뮤지컬 영화

Singin' in the Rain (1952) 영화 포스터

뮤지컬 영화는 등장인물들의 노래가 내러티브에 뒤섞여 노래와 춤이 동반되는 영화 장르이다.이 노래들은 보통 줄거리를 발전시키거나 영화의 등장인물들을 발전시키지만, 어떤 경우에는 단지 줄거리를 중단시키는 역할을 하며, 종종 정교한 "제작 번호" 역할을 하기도 한다.

이 뮤지컬 영화는 사운드 필름 기술의 출현 이후 무대 뮤지컬의 자연스러운 발전이었다.전형적으로, 영화와 무대 뮤지컬의 가장 큰 차이점은 극장에서는 비현실적일 수 있는 화려한 배경 풍경과 장소를 사용하는 것이다.뮤지컬 영화는 특징적으로 연극을 연상시키는 요소들을 포함하고 있다; 공연자들은 종종 그들의 노래와 춤곡들을 마치 실제 관객이 보는 것처럼 대한다.어떤 의미에서는, 출연자가 카메라를 직접 보고 연기하는 것처럼, 시청자는 유전적인 관객이 된다.

1920년대 후반 사운드의 출현과 함께, 뮤지컬은 대중들에게 인기를 얻었고 여러 쇼걸들이 등장하는 독특하고 정교한 세트 작품으로 유명한 안무가 버스비 버클리 감독의 영화로 대표된다.이 사치스러운 생산량들은 42번가, 1933년의 골드 디거, 1933년의 풋라이트 퍼레이드에서의 그의 안무 작업으로 대표된다.1930년대 동안, 프레드 아스테어와 진저 로저스의 뮤지컬 영화는 미국 대중들의 눈에 거대한 문화적 고정관념이 되었다.이 영화들은 탑 햇, 팔로우 더 플릿, 스윙 타임, 그리고 쉐일 위 댄스를 포함했다.빅터 플레밍의 오즈의 마법사(1939)는 테크니컬러와 같은 새로운 기술을 실험하면서 뮤지컬 영화의 획기적인 영화가 되었다.

1940년대와 1950년대 동안, MGM 뮤지컬의 뮤지컬 영화들이 정기적으로 초연되었다.이러한 작업은 다음과 같습니다.세인트루이스에서 만나요 루이스(1944년), 부활절 퍼레이드(1948년), 온 더 타운(1949년), 파리의 미국인(1951년), 노래하는 비(1952년), 밴드 왜건(1953년), 상류사회(1956년), 지지(1958년) 등이다.이 기간 동안 MGM의 Arthur Free 유닛 외부 영화에는 홀리데이 인(1942), 화이트 크리스마스(1954), 퍼니 페이스(1957), 오클라호마!(1955), 왕과 나(1956), 회전목마, 남태평양(1958) 등이 포함되었다.이 시대의 영화들은 전형적으로 프레드 아스테어, 진 켈리, 빙 크로스비, 프랭크 시나트라, 주디 갈랜드, 앤 밀러, 캐스린 그레이슨, 하워드 킬과 같은 영화 스타들의 스타 파워에 의존했다.그들은 또한 스탠리 도넨과 빈센트 미넬리와 같은 영화 감독들과 작곡가 컴든과 그린, 로저스와 해머스타인, 어빙 베를린, 콜 포터, 그리고 거쉰 브라더스에 의지했다.

1960년대 동안, 무대 뮤지컬을 기반으로 한 영화들은 계속해서 비평적이고 흥행적인 성공을 거두었다.이 영화들은 웨스트 사이드 스토리(1961), 집시(1962), 뮤직 맨(1962), 바이 바이 버디(1963), 마이 페어 레이디, 메리 포핀스(1964), 사운드 오브 뮤직(1965), 포럼 가는 길에 생긴 재미있는 일, 사업에서 성공하는 방법 등을 포함한다.1970년대에 영화 문화와 영화팬들의 변화하는 인구 통계는 냉철한 사실주의에 더 중점을 두고 있는 반면, 고전 시대 할리우드 뮤지컬의 순수한 오락과 연극성은 구식으로 여겨졌다.그럼에도 불구하고, 윌리 웡카와 초콜릿 공장(1971년), 지붕 위의 피들러(1971년), 카바레(1972년), 1776년(1972년), 디즈니의 베드노브와 빗자루 막대기(1971년), 피트의 드래곤(1977년), 그리스와 위즈(1978년)는 전통적인 뮤지컬과 밀접하게 각색되었다.1980년대와 1990년대 내내, 뮤지컬은 작곡가들과 작사가들, 하워드 애쉬먼, 앨런 멘켄, 그리고 스티븐 슈워츠에 의해 주로 그 시대의 디즈니 만화영화에서 나오는 경향이 있었다.디즈니 르네상스는 1989년의 인어공주(1991년), 그 후 알라딘(1992년), 라이온 킹(1994년), 포카혼타스(1995년), 노틀담의 꼽추 (1996년), 헤라클레스(1997년), 뮬란(1998년) 순으로 시작되었다.

21세기 이후, 뮤지컬 장르는 더 어두운 뮤지컬, 뮤지컬 바이오픽스, 뮤지컬 리메이크, 서사극 뮤지컬 그리고 물랑루즈(2001년), 시카고(2002년),오페라의 유령(2004년), 렌트(2005년), 드림걸스(2006년), 어크로스 더 유니버스, 마법에 걸린, 헤어스프레이, 스위니 토드: 플리트 거리의 악마 이발사 (2007년 전체), 맘마미아! (2008년), 나인 (2009년),더 머펫 (2011), 레미제라블 (2012), 인투 더 우즈, 머펫 모스트 원티드 (2014), 라라랜드 (2016), 미녀와 야수 (2017), 맘마미아! Here Go Again! , A Star Is Born , Mary Poppins Returns , Aladdin , Rocketman , The Lion King , all 2019 , In the Heights , Cyrano , tick , Tick ... Boom ! , and West Side Story （ 2021 ）

할리우드 뮤지컬 영화

오즈의 마법사는 역사상 가장 위대한 영화 중 하나로 여겨진다.

1930-1950:최초의 클래식 사운드 시대 또는 최초의 음악 시대

1930년대부터 1950년대 초까지가 이 뮤지컬 영화의 황금기로 여겨지는데, 이 영화의 장르는 서양에서 가장 인기가 높았던 시기이다.디즈니 최초의 애니메이션 장편 영화인 디즈니의 백설공주와 일곱 난장이는 제11회 아카데미 시상식에서 월트 디즈니의 명예 오스카상을 받은 뮤지컬이었다.

첫 번째 뮤지컬

뮤지컬 단편 영화는 1923-24년에 리 드 포레스트에 의해 만들어졌다.1926년부터 수천 개의 비타폰 반바지가 만들어졌으며, 많은 것들이 밴드, 성악가, 그리고 댄서들이 등장한다.싱크로나이즈드 사운드를 가진 최초의 장편 영화들은 ^[1]소리 없는 대화 없이 배우들이 그들의 캐릭터를 묘사하는 동안 음악 사운드트랙과 간혹 나오는 음향 효과만을 가지고 있었다.1927년 워너 브라더스에 의해 발매된 재즈 싱어는 비유전적인 음악과 비유전적인 음악을 포함한 오디오 트랙을 최초로 포함시켰지만, 짧은 일련의 대화만을 가지고 있었다.이 장편 영화 또한 뮤지컬로, 알 졸슨이 "더러운 손, 더러운 얼굴", "투트, 투티", "블루 스카이", "마이 마미"를 불렀다.역사학자 스콧 아이먼은 이렇게 썼다. "영화가 끝나고 실내 조명과 함께 박수갈채가 커지자 샘 골드윈의 아내 프랜시스는 군중 속에 있는 유명인들을 둘러보았다.그녀는 마치 그들이 몇 년 동안 해왔던 게임이 ^[2]마침내 끝났다는 것을 알고 있는 것처럼 '그들의 모든 얼굴에서 공포를 보았다'고 말했다.^[1]1928년, 워너 브라더스는 또 다른 졸슨 파트토키인 "노래하는 바보"를 발표했는데,^[1] 이것은 블록버스터 히트였다.극장들은 앞다퉈 새로운 음향 장비를 설치하고 ^[3]브로드웨이 작곡가를 고용하여 영화를 위한 뮤지컬을 썼다.첫 번째 올토킹 특집인 Lights of New York은 나이트 클럽의 음악 시퀀스를 포함했다.관객들의 열기가 대단해서 1년도 안 되어 모든 주요 스튜디오가 독점적으로 사운드 영화를 제작하게 되었다.브로드웨이 멜로디 (1929)는 매력적인 노래와 춤꾼을 위해 경쟁하는 두 자매에 대한 쇼비즈니스 줄거리를 가지고 있었다.MGM에 의해 최초의 "올토킹, 올싱, 올댄싱" 장편 영화로 광고된 이 영화는 히트를 쳤고 1929년 아카데미 작품상을 수상했다.브로드웨이 히트작의 호화 촬영에 출연하기 위해 무대 위의 탤런트를 고용하려는 스튜디오들의 움직임이 있었다.러브 퍼레이드 (Paramount 1929)는 브로드웨이 베테랑 가이 ^[3]볼튼이 쓴 모리스 체발리에와 신인 자넷 맥도널드가 출연했다.

워너 브라더스는 1929년에 첫 영화 오페라 '사막의 노래'를 제작했다.그들은 비용을 아끼지 않았고 영화의 상당 부분을 테크니컬러로 촬영했다.이어 'On with the Show'라는 제목의 올컬러, 올토킹 뮤지컬이 처음 등장했다.1929년에 가장 인기 있었던 영화는 브로드웨이의 골드 디거(1929년)라는 제목의 두 번째 올 컬러, 올 토킹 장편이었다.이 영화는 모든 흥행 기록을 깼고 1939년까지 제작된 영화 중 가장 많은 수익을 올린 영화로 남아 있다.갑자기 시장은 뮤지컬, 레뷰, 오페라로 넘쳐났다.1929년과 1930년에만 제작된 컬러 뮤지컬은 다음과 같습니다.1929년 할리우드 가극(1929년), 쇼쇼(1929년), 샐리(1929년), 방랑왕(1930년), 팔로우 스루(1930년), 밝은 빛(1930년), 골든 여명(1930년), 모든 것을 잡아라(1930년), 불의 노래(1930년),후피!(1930년), 재즈의 제왕(1930년), 빈의 밤(1930년), 그리고 키스 미 어게인(1930년)이 그것이다.게다가, 컬러 시퀀스와 함께 발매된 수많은 음악적 특징들이 있었다.

할리우드는 1930년에 100편 이상의 뮤지컬 영화를 개봉했지만 ^[4]1931년에는 14편만 개봉했다.1930년 후반, 관객들은 뮤지컬에 과포화되었고 스튜디오들은 그 당시 개봉되고 있던 영화의 음악을 잘라내야 했다.예를 들어, Life of the Party (1930)는 원래 모든 색깔과 모든 이야기를 하는 뮤지컬 코미디로 제작되었다.하지만 발매되기 전에, 그 노래들은 잘려나갔다.5천만 프랑스인(1931년)과 맨해튼 퍼레이드(1932년)도 같은 일이 벌어졌는데, 이 두 영화는 모두 테크니컬러로만 촬영되었다.Marlene Dietrich는 그녀의 영화에서 성공적으로 노래를 불렀고 Rodgers와 Hart는 좋은 평가를 받은 몇 편의 영화를 썼지만,^[4] 1932년이 되자 그들의 인기도 시들해졌다.대중은 빠르게 색을 뮤지컬과 연관짓게 되었고, 따라서 그들의 인기의 하락은 색채 제작의 하락을 가져왔다.

버스비 버클리

버클리 감독은 1933년 버스비 버클리 감독이 제1차 세계대전 당시 군인으로 경험했던 드릴의 정밀함에서 아이디어를 얻어 전통 무용의 수를 늘리기 시작하면서 뮤지컬에 대한 감각이 되살아났다.버클리 대학의 숫자는 전형적으로 무대에서 시작하지만 점차 연극 공간의 한계를 초월한다: 만화경처럼 패턴을 형성하는 인간의 몸을 포함하는 그의 기발한 일과는 결코 실제 무대에 맞지 않으며 의도된 관점은 바로 ^[5]위에서 보고 있다.

뮤지컬 스타

프레드 아스테어와 진저 로저스와 같은 뮤지컬 스타들은 클래식 시대에 할리우드에서 가장 유명하고 존경받는 인물들 중 하나였다; 프레드와 진저의 짝짓기는 특히 성공적이었고, 그 결과 탑 햇, 스윙 타임, 그리고 샬 위 댄스와 같은 많은 고전 영화들이 탄생했다.많은 드라마 배우들이 그들의 타입 캐스팅에서 탈피하기 위한 방법으로 기꺼이 뮤지컬에 참여했다.예를 들어, 다재다능한 제임스 캐그니는 원래 무대 가수와 댄서로 유명세를 탔지만, "터프가이" 역할과 군중 영화에 반복적으로 캐스팅되어 이러한 재능을 보여줄 기회가 거의 없었다.양키 두들 댄디(1942)에서 오스카상을 수상한 캐그니의 역할은 그가 노래하고 춤을 출 수 있게 해주었고, 그는 그것이 그의 최고의 순간 중 하나라고 생각했다.

많은 희극과 몇몇 드라마들은 그들만의 뮤지컬 번호를 포함했다.마르크스 형제의 영화는 거의 모든 영화에 뮤지컬 넘버를 포함했고, 이는 형제의 음악적 재능을 부각시킬 수 있게 해주었다.Love Happy라는 제목의 그들의 마지막 영화에는 반세기 동안 그녀의 동료들과 전문가들 사이에서 최고의 댄서로 여겨지는 베라 엘렌이 출연했습니다.

비슷하게 보드빌 출신의 코미디언 W. C. 필즈는 1938년 파라마운트 픽처스 뮤지컬 앤솔로지 The Big Broadcast of 1938에서 코믹 여배우 마사 레이와 젊은 코미디언 밥 호프와 힘을 합쳤다.이 영화는 또한 국제적으로 알려진 몇몇 음악 아티스트들의 재능을 보여주었다: 키르스틴 플래그스타드 (노르웨이 오페라 소프라노), 윌프레드 펠레티에 (메트로폴리탄 오페라 오케스트라의 캐나다 지휘자), 티토 기자르 (멕시코 테너), 그리고 그의 파문 리듬 재즈 오케스트라를 지휘하는 셉 필즈 (Shep Fields)와 존 세리 이탈리아 (Sristian)온서 아코디언 ^[6]연주자).이 영화는 아카데미 주제가상(1938년)과 더불어 밥 호프의 대표곡인 "추억에 감사"^[7]로 ASCAP 영화 및 텔레비전상(1989년)을 수상했다.

프리 유닛

1956년 뮤지컬 영화인 록, 록, 록

1940년대 후반과 1950년대 초반, 아서 프리드가 이끄는 메트로 골드윈 메이어의 제작 부서가 반복적이 된 구식 뮤지컬 영화로부터 새로운 것으로 전환은 1930년대에 촬영된 쇼보트와 같은 뮤지컬의 테크니컬러 리메이크도 제작했다.1939년 프리드는 영화 '베이브스 인 암스'의 부제작자로 고용되었다.1944년 세인트루이스에서 미트 미를 시작으로 자유 유닛인 루이스는 그 장르에서 가장 인기 있고 잘 알려진 몇 가지 예를 만들기 위해 자체 스튜디오와 다소 독립적으로 일했다.이 유닛의 제품은 부활절 퍼레이드(1948년), 온 더 타운(1949년), 파리의 미국인(1951년), 싱잉 인 더 레인(1952년), 밴드 왜건(1953년), 지지(1958년) 등이다.1954년 세븐브러더스, 1956년 하이소사이어티 등 프리드가 아닌 뮤지컬은 1955년 새뮤얼 골드윈의 '아가씨와 건달들'을 배급했다.

이 시대에 뮤지컬 스타들은 주디 갈랜드, 진 켈리, 앤 밀러, 도널드 오코너, 씨드 찰리, 미키 루니, 베라 엘린, 제인 파월, 하워드 킬, 캐스린 그레이슨을 포함한 유명 인사가 되었다.프레드 아스테어 또한 부활절 퍼레이드를 위해 은퇴에서 회유되어 영구 복귀했다.

외부 MGM

다른 할리우드 스튜디오들도 이 시기에, 특히 1950년대에, 똑같이 이 장르를 다루는 데 능숙하다는 것을 증명했다.로저스와 해머스타인 쇼의 4개 각색 - 오클라호마!왕과 나, 회전목마, 그리고 남태평양은 모두 성공적이었고, 파라마운트 영화사는 이전에 어빙 베를린과 거쉰이 작곡한 음악을 사용한 두 영화인 화이트 크리스마스와 퍼니 페이스를 각각 개봉했다.워너 브라더스는 Craily Jane과 A Star Is Born을 제작했다; 전자는 Doris Day를 위한 수단이었고 후자는 1950년 이후 주목을 받지 못했던 Judy Garland에게 큰 스크린 컴백을 제공했다.한편, "메시지 사진"으로 더 잘 알려진 오토 프레밍거 감독은 카르멘 존스, 포르기, 베스를 주연으로 만들었는데, 둘 다 최초의 흑인 A급 영화배우로 여겨지는 도로시 댄드리지가 주연을 맡았다.유명한 감독인 하워드 호크스도 젠틀맨 프리퍼 블론즈로 이 장르에 뛰어들었다.

1960년대, 1970년대 그리고 오늘날까지, 뮤지컬 영화는 확실한 히트작에 의지할 수 있는 덜 돈 되는 장르가 되었다.장르가 덜 주류화되고 더 전문화되면서 그들을 위한 관객은 줄어들고 뮤지컬 영화는 더 적게 제작되었다.

1960년대 뮤지컬

1960년대에, 영화 웨스트 사이드 스토리, 집시, 뮤직 맨, 바이 바이 버디, 마이 페어 레이디, 메리 포핀스, 사운드 오브 뮤직, 포럼 가는 길에 일어난 웃긴 일, 정글 북, 완전히 모던 밀리와 같은 영화의 비평적이고 흥행적인 성공이 있었다!Ch 영화제작자 Jacques Demy의 재즈 뮤지컬 The Ulipsals of Cherbourg와 The Young Girls of Rochefort는 국제적인 비평가들에게 인기가 있었다.하지만 인기 있는 음악적 취향은 로큰롤과 그에 관련된 자유와 젊음에 크게 영향을 받았고, 엘비스 프레슬리는 비틀즈가 출연한 하드 데이즈 나이트와 헬프가 기술적으로 더 대담하긴 했지만 형식 면에서 오래된 뮤지컬과 동등한 몇 편의 영화를 만들었다.오클라호마와 사운드 오브 뮤직과 같은 1950년대와 1960년대의 뮤지컬 영화의 대부분은 성공적인 무대 연출을 각색하거나 재구성한 것이었다.특히 영화를 위해 만들어진 1960년대 가장 성공적인 뮤지컬은 매리 포핀스와 정글북으로 디즈니의 역대 최대 히트작 중 두 개이다.

사운드 오브 뮤직의 경이적인 흥행 실적은 주요 할리우드 스튜디오들에게 길고 큰 예산을 들여 뮤지컬을 제작할 수 있는 더 많은 자신감을 주었다.이 영화들 중 일부의 엄청난 성공에도 불구하고, 할리우드는 또한 1960년대 후반과 1970년대 초반에 대중의 취향을 심각하게 잘못 판단한 것으로 보이는 많은 뮤지컬 실패작들을 제작했다.상업적으로나 비평적으로 성공하지 못한 영화로는 카멜롯, 피니안 레인보우, 헬로 돌리!, 스위트 채리티, 닥터 두리틀, 하프 어 식스펜스, 가장 행복한 백만장자, 스타, 달링 릴리, 굿바이, 미스터 칩스, 페인트 유어 웨건, 노르웨이의 노래 등이 있다.이러한 실패는 여러 주요 스튜디오의 재무적 타당성에 영향을 미쳤습니다.

1970년대

1970년대에 영화 문화와 영화팬들의 변화하는 인구 통계는 냉철한 사실주의에 더 중점을 두고 있는 반면, 고전 시대 할리우드 뮤지컬의 순수한 오락과 연극성은 구식으로 여겨졌다.그럼에도 불구하고, Fiddler on the Roof와 Cabaret은 무대 쇼에서 밀접하게 각색된 더 전통적인 뮤지컬이었고 비평가들과 관객들에게 큰 성공을 거두었다.1968년 문화적인 모어의 변화와 헤이스 코드의 포기 또한 영화 관객들의 취향 변화에 기여했다.1973년 앤드류 로이드 웨버와 팀 라이스의 '예수 그리스도 슈퍼스타'의 영화는 종교 단체들로부터 비판을 받았지만 좋은 평가를 받았다.1970년대 중반, 영화 제작자들은 팬들에게 사운드트랙 앨범을 팔기 위해 인기 록이나 팝 밴드의 음악을 배경음악으로 사용하는 것을 선호하지 않았다.록키 호러 픽처 쇼는 원래 1975년에 개봉되었고 1980년대 심야 상영을 시작할 때까지 치명적인 실패작이었다. 1976년에는 파라마운트에 의해 저예산 코믹 뮤지컬인 '퍼스트 누디 뮤지컬'이 개봉되었다.1978년 영화 버전의 그리스는 대성공을 거두었다; 그리스의 노래들은 1950년대 팝 스타일로 만들어진 독창적인 작곡이었다.하지만 속편 그리스2는 흥행에 실패했다.Lady Sings the Blues, All That Jazz, New York과 같이 끈끈한 드라마와 뮤지컬 넘버가 결합된 배우들에 대한 영화가 제작되었습니다.영국에서 만들어진 몇몇 뮤지컬들은 리차드 아텐보러의 오!와 같이 그 형태를 실험했다. 앨런 파커의 벅시 말론, 켄 러셀의 토미와 리스토마니아가 1969년 개봉했다.

뮤지컬 전성기에 비해 재정적으로나 비평적으로 성공하지 못한 많은 영화 뮤지컬들이 여전히 제작되고 있었다.그들은 1776년, 위즈, 롱 라스트 러브, 메임, 라 만차의 사나이, 로스트 호라이즌, 갓스펠, 파라다이스의 유령, 웃긴 여인, 작은 밤 음악, 그리고 다른 것들 중에서 머리카락을 포함합니다.특히 At Long Last Love에 대한 비판적인 분노는 홈 비디오로 공개되지 않을 정도로 강했다.판타지 뮤지컬 영화 스크루지, 블루버드, 어린왕자, 윌리 웡카 & 초콜릿 공장, 피트의 드래곤, 디즈니의 베드노브와 빗자루도 1970년대에 개봉하여 아카데미 시각효과상을 수상했다.

1980~1990년대

1980년대까지, 금융가들은 브로드웨이와 런던의 웨스트 엔드에서 뮤지컬의 상대적 건전성에 힘입어 뮤지컬 장르에 대해 점점 더 자신감을 갖게 되었다.1980년대와 1990년대에 제작된 작품에는 The Apple, Xanadu, The Blues Brothers, Annie, Monty Python의 The Sense of Life, Texas의 The Best Little Bearhouse, Victoria, Footloard, Fast Forward, A Chorus Line, Little Shop of Hors, A Hors, A Bors, Abolors, Aboles, Aboles, Aboles, Abs, Abs 등이 포함되어 있습니다.하지만, 마을 사람들이 주연한 "음악을 멈출 수 없다"는 오래된 스타일의 뮤지컬을 부활시키려는 비극적인 시도였고 1980년에 관객들의 무관심에 공개되었다.Little Shop of Horors는 The Producers를 포함한 이후 영화 대 영화 각색의 선구자인 1960년 로저 코먼의 오프브로드웨이 뮤지컬 각색에 바탕을 두고 있다.

그 시대의 많은 애니메이션 영화들 - 주로 디즈니 - 은 전통적인 뮤지컬 번호를 포함했다.하워드 애쉬먼, 앨런 멘켄, 그리고 스티븐 슈워츠는 이전에 뮤지컬 극장 경험을 가지고 있었고 이 기간 동안 디즈니의 작업자인 셔먼 브라더스를 대신하여 애니메이션 영화를 위한 노래를 썼다.1989년 인어공주를 시작으로 디즈니 르네상스는 뮤지컬 영화에 새로운 활력을 불어넣었다.다른 성공적인 애니메이션 뮤지컬 디즈니 적절한에서 알라딘, 노트르담의 꼽추,다가 포카혼타스를 포함했다, 그 크리스마스의 악몽에서 디즈니 사단 터치 스톤 픽처스, 왕자 이집트로부터 드림 웍스, 아나스타샤에서 폭스와 돈 Bluth고, 사우스 파크:더 큰,이 &, Uncut에서 파라마운트.(미녀와 야수와. Lion 킹은 블록버스터의 성공을 거두고 무대용으로 각색되었다.

2000 - now :제2클래식 시대 또는 신음악 시대

21세기 뮤지컬 또는 뉴에이지

21세기에 영화 뮤지컬은 더 어두운 뮤지컬, 뮤지컬 바이오픽, 서사극 뮤지컬, 물랑루즈 같은 코미디 드라마 뮤지컬로 재탄생했다.시카고, 워크 더 라인, 드림걸스, 스위니 토드: 플리트 거리의 악마 이발사, 레미제라블, 라라랜드, 웨스트 사이드 스토리 등 모두 골든글로브 작품상을 수상했고, 오페라의 유령, 헤어스프레이, 맘마미아 같은 영화들은 숲 속으로 9편이나 들어갔습니다!nd 틱, 틱... Boom!은 후보에 올랐을 뿐이다.시카고는 또한 올리버 이후 아카데미 시상식에서 최우수 작품상을 수상한 최초의 뮤지컬이기도 하다.

조슈아 오펜하이머의 아카데미상 후보에 오른 다큐멘터리 The Act of Killing은 논픽션 ^[8]뮤지컬로 여겨질 수 있다.

한 가지 특정한 음악적 경향은 대형 스크린에서 다양한 팝/록 아티스트들의 음악을 기반으로 한 주크박스 뮤지컬의 수가 증가했다는 것이다. 그 중 일부는 브로드웨이 쇼를 기반으로 한다.브로드웨이에 기반을 둔 주크박스 뮤지컬 영화의 예로는 맘마미아! (ABBA), 락 오브 에이지, 그리고 선샤인 온 레이스가 있다.오리지널은 Avers the Universe (비틀즈), Moulin Rouge! (다양한 팝 히트), Idlewild (Outkast) 그리고 Yesterday (비틀즈)를 포함했다.

디즈니는 또한 Encanted, The Princess and the Froug, Winnie the Pooh, The Muppets, Frozen, Muppets Most Wanted, Into the Woods, Mary Poppins Returns, Frozen II, 그리고 Encanto와 함께 뮤지컬로 돌아왔다.디즈니는 애니메이션의 여러 특징을 실사판타지 각색하여 성공을 거둔 후, 이 실사판타지 각색팩 중 처음으로 전면적인 뮤지컬이 되는 실사판타지 각색팩을 제작했으며, 가스톤 넘버와 타이틀의 재등장에 새로운 가사와 새로운 가사가 특징입니다.이 라이브 액션 판타지 각색 팩의 두 번째 전면 뮤지컬 영화는 알라딘으로 신곡들이 등장했습니다.이 라이브 액션 판타지 각색 팩의 세 번째 전면 뮤지컬은 라이온 킹이었고 신곡들이 등장했습니다.픽사는 또한 최초의 컴퓨터 애니메이션 뮤지컬 영화인 코코를 제작했다.다른 애니메이션 뮤지컬 영화로는 리오, 트롤, 싱, 스몰풋, 어글리인형이 있다.

음악 아티스트와 쇼맨에 대한 바이오픽도 21세기에 큰 인기를 끌었다.예로는 8마일(에미넴), 레이(레이 찰스), 워크 더 라인(조니 캐시와 준 카터), 라비앙 로즈(에디트 피아프), 노토리어스(빅기 스몰스), 저지 보이즈(더 포시즌스) 사랑과 머시(브라이언 윌슨), 크레이지스(Crazy) 등이 있다. TLC 스토리(TLC), Aliyah: 더 프린세스 오브 R&B (알리아), 겟 온 업 (제임스 브라운), 휘트니 (휘트니 휴스턴), 스트레이트 아웃 콤프턴 (뉴욕), 더 그레이스트 쇼맨 (P. T. 바넘), 보헤미안 랩소디 (프레디 머큐리),더트(Mötley Crüe)와 로켓맨(Elton John).박스 오피스 보헤미안 랩소디에서 9억 달러 이상의 수익을 올린 것은 상업적으로 가장 성공한 뮤지컬 ^[9]전기영화이다.

감독 데미안 샤젤은 라이언 고슬링과 엠마 스톤이 주연한 뮤지컬 영화 '라라 랜드'를 만들었다.할리우드 황금기와 자크 데미의 프랑스 뮤지컬의 영향을 받은 전통적인 재즈 스타일의 곡들을 다시 도입하는 동시에 판타지 숫자와 현실의 균형을 갖춘 현대적/모던한 이야기와 캐릭터를 통합하려는 의도였다.이 영화는 제89회 아카데미 시상식에서 14개의 후보에 올랐으며, All About Eve(1950년)와 타이타닉(1997년)과 함께 최다 후보에 올랐으며, 감독상, 여우주연상, 촬영상, 음악상, 작품 디자인상 등을 수상했다.

라이브! TV 이벤트

2013년, NBC는 생방송으로 특별히 만들어진 무대 뮤지컬의 각색 전통이 된 라이브 엔터테인먼트 행사를 확대하기 위한 노력의 일환으로 사운드 오브 뮤직 라이브!를 제작했다.그 다음 해에는 피터 팬 라이브가 등장했습니다.위즈 라이브, 헤어스프레이 라이브, 예수 그리스도 슈퍼스타 라이브, 닥터 수스의 그린치 뮤지컬 라이브, 애니 라이브!ABC와 폭스 또한 인어공주 라이브 !, 그리스 라이브 !, 크리스마스 스토리 라이브!, 렌트 라이브!^[10]를 포함한 유사한 행사를 제작했다.

인도의 뮤지컬 영화

볼리우드 춤은 보통 영화화 된 볼리우드 노래를 따르거나 안무된다.

뮤지컬 영화의 쇠퇴에 대한 예외는 인도 영화, 특히 대부분의 영화가 뮤지컬인 뭄바이(구 봄베이)에 기반을 둔 발리우드 영화 산업이다.첸나이(옛 마드라스), 방갈로르에 본사를 둔 샌달우드, 하이데라바드에 본사를 둔 텔루구 산업, 말라얄람 산업도 대부분 뮤지컬이다.

거의 모든 인도 영화가 뮤지컬이고 인도가 세계에서 가장 많은 영화를 제작하고 있음에도 불구하고, 완전한 뮤지컬 Dev D가 된 최초의 발리우드 영화는 2009년에 개봉되었다.그 뒤를 이은 두 번째 영화는 2017년 자가 자수스(아누락 바수 감독)이다.

초기 사운드 영화 (1930~1940년대)

멜로드라마와 로맨스는 발리우드 영화의 공통 요소이다.사진 아취트 칸야(1936년)

발리우드 뮤지컬은 고전 인도 뮤지컬 연극, 산스크리트 드라마, 파르시 연극과 같은 인도의 전통 뮤지컬 연극에 뿌리를 두고 있다.초기 봄베이 영화 제작자들은 이러한 인도의 뮤지컬 극장 전통을 초기 할리우드 사운드 영화에서 ^[11]나타난 음악 영화 형식과 결합했다.봄베이 영화제작자들에게 영향을 준 다른 초기 작품으로는 우르두 문학과 아라비안 ^[12]나이트가 있다.

첫 번째 인도 사운드 영화인 아데시르 이란니의 알람 아라(1931년)는 상업적으로 ^[13]큰 성공을 거두었다.토키와 뮤지컬에 대한 거대한 시장이 분명히 있었다; 발리우드와 모든 지역 영화 산업은 빠르게 사운드 촬영으로 전환했다.

1937년, 알람 아라 출신의 아데시르 이란니는 힌디어로 된 최초의 칼라 영화인 키산 카냐를 제작했다.그 다음 해, 그는 마더 인디아 버전의 또 다른 컬러 영화를 만들었다.하지만, 색은 1950년대 후반까지 인기 있는 특징이 되지 않았다.이 시기에는 호화로운 로맨틱 뮤지컬과 멜로드라마가 영화관에서 주류를 이뤘다.

황금시대(1940년대 후반~1960년대)

안다즈의 나르기스, 라지 카푸어, 딜립 쿠마르(1949년).카푸어와 쿠마르는 인도 ^[14]^[15]영화 역사상 가장 위대하고 영향력 있는 영화배우 중 한 명이고, 나르기스는 가장 위대한 ^[16]여배우 중 한 명이다.

인도의 독립 이후, 영화사학자들은 1940년대 말부터 1960년대 초반까지의 기간을 힌디 ^[17]^[18]^[19]영화의 "황금 시대"로 여긴다.역대 가장 호평을 받은 힌디어 영화들 중 일부는 이 시기에 제작되었다.예를 들어 구루 뒤트가 연출하고 아바르 알비가 쓴 피야사(1957년)와 카가즈 케 풀(1959년), 라즈 카푸어가 연출하고 크화자 아흐마드 압바스가 집필한 아안(1951년)과 딜립이 연출한 아안(1952년) 등이 있다.이 영화들은 주로 인도의 노동자 계급 생활, 특히 전자의 두 예에서 도시 생활을 다루는 사회적 주제를 표현했다; 아와라는 도시를 악몽이자 꿈으로 표현했고, 반면 Pyaasa는 도시 ^[20]생활의 비현실성을 비판했다.

메흐부브 칸의 초기 아우랏(1940년)을 리메이크한 '마더 인디아'는 한 표 ^[21]차이로 아카데미 외국어 영화상 후보에 오른 첫 번째 인도 영화였다.마더 인디아는 또한 수십 ^[22]^[23]^[24]년 동안 힌디 영화의 관습을 규정하는 중요한 영화였다.

1960~1970년대 초반 영화계는 로맨틱 영웅을 주인공으로 한 뮤지컬 로맨스 영화가 주를 이뤘고 가장 인기 있는 영화는 라제시 ^[25]칸나였다.이 기간 동안 다른 배우로는 샤미 카푸르, 지텐드라, 산지예프 쿠마르, 샤시 카푸르가 있고 샤밀라 타고르, 뭄타즈, 사이라 바누, 헬렌, 아샤 파렉과 같은 여배우들이 있다.

고전 발리우드 (1970~1980년대)

1970년대 초까지 힌디 영화계는 뮤지컬 로맨스 ^[25]영화에 의해 지배된 주제적인 ^[26]침체를 경험하고 있었다.Salim Khan과 Javed Akhtar로 구성된 시나리오 작가 듀오 Salim-Javed의 등장은 업계에 ^[26]활력을 불어넣으며 패러다임의 변화를 가져왔다.그들은 1970년대 초에 잔저(1973년)와 디와르(1975년)^[27]^[28]와 같은 영화로 거칠고 폭력적인 봄베이 지하세계 범죄 영화의 장르를 시작했다.

1970년대는 또한 "볼리우드"라는 이름이 ^[29]^[30]만들어졌고 상업적인 발리우드 영화의 전형적인 관습이 ^[31]확립된 시기였다.액션 코미디 로맨스 드라마 멜로드라마 뮤지컬 등 다양한 장르를 아우르는 마살라 영화 장르의 등장이 관건이었다.마살라 영화는 1970년대 초 영화 제작자 나시르 ^[32]후세인과 시나리오 작가 듀오 ^[31]살림 자베드와 함께 발리우드 블록버스터 ^[31]형식을 개척했다.후세인이 감독하고 살림-자베드가 각본을 쓴 야돈 키 바아라트(1973년)는 최초의 마살라 영화이자 전형적인 "볼리우드"^[33]^[31] 영화로 확인되었습니다.살림자베드는 1970년대와 1980년대에 ^[31]더 성공적인 마살라 영화를 썼다.마살라 영화는 아미타바흐 바흐찬을 1970년대와 1980년대의 가장 큰 발리우드 영화배우로 만들었다.마살라 영화 장르의 랜드마크는 만모한 데사이 감독이 연출하고 카데르 칸이 각본을 쓴 아마르 아크바르 앤서니였다.^[34]^[33]만모한 데사이는 1970년대와 1980년대에 이 장르를 성공적으로 이용했다.

바흐찬과 함께 이 시대의 다른 인기 배우로는 페로스 칸,^[35] 미툰 차크라보티, 나세루딘 샤, 재키 슈로프, 산제이 더트, 아닐 카푸어, 써니 드올이 있었다.이 시대의 여배우로는 헤마 말리니, 자야 바흐찬, 라악희, 샤바나 아즈미, 지낫 아만, 파르빈 바비, 레카, 딤플 카파디아, 스미타 파틸, 자야 프라다,^[36] 파드미니 콜라푸르가 있었다.

새로운 발리우드 (1990년대-현재)

1980년대 후반, 힌두 영화관은 폭력의 증가, 음악의 선율 저하, 비디오 저작권 침해의 증가로 인해 흥행률의 하락과 함께 또 다른 침체기를 겪었고, 중산층 가족 관객들은 극장을 떠났다.전환점은 만수르 칸이 감독하고 그의 아버지 나시르 후세인이 각본을 쓰고 제작한 카야맛 세 카야맛 탁(1988)이 그의 사촌인 아미르 칸과 주히 차울라가 주연을 맡으면서 왔다.젊음, 건전한 엔터테인먼트, 감성적인 표현과 강렬한 멜로디가 어우러져 가족 관객들을 다시 ^[37]^[38]큰 화면으로 끌어들였다.그것은 1990년대 ^[38]힌디 영화를 규정했던 발리우드 뮤지컬 로맨스 영화의 새로운 판본을 만들었다.

1990년대 이후 힌디어 영화의 시기는 "새로운 발리우드"^[39] 영화라고 불리며, 1990년대 ^[40]초 인도의 경제 자유화와 관련이 있다.1990년대 초, 추는 가족 중심의 로맨틱 뮤지컬로 되돌아갔다.카야맛 세 카야맛 탁은 메인 파야르 키야(1989년), 찬드니(1989년), 움 아프케 하인칸(1994년), 딜왈레 둘라니아 르 자옌지(1995년), 라자 힌두스타니(1996년), 딜 투 파갈랴 팔하이(1997년)와 같은 블록버스터들이 뒤를 이었다.아미르 칸, 아디트 판초리, 아자이 데브간, 악셰이 쿠마르, 살만 칸(살림 칸의 아들), 샤룩 칸 등 신세대 인기 배우와 마두리 딕싯, 스리데비, 쥐차엔샤크, 미에샤크 등 여배우들이 등장했다.

1990년대 이후, 발리우드 영화 스타 세 명은 "3대 칸"이었다: 아미르 칸, 샤 루크 칸, 그리고 살만 칸.^[41]^[42]이 둘을 합치면, 그들은 가장 높은 수익을 올린 발리우드 영화 10위 안에 대부분 출연했다.세 칸은 1980년대 ^[41]후반부터 성공적인 경력을 쌓았고 1990년대 ^[43]이후 30년 ^[44]동안 인도 박스오피스를 장악했다.

서양영화에 대한 영향(2000년대~현재)

Baz Luhrmann은 그의 성공적인 뮤지컬 ^[45]영화 Moulin Rouge! (2001)이 영화는 인도 주제의 연극과 영화 차이나 게이트의 노래와 발리우드 스타일의 춤 시퀀스를 접목시키면서 인도에 경의를 표한다.물랭 루즈의 비평적이고 재정적인 성공은 당시 모리번드 서부 실사 음악 장르에 대한 관심을 다시 불러일으켰고, 그 후 시카고, 더 프로듀서스, 렌트, 드림걸스, 그리고 헤어스프레이와 같은 영화들이 제작되어 그 ^[46]장르의 부흥을 부채질했다.

The Guru and the 40-Old Virgin은 또한 인도 스타일의 노래와 춤 시퀀스를 특징으로 한다; 발리우드 뮤지컬 Lagaan (2001년)은 아카데미 외국어 영화상 후보에 올랐고, 두 개의 다른 발리우드 영화 Devdas (2002년)와 Rang De Basanti (2006년)는 영어 이외의 영화로 BAFTA 영화 후보에 올랐다.아카데미상을 수상한 슬럼독 밀리어네어(2008)는 또한 영화의 마지막 크레딧 동안 발리우드 스타일의 노래와 춤이 특징이다.

스페인의 뮤지컬 영화

스페인은 할리우드의 영향으로부터 독립하여 제작된 뮤지컬 영화의 역사와 전통을 가지고 있다.첫 번째 영화는 1930년대 스페인 제2공화국과 사운드영화의 출현 시기에 발생한다.몇몇 자르주엘라(스페인 오페라)는 침묵의 시대에 시나리오로 각색되기도 했다.스페인 뮤지컬의 시작은 낭만적인 스페인의 원형에 초점을 맞췄다.안달루시아의 마을과 풍경, 집시, 반돌로스, 코플라 등의 민요가 스토리 전개에 포함되어 있다.이 영화들은 스페인에서 개봉된 할리우드 영화들보다 훨씬 더 많은 흥행을 거두었다.최초의 스페인 영화 스타는 음악 장르 출신이다.임페리오 아르헨티나, 에스트렐리타 카스트로, 플로리안 레이(감독), 이후 롤라 플로레스, 사라 몬티엘, 카르멘 세비야.스페인 뮤지컬은 확대되고 성장하기 시작했다.청소년 스타들이 등장하여 흥행 1위를 차지합니다.마리솔, 호세리토, 필리 & 밀리, 로키오 두르칼은 1960년대부터 1970년대까지 뮤지컬 영화의 주요 인물이었다.스페인의 민주주의로의 이행과 "모비다 문화"의 증가로 음악 장르는 제작과 흥행에서 하락했지만 카를로스 사우라와 그의 플라멩코 뮤지컬 영화들에 의해서만 구해졌다.

스탈린 치하의 소련 뮤지컬 영화

할리우드나 발리우드의 뮤지컬 영화와는 달리, 일반적으로 현실 도피주의와 동일시되는 소련 뮤지컬은 무엇보다도 선전의 한 형태였다.Vladimir Lenin은 영화가 "예술이라고 말했다.그의 후계자인 조셉 스탈린 또한 공산당 원칙을 효율적으로 전파하는 영화의 힘을 인정했다.영화는 1920년대에 널리 인기를 끌었지만 소련 영화 시장을 지배한 것은 외국 영화였다.독일과 미국의 영화들은 소련 감독 세르게이 아이젠슈타인의 ^[47]사극보다 더 재미있었다.1930년대까지 소련 영화가 서구 영화들과 경쟁하려면 관객들에게 그들이 원하는 것, ^[48]즉 할리우드에서 얻은 화려함과 환상을 제공해야 한다는 것이 분명했다.당시 등장한 뮤지컬 영화는 오락과 공식 이데올로기의 이상적인 조합을 구현했다.

웃음을 위한 웃음과 명확한 이념적 메시지를 담은 오락 사이의 투쟁은 1930년대와 1940년대 소련 뮤지컬의 황금기를 규정할 것이다.당시 영화계의 수장이었던 보리스 슈미야츠키는 소련 ^[49]할리우드의 설립을 제안하기까지 하면서 할리우드의 컨베이어 벨트 제작 방식을 모방하려고 했다.

유쾌한 동료들

1930년, 존경받는 소련 영화감독 세르게이 아이젠슈타인은 할리우드의 영화 제작 과정을 공부하기 위해 그리고리 알렉산드로프와 함께 미국으로 갔다.미국 영화는 알렉산드로프, 특히 ^[50]뮤지컬에 큰 영향을 끼쳤다.그는 1932년에 돌아왔고 1934년에 소련 최초의 뮤지컬인 "The Jolly Fellows"를 감독했다.그 영화는 줄거리가 가벼웠고 코미디와 뮤지컬 곡들에 더 초점을 맞췄다.당 관계자들은 처음에 그 영화를 매우 적대적으로 대했다.알렉산드로프는 웃음을 ^[51]위한 웃음의 개념을 주장하면서 자신의 작품을 옹호했다.마침내, 알렉산드로프가 스탈린에게 영화를 보여주었을 때, 지도자는 뮤지컬이 선전을 확산시키는 효과적인 수단이라고 결정했다.집단 노동의 중요성과 빈털터리가 되는 이야기와 같은 메시지는 대부분의 소련 뮤지컬의 줄거리가 될 것이다.

'무비 포 더 밀리언'

"The Jolly Fellows"의 성공은 소련 영화계에 음악 형식을 위한 자리를 확보했지만, 곧바로 슈미야츠키는 영화가 공산주의의 가치를 촉진하도록 하기 위해 엄격한 지침을 정했다.슈미야츠키의 법령 "Movies for the Millions"는 영화에서 ^[52]사회주의 리얼리즘(산업과 노동자 계층의 미화)을 성공적으로 묘사하기 위해 전통적인 줄거리, 등장인물, 몽타주를 요구했다.

사회적 메시지와 오락의 첫 번째 성공적인 혼합은 알렉산드로프의 서커스였다.그의 아내 류보프 오를로바(The Jolly Fellows에 출연했던 오페라 가수)가 흑인 남자와 낳은 혼혈아 때문에 미국에서 소련으로 이민을 가야 하는 미국인 서커스 배우로 출연했다.호화로운 뮤지컬 제작의 배경 속에서 그녀는 마침내 소련에서 사랑과 수용을 찾게 되고, 인종적 관용은 소련에서만 찾을 수 있다는 메시지를 제공한다.

버스비 버클리 안무가 알렉산드로프의 연출에 미치는 영향은 클라이맥스로 이어지는 뮤지컬 넘버에서 확인할 수 있다.할리우드에 대한 또 다른, 더 분명한 언급은 영화 내내 코믹한 안도감을 주는 찰리 채플린 성대모사이다.모스크바와 레닌그라드의 4백만 명의 사람들이 극장에서 ^[53]첫 달 동안 서커스를 보러 갔다.

알렉산드로프의 또 다른 인기 있는 영화는 The Bright Path (1940)였다.이것은 신데렐라가 현대 소련을 배경으로 한 동화를 재작곡한 것이다.이 이야기의 신데렐라는 다시 올로바였는데,^[54] 그는 이때까지 소련에서 가장 인기 있는 스타였다.그것은 공상적인 이야기였지만, 이야기의 교훈은 열심히 일하면 더 나은 삶이 나온다는 것이었다.서커스에서는 춤과 스펙터클이 포함된 반면 브라이트 패스의 안무는 공장 기계의 움직임뿐입니다.그 음악은 오르로바의 노래로만 한정되었다.자, 일 때문에 볼거리가 생겼다.

이반 피료프

뮤지컬 영화의 다른 감독은 이반 피료프였다.알렉산드로프와 달리, 피리예프의 영화의 초점은 집단 농장에서의 삶이었다.그의 영화들, 트랙터 드라이버, 돼지 사육사, 그리고 가장 유명한 쿠반의 코삭스에는 모두 그의 아내 마리나 레이디니나가 출연했습니다.알렉산드로프의 '밝은 길'에서처럼, 유일한 안무는 등장인물들이 영화에서 하는 작업이었다.심지어 노래도 일하는 즐거움에 관한 것이었다.

피료프는 자신의 영화에 특정한 메시지를 담기 보다는 스탈린의 슬로건인 "인생은 좋아졌고, 인생은 더 ^[55]즐거워졌다"를 홍보했다.때때로 이 메시지는 당시의 현실과 극명한 대조를 이뤘다.쿠반의 코사크 촬영 중 소련은 전후 기근을 겪고 있었다.실제로, 번영의 시기에 대해 노래하던 배우들은 배가 고팠고 ^[56]영양실조였다.그러나 영화는 관객들에게 현실 도피와 낙관주의를 제공했다.

볼가볼가

그리고리 알렉산드로프 감독 볼가 볼가

스탈린주의 뮤지컬의 짧은 기간 동안 가장 인기 있었던 영화는 알렉산드로프의 1938년 영화 볼가-볼가였다.다시 한 번 주인공은 류보프 올로바였고 이 영화는 일과 무관한 노래와 춤을 선보였다.그것은 그 종류 중에서 가장 특이한 것이다.줄거리는 음악을 연주하고 싶어하는 두 사람의 사랑 이야기를 둘러싸고 있다.그들은 직업보다는 음악에 더 중점을 둔다는 점에서 소련의 가치를 대표하지 못한다.그 개그는 지방 당국과 관료주의를 조롱한다.그것은 작은 시골 마을에서 열리기 때문에 산업에 대한 미화는 없다.줄거리는 휴가를 이용해 모스크바에서 공연하기 위해 볼가와 모스크바 운하를 따라 여행을 떠나는 한 무리의 마을 사람들을 중심으로 전개되기 때문에 작품 또한 미화되지 않는다.이 영화는 모스크바 운하가 굴라그 죄수들에 의해 건설되었다는 암시를 주지 않고 운하를 미화하는 것으로 볼 수 있다.

볼가 볼가는 이념적 교의보다는 사회주의 현실주의의 미학적 원리를 따랐다.그것은 스탈린이 가장 좋아하는 영화가 되었고 그는 2차 세계대전 중에 루스벨트 대통령에게 선물로 주었다.그것은 삶이 더 낫다고 주장한 영화들 중 하나의 또 다른 예이다.스탈린이 숙청할 때 풀려난 이 책은 ^[57]대중들에게 도피와 위안을 주는 환상을 제공했다.