길을 갈 수 있었다.태피스트리 부서의 까다로운 창조적 정신은 내게 전문 태피스트리 위버이자 예술가로서 세계로 나가기 위해 필요한 자신감과 동기부여, 그리고 자기 수양을 해주었다.어린 학생으로서 나에게 가장 고무적인 것은 학과 선생님들이 모두 연습하고 있다는 점이었고, 예술가들이 당시 최첨단 국제 파이버 아트 운동이었던 것에 긍정적으로 참여하는 것을 보여주었다.^[64]

아치 브레넌은 현재 직조 6년차인 태피스트리(tapestry)에 대해 이렇게 말한다.

500년 전, 그것은 이미 그것의 발달에 있어 극도로 정교했다. 미학적으로, 기술적으로, 그리고 목적의 다양성.오늘날, 그것의 정의로운 목적의 결여, 그것의 희귀성은 나에게 새로운 역할을 찾고, 그것의 역사적 언어를 확장하고, 무엇보다도, 나의 강박적이고 창조적인 추진력을 지배할 기회를 준다.1967년, 나는 급성장하고 흥미진진한 섬유 예술 운동에서 벗어나 오랫동안 확립된 태피스트리의 그래픽 화보 역할에 대해 재조명하기로 공식 결정을 내렸다.^[65]

20세기 중반, 이집트 하라니아의 람세스 위사 와세프 아트 센터에서 어린이들이 새로운 태피스트리 미술 양식을 개발하였다.

Jacquard 태피스트리, 색상 및 사람의 눈

태피스트리(tapestry)라는 용어는 재커드 베틀로 만든 웨프트 면 직물을 묘사할 때도 사용된다.1990년대 이전에는 태피스트리 장식 천과 중세의 유명한 태피스트리 복제품이 재커드 기법으로 제작되었지만 최근에는 척 클로즈, 패트릭 리치, 워크샵 매그놀리아 에디션과 같은 예술가들이 컴퓨터화된 재커드 과정을 미술 제작에 적용했다.^[66]일반적으로 태피스트리는 그림별을 닮은 과정을 통해 원래 디자인에서 번역된다. 만화는 지역으로 나뉘는데, 각 영역에는 표준 팔레트에 기초하여 견고한 색상이 할당된다.그러나 Jacquard 직조에서는 여러 가지 색깔의 와프(warp)와 웨프트(weft) 실의 반복적인 시리즈를 사용하여 광학적으로 혼합된 색상을 만들 수 있다. 즉, 인간의 눈은 실의 값 조합을 하나의 색으로 이해할 수 있다.^[18]

이 방법은 태피스트리 매체로 이루어진 발견에서 유래한 점묘법에 비유할 수 있다.19세기에 이 양식이 등장한 것은 일차적, 중간적 색조의 컬러 휠 개발을 담당한 프랑스의 화학자 미셸 외젠 쉐브렐의 영향에서 비롯되었다고 볼 수 있다.쉐브렐은 파리의 레스 고벨린 태피스트리 작업에서 염색 작업 감독으로 일했는데, 여기서 그는 특정 실의 인지된 색상이 그 주변의 실에 의해 영향을 받는다는 것을 알게 되었는데, 이것은 그가 "동시 대비"라고 부르는 현상이다.시브렐의 작품은 레오나르도 다빈치와 괴테가 정교하게 다듬은 색채 이론의 연속이었다. 그의 작품은 외젠 들라크루아, 조르주-피에르 수랏을 포함한 화가들에게 영향을 미쳤다.^{[citation needed]}

쉐브렐이 묘사한 원리는 빨강, 초록, 파랑(RGB) 빛의 작은 점을 이용해 색을 내는 현대 텔레비전과 컴퓨터 디스플레이에도 적용되며, 각각의 합성물을 픽셀이라고 한다.^[18]