유화
Oil painting유화는 기름을 건조시키는 매체를 바인더로 하여 안료를 사용하여 도장하는 과정입니다.그것은 수세기 동안 유럽에서 전 세계로 퍼져나가며 나무 판넬이나 캔버스에 예술적인 그림을 그리는 가장 흔한 기법이었다.그림을 그리는 데 있어 오일의 장점은 "더 큰 유연성, 더 풍부하고 진한 색, 레이어 사용, 그리고 명암에서 [1]더 넓은 범위"입니다.그러나 특히 페인트를 도포하기 전에 한 층을 건조시켜야 하는 경우에는 더 느립니다.
가장 오래된 것으로 알려진 유화는 아프가니스탄의 불교 화가들에 의해 그려졌으며 서기 [2]7세기까지 거슬러 올라간다.기름에 색소를 결합하는 기술은 이후 약 900년 후인 15세기에 유럽에 전해졌다.유럽인들의 유화 물감의 채택은 북유럽의 초기 네덜란드 그림에서 시작되었고, 르네상스의 절정기에 이르러, 대부분의 유럽에서는 유화 기법이 템페라 물감의 사용을 거의 완전히 대체하였다.유화 물감은 적어도 12세기부터 유럽인들이 조각상과 목공예품을 그리는 데 사용되었지만, 그려진 이미지에 대한 일반적인 사용은 북유럽의 초기 네덜란드 회화와 함께 시작되었고, 르네상스의 절정기에 이르러서는 대부분의 판화에서 계란 템페라 물감의 사용을 거의 완전히 대체하였다.유럽은 비록 정교회의 아이콘이나 벽화를 위한 것은 아니지만 템페라와 프레스코가 각각 일반적인 선택으로 남아 있었다.
일반적으로 사용되는 건조유로는 아마인유, 양귀비씨유, 호두유, 홍화유가 있다.오일을 선택하면 황색 또는 건조 시간과 같은 다양한 특성이 페인트에 부여됩니다.그 페인트는 테레빈유로 묽어질 수 있었다.기름에 따라 특정 차이가 페인트의 광택에서도 나타납니다.화가는 특정 색소와 원하는 효과에 따라 한 그림에 여러 가지 다른 유화를 사용할 수 있다.또한 페인트 자체는 매체에 따라 특정한 일관성을 갖게 됩니다.오일은 송진이나 유향과 같은 수지로 끓여 몸매와 광택에 귀한 니스로 만들 수 있다.페인트 자체는 가소성에 따라 다른 질감으로 성형할 수 있습니다.
기술
전통적인 유화 기법은 종종 화가가 화폭에 숯이나 얇은 페인트로 주제를 스케치하면서 시작된다.오일 페인트는 보통 아마인 오일, 예술가 등급의 미네랄 스피릿 또는 기타 용제와 혼합하여 페인트를 얇고 빠르게 또는 느리게 건조시킵니다. (용제는 페인트의 오일을 얇게 하기 때문에 페인트 브러시를 청소하는 데도 사용할 수 있습니다.)오일 페인트 도포의 기본 규칙은 '지방 오버 린(fat over lean)'입니다. 즉, 페인트의 각 추가 층은 적절한 건조가 가능하도록 아래 층보다 더 많은 오일을 포함해야 합니다.각 추가 층에 기름이 적게 포함되어 있으면 최종 도장이 갈라지고 벗겨집니다.캔버스의 일관성은 유화 물감의 층에 따라 달라집니다.이 규칙은 영구성을 보장하는 것이 아닙니다. 강하고 안정적인 도막을 만드는 것은 오일의 품질과 유형입니다.
차가운 왁스, 수지, 니스 등 오일과 함께 사용할 수 있는 다른 매체가 있습니다.이러한 추가 매체는 페인트의 투명도, 페인트의 광택, 페인트의 밀도 또는 '본체', 그리고 페인트의 붓놀림을 유지하거나 숨길 수 있는 능력을 조정하는 데 도움이 됩니다.페인트의 이러한 측면은 오일 페인트의 표현 능력과 밀접하게 관련되어 있습니다.
전통적으로, 페인트 붓을 사용하여 페인트를 그림 표면에 옮기는 경우가 가장 많았지만, 팔레트 나이프와 누더기를 사용하는 등 다른 방법들이 있다.팔레트 칼은 캔버스의 물감을 모두 벗겨낼 수 있고 도포에도 사용할 수 있습니다.유화 물감은 다른 많은 예술가들의 재료보다 오래 젖어 있어 예술가가 인물의 색상, 질감, 형태를 바꿀 수 있다.때때로, 화가는 페인트를 완전히 제거하고 다시 시작할 수도 있다.이것은 페인트가 젖어 있는 동안 천과 약간의 테레빈유로 할 수 있지만, 잠시 후 굳어진 층을 긁어내야 합니다.오일 페인트는 증발이 아닌 산화에 의해 마르고, 보통 2주 이내에 만지면 마릅니다(일부 색상은 며칠 이내에 마릅니다).
역사
![](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/39/Buddhas_of_Bamiyan.jpg/220px-Buddhas_of_Bamiyan.jpg)
현존하는 가장 오래된 유화는 약 650년경에 그려진 불교 벽화이다아프가니스탄 바미얀의 AD.바미얀은 비단길을 따라 있는 역사적인 정착지이며 바위로 방과 터널이 조각된 일련의 거대한 조각상인 바미얀 불상으로 유명하다.벽화는 이 방에 있습니다.이 예술품들은 다양한 색소와 성분들을 전시하고 있으며, 심지어 최종 니스 층의 사용도 포함하고 있다.이러한 수법이 세련되고 오늘날까지 남아 있는 것으로 보아 7세기 이전부터 아시아에서 유화가 사용되었음을 알 수 있습니다.남아시아의 바미얀 동굴 벽화에서 처음 볼 수 있는 이 유화 안료 결합 기술은 약 900년 후인 15세기에 유럽에 전해졌습니다.유럽인들은 북유럽의 초기 네덜란드식 회화에 이 기법을 도입했고, 이후 르네상스 시대에 대부분의 유럽에서는 유화 기법이 템페라 페인트의 초기 사용을 거의 완전히 대체했다.[3][4][5]
대부분의 유럽 르네상스 자료들, 특히 바사리는 15세기 북유럽 화가들을 유화[6] 물감의 발명으로 잘못 믿고 있다. 그러나 테오필루스 (헬마르샤우젠의 로제?)는 [7]1125년에 쓰여진 그의 논문 "다양한 예술에 대하여"에서 유화를 바탕으로 한 회화에 대한 지침을 분명히 제공한다.이 시기에, 그것은 아마도 조각품, 조각품, 나무 부속품, 특히 야외에서 사용하는 데 사용되었을 것이다.실외 표면과 보호막과 같은 표면은 토너먼트에서 사용되거나 장식으로 걸려 있는 표면 모두 전통적인 템페라 페인트로 칠할 때보다 유성 미디어에 칠할 때 내구성이 더 뛰어났습니다.그러나 15세기 초중반 반 에이크, 로버트 캄핀과 같은 화가들과 함께 그린 초기 네덜란드 그림은 유화를 일반적인 화단으로 만들고 층과 유약의 사용을 탐구한 첫 번째 작품이었고, 나머지 북유럽과 그 다음 이탈리아만이 그 뒤를 이었다.
이러한 작품들은 나무 판넬에 그려졌지만, 15세기 후반부터 캔버스가 받침으로 사용되기 시작했는데, 가격이 저렴하고 운반이 용이하며, 더 큰 작품을 만들 수 있고, 복잡한 예비 층의 게소(고운 회반죽)가 필요하지 않았기 때문이다.범선을 쉽게 구할 수 있었던 베니스는 캔버스로의 이동의 선두주자였다.작은 캐비닛 그림도 금속, 특히 동판에 그려졌다.이러한 지지대는 더 비쌌지만 매우 단단하여 정교한 디테일이 가능했습니다.종종 판화의 인쇄판이 이러한 목적으로 재사용되었다.석유의 사용 증가는 15세기 후반 베니스에서 시작하여 북유럽에서 이탈리아로 퍼져나갔다.1540년까지, 이탈리아인들은 벽화에 분필로 만든 벽화를 계속 사용했지만, 판넬에 그림을 그리는 이전의 방법은 거의 멸종되었다. 벽화는 댐퍼 북부 기후에서 덜 성공적이고 오래 지속되었다.
르네상스 기법은 얇고 투명한 층이나 유약을 많이 사용했는데, 보통 다음 층이 추가되기 전에 각각 말리는 것이 허용되어 그림에 걸리는 시간을 크게 늘렸다.이 밑의 언더페인팅이나 지면은 보통 흰색(일반적으로 프라이머로 코팅된 게소)으로 빛이 층을 통해 반사되도록 했습니다.하지만 반 에이크와 로버트 캠핀은 습윤 기술을 군데군데 사용했고, 첫 번째 층에 이어 두 번째 층을 그렸습니다.당초의 목적은 템페라나 프레스코의 확립된 기술과 마찬가지로, 도장면의 붓놀림이나 질감에 주의를 기울이지 않을 때 매끄러운 표면을 만드는 것이었다.초기 임파스토 효과 중에는 페인트의 표면에 융기되거나 거친 질감을 사용한 1500년경 [8]베네치아의 화가 조반니 벨리니의 후기 작품들이 있다.
이것은 16세기에 화가들이 개인의 붓놀림을 뚜렷하게 하고 표면이 거칠어짐으로써 그들의 그림의 과정에 관심을 끌기 시작하면서 훨씬 더 보편화 되었다.또 다른 베네치아인인 티티안은 이 일의 리더였다.17세기에 렘브란트를 포함한 몇몇 예술가들은 어두운 배경을 사용하기 시작했다.19세기 중반까지 그림에서 "처리 효과"를 이용하는 화가들과 "조작의 모든 증거가 사라진 균일하고 유리 같은 표면"[9]을 계속 목표로 하는 화가들 사이에 구분이 있었다.
19세기 이전에는 예술가나 그들의 견습생들이 다양한 화단을 위해 안료를 갈고 그들의 페인트를 섞었다.이것은 휴대성을 어렵게 만들었고 대부분의 그림 작업을 스튜디오에만 국한시켰다.이것은 1841년 미국 초상화가 존 고프 랜드가 삐걱거리거나 접을 수 있는 금속관을 발명하면서 유화 물감의 관을 널리 사용할 수 있게 되면서 바뀌었다.예술가들은 빠르고 쉽게 색을 섞을 수 있었고, 이로 인해 처음으로 비교적 편리한 플랭 에어 페인팅(프랑스 인상주의에서 일반적인 접근법)이 가능해졌다.
재료
아마인유 자체는 일반적인 섬유 작물인 아마씨에서 나온다.유화를 위한 "지지대"인 린넨(관련 섹션 참조)도 아마 공장에서 생산됩니다.홍화유나 호두 또는 양귀비씨유는 가끔 아마인유보다 건조 시 "노란색"이 덜하기 때문에 흰색과 같은 밝은 색을 만드는 데 사용되지만, 그것들은 더 느리게 건조되고 가장 강한 도막을 제공하지 못할 수 있다는 약간의 단점이 있다.아마인 오일은 노란색으로 마르는 경향이 있고 색조를 바꿀 수 있습니다.
최근 화학 기술의 발전으로 물로 사용하고 세척할 수 있는 현대식 물 혼합 유화 물감이 생산되고 있습니다.기름의 분자 구조의 작은 변화가 이러한 물의 혼합 특성을 만듭니다.
유화용 지지대
초기의 유화는 거의 모든 판넬화였는데, 판넬을 여러 개의 나무로 만든 복잡하고 비싼 공정으로 양념을 하고 준비했지만, 판넬의 지지대는 휘어지는 경향이 있었다.판넬은 17세기까지 계속 잘 사용되었는데, 루벤스는 나무 위에 여러 개의 큰 작품을 그렸다.이탈리아 지역의 예술가들은 16세기 초에 캔버스로 옮겨갔는데, 부분적으로는 패널처럼 너무 무거웠을 더 큰 이미지를 그리려는 바람 때문이기도 했다.돛을 위한 캔버스는 베니스에서 만들어졌고 나무보다 매우 쉽게 구할 수 있고 저렴했다.
매우 섬세한 디테일을 가진 작은 그림들은 매우 단단한 표면에 그리기가 더 쉬웠고, 판화에서 종종 재사용되는 나무 판넬이나 구리 판들은 19세기에도 작은 캐비닛 그림으로 선택되었다.세로형 미니어처는 보통 아이보리나 딱딱한 종이 카드 등 매우 단단한 지지대를 사용합니다.
전통적인 예술가들의 캔버스는 아마포로 만들어졌지만, 더 저렴한 면직물이 사용되었습니다.예술가는 먼저 "스트레처" 또는 "스트레너"라고 불리는 나무 틀을 준비합니다.두 이름의 차이는 스트레칭이 약간 조정 가능한 반면 스트레이너는 견고하고 모서리 홈이 없다는 것입니다.캔버스는 나무틀을 가로질러 당겨지고 뒤쪽 가장자리에 단단히 고정되거나 스테이플러로 고정됩니다.그런 다음 화가는 캔버스를 페인트의 산성 성분으로부터 분리하기 위해 "크기"를 적용합니다.전통적으로, 캔버스는 동물 접착제 층으로 코팅되어 있었고(현대 화가들은 토끼 가죽 접착제를 사용한다), 납 흰색 페인트, 때로는 분필을 첨가했다.패널은 접착제와 분필을 혼합한 게소로 준비되었다.
현대의 아크릴 "게소"는 아크릴 바인더에 이산화티타늄으로 만들어졌다.캔버스에 자주 사용되는 반면 실제 게소는 캔버스에 적합하지 않습니다.예술가는 게소를 여러 겹 칠하고 건조된 후에 매끄럽게 샌딩할 수 있습니다.아크릴 게소는 샌딩이 매우 어렵습니다.한 제조업체는 "샌드형" 아크릴 게소를 만들지만 캔버스가 아닌 패널 전용입니다.게쏘는 특정 색상으로 만들 수 있지만, 매장에서 구입하는 게쏘는 대부분 흰색입니다.Gesso 층은 두께에 따라 유화 페인트를 다공질 표면에 끌어당기는 경향이 있습니다.완성된 그림의 표면에는 페인트에 의한 것이 아닌 변화로서 과도한 또는 불균일한 게소 층이 보이는 경우가 있습니다.
유화의 표준 크기는 19세기에 프랑스에서 정해졌다.이 표준은 프랑스뿐만 아니라 대부분의 예술가들이 사용했으며, 지금도 주요 예술가들이 지원하고 있습니다.크기 0(화장실 드 0)에서 크기 120(화장실 드 120)은 대각선을 다소나마 보존하는 그림(그림), 풍경(페이지) 및 해상(해상)에 대해 별도의 "런"으로 구분된다.따라서 0의 수치는 급여 1과 해병 [10]2의 높이에 해당합니다.
비록 리놀륨, 나무 패널, 종이, 슬레이트, 프레스 목재, 메이슨라이트, 그리고 판지와 같은 표면이 사용되었지만, 16세기 이후 가장 인기 있는 표면은 캔버스였지만, 17세기 이후 많은 예술가들이 패널을 사용했다.패널은 더 비싸고 무거우며 운반이 어렵고 열악한 조건에서 뒤틀리거나 갈라지기 쉽습니다.하지만 섬세한 디테일은 나무 패널의 절대적인 견고성이 장점입니다.
과정
![A man's finger sticks through a hole in a large wooden palette. One of his hands is dipping a brush into the paint and the other holds numerous brushes in reserve.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/Oil_painting_palette.jpg/220px-Oil_painting_palette.jpg)
유채는 유채에 색소를 혼합하여 만든다.19세기에는 도장 시작 전에 미리 준비된 도색 튜브에서 다양한 주요 색상을 구입하기 때문에 도장 과정이 진행 중일 때 소량을 혼합하여 더 많은 색조를 얻을 수 있다.예술가의 팔레트, 전통적으로 손에 쥐는 얇은 나무 보드는 물감을 잡고 섞는 데 사용됩니다.색소는 노란색을 나타내는 황화물이나 파란색을 나타내는 코발트 소금과 같이 색을 띠는 천연 물질 또는 합성 물질일 수 있다.전통적인 색소는 광물이나 식물에 기초했지만, 많은 색소가 오랜 시간 동안 불안정한 것으로 판명되었다.현대의 색소는 종종 합성 화학물질을 사용한다.그 색소는 보통 아마인씨인 기름과 섞이지만 다른 기름이 사용될 수도 있다.기름에 따라 마르는 방식이 달라 여러 가지 효과를 낼 수 있습니다.
붓은 화가가 페인트를 칠하기 위해 가장 일반적으로 사용되며, 종종 소재의 스케치 아웃라인(다른 매체일 수도 있음) 위에 사용됩니다.브러시는 다양한 섬유로 만들어져 다양한 효과를 냅니다.예를 들어, 돼지 털로 만든 브러시는 보다 과감한 필치와 임파스토 텍스처를 위해 사용될 수 있습니다.피치헤어, 몽구스헤어솔은 곱고 부드러워서 초상화나 디테일에 잘 어울려요.더 비싼 것은 빨간 세이블 브러시(용모)이다.최고급 브러시는 "콜린스키 세이블"이라고 불리며, 이 브러시 섬유는 시베리아 족제비의 꼬리에서 따온 것입니다.브러시의 스냅으로 알려진 초미세 포인트 유지, 부드러운 핸들링, 기억력(캔버스에서 들어 올리면 원래 위치로 되돌아감)이 좋은 헤어입니다.다람쥐 털과 같이 스냅이 없는 플로피 섬유는 일반적으로 유화 화가들에 의해 사용되지 않습니다.
지난 수십 년 동안 많은 합성 브러시가 판매되었습니다.내구성이 매우 뛰어나고 비용 효율이 뛰어납니다.
브러시는 여러 가지 크기로 제공되며 다양한 용도로 사용됩니다.브러시의 종류도 다릅니다.예를 들어, "둥근"은 세부 작업에 사용되는 뾰족한 브러시입니다."평탄한" 붓은 넓은 색채를 칠하는 데 사용됩니다."Bright"는 짧은 브러시 털이 있는 평평한 브러시로 "scrubing in"에 사용됩니다."필버트"는 모서리가 둥근 평평한 붓입니다."Egbert"는 매우 길고 희귀한 필버트 붓입니다.예술가는 평평한 금속 칼날인 팔레트 나이프로 페인트를 칠할 수도 있다.팔레트 나이프는 필요에 따라 캔버스에서 페인트를 제거하기 위해 사용할 수도 있습니다.넝마, 스펀지, 면봉 등 다양한 특이한 도구를 사용하여 페인트를 도포하거나 제거할 수 있습니다.어떤 화가들은 심지어 손가락으로 그림을 그립니다.
옛 거장들은 보통 빛을 완전히 투과시키는 "유리"라고 알려진 얇은 층에 페인트를 칠했는데, 이것은 간단히 "간접 페인팅"이라고도 불린다.이 기술은 유화의 발광 특성을 부여한다.이 방법은 에그 템페라 페인팅 기법(제본더로 사용되는 계란 노른자, 안료와 혼합)의 개량을 통해 처음 완성되었고, 북유럽의 초기 네덜란드 화가들에 의해 보통 아마인 기름에 갈린 안료로 적용되었다.이 접근방식은 현대에서는 "혼합 기법" 또는 "혼합 방식"으로 불리고 있습니다.첫 번째 코팅(언더페인팅)은 종종 계란 템페라 또는 테레빈유 묽은 페인트로 칠해진다.이 레이어는 캔버스를 "톤"하고 게소의 흰색을 덮는 데 도움이 됩니다.많은 예술가들이 이 층을 사용하여 구성을 스케치합니다.이 첫 번째 레이어는 프레스코 기법에 사용되는 "카투닝" 방법보다 더 진행하기 전에 조정할 수 있습니다.이 층이 마르면, 예술가는 가장 어두운 색부터 가장 밝은 색까지 색채의 "모자이크"를 그리는 것으로 진행할 수 있습니다."모자이크"가 완성되면 색상의 테두리가 함께 혼합되고 세부 사항을 적용하기 전에 건조되도록 둡니다.
인상파 시대(19세기 후반)와 같은 후기 시대의 예술가들은 종종 이 습식 방식을 확장하여, 레이어드나 유리의 르네상스 시대의 접근법을 따르지 않고 캔버스에 젖은 페인트를 혼합했다.이 방법은 "alla prima"라고도 불립니다.이 방법은 스튜디오 안이 아닌 야외에서 그림을 그리게 되면서 생겨났는데, 화가가 밖에 있을 때 새로운 층을 추가하기 전에 페인트의 각 층을 마르게 할 시간이 없었기 때문이다.현대 미술가 중에는 두 가지 기법을 조합하여 과감한 색채(습식)를 더하고 유리를 통해 층의 깊이를 얻는 사람도 있습니다.
이미지가 완성되고 1년 동안 건조되면, 예술가는 보통 테레빈유에 녹인 댐마 껌 결정으로 만들어진 니스 층으로 작품을 봉인한다.이러한 니스들은 유화 자체에 지장을 주지 않고 제거할 수 있어 청소와 보존이 가능합니다.몇몇 현대 예술가들은 그들의 작품에 니스칠을 하지 않기로 결심하고, 표면을 다듬지 않은 것을 선호한다.
명작의 예
닥터의 해부학 수업 니콜레스 툴프, 렘브란트, 1632
비너스의 화장실, 프랑수아 바우처, 1751
블루보이, 토마스 게인즈버러, 1770
The Card Players, Paul Cézanne, 1892
1907/8년 구스타프 클림트, 더 키스(Der Ku),)
1913년 바실리 칸딘스키 작곡 VII
메모들
- ^ 오스본, 787
- ^ Archaeology, Current World (6 July 2008). "World's oldest use of oil paint found in Afghanistan". World Archaeology. Retrieved 10 August 2020.
- ^ "Synchrotron light unveils oil in ancient Buddhist paintings from Bamiyan". www.esrf.eu. Retrieved 12 April 2020.
- ^ "Afghan caves hold world's first oil paintings: expert". www.abc.net.au. 25 January 2008.
- ^ April 2008, Live Science Staff 22 (22 April 2008). "Earliest Oil Paintings Discovered". livescience.com.
- ^ 보르체르트 (2008), 92~94
- ^ 오스본, 787, 1132
- ^ 오스본, 787
- ^ 오스본, 787-788
- ^ Haaf, Beatrix (1987). "Industriell vorgrundierte Malleinen. Beiträge zur Entwicklungs-, Handels- und Materialgeschichte". Zeitschrift für Kunsttechnologie und Konservierung. 1: 7–71.
레퍼런스
- 볼쳇, 틸 홀거밴 아이크.런던:Taschen, 2008.ISBN 3-8228-5687-8
- Osborne, Harold(ed), The Oxford Companion to Art, 1970, OUP, ISBN 019866107X