멜로 드라마

Melodrama
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이탈리아 용어 melodramma, 오페라로 사용되는, 안드레아 보첼리 노래"Melodramma"과 혼동되기로 했다.
Mélodrame 도미에에 의해 1856년과 1860년 사이 전형적인 파리의 현장이라고 대로(사원에 대한 이 사건은 묘사하는 그렸다.

에서 줄거리가, 전형적으로 강한 감정적인 매력에, 상세한 특성화보다 우선인 할 정도로 현대 멜로 드라마 극적인 작품이다.Melodramas 일반적으로 자주 또는 지나치게 감상적이고, 활동보다 과장이 심하다 대화에 집중한다.인물들은 곧잘 그리고 고정 관념을 충족시키기 위해 쓰여진 납작하다.Melodramas은 일반적으로 집의 사적인 영역, 도덕성과 가족 문제에 집중하고,, 그리고 결혼, 바깥의 자료에서"요부", 악당, 또는 귀족적인 악당 같은 도전, 종종과 사랑에 규정되어 있다.무대, 영화, 또는 텔레비전의 멜로드라마는 보통 드라마 시청자들에게 단서를 제공하는 드라마틱하고 선정적인 음악을 동반한다.

학문적, 역사적 음악적인 맥락에서 멜로드는 오케스트라 음악이나 노래가 함께 연주되는 빅토리아 시대의 드라마이다.이 용어는 이제 부수적인 음악, 소설, 영화, 텔레비전, 라디오 방송이 없는 무대 공연에도 적용된다.현대의 맥락에서, "멜로드라마"라는 용어는 일반적으로 [1]경멸적인데, 이는 문제의 작품이 섬세함, 성격 발달 또는 둘 다 부족함을 암시하기 때문이다.더 나아가 멜로드라마를 닮은 언행은 종종 멜로드라마라고 불린다; 이러한 사용은 거의 항상 경멸적이다.[citation needed]

어원학

이 용어는 19세기 초 프랑스어 melodrame에서 유래되었다.이는 그리스어 μμμμμμομμμα mélos, "song, strain"(멜로디, "노래, 노래")와 프랑스 드라마 드람(드람, 후기 라틴어 drama, 결국 고전 그리스어 μμα drama, 보통 그리스 [2][3][4]비극의 줄거리)에서 파생되었다.

특성.

리얼리즘에 비해 멜로드라마의 관계는 복잡하다.멜로드라마 작품의 주인공은 특별한 사건에 사로잡힌 평범한 사람들일 수도 있고, 매우 과장되고 비현실적인 인물일 수도 있다.빅토리아 시대 후반과 에드워드 시대의 멜로드라마는 [5]무대 세트나 소품에서 현실주의에 대한 의식적인 집중과 인물과 줄거리에서의 반현실주의를 결합했다.이 시기의 멜로드라마는 "믿을 수 없는, 특별한"[6] 장면의 묘사에 있어 믿을 수 있는 정확성을 추구했다.소설가 Wilkie Collins는 줄거리가 얼마나 선정적이든지 상관없이 그의 작품에서 세세한 부분(예: 법률 문제에 대한)의 정확성에 주의를 기울이는 것으로 유명하다.멜로드라마의 길이는 보통 1만에서 2만 단어였다.[7]

멜로드라마들은 피해자에게 대부분의 관심을 쏟았다."악의 유혹자"[8]가 가족을 떠나도록 부추기는 것과 같은 선한 선택과 악한 선택 사이의 투쟁.또 다른 인기 캐릭터로는 '낙마녀', 미혼모, 고아, 그리고 현대 [8]사회의 충격에 시달리는 남성 등이 있다.이 멜로드라마는 가정 내 가정과 사회적 이슈를 조사하는데, 의도된 시청자는 여성 관객이다. 둘째, 남성 시청자는 가정 내 긴장감을 [8]해소하는 것을 즐길 수 있다.멜로드라마는 일반적으로 "금기된 갈망"[8]을 강조하며 이상적이고 향수를 불러일으키는 시대를 돌아본다.

종류들

오리진스

멜로드라마의 접근법은 18, 19세기 프랑스 로맨틱 드라마와 영국과 프랑스에서 [8]인기를 끌었던 감성 소설에서 부활했다.이들 드라마와 소설은 가정생활, 사랑, 결혼에 관한 도덕규범에 초점을 맞춘 것으로 프랑스 혁명, 산업혁명, [8]현대화로의 전환을 통해 제기된 문제들을 반영한 것으로 볼 수 있다.많은 멜로드라마는 중산층 젊은 여성이 귀족 악당으로부터 원치 않는 성적 진보를 경험하는 내용이었고, 성폭력은 계급 [8]갈등의 은유였다.이 멜로드라마는 귀족 권력 브로커와 빈곤한 노동자 계급 "집단"[8]을 두려워하는 중산층의 산업혁명 이후의 불안감을 반영했다.

18세기에 멜로드라마는 짧은 반주곡과 음성 낭송을 결합하는 기술이었다.음악은 때때로 판토마임과 함께 사용되기도 했지만, 이러한 작품에서는 전형적으로 음악과 구어가 번갈아 사용되었습니다.

가장 먼저 알려진 예들은 J. E. 에벌린의 라틴어 학교 연극인 지기스문드스의 장면들이다.최초의 완전한 멜로드라마는 장 자크 루소의 피그말리온으로,[9] 이 작품은 1762년에 쓰여졌지만 1770년에 리옹에서 초연되었다.루소는 서곡과 안단테를 작곡했지만 대부분의 음악은 호레이스 코그네가 작곡했다.

안톤 슈바이처가 작곡한 루소의 피그말리온의 다른 음악 배경은 1772년 바이마르에서 공연되었고 괴테는 디크퉁과 와히트라는 곡을 승인적으로 썼다.피그말리온은 한 배우를 위해 쓰여진 모노 드라마이다.

18세기 4분기에는 독일에서 30여 종의 모노드라마가 생산됐다.두 배우가 연루되었을 때, 듀오드라마라는 용어를 사용할 수 있었다.게오르크 벤다는 그의 듀오드라마 아리아드네 아우프 낙소스(1775)와 메데아(1778)로 특히 성공했다.벤다의 멜로드라마가 선풍적인 성공을 거두자 모차르트는 오페라 자이데에서 두 개의 긴 멜로드라마 독백을 사용했다.

오페라에서 멜로드라마 스타일의 다른 후기와 더 잘 알려진 예는 베토벤의 피델리오 (1805)의 무덤 파는 장면과 베버의 프리슈츠 (1821)[10][11]의 주문 장면이다.

1660년 찰스 2세의 영국 유신 이후, 대부분의 영국 극장들은 "진지한" 연극을 공연하는 것이 금지되었지만, 코미디나 연극을 음악으로 상영하는 것은 허용되었다.찰스 2세는 두 개의 런던 극단이 "진지한" 드라마를 공연할 수 있도록 특허권을 발행했다.이것들은 링컨의 인필드에 있는 The Theater Royal, Durry Lane, Lisle's Tennis Courte Court인데, 후자는 Theater Royal, Covent Garden (현재의 Royal Opera House)로 옮겨졌다.두 개의 특허 극장은 여름에 문을 닫았다.그 공백을 메우기 위해, Theater Royal, Haymarket은 1766년 런던에서 세 번째 특허 극장이 되었다.

다른 여러 영어 마을과 도시에 있는 한 극장에 특허권이 주어졌다.다른 극장들은 음악으로 강조된 드라마를 선보였고, 프랑스 용어를 차용하여 이러한 제한을 벗어나기 위해 멜로드라마라고 불렀다.1843년 극장법은 마침내 모든 극장이 [12]연극을 하는 것을 허락했다.

19세기 오페라, 부수음악, 미용실 엔터테인먼트

19세기 초, 오페라의 영향은 많은 연극에서 음악적인 서곡과 부수적인 음악으로 이어졌다.1820년 프란츠 슈베르트는 G. 폰 호프만이 쓴 연극의 배경음악을 다룬 멜로드라마 '마법의 하프'를 썼다.그것은 슈베르트의 모든 극장 사업과 마찬가지로 성공하지 못했지만, 멜로드라마 장르는 그 당시에 인기 있었다.저임금 음악가들의 시대에, 런던의 많은 19세기 연극에는 관현악단이 있었다.1826년, 펠릭스 멘델스존은 셰익스피어의 한여름 밤의 꿈으로 잘 알려진 서곡을 썼고, 나중에 부수적인 음악과 함께 극에 공급했다.

베르디의 '라 트라비아타'에서 비올레타는 알프레도의 아버지로부터 편지를 받고 알프레도는 이제 그녀가 왜 헤어졌는지 알고 있으며 그가 그녀를 용서한다고 쓴다.）"라고 말하는 목소리로 그녀는 쓰여진 단어를 발음하고 오케스트라는 제1막의 첫사랑의 음악을 요약한다.이것은 엄밀히 말하면 멜로드라마이다.잠시 후, 바이올렛타는 열정적인 절망의 아리아를 터뜨린다: 이것은 다시 오페라이다.

비슷한 방식으로, 비록 이 작곡 스타일이 루트비히 판 베토벤과 프란츠 슈베르트(로사문드) 시대에 이미 실행되었지만, 빅토리아 시대에는 종종 대화 아래에 "부작 음악"을 기존의 연극에 추가했다.(이러한 유형의 종종 사치스러운 제작은 오케스트라를 고용하는 비용 때문에 현재 대부분 영화(영화 악보 참조)에 한정되어 있습니다.현대 녹음 기술은 극장에서의 관행을 부활시키고 있지만, 전자의 규모는 아니다.)이 형식의 특히 완전한 버전인 설리반의 부수적인 음악, 테니슨의 포리스트스는 온라인에서 [13]볼 수 있으며, 예를 들어 12번은 여기에서 [14]볼 수 있는 몇 개의 멜로드라마와 함께 완결되어 있다.음악 spoken 대화 중의 의미에서 몇 operettas 전시회 멜로 드라마, 예를 들어, 길버트와 설리반의 Ruddigore(멜로 영화의 현대적 의미의 자체 패러디한) 제2막에서;[15]자크 오펜바흐의 오르페우스는 언더 월드에서 멜로 영화를 D를 시작한다 짧은"melodrame"(dialogue에 혼자 많은 제작에 감소)다엘"퍼블릭 오피니언"이라는 캐릭터에 열광하고, 길버트와 설리반의 "마법사"의 "레킷과 미뉴에"[16]와 같은 오페레타와 뮤지컬의 다른 작품들은 멜로 드라마로 여겨질 수 있다.미국 뮤지컬의 한 예로, Lerner와 Loewe의 Brigadoon에서 몇 개의 긴 연설이 환기시키는 음악의 반주를 통해 전달된다.이 기술은 또한 19세기와 20세기 스페인 자르주엘라에서도 자주 사용되었고, 리하르트 스트라우스의 디 프라우 오네 샤튼과 같은 오페라에서 "특수 효과"로 계속 사용되었다.

19세기 파리에서는 범죄의 대로에 위치한 많은 극장들, 특히 가테에서 멜로드라마가 번성했다.그러나 1862년 [17]하우스만 남작이 파리를 재건하는 동안 이 극장들의 대부분이 파괴되면서 이 모든 것이 끝이 났다.

19세기 말까지 멜로드라마라는 용어는 거의 전적으로 살롱 엔터테인먼트의 특정 장르로 좁혀졌다: 다소 리드미컬하게 이야기된 단어들 – 노래되지 않고 때로는 다소 또는 다소 규칙적인, 적어도 극적인 구조나 줄거리와 함께 – 음악 반주에 맞춰졌다.그것은 낮은 수준의 작가들과 작곡가들을 위한 장르로 경시되었다. (아마도 왜 그 장르에 대한 현실화가 아직 거의 기억되지 않는지도 모른다.)아마도 값싼 과잉행동의 함축이 처음 용어와 관련지어졌던 시기일 것이다.크로스오버 장르 믹싱 내레이션과 실내악으로, 그것은 거의 하룻밤 사이에 하나의 작곡으로 가려졌다.쇤베르크의 삐에로 루네르(1912년)는 리드미컬하게 발음되는 단어 대신 스프레흐게상이 사용됐고, 플롯의 특권에 관해 보다 자유롭고 상상력이 풍부한 코스를 밟았다.

오페라

오페라의 대부분은 멜로드라마이다.감정적인 긴장감은 적절한 음악에 의해 전달되고 증폭된다.대부분의 줄거리는 전쟁, 배신, 기념비적인 사랑, 살인, 복수, 불화, 또는 이와 유사한 거창한 사건들을 극복하거나 굴복하는 인물들을 포함한다.대부분의 인물은 선악의 구분이 뚜렷하게 나타나 단순하게 그려지고 인격 발달과 상황의 섬세함이 희생된다.이벤트는 캐릭터와 다른 사람들에게 감정적인 영향을 보여주기 위해 캐릭터의 특성에 가장 잘 맞도록 배열됩니다.

도니제티의 벨칸토 작품, 벨리니, 그리고 사실상 모든 베르디와 푸치니의 멜로드라마의 우세는 너무 많아서 나열할 수 없는 사례들로 분명합니다.거창한 상황 앞에서 불가능한 사랑의 상황에 대처하고 극복해야 하는 수많은 여주인공들은 루시아, 노르마, 레오노라, 토스카, 투란도트, 미미, 시오시오상, 비올레타, 질다, 그리고 다른 많은 사람들에 의해 충분히 예시된다.

체코

체코 민족 부흥의 맥락에서, 멜로 드라마는 체코 예술가들에게 특별한 민족주의적 의미를 띠게 되었고, 대략 1870년대에 시작되어 전후 제1 체코슬로바키아 공화국까지 이어졌다.멜로드라마에 대한 이러한 새로운 이해는 주로 오타카르 호스틴스키와 같은 19세기 학자들과 비평가들로부터 비롯되었는데, 그는 이 장르가 음악 역사에 독특한 "체코" 기여라고 여겼다.이러한 감정은 카렐 야로미르 에르벤의 키티체처럼 체코의 낭만적인 시를 바탕으로 한 많은 체코 작곡가들로 하여금 멜로드라마를 제작하게 했다.

특히 낭만적인 작곡가 즈덴크 피비치(Zdenkk Fibich)는 체코의 열변을 올바르게 설정하기 위한 수단으로 이 장르를 옹호했다.그의 멜로드라마 슈텐드르덴(1874년)과 보드닉(1883년)은 구어와 반주의 정렬을 지정하기 위해 리드미컬한 기간을 사용한다.피비치의 주요 업적은 진보된 바그너 음악 스타일로 작곡된 야로슬라브 브를릭의 텍스트에 실린 3부작 멜로드라마인 히포다미에(1888–1891)였다.21세기 초에 Joseph Suk의 주요 업적은 줄리어스 제이어의 2단계 연극인 Raduz a Mahulena와 Pod Jabloni의 멜로드라마를 포함하는데, 둘 다 오랜 공연 역사를 가지고 있다.

피비치와 숙의 예를 따라 카렐 코바쇼비치, 오타카르 오스트칠, 라디슬라브 비카팔렉, 오타카르 예레미아시, 에밀 악스만, 얀 젤린카 등 체코 작곡가들도 민족 부흥의 시를 바탕으로 멜로드라마를 단독 작품으로 만들었다.비츠라프 노박은 1923년 오페라 루체르나에서 멜로드라마의 일부를 포함했고, 야로슬라브 제크는 오스보제네 디바들로의 무대극의 주요 장면을 멜로드라마로 작곡했다.체코의 멜로드라마들의 관습은 나치 보호국 이후 점점 줄어들었다.

빅토리아 시대의

빅토리아 시대 멜로드라마는 주인공, 악당, 여주인공, 노부모, 조수, 노부모의 하인 등 6명의 주요 등장인물을 등장시켜 사랑과 살인을 주제로 한 선정적인 줄거리를 펼쳤다.종종 선하지만 그다지 영리하지 않은 영웅은 악당에게 속는다. 악당은 악에 [18]대한 선의 승리를 보장하기 위해 마지막에 운명이 개입할 때까지 고통에 빠진 소녀를 주시한다.두 가지 주요 특징은 쿠데타, 즉 운명의 역전, 그리고 관객들로 하여금 박수를 [19]치게 하는 영웅의 벽 뒤로의 연설이었다.

영국 멜로드라마는 중세 시대 이탈리아 코미디아 델라르테를 비롯해 혁명 [20]이후 독일 스투름 언드랑 드라마와 파리 멜로드라마의 영향을 받아 추리극과 도덕극에 의해 확립된 포퓰리즘 드라마의 전통에서 발전했다.유명한 프랑스 멜로드라마티스트는 픽세레쿠르로 그의 La Femme a deux maris는 매우 [21]인기가 있었다.

멜로드라마 혹은 '멜로드라임'이라고 불린 최초의 영어 연극은 토마스 홀크로프트의 '신비의 이야기'였다.이것은 고딕 장르의 한 예이며, 이전의 연극적인 예는 매튜 그레고리 루이스의 성 스펙터였다.다른 고딕 멜로드라마로는 아이작 포콕의 밀러와 그의 사람들(1813), 사무엘 아놀드의 숲속의 오두막(1814), 윌리엄 다이먼드의 부러진 검(1816) 등이 있다.

고딕 양식으로 대체하여, 다음 인기 있는 하위 장르는 더글라스 제롤드가 그의 검은 눈의 수잔에서 개척한 항해 멜로드라마였다.다른 항해 멜로 영화로는 제롤드의 노어에서의 반란(1830년)과 에드워드 피츠볼의 레드 로버(1829년)[18]가 있다.도시 상황에 바탕을 둔 멜로드라마는 19세기 중반에 인기를 끌었는데, 디온 부치코트의 The Streets of London (1864년)과 왓츠 필립스의 Lost in London (1867년)이 포함되었고, 감옥의 멜로드라마, 절제 멜로드라마, 제국주의 멜로드라마도 등장했는데, 후자는 전형적으로 선한 원주민의 세 카테고리를 특징으로 한다.용감하지만 사악한 원주민, 그리고 배신한 원주민.[22]

1860, 1870년대의 센세이션 소설은 멜로드라마적 각색을 위한 비옥한 소재를 제공했을 뿐만 아니라 그 자체로 멜로드라마이다.이 장르의 주목할 만한 예는 엘리자베스 브래드던이 조지 로버츠와 C.H. 해즐우드가 각색한 레이디 오들리의 시크릿이다.윌키 콜린스의 소설들은 멜로드라마의 특징을 가지고 있으며, 그의 가장 잘 알려진 작품인 흰 옷을 입은 여자는 일부 현대 비평가들로부터 "그 [23]시대의 가장 빛나는 멜로드라마"로 여겨지고 있다.

고전 멜로드라마 영화 시리즈 폴린의 위험 포스터 (1914년)

악당은 종종 멜로드라마의 주인공이고 범죄는 가장 좋아하는 주제였다.여기에는 버크와 헤어의 살인적인 경력, 스위니 토드 (조지 디빈 피트의 진주 현 (1847년 작)에 처음 등장), 레드 헛간에서 마리아 마틴을 살해한 사건, 스프링 힐드 잭의 기괴한 위업 등이 포함되어 있다.출소한 죄수의 불행은 톰 테일러가 쓴 선정적인 탈옥권(1863)의 주제이다.

폴린의 위험과 같은 초기 무성 영화들도 비슷한 주제를 가지고 있었다.이후 무성영화가 '토키'로 대체된 후, 50세의 나이에 무대 배우 토드 슬러터는 초기 연극 활동에서 악역을 맡았던 빅토리아 시대의 멜로드라마를 스크린으로 옮겼다.Maria Marten 또는 Murder in the Red Barn(1935)을 포함한 이 영화들은 스위니 토드: 비행대 거리의 악마 이발사(1936년)와 떠나는 사람 표(1937년)는 지나간 예술 형식에 대한 독특한 기록이다.

일반적인 오프쇼트

  • 노스롭 프라이는 광고와 선전을 모두 교양 있는 사람들이 [24]심각하게 받아들일 수 없는 멜로드라마의 형태로 보았다.
  • 그 당시 정치는 멜로드라마가 세계관을 명확하게 표현하도록 요구한다.따라서 리차드 Overy는 동안 윈스턴 처칠은 필요한 전설적인 멜로 드라마 같은 영웅은 기습 동안back-to-the-wall 저항을 입밖에 꺼내 제공했다는 1930년대 영국 melodramatically 위협 하"이 위대한 멜로 드라마에서 히틀러의 독일이 악당, 민주적인 문명은menaced heroine";[25]-문명을 본다고 주장한다.[26]

현대의

서양에서는 고전 멜로드라마가 텔레비전이나 영화에서보다 덜 흔하다.하지만, 그것은 다른 지역, 특히 아시아와 히스패닉 국가들에서 여전히 널리 인기가 있다.멜로드라마는 중남미 드라마(텔레노벨라), 특히 베네수엘라, 멕시코, 콜롬비아, 아르헨티나, 브라질에서 사용되는 주요 장르 중 하나이며, 아시아 드라마, 한국, 일본, 대만, 중국, 파키스탄, 태국, 인도, 터키(히스패닉계 컬트)에서도 사용되고 있다.res) 필리핀.이들 국가의 디아스포라에 있는 국외 거주자 커뮤니티는 시청자들에게 글로벌 시장을 제공한다.

영화

멜로드라마 영화는 관객의 고조된 감정에 호소하는 줄거리가 특징인 드라마 영화의 하위 장르이다.그들은 일반적으로 틀에 박힌 성격 발달, 상호작용, 그리고 매우 감정적인 주제에 의존한다.멜로드라마 영화들은 종종 인간 감정의 위기, 실패한 로맨스나 우정, 긴장된 가족적 상황, 비극, 질병, 신경증 또는 감정적 육체적 어려움을 다루는 줄거리를 사용하는 경향이 있다.멜로드라마에서 피해자, 부부, 도덕적이고 영웅적인 인물 또는 고통받는 주인공들은 엄청난 사회적 압력, 위협, 억압, 두려움, 일어날 것 같지 않은 사건이나 친구, 공동체, 일, 연인 또는 가족과의 어려움을 겪는다.멜로드라마 형식은 캐릭터가 그들의 어려움을 극복하거나 단호한 인내, 희생적인 행동, 그리고 변함없는 용기로 문제를 극복할 수 있게 해준다.

영화평론가들은 여성 [27]관객에게 직접적으로 어필할 수 있는 고정관념적인 캐릭터(종종 여성 중심 캐릭터 포함)를 가진 비현실적이고 비애정적이고 진부한 로맨스 이야기나 가정적인 상황을 암시하기 위해 때때로 경멸적으로 이 용어를 사용합니다.멜로드라마는 가족 문제와 의무와 [8]사랑에 초점을 맞춘다.멜로드라마가 가족단위를 강조하듯이, 여성들은 전형적으로 종속적인 전통적인 역할로 묘사된다.그 여자는 자기희생과 [8]억압에 직면하는 것으로 보여진다.멜로드라마에서 남성들은 가정적이고 전형적인 여성 가정 환경에서 보여진다. 따라서, 이야기에 의해 제시된 문제들을 해결하기 위해, 남성들은 이 "여성"[8] 공간을 협상하는 법을 배워야 한다.국내에서 수술을 배우는 남자는 남자가 적어 보이기 때문에...더 여성스러워졌다"는 멘트도 여성 [8]시청자들에게 어필할 수 있다.멜로드라마는 피해자 [8]캐릭터에 관심을 기울인다.

멜로드라마는 가정과 작은 마을을 배경으로 하기 때문에, 이 모든 것이 폐쇄공포증적인 하나의 영역에서 이루어지기 때문에, 영화 제작자가 액션 감각을 창조하는 것은 어려울 수 있다; 더 많은 장소를 추가하는 한 가지 방법은 [8]과거로 되돌아가는 것이다.갇힌다는 느낌은 종종 어린이,[8] 청소년, 그리고 여성 캐릭터들에게 어려움을 야기한다.덫에 걸린다는 느낌은 얻을 수 없는 사물이나 다른 사람에 대한 강박관념과 내적 공격성 또는 [8]"대리인에 의한 공격성"으로 이어진다.페미니스트들은 네 가지 카테고리의 주제를 주목했다: 여성 환자를 가진 사람들, 모성애자, "불가능한 사랑" 그리고 편집증적인 멜로드라마.[8]

"위피" 또는 "눈물흘리기"로 알려진 1930년대와 1940년대의 대부분의 영화 멜로드라마는 로맨스 소설과 역사 [8]로맨스와 같은 여성 소설을 각색한 것이었다.멜로드라마는 여성의 주관성, 관점과 여성욕구에 초점을 맞췄지만 헤이스 코드로 인해 1930년대부터 1960년대 후반까지 이 욕구가 화면에 뚜렷하게 드러나지 않아 여성욕구가 [8]탈색된다.

1940년대에 영국 게인즈버러 멜로 영화들은 관객들에게 성공을 거두었다.1950년대 멜로드라마 영화의 감독은 록 허드슨과 함께 Writted on the Wind와 All That Heaven Allows에서 일했던 더글라스 서크였는데, 그는 이 장르의 주요 인물이었다.1990년대 TV 진실의 순간과 같은 멜로드라마는 알코올 중독, 가정 폭력, 강간 등의 영향을 묘사함으로써 미국 여성 관객들을 겨냥했다.이 장르의 전형은 1999년 안젤리카 휴스턴 감독의 영화 아그네스 [28]브라운이다.1970년대 시르크의 영향을 많이 받은 레이너 베르너 파스빈더는 페트라 폰 칸트의 쓴눈물(1972년)과 인종주의(1972년)에 성적 지향과 공의존으로 사계절 상인(1971년)과 어머니 쿠스터스 천국에 가다(1975년)의 계급에 참여함으로써 이 장르에 기여했다.Soul(1974년).최근 토드 헤인스는 2002년 영화 '파 프롬 헤븐'[citation needed]으로 이 장르를 갱신했다.현대 감독 페드로 알모도바르는 멜로드라마, 특히 그의 영화에 반영되어 있는 더글라스 서크의 작품에서 많은 영감을 얻었다.

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레퍼런스

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외부 링크

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