예술 영화

Art film
1965년 이곳에서 촬영된 칼 테오도르 드레이어는 1928년 영화 잔 다르크의 수난(The Passion of Jean of Arc)을 감독했다.

아트 필름(또는 아트 하우스 필름)은 일반적으로 대중 시장 [1]관객보다는 틈새 시장을 겨냥한 독립 영화입니다.그것은 "비전통적이거나 매우 상징적인 내용"[4]을 포함하는 "진지하고, 종종 실험적이며, 대중적 [2]어필을 위해 디자인되지 않은" 작품, "상업적인 [3]이익보다는 주로 미적인 이유로 만들어졌다".

영화 평론가들과 영화 연구 학자들은 일반적으로 예술 영화를 "주류 할리우드 [5]영화와 다른 것으로 특징짓는 형식적 자질"을 가지고 있다고 정의한다.이러한 자질에는 (다른 요소들 중에서도) 사회적 사실주의 감각, 감독의 권위적 표현력 강조, 그리고 명확하고 목표 지향적인 이야기의 전개에 반하여 캐릭터의 생각, 꿈 또는 동기에 초점을 맞추는 것이 포함될 수 있습니다.영화학자인 데이비드 보드웰은 예술 영화를 "독특한 [6]관습을 가진 영화 장르"라고 묘사했다.

예술 영화 제작자들은 보통 그들의 영화를 특별 극장이나 영화제에서 선보인다.예술 영화라는 용어는 유럽 본토에 비해 북미, 영국, 호주에서 훨씬 더 널리 사용되며, 유럽 본토에서는 autur 영화 및 국립 영화(예: 독일 국립 영화)라는 용어가 대신 사용됩니다.예술 영화들은 소규모 틈새 시장을 겨냥한 것이기 때문에, 널리 개봉된 블록버스터 영화들과 관련된 많은 제작 예산을 허용하는 재정적 지원을 거의 받지 못한다.예술 영화 감독들은 다른 종류의 영화, 일반적으로 덜 알려진 영화 배우 (또는 아마추어 배우들)와 아이디어를 개발하고, 새로운 서술 기법을 탐구하며, 새로운 영화 제작 규약을 시도하는 데 훨씬 더 초점을 맞춘 영화를 만들기 위해 적당한 세트를 만들어냄으로써 이러한 제약을 보완한다.

이러한 영화들은 보통 직선적인 스토리텔링과 주류 오락에 더 맞춰져 있는 주류 블록버스터 영화들과 뚜렷한 대조를 이룬다.영화평론가 로저 이버트는 1994년 예술영화인 '충킹 익스프레스'를 [7]'영화에 대해 아는 것 때문에' 즐기는 '대부분의 두뇌적 경험'이라고 평했다.그렇긴 하지만, 일부 예술 영화들은 다큐멘터리나 전기와 같은 좀 더 친숙한 장르의 특정한 요소들을 제공함으로써 그들의 매력을 넓힐 수도 있다.홍보를 위해, 예술 영화는 영화 평론가들의 리뷰, 예술 칼럼니스트, 해설자, 블로거들에 의한 영화에 대한 토론, 그리고 관객들에 의한 입소문 홍보에 의존한다.예술영화는 초기 투자비용이 적기 때문에 재정적으로 성공하기 위해서는 주류 관객의 일부에게만 어필하면 된다.

역사

이전 세대: 1910~1920년대

영화사학자들에 의해 최초의 예술영화로 종종 인정받는 L'Inferno and Indinclusive의 극장 포스터.

예술 영화의 선구자는 이탈리아 무성 영화 L'Inferno, D. W. 그리피스의 Indistranse 그리고 수십 [8][9][10]년 동안 유럽 영화 운동의 발전에 영향을 준 러시아 영화 제작자 세르게이 아이젠슈타인의 작품들이다.아이젠슈타인의 영화 '배틀십 포템킨'(1925년)은 관객들로부터 가장 큰 감정적 반응을 이끌어내기 위해 영화 편집을 사용하는 그의 이론을 시험하기 위해 사용한 혁명적인 선전 영화였다.아이젠슈타인은 이 영화를 통해 얻은 국제적인 평판 덕분에 1917년 10월 혁명 10주년 기념 행사의 일환으로 10월을 감독할 수 있었다.그는 나중에 1929년에 제너럴 라인을 감독했다.아이젠슈타인의 영향으로 촬영된 알렉산더 도브젠코 어스의 영화는 일부 비평가들에 의해 예술 [11]영화의 정점으로 정의된다.

예술영화는 루이스 부뉴엘과 살바도르 달리(1930년 라게도르를 만든) 등 스페인 아방가르드 창작자들의 영화와 1930년대 아방가르드 영화인 장 콕토(Jean Cocteau)의 작품에도 영향을 받았는데, 그의 아방가르드 영화인 장 콕토(Jean Cocteau)는 회전하는 인간 머리 모형을 통해 하나의 이미지를 사용했다.디드 마스크1920년대에 영화 사회는 영화가 "대중 관객을 위한 엔터테인먼트 영화"와 "지적 관객을 위한 진지한 예술 영화"로 나눌 수 있다는 개념을 옹호하기 시작했다.영국에서는 알프레드 히치콕과 아이보르 몬타규가 영화협회를 결성해 변증법 몽타주 구소련 영화,[8] 독일 유니버섬 필름 A.G. 스튜디오의 표현주의 영화 등 예술적 성과라고 생각하는 영화를 수입했다.

1920년대와 1930년대의 프랑스 아방가르드 영화 운동인 시네마 푸르 또한 예술 영화 아이디어의 발전에 영향을 미쳤다.영화 pur film 운동에는 몇몇 저명한 다다 예술가들이 포함되어 있었다.다다이스트들은 시공간을 유연하게 몽타주함으로써 이야기적 스토리텔링 관습, 부르주아 전통, 아리스토텔레스의 시간과 공간 개념을 초월하기 위해 영화를 사용했다.

미국의 사진작가이자 영화제작자인 맨 레이는 예술 영화의 발전에 영향을 준 다다이스트 "시네마 푸르" 영화 운동의 일부였다.

영화 순정 운동은 한스 리히터, 발터 루트만, 바이킹 에글링과 같은 독일의 "절대" 영화 제작자들에 의해 영향을 받았다.Richter는 1921년 영화 Rhythmus 21이 지금까지 만들어진 최초의 추상 영화라고 거짓 주장했다.사실, 그는 1911년부터 1912년까지[12] 이탈리아의 미래학자 브루노 코라와 아르날도 긴나(미래주의 영화 선언에[12] 보고된 바와 같이), 그리고 1920년에 리츠피엘 오푸스 1을 제작한 동료 독일 예술가 발터 루트만(Walter Ruttmann)에 의해 선행되었다.그럼에도 불구하고, 리히터의 영화 Rhythmus 21은 중요한 초기 추상 영화로 여겨진다.

최초의 영국 "예술 영화관"은 1929년 엘시 코헨에 의해 런던의 팔레 드 룩스에서 임시로 문을 열었다.그녀는 1931년 [13]옥스퍼드 가에 있는 아카데미 영화관에 영구적인 장소를 설립했습니다.

1930~1950년대

1930년대와 1940년대에 할리우드 영화는 존 포드의 인포머와 유진 오닐의 롱보이지 홈과 같은 문학적인 각색에 대한 예술적 포부와 갱스터 스릴러와 같은 돈을 버는 "인기 있는 영화"로 나눌 수 있었다.윌리엄 시스카는 오픈시티(1945), 페이사(1946), 자전거 도둑 등 1940년대 중후반 이탈리아의 실존주의 영화가 또 다른 의식적인 예술영화 [8]운동으로 여겨질 수 있다고 주장한다.

1940년대 후반, 이탈리아 네리얼리즘 영화와 다른 진지한 유럽 영화들이 주류 할리우드 영화와 다르다는 미국 대중들의 인식은 미국 주요 도시와 대학가에 "아하우스 영화관"이 발달하면서 강화되었다.제2차 세계대전 이후, "미국 영화의 대중화 부문은 주류 할리우드 영화에 싫증이 났다"며, 그들은 "대중 거리 영화 [5]궁전에서 상영되는 영화의 대안"을 보기 위해 새로 만들어진 예술 영화관으로 갔다.이 예술 영화관에서 상영되는 영화들은 "영국, 외국어, 독립 미국 영화, 그리고 할리우드 고전 영화의 다큐멘터리, 부활"을 포함한다.로셀리니의 오픈 시티와 맥켄드릭의 타이트 리틀 아일랜드, 자전거 도둑 그리고 레드 슈즈와 같은 영화들이 상당한 미국 [5]관객들에게 보여졌다.

1950년대 후반, 프랑스 영화 제작자들은 이탈리아 네오레즘과[14] 고전 할리우드 [14]영화의 영향을 받은 영화를 제작하기 시작했는데, 비평가들은 이것을 프랑스 뉴 웨이브라고 불렀다.비록 공식적으로 조직된 운동은 아니지만, 뉴웨이브 영화 제작자들은 고전 영화 형식에 대한 자의식적인 거부와 젊은 아이콘클래즘의 정신으로 연결되었고, 그들의 영화는 유럽 예술 [15]영화의 한 예이다.또한 많은 이들이 편집, 비주얼 스타일, 서술에 대한 급진적인 실험을 보수적 패러다임과의 일반적인 결별의 일부로 만들면서 그 시대의 사회적, 정치적 격변과 함께 그들의 작업에 참여했다.프랑수아 트뤼포, 장 뤽 고다르, 에릭 로메르, 클로드 샤브롤, 자크 리벳을 포함한 이 그룹의 가장 유명한 선구자들 중 일부는 영화 잡지 카히에르 뒤 시네마의 비평가로서 시작했다.Autur 이론은 감독이 영화마다 개인 서명이 보이는 그의 영화의 "작가"라고 주장한다.

1960~1970년대

스웨덴 영화 'I Am Curious'(노란색)의 여배우 레나 나이만

프랑스 뉴웨이브 운동은 1960년대까지 계속되었다.1960년대 동안, "예술 영화"라는 용어는 유럽보다 미국에서 훨씬 더 널리 사용되기 시작했다.미국에서는 외국어(비영어) 영화, 독립영화, 실험영화, 다큐멘터리, 단편영화를 포함하도록 매우 광범위하게 정의된다.1960년대 미국에서 "아트 필름"은 이탈리아와 프랑스 B 영화의 완곡한 표현이 되었다.1970년대까지, 이 용어는 스웨덴 영화 I Am Curious (Yellow)와 같은 예술적 구조를 가진 성적으로 노골적인 유럽 영화를 묘사하기 위해 사용되었다.미국에서, "아트 필름"이라는 용어는 1969년 영화 블루 [16][17][18]무비의 앤디 워홀을 포함한 현대 미국 예술가들이 만든 영화를 지칭할 수도 있지만, 때때로 레퍼토리 극장이나 "아트 하우스 영화관"에서 상영되는 광범위한 영화를 지칭하는 데 매우 느슨하게 사용된다.이러한 접근법으로 1960년대 히치콕 영화, 1970년대 실험적인 지하 영화, 유럽 감독 영화, 미국의 "독립" 영화, 심지어 주류 외국어 영화(자막 포함)와 같은 광범위한 영화들이 모두 "아트 하우스 영화"의 영향을 받을 수 있다.

1980~2000년대

1980년대와 1990년대까지, "아트 필름"이라는 용어는 많은 동일한 스타일적 특성을 공유하는 "독립 영화"와 결합되었다.Miramax Films와 같은 회사들은 상업적으로 타당하다고 여겨지는 독립 영화를 배급했다.주요 영화 제작사들이 독립영화의 틈새 매력을 지적하자, 그들은 20세기 폭스의 폭스 서치라이트 픽처스 사업부, 유니버설의 포커스 피처스 사업부, 소니 픽처스 엔터테인먼트의 소니 픽처스 클래식 사업부, 파라마운트 밴타 등 비주류 영화 전문 사업부를 만들었다.파라마운트의 ge 사업부.영화 비평가들은 주요 영화사들로부터 재정적인 지원을 받는다는 이유로 이러한 부문들의 영화들이 "독립 영화"로 간주될 수 있는지에 대해 논쟁을 벌여왔다.

2007년 카밀 파글리아 교수는 자신의 기사에서 "아트 무비: R.I.P"라는 제목의 기사에서 "프란시스 포드 코폴라의 대부 시리즈와 교묘한 플래시백과 냉혹한 사회적 사실주의로 인해"..."라고 주장했다.[없음]지난 35년 동안 제작된 한 편의 영화로 베르그만의 일곱 번째 옥새나 페르소나와 철학적인 무게나 기교가 거의 같다.파글리아는 2000년대 젊은이들은 "한때 전문이었던 유럽 감독들이 깊이 생각하는 것에 대해 인내심이 없다"고 말한다. 이는 "최소한의 표정이나 황량한 방이나 황량한 [19]풍경을 우아하게 훑어보는" 접근법이다.

감독, 제작자, 그리고 배급사인 로저 코먼에 따르면, "1950년대와 1960년대는 예술 영화의 가장 큰 영향의 시기였다.그 후, 영향력은 약해졌다.할리우드는 유럽 영화의 교훈을 흡수해 영화에 접목시켰다.코먼은 "시청자들은 70년대 할리우드 영화에서 유럽 예술 영화의 정수를 볼 수 있었다...유럽 영화만의 문제가 아니었던 예술 영화는 널리 인정받으려고 애쓰는 영화였지만 점점 더 실제 세계 영화가 되었습니다.코먼은 다음과 같이 말한다. "할리우드 자체가 근본적으로 미적 범위를 넓혔다.왜냐하면 눈앞에 있는 소재의 범위는 이미지 제작, 영화 제작, 현대성에 대한 새롭고 프리즘적인 미디어 편집 경험의 바로 그 조건을 포함하도록 확장되었기 때문이다.비디오 스토어에서 아트 영화에 대해 배운 새로운 관객이 있습니다.코먼은 미국 예술 영화의 "[20]현재 재탄생의 가능성이 있다"고 말한다.

주류 영화 규범으로부터의 이탈

영화학자 데이비드 보드웰은 1979년 "영화 관행으로서의 예술 영화"라는 제목의 기사에서 "예술 영화"의 학문적 정의를 개략적으로 설명했는데, 이는 예술 영화를 고전 할리우드 영화의 주류 영화와 대비시킨다.주류 할리우드 스타일의 영화들은 명확한 서술 형식을 사용하여 영화를 "시공간에서 일어나는 원인 관련 사건들"로 구성하며, 모든 장면들이 목표를 향해 나아간다.주류 영화의 줄거리는 잘 정의된 주인공에 의해 주도되고, 명확한 캐릭터로 살리고, "질문 논리, 문제 해결 루틴, 마감 시간 줄거리 구조"로 강화된다.영화는 빠른 페이싱, 적절한 관객의 감정을 알리는 음악 사운드트랙, 그리고 촘촘하고 매끄러운 [21]편집으로 함께 연결된다.

이와는 대조적으로, 보드웰은 "예술 영화는 사실주의와 권위적 표현이라는 두 가지 원칙에 의해 이야기의 동기를 부여한다"고 말한다.예술 영화는 전형적으로 "원인과 [21]결과 사슬의 느슨함"과 함께 더 일시적인 이야기 구조를 다룬다는 점에서 영화 제작의 주류 "고전적" 규범에서 벗어난다.

주류 영화들은 또한 도덕적 딜레마나 정체성 위기를 다루지만, 이러한 문제들은 보통 영화의 마지막까지 해결된다.예술영화에서 딜레마는 수심에 잠긴 방식으로 조사되고 조사되지만,[22] 대개 영화의 마지막 부분에서 명확한 해결이 이루어지지 않습니다.

예술 영화 속 이야기는 종종 긴 대화 시퀀스를 통해 인격 발달과 아이디어의 탐구에 부차적인 역할을 한다.예술영화에 스토리가 있다면, 그것은 보통 모호하게 정의되거나 애매한 에피소드의 표류 시퀀스이다.영화에는 설명할 수 없는 공백, 의도적으로 불분명한 시퀀스 또는 이전 장면과 관련이 없는 외부 시퀀스가 있을 수 있으며, 이로 인해 시청자는 영화의 메시지를 주관적으로 해석해야 합니다.예술영화는 종종 "특이한 시각적 스타일"과 [23]감독의 권위적인 접근 방식을 지니고 있다.아트 시네마 영화는 종종 "잘 대답된 결론"을 제시하기를 거부하며, 대신 영화 시청자들에게 "이야기가 어떻게 전달되고 있는가?"에 대해 생각하는 작업을 맡긴다.왜 이런 식으로 이야기를 하죠?[24]

Bordwell은 "아트 시네마 자체가 독특한 관습을 가진 [영화] 장르"라고 주장한다.[6]영화 이론가인 로버트 스탬은 또한 "아트 필름"은 영화 장르라고 주장한다.그는 영화 장르가 예산(블록버스터 영화 또는 B-무비)이나 스타 배우(아담 [25]샌들러 영화)와 같은 측면의 영화에 근거할 수 있다는 점에서 영화는 예술적 지위에 기반을 둔 예술 영화로 간주된다고 주장한다.

예술 영화 및 영화 비평

헐리우드에서 제작된 영화들과 같은 대중 시장 영화들이 덜 분별력 있는 [26]관객들에게 어필한다고 지적하는 학자들이 있다.그리고 나서 이 그룹은 영화 평론가들을 좀 더 사려 깊고 질 높은 영화로 이끌 수 있는 문화적 엘리트들로 돌린다.대중적 취향과 고급 문화 사이의 단절을 메우기 위해, 이 영화 비평가들은 익숙하지 않은 개념을 설명하고 영화를 보러 가는 대중을 양성하도록 호소할 것으로 기대된다.예를 들어, 영화 평론가는 자신의 리뷰를 통해 관객이 이러한 예술 영화의 [27]분석 조건을 제공함으로써 영화에 대해 진지하게 생각할 수 있도록 도울 수 있습니다.영화 분석과 리뷰의 예술적 틀을 채택하면서, 이 영화 비평가들은 관객들에게 그들이 보고 있는 것을 감상할 수 있는 다른 방법을 제공한다.그래서 논란이 되는 주제를 탐구할 때, 대중은 그들이 영화의 사실성을 묘사하는 방법과 같은 가치를 비평가들로부터 알게 된 영화를 즉시 무시하거나 공격하지 않을 것이다.여기서 예술영화를 전시하는 예술극장이나 예술관은 평론가나 지적 관객 모두를 끌어모으는 문화 계몽의 현장으로 여겨진다.비평가들이 문화 체험을 할 수 있는 공간이자 통찰력과 소재를 이끌어낼 수 있는 예술적 분위기입니다.

주목할 만한 영화들의 연대표

다음 목록은 "예술 영화"의 특성을 가진 감독 및 영화가 무엇인지에 대한 일반적인 감각을 제공하기 위해 편집된 "예술 영화"의 작은 부분 샘플입니다.이 목록에 있는 영화들은 예술 영화의 특징들 중 하나 이상을 보여준다: 대중 관객을 겨냥하지 않은 진지한, 비상업적인, 또는 독립적으로 제작된 영화.이 목록에 있는 영화들 중 일부는 또한 "자율" 영화, 독립 영화 또는 실험 영화로 간주됩니다.어떤 경우, 비평가들은 영화가 주류인지 아닌지에 대해 의견이 엇갈린다.예를 들어, 일부 비평가들은 거스 반 산트의 아이다호 일병(1991)을 "높은 예술성"[28]의 "영화 실험 연습"이라고 불렀지만, 워싱턴 포스트는 이 영화를 야심찬 주류 [29]영화라고 불렀다.이 목록에 있는 몇몇 영화들은 이러한 특징의 대부분을 가지고 있다; 다른 영화들은 상업적으로 만들어진 영화들로, 주류 스튜디오에서 제작되며, 그럼에도 불구하고 감독의 "오토르" 스타일의 특징을 가지고 있거나 실험적인 성격을 가지고 있다.이 목록에 있는 영화들은 영향력 있는 영화 비평가들로부터 주요 상이나 비평적 찬사를 받았거나 혁신적인 이야기나 영화 제작 기법을 도입했기 때문에 주목할 만하다.

1920~1960년대

1920년대와 1930년대에 영화 제작자들은 "예술 영화"를 만들기 시작했고 영화 비평가들은 "예술 영화"라는 용어를 사용하지 않았다.그러나 칼 테오도르 드레이어의 잔 다르크의 열정(1928), 뱀피르(1932), 루이스 부뉴엘의 운첸달루(1929), 레게도르(1930) 등 미적 목적이 정교한 영화나 심지어 정치 관련성을 다룬 영화도 있었다.명작 배틀십 포템킨.미국 영화 선라이즈: 독일 표현주의 감독 F. W. 무나우의 두 인간의 노래(1927년)는 왜곡된 예술 디자인과 획기적인 촬영법을 사용하여 상징성과 이미지가 풍부한 과장된 동화 같은 세계를 창조한다.매너의 제2차 세계 대전 이전 몇년 안에 프랑스 상류 사회의 물어뜯고 비극적인 풍자하므로 그것의 장르의 관습을 초월하는 장 르누아르의 영화는 게임(1939년)의 이 규칙은 코미디 영화다;비평가들의 사이트 및에서 여론 조사, 사운드는 4역대 최고의 영화로 버티고, 시민 케인과 도쿄 Stor 뒤에 배치하고 그것에 올랐다.y.[30]

드레이어의 잔 다르크의 열정 포스터

이러한 초기 예술적 지향의 영화들 중 일부는 특히 영화의 내용이 논란이 되거나 관객을 끌 것 같지 않은 경우에 영화사가 아닌 부유한 개인들에 의해 자금조달을 받았다.1940년대 후반, 영국 감독 마이클 파월과 에머릭 프레스버거는 발레에 관한 영화인 레드 슈즈(1948년)를 제작했는데, 이 영화는 당시 주류 장르의 영화에서 두드러졌다.1945년 데이비드 린은 노엘 코워드의 연극 '스틸 라이프'를 각색한 '간결한 만남'을 연출했는데, 이 작품은 당시 영국이 직면한 사회경제적 문제 속에서 상류층 남성과 중산층 여성의 열정적인 연애를 보여준다.

1950년대

1950년대에 예술적 감성을 지닌 유명한 영화로는 가족을 부양하기 위해 잔인하고 비인간적인 서커스 공연자에게 일을 강요당하고 결국 그녀의 상황을 받아들이게 되는 젊은 여성에 관한 영화인 라 스트라다(1954년)가 있다; 믿음이 부족한 가족을 중심으로 한 칼 테오도르 드레이어의 오르데 (1955년)자신이 예수 그리스도라고 믿고 그가 기적을 행할 수 있다고 확신하는 아들과 함께, 페데리코 펠리니의 카비리아의 밤(1957년), 매춘부가 사랑을 찾으려다 실패한 시도, 그녀의 고통과 거절을 다룬 잉그마르 버그만의 야생 딸기(1957년), 역시 나이든 의사와 관련된 이야기이다.악몽을 꾸면서 인생을 재평가하는 교수, 부모, 교사, 사회의 학대를 무릅쓰고 성년이 되려는 젊은이를 주인공으로 하는 프랑수아 트뤼포의 '400번의 바람'(1959년)은 프랑스 뉴웨이브와 영화계의 첫걸음이다.아이, 아마추어 배우들, 그리고 작은 크루들.폴란드에서는 흐루쇼프 해빙이 정권의 문화 정책을 다소 완화할 수 있게 했고, 안제이 와이다 감독의 A세대, 카날, 애쉬, 다이아몬드, 로트나(1954-1959) 같은 작품들은 모두 폴란드 영화 학교 스타일을 보여주었다.

아시아

인도에서는 "패럴렐 시네마" 또는 "인디언 뉴 웨이브"로 알려진 벵골 영화관에서 예술 영화 운동이 있었다.이는 당시의 사회정치적 풍토에 대한 예리한 안목으로 진지한 내용인 리얼리즘과 자연주의로 알려진 주류 상업영화의 대안이었다.이 운동은 주류인 발리우드 영화와는 다르며 프랑스나 일본의 뉴웨이브와 비슷한 시기에 시작되었다.이 운동에 참여한 가장 영향력 있는 영화 제작자는 사티아지트 레이, 미스터리날 센, 리트윅 가탁이었다.이 시기에 만들어진 가장 국제적으로 호평을 받은 영화들 중 일부는 가난한 시골 소년의 성장 과정을 담은 3인조 영화인 아푸 3부작 (1955–1959)[31][32]과 벵골의 기근 동안 농부의 이야기를 다룬 사티아지트 레이의 먼 천둥 (1973년)이다.이 운동에 참여한 다른 유명한 벵골 영화 제작자들로는 리투파르노 고쉬, 아파르나 센, 구탐 고세가 있다.

일본의 영화 제작자들은 인습과 동떨어진 많은 영화를 제작했다.서양에서 널리 상영된 최초의 일본 영화인 구로사와 아키라의 라쇼몬(1950년)은 강간과 살인에 대한 네 명의 목격자들의 모순된 진술을 그리고 있다.1952년 구로사와 감독은 삶의 의미를 찾기 위해 고군분투하는 도쿄 관료에 관한 영화 이키루를 감독했다.오즈 야스지로의 「도쿄 스토리」(1953)는, 다 큰 아이를 찾아 도쿄를 여행하는 노부부의 이야기를 통해 시대의 사회 변화를 탐구하지만, 아이들은 너무 자기 도취되어 그들과 많은 시간을 보낼 수 없다는 것을 알게 된다.구로사와가 쓴 '세븐 사무라이'(1954년)는 도적과 싸우기 위해 7명의 주인 없는 사무라이를 고용하는 농촌의 이야기를 담고 있다.콘 이치카와가 그린 「평원의 화재」(1959)는, 제2차 세계 대전에서의 일본의 체험을, 병든 일본 병사가 살아남기 위해 발버둥치는 모습을 그리고 있다.미조구치 겐지의 우게츠(1953)는 16세기 후반을 배경으로 한 괴담으로, 전진하는 군대의 길을 걷고 있는 소작농의 이야기를 담고 있다.1년 후, 미조구치 감독은 노예로 팔려간 두 귀족 자녀의 이야기를 그린 집행관 산쇼(1954)를 감독했다.이 영화는 자유의 상실과 같은 심각한 주제를 다루는 것 외에 아름다운 이미지와 길고 복잡한 장면을 특징으로 한다.

1960년대

1960년대는 예술 영화의 중요한 시기였고, 많은 획기적인 영화들이 개봉되어 유럽 예술 영화관이 탄생했다.Jean-Luc Godard의 A A Bout de Souffle (Breathless) (1960)은 점프 컷과 핸드헬드 카메라 작업과 같은 혁신적인 시각 및 편집 기술을 사용했습니다.프랑스 뉴 웨이브의 주역인 고다르는 완전히 새로운 스타일의 영화 제작을 제안하면서 10년 내내 혁신적인 영화를 계속 제작할 것이다.Breathless의 성공에 따라, 고다르는 1963년에 그의 스튜디오 영화 제작 체계, 아름다운 롱테이크, 영화 내 영화에 대한 그의 견해를 보여준 두 개의 매우 영향력 있는 영화를 만들었고 1965년에 피에로 르푸는 범죄와 로맨스 영화의 매쉬와 그의 반 헐리우드 스타일로 만들었다.프랑수아 트뤼포의 Jules et Jim은 혁신적인 각본, 편집 및 카메라 기술을 통해 세 사람의 복잡한 관계를 해체했습니다.이탈리아 감독 미켈란젤로 안토니오는 풍경사진과 액자기술에 영향을 준 라벤투라(1960년)와 같은 영화로 영화 제작을 혁신하는 데 도움을 줬으며, 보트 여행 중 젊은 상류층 여성의 실종과 그녀의 연인과 그녀의 가장 친한 친구 라노테(1961년)에 의한 그 후의 수색에 이어 복잡한 고사미나로 이어졌다.아노미와 불임과 같은 문제를 다룬 실패한 결혼생활; 물질적인 특성 때문에 남자친구와 견고한 관계를 형성할 수 없는 젊은 여성에 관한 이클립스(1962년), 현대 세계에 적응할 필요성을 다루는 그의 첫 컬러 영화인 레드 사막(1964년), 그의 첫 영어-라 블로우업(1966년)젊은 사진작가가 살인을 촬영했는지 여부를 발견하려는 시도에 따라 인식과 현실의 문제를 조사하는 nguage 필름.

스웨덴 감독 잉그마르 베르그만은 1960년대를 '겨울의 빛'(1963년)과 '침묵'(1963년)과 같은 감정적 고립과 소통의 결여를 다룬 작품들로 시작했다.페르소나(1966년), 수치심(1968년), 열정(1969년)과 같은 그의 후반기 영화들은 영화에 대한 개념을 하나의 책략으로 다루고 있다.올 소울스 데이(1961년)와 살토(1962년)와 같은 타데우시 콘위키의 지적이고 시각적으로 표현력이 풍부한 영화는 전쟁에 대한 논의를 불러일으켰고 그들의 모든 남자 주인공들을 대신해서 실존적인 질문을 제기했다.

이탈리아 감독 페데리코 펠리니

페데리코 펠리니의 '라 돌체 비타'(1960년)는 냉소적인 저널리스트가 목격한 로마의 밤과 새벽의 연속을 그리고 있으며, 이 영화는 그의 이전 이탈리아 네리얼리즘 스타일과 이후 초현실주의 스타일을 연결하는 다리이다.1963년 펠리니는 영화 촬영가 지아니 디 베난조에 의해 흑백으로 촬영된 창작, 결혼, 정신적 어려움을 탐구하는 영화 8편을 제작했다.1961년 알랭 레스네 감독의 영화 '마린바드에서의 작년'은 널리 영향을 미친 웅장한 트래킹샷을 이용해 지각과 현실을 조사한다.로버트 브레송의 오 하사르 발타자르(1966년)와 무셰트(1967년)는 자연주의적이고 타원형 스타일로 유명하다.스페인 감독 루이스 부뉴엘은 또한 Viridiana와 The Delimating Angel과 같은 충격적이고 초현실적인 풍자로 영화 예술에 많은 기여를 했다.

안드레이 타르코프스키 감독의 영화 안드레이 루블레프(1966)는 동명의 중세 러시아 아이콘 화가의 초상화다.이 영화는 또한 억압적인 권위에 맞서 예술적 자유와 예술을 만드는 가능성과 필요성에 관한 것이다.1969년 칸 영화제에서 컷버전이 상영되어 FIPRESCI상을 수상했다.[33]10년 말, 스탠리 큐브릭의 2001: 우주 오디세이 (1968)는 과학적인 사실주의, 특수 효과의 선구적인 사용, 그리고 특이한 시각적 이미지로 관객들을 열광시켰다.1969년 앤디 워홀은 노골적인 성을 묘사한 최초의 성인 예술 영화인 블루 무비를 개봉하여 미국에서 [16][17][18]극장 개봉을 했다.워홀에 따르면, 블루 무비는 국제적으로 논란이 되고 있는 에로틱 예술 영화인 라스트 탱고의 제작에 큰 영향을 미쳤으며, 베르나르도 베르톨루치가 감독을 맡았고 블루 무비가 [18]만들어진 지 몇 년 후에 개봉되었다.소련 아르메니아에서 Pomegranates의 조지아 여배우 Sofiko Chiaureli 5 다른 캐릭터들, 소련 당국에 의해 금지되었다고 서부 지방에서 아주 긴 기간 동안 사용할 수 없고, 비평가 미하일 Vartanov에 의해"혁명"로 칭찬했다;[34]과 1980년대 초에, 레 Cahiers(Cinéma의 필름을 친다, 세르게이 Parajanov 있는 색상. 정상10개의 [35]리스트1967년 소련 그루지야에서 영향력 있는 그루지야 영화감독 텐기즈 아불라제는 바자프샤벨라의 문학작품을 모티브로 한 베드레바(Attreaty)를 감독했는데, 바자프샤벨라의 문학작품은 철학적인 의미를 지닌 상징적인 장면으로 가득 차 있다.이란에서는 사랑하는 소가 죽은 후 미쳐가는 한 남자의 이야기를 다룬 다리우시 메흐르주이의 소(1969년)가 이란 영화의 새로운 물결을 일으켰다.

인형사 짐 헨슨은 1965년 오스카상 후보에 오른 비 머펫 단편 작품으로 예술관에 입성했다.[36]

1970년대

1970년대 초, 감독들은 시계장치 오렌지(1971년), 스탠리 큐브릭의 미래형 청소년 갱단들에 대한 잔인한 탐험, 그리고 베르나르도 베르톨루치의 금기시되고 성적으로 노골적이며 논란이 많은 영화인 파리의 마지막 탱고와 같은 폭력적인 영화로 관객들을 놀라게 했다.동시에, 다른 감독들은 안드레이 타르코프스키의 명상적인 공상 과학 영화 Solaris (1972)와 같이 더 자기성찰적인 영화를 만들었는데, 이는 2001년 소련의 리포스테로 의도되었을 것이다.타르코프스키는 1975년과 1979년에 각각 두 편의 다른 영화를 감독했는데, 이 영화는 해외에서 평단의 찬사를 받았다.거울과 스토커.배드랜드(1973년)와 데이즈 오브 헤븐(1978년)을 감독한 테런스 말릭은 타르코프스키와 그의 길고 여운이 남는 자연미, 연상시키는 이미지, 그리고 시적인 서술 스타일과 같은 많은 특징들을 공유했다.

1970년대 예술영화의 또 다른 특징은 독일 뉴웨이브 감독 베르너 헤르조그의 아귀레, 신의 분노(1973년), 알레한드로 요도로프스키의 사이키델릭 성산(1973년)과 같은 컬트 영화에서 도둑과 연금술사에 대한 고통스럽고 집착적인 타이틀 캐릭터에 풍부한 엽기적인 캐릭터와 이미지가 다시 부각된 것이다.신화 속의 [37]연꽃섬을 찾고 있습니다.마틴 스콜세지의 영화 택시 운전사(1976)는 시계장치 오렌지가 탐구한 주제, 즉 폭력적이고 부패한 사회에 살고 있는 소외된 인구들을 이어간다.스콜세지 영화의 격렬한 폭력과 들끓는 분노는 데이비드 린치의 몽환적이고 초현실적이며 산업적인 흑백 고전 지우개 헤드 (1977년)[38]와 같은 시기에 개봉된 다른 영화들과 대조된다.1974년 존 카사베테스는 '영향 아래 있는 여자'에서 미국의 블루칼라 생활에 대한 날카로운 해설을 내놓았는데, 이 영화에서는 별난 주부가 서서히 광기로 [39]치닫는 모습을 보여준다.

또한 1970년대에, Radley Metzger, 상을 받은 작가 1t에 따라 바바라 방송(1977년)과 같은 초현실적인"Buñellian"atmosphere,[40]과 미스티 베토벤(1976년)의 개설을 제시했다 여러 성인 예술 영화,,, 조지 버나드 쇼(그리고 그것의 파생 상품, 마이 페어 레이디), 어떤 다름 아닌 연극 피그말리온을 바탕으로 지시했다.나는 승진황금 시대 Porn,[41][42]의 Ntley,"크라운주얼"은 앤디 워홀의 블루 영화의 석방(1969년)에 의해"포르노 시크"[43][44]의 성인 에로 영화 냈다는 통쾌함을 얻기 위해서, 공개적으로 조니 카슨과 밥( 같은 연예인들에 의해 토론이 시작되는 현상이 특징으로 취임했다 현대 미국 문화에서 시대다.희망)[45]등(로저 에버트와 같은)[46][47] 영화 평론가들에 의해 진지하게.

1980년대

1980년 마틴 스콜세지 감독은 스티븐 스필버그와 조지 루카스의 도피성 블록버스터 모험에 익숙해진 관객들에게 영화 '레이징 불'의 냉철하고 냉혹한 리얼리즘을 선사했다.이 영화에서, 배우 로버트 드 니로는 상을 받은 젊은 파이터에서 과체중하고 "과체중인" 나이트클럽 소유주로 추락하는 권투 선수의 모습을 묘사하기 위해 극단적으로 연기하는 방법을 택했다.리들리 스콧의 블레이드 러너(1982)는 2001: 스페이스 오디세이(1968)와 함께 공상과학 예술 영화로도 볼 수 있다.Blade Runner는 실존주의, 즉 인간이 되는 것의 의미를 탐구합니다.흥행 실패작인 이 영화는 VHS 홈 비디오를 통해 "director's cut"의 개봉이 성공한 후 컬트적인 기괴함으로 Arhouse 서킷에서 인기를 끌었다.10년 중반, 일본의 구로사와 아키라는 16세기 란에서 벌어진 일본 사무라이 전쟁의 잔혹하고 피비린내 나는 폭력을 묘사하기 위해 사실주의를 사용했다.런은 나이든 왕이 자녀들에게 배신당하는 리어왕의 줄거리를 따라갔다.세르지오 리온은 또한 그의 "원스 어폰 어 타임 인 아메리카"에서 폭도들의 삶에 대한 서사시에서 잔혹한 폭력과 감정적인 요소를 대조했다.

광범위한 세트가 예술 영화보다 주류와 더 관련이 있는 반면, 일본 감독 구로사와 아키라는 1985년 영화 '란'을 위해 중세의 문을 재현하는 등 많은 세트를 만들었다.

1980년대 다른 감독들은 1981년 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 폴란드 공산정부에 대한 비판인 안제이 와이다의 철학과 윤리적 문제를 탐구하면서 보다 지적인 길을 택했다.또 다른 폴란드 감독인 Krzystof Kiellowski는 1988년 윤리적 문제와 도덕적인 퍼즐을 탐구하는 영화 시리즈인 TV용 십진법을 만들었다.이 영화들 중 두 편이 A Short Film About Love와 A Short Film About Killing으로 극장 개봉되었다.1989년, 뉴욕 타임즈 비평가 빈센트 캔비의 말에 따르면, 우디 앨런은 그의 "지금까지 가장 안전하고 진지하고 재미있는 영화"인 범죄와 경범죄를 만들었는데, 이 영화는 도덕적이고 영적인 단순함을 찾으려고 노력하면서 그들이 내리는 선택을 둘러싼 심각한 문제와 생각에 직면하는 사람들의 다양한 이야기를 포함하고 있다.프랑스 감독 루이 말레는 나치 정부가 제2차 세계대전 중 프랑스 유대인들을 강제수용소로 추방하는 과정을 그린 레 앙팡주 오레보아르에서의 실제 어린 시절 경험을 극화하면서 또 다른 도덕적 길을 택했다.

이 시대의 [48]또 다른 비판적인 찬사를 받은 예술 영화인 윔 벤더스의 로드 무비인 텍사스 파리도 [49][50][51]황금종려상을 수상했다.

영화와 텔레비전의 차이를 뛰어넘은 감독은 키엘로프스키뿐만이 아니었다.잉그마르 버그만은 파니와 알렉산더 (1982)를 만들었는데, 이 영화는 5시간 연장판으로 텔레비전에 방영되었다.영국에서는 새로운 텔레비전 채널인 채널 4가 필름 4 자회사를 통해 극장 개봉된 많은 영화의 전부 또는 일부를 지원했다.윔 웬더스는 1987년 칸 영화제에서 최우수 감독상을 받은 남자들 사이에 사는 "낙하천사"를 묘사한 영화 '욕망의 날개'에서 정신적인 관점에서 삶에 대한 또 다른 접근을 제공했다.

1982년 실험감독 고드프리 레지오는 영화촬영(주로 도시와 자연경관의 슬로우 모션과 시간 경과 촬영으로 구성되며, 기술과 환경에 대한 철학 이데올로기를 강조하는 대화 없는 영화 코야니스카치(Koyaanisqatsi)를 발표했다.할 [52][53][54][55]수 있습니다.

1980년대 감독들이 사용했던 또 다른 접근법은 기괴하고 초현실적인 대안 세계를 창조하는 것이었다.마틴 스콜세지의 애프터 아워즈는 미스터리한 인물들과 우연히 마주치는 초현실적인 야간 세계에서 한 남자의 당황스러운 모험을 그린 코미디 스릴러이다.극과 극의 세계에 대한 상징과 은유로 가득 찬 영화 누아르 스타일의 스릴러 영화 블루벨벳(1986)은 매우 혼란스러운 주제를 고려했을 때 놀라운 성공을 거두었다.Peter Greenaway의 The Cook, The Steal, His Wife & Her Lover(1989)는 식인 풍습과 극단적인 폭력에 관한 판타지/블랙 코미디로, 대처식 영국의 "엘리트 문화"에 대한 비판이라는 지적인 주제를 가지고 있다.

라파엘 바산에 따르면, 그의 기사 "천사:1982년 칸 영화제에서 상영된 패트릭 보카노스키 감독의 '천사'[56]는 현대 애니메이션의 시작이라고 할 수 있다.캐릭터의 가면은 모든 인간의 개성을 지우고 왜곡된 영역, 흐릿한 시각, 변형, 합성 물체를 사용하여 이미지의 "물질"과 광학 구성에 대한 완전한 통제 인상을 준다.

1989년 허우샤오셴 감독의 '슬픔의 도시'는 베니스 영화제에서 황금사자상을 수상한 최초의 대만 영화가 되었다.이 영화는 한 가족을 통해 대만의 역사를 보여주며, 도시와 시골 모두에서 현실적이고 현실적인 삶을 묘사하는 경향이 있는 대만 뉴 웨이브의 또 다른 한 걸음을 보여준다.

1990년대

1990년대에, 감독들은 데이비드 린치의 블루 벨벳(1986)과 피터 그리너웨이의 요리사, 도둑, 그의 아내와 그녀의 연인(1989)의 성공에서 영감을 얻어 기괴한 대안 세계와 초현실주의 요소를 가진 영화를 만들었다.일본 감독 구로사와 아키라의 꿈(1990년)은 목가적인 전원 풍경에서 고통받는 악마의 끔찍한 환영과 황폐한 핵전쟁 후 풍경까지 그의 상상력 있는 몽상을 일련의 그림으로 그렸다.칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 코엔 형제의 바톤 핑크는 알코올 중독자, 욕설 소설가, 연쇄 살인범을 포함한 다양한 기괴한 인물들을 접하는 작가의 수수께끼 같은 이야기에서 다양한 문학적인 암시를 보여준다.블루벨벳과 같은 감독의 로스트 하이웨이(1997년)는 초현실적인 이미지를 이용해 판타지 세계, 기괴한 시공간 변화, 멘탈 붕괴 등을 탐구하는 심리 스릴러다.

1990년대의 다른 감독들은 정체성, 우연, 죽음, 그리고 실존주의와 같은 철학적 이슈와 주제를 탐구했다.거스 반 산트의 아이다호 일병(1991년)과 왕가웨이의 충킹 익스프레스(1994년)는 정체성의 주제를 탐구했다.전자는 두 명의 젊은 길거리 사기꾼에 관한 독립 로드 무비/버디 영화로 집과 정체성을 찾는 주제를 탐구합니다.'90년대 [57]독립영화 최고점', '시적 반추',[58] '높은 예술성'[28]의 '영화 [59]실험 연습'으로 불렸다.중킹[60] 익스프레스는 현대 홍콩의 "변화 콘크리트 정글"에서 정체성, 단절, 외로움, 고립이라는 주제를 탐구합니다.Todd Haynes는 1995년 [61]'달링 세이프'에서 교외 주부의 삶과 독성 물질로 인한 죽음을 탐구했다.

1991년 대만의 뉴웨이브 감독인 에드워드 양의 또 다른 중요한 영화는 중국에서 대만으로 피난 온 평범한 십대들의 삶을 묘사하고 있는데, 이는 결국 주인공이 소녀를 살해하게 만드는 정치적 상황, 학교 상황, 가정 상황에 의해 영향을 받는다.1992년 '네온신의 반란', 차이밍량 감독의 첫 장편 영화 '대만 뉴웨이브' 2세, 소외감 같은 독특한 스타일의 영화 제작, 느린 연기자(이강성)의 움직임, 느린 속도, 몇 가지 대화 등을 담고 있다.

Daryush Shokof의 영화 Seven Survenants (1996년)는 마지막 숨을 거둘 때까지 세계의 인종들을 "통합"하기 위해 노력하는 한 남자에 대한 독창적인 하이 아트 영화 작품이다.7명의 하인으로부터 1년 후, 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 아바스 키아로스타미의 영화 '체리의 맛'[62]은 다른 반전으로 비슷한 이야기를 하고 있다. 두 영화 모두 자살한 후 자신을 묻기 위해 사람을 고용하려는 남자에 관한 것이다.'세븐 서번트'는 오랜 시간, 느긋한 속도, 오랜 침묵으로 미니멀리즘 스타일로 촬영되었다.이 영화는 또한 관객과 등장인물 사이의 거리감을 만들기 위해 롱 샷과 오버헤드 샷을 사용한 것으로 유명하다.장이머우의 1990년대 초반 작품인 주두(1990년), 홍등올리기(1991년), 구주이야기(1992년), 투라이브(1994년)는 가슴 아픈 이야기를 통해 인간의 감정을 탐구한다.To Live는 대배심상을 수상했다.

몇몇 1990년대 영화들은 삶과 우연, 죽음과 관련된 실존주의 지향적인 주제를 탐구했다.로버트 알트먼의 숏컷(1993)은 10개의 평행하고 얽힌 이야기를 추적함으로써 우연, 죽음, 불륜의 주제를 탐구한다.베니스 영화제에서 황금사자와 볼피컵을 수상한 이 영화는 시카고 트리뷴 비평가 마이클 윌밍턴의 "다면적이고, 분위기 있고, 눈부시게 구성된 다양한 재즈 벽화"로 불렸다.Krzystof Kiellowski의 Véronique의 더블 라이프(1991)는 정체성과 유럽의 동서분열에 대한 정치적 우화에 관한 드라마다. 이 영화는 스타일화된 촬영술, 천상의 분위기, 설명할 수 없는 초자연적 요소를 특징으로 한다.

대런 아로노프스키의 영화 파이(1998년)는 편집증적인 수학자의 [63]"평화를 찾아서"를 다룬 "믿을 수 없을 정도로 복잡하고 모호한 영화"이다.이 영화는 데이비드 린치의 영감을 받아 흑백으로 촬영된 섬뜩한 지우개 머리 같은 [64]세계를 창조하고 모든 진행에 꿈 같은 분위기를 불어넣으며 메타피직스와 영성 [65]등의 주제를 탐구한다.매튜 바니의 크레마스터 사이클(1994–2002)은 창조의 과정을 탐구하는 것을 목표로 하여 자기 폐쇄적인 미적 시스템을 만드는 5개의 상징적이고 우화적인 영화의 순환이다.이 영화들은 생식기와 성적 발달에 대한 암시들로 가득 차 있으며 전기, 신화, 지질학에서 도출된 서술적 모델들을 사용한다.

1997년, 테런스 말릭은 전형적인 전쟁 영화로부터 벗어나기 위해 시와 자연을 사용하는 전쟁 영화인 The Thin Red Line으로 20년간의 공백을 깨고 돌아왔다.이 영화는 최우수 작품상과 [66]감독상을 포함한 7개 아카데미 시상식에 후보로 올랐다.

몇몇 1990년대 영화들은 철학적 이슈의 탐구와 함께 천상의 또는 초현실적인 시각적 분위기를 혼합한다.헝가리 감독 Béla Tarr의 Sattanntango(1994)는 타르가 가장 좋아하는 주제인 불충분함을 다룬 7+1시간 반짜리 흑백 영화. 사기꾼 이리미아스가 헝가리의 불특정 장소에 있는 마을로 돌아와 자신을 지도자로, 속기 쉬운 마을 사람들에게 메시아의 모습을 보여준다.키슬롭스키의 삼색 3부작, 특히 블루와 레드 (1994)는 인간관계와 사람들이 일상 생활에서 어떻게 대처하는지를 다루고 있다.이 3부작 영화는 "정말로 초월적인 경험"[68]을 만들어낸 "영성과 [67]실존주의의 탐구"라고 불렸다.가디언지는 '브레이킹 더 웨이브'(1996년)를 25개 영화 중 하나로 선정했다.리뷰어는 "Lars von Trier의 경력(그리고 현대 유럽 영화의 상당 부분)을 정의하기 위해 온 요소들이 여기에 있을 것"이라고 말했다. "이것들은 줄타기 연기, 혁신적인 시각 기술, 고통받는 여주인공, 쟁점 해결 드라마, 그리고 모든 것을 놓칠 수 [69]없는 논쟁의 자극적인 장면"

2000년대

영화 저널 인터내셔널의 루이스 빌은 호주 감독 앤드류 도미닉의 서부 영화 겁쟁이 로버트 포드의 제시 제임스의 암살(2007)은 예술과 장르 영화로서 성공하는 매혹적이고 문학적인 작품이라고 말했다.[70]과거의 액션 위주의 제시 제임스 영화와는 달리, 도미닉의 파격적인 서사시는 아마도 그가 잡히는 편집증에 굴복하고 그의 궁극적인 암살자 로버트 포드와 불안정한 우정을 발전시키면서 그의 인생의 마지막 몇 달 동안 심리를 포기한 것을 더 정확하게 묘사하고 있을 것이다.

2009년, 폴 토마스 앤더슨은 수줍고 억압된 분노 중독자에 대한 그의 2002년 영화 펀치-드렁크 러브가 "아트 하우스 아담 샌들러 영화"라고 주장했는데, 이는 영화에 "프랫 보이" 코믹 샌들러가 포함되지 않은 것과 관련이 있다. 비평가 로저 에버트는 펀치 드렁크 러브가 아담 샌들러를 해방시키는 모든 영화의 열쇠가 될 수 있다고 주장한다.샌들러는 그의 일에 새로운 방향을 찾고 있다.그가 그런 바보 같은 코미디를 영원히 만들 수는 없지, 그렇지 않나요?그가 이렇게 깊다고 누가 생각이나 했겠어?[71]

2010년대

2010년 칸 황금종려상을 수상한 아피차트퐁 위라세타쿨의 '과거 삶을 회상할 수 있는 분미 삼촌'은 "죽음과 환생, 사랑, 상실, 업보에 대한 감동적이고 재미있는 생각과 함께 아름답게 촬영된 일련의 장면들을 하나로 묶습니다."[72]Weerasethakul은 독립 영화 감독, 시나리오 작가, 영화 제작자로 태국 영화 스튜디오 시스템의 엄격한 테두리 밖에서 일하고 있습니다.그의 영화는 자신의 동성애를 포함한 꿈, 자연, 성,[73] 그리고 태국과 아시아에 대한 서양의 인식을 다루고 있다.위라세타쿨의 영화는 (영화 중간에 제목/크레딧을 배치하는 것과 같은) 파격적인 서사 구조 및 비배우와 작업하는 것을 선호한다.

테렌스 말릭 감독의 '삶의 나무' (2011)는 수 십 년의 개발 끝에 개봉되었고 2011 칸 영화제에서 황금종려상을 수상했다. 비평가들로부터 높은 평가를 받았다.코네티컷주 스탬포드에 있는 에이본 시어터에서는 영화에 대한 "고객의 피드백과 양극화된 관객 반응"으로 인해 극장의 환불 불가 정책에 대한 메시지가 게시되었습니다.이 극장은 "이 야심찬 예술 작품과 다른 도전적인 영화의 [74]배후에 서 있다"고 말했다.Nicolas [75]Winding Refn이 감독한 Drive (2011년)는 흔히 Arhouse 액션 [76]영화라고 불린다.또한 2011년 라스 폰 트리에 감독은 우울증과 다른 정신질환을 다룬 영화 멜랑콜리아를 개봉하면서 지구와 충돌할 수 있는 다가오는 행성에 대한 가족의 반응을 보여주었다.이 영화는 호평을 받았고, 어떤 이들은 본 트리에르의 걸작이라고 주장했고, 다른 이들은 영화에서 묘사된 커스틴 던스트의 연기, 비주얼, 그리고 사실성을 부각시켰다.

2013년 베니스 영화제에서 조나단 글레이저의 언더 더 스킨(아하우스 공상과학영화)[77]이 상영돼 이듬해 인디 스튜디오 A24를 통해 극장 개봉됐다.스칼렛 요한슨이 주연한 이 영화는 인간 형태의 외계인이 글래스고 주변을 돌아다니며, 섹스를 위해 부주의한 남자들을 주워다가 그들의 살을 채취하고 인간성을 빼앗는 장면을 그리고 있다.이 영화는 성, 인간성, 대상화와 같은 주제를 다루면서 긍정적인[78] 평가를 받았고 걸작이라는 [79]찬사를 받았다. 비평가 리차드 로퍼는 이 영화를 "우리가 영화를 [80]예술로 말할 때 우리가 말하는 것"이라고 묘사했다.

이 10년 또한"예술 공포"[81]의 영화의 흥행 성공과 함께 블랙 레인보우(2010년)외에, 블랙 스완(2010년), 스토커(2013년), 적(2013년), 그 Babadook(2014년), 유일한 연인의 좌파 얼라이브(2014년)A엔 나 홀로 집에 밤의(2014년), 잘 자 엄마(2014년), Nightcrawler(2014년), 그것은 Follows(2015년), 이 마녀(2015년), 그 청와대 같은 재출현을 보았다.iling(2016년), 스플릿(2016년), 소셜스릴러 겟아웃(2017년), 마더!(2017년), 아킬레이션(2018년), 콰이어트플레이스(2018년), 세레디얼(2018년), 서스티리아(2018년, 1977년 동명 리메이크작), 맨디(2018년), 나이팅게일(2018년), 잭이 지은 집(2018년), 잭이 지은 집(2018년), 미국(2019년),그리고 아카데미 작품상 수상작 기생충(2019년)[82][83][84][85][86]이다.

로마 (2018)는 알폰소 쿠아론이 1970년대 멕시코에서 살았던 어린 시절에서 영감을 얻은 영화이다.흑백으로 촬영된 이 영화는 사망률과 계급 등 쿠아론의 과거 영화와 공유된 주제를 다루고 있다.이 영화는 넷플릭스를 통해 배급되었고, 이 스트리밍 대기업은 그들의 첫 아카데미 [87]작품상 후보에 올랐다.

Arhouse 애니메이션(바다의 노래, Loving Vincent와 같은 오스카 후보에 오른 타이틀로)도 지난 [88][89][90]10년간 호평을 받은 애니메이션 작가인 Satoshi Kon, Don Hertzfelt, 그리고 Ari Folman의 작품과 함께 주류 애니메이션의 대안으로 인기를 끌었다.

톰 샤인은 크리스토퍼 놀란의 작품에 대해 다음과 같이 말했다. "그는 11개의 특징들을 완성했다. 스튜디오 엔터테인먼트의 상자를 모두 체크하고 있지만, 시간의 경과, 기억의 실패, 부정과 변형의 우리의 기발한 행동, 그리고 예술가의 전통적인 영역인 일종의 개인적인 주제와 강박관념으로 지워지지 않는다.후기 산업주의의 단층선이 정보화 [91]시대의 균열점과 역설에 맞닿는 풍경을 배경으로 한 우리 내부 생활의 친밀한 시계 장치.

비판

예술 영화에 대한 비판은 주류 [92][93][94]관객들에게 너무 가식적이고 자기 방종하다는 것을 포함한다.

LA 위클리 영화평론가 마이클 노딘은 영화 검모(1997년)와 아모레스 페로스(2000년)를 예로 들며 "중학교 때 읽어야 했던 책보다 죽은 개가 더 많다는 예술가의 고정관념"을 예로 들었다.[95]

관련 개념

Arhouse TV

다음 항목도 참조하십시오.고품질 텔레비전

예술 영화와 같은 특성을 공유하는 텔레비전 장르 또는 스타일인 고품질 예술 [96]텔레비전은 확인되었다.데이비드 린치의 '트윈 피크스'와 BBC의 '노래하는 탐정'과 같은 텔레비전 쇼들 또한 "인연의 느슨함, 심리학적 또는 일화적 사실주의, 공간과 시간의 고전적 선명성 위반, 명백한 권위적 논평, 모호성"[97]을 가지고 있다.

린치의 다른 작품들(특히 영화 블루 벨벳)과 마찬가지로, 트윈 피크스는 작은 마을의 품격이라는 겉모습과 그 표면 아래에 숨어 있는 더 지저분한 삶의 층 사이의 괴리를 탐험합니다.이 쇼는 정의된 텔레비전 장르에 배치하기 어렵다; 스타일적으로, 그것은 공포 영화의 불안한 톤과 초자연적인 전제를 차용하면서 동시에 별난 등장인물들의 도덕적으로 의심스러운 활동들에 대한 진부하고 멜로드라마적인 표현과 함께 미국 연속극의 엽기적인 패러디를 제공한다.이 쇼는 기이한 유머와 초현실주의의 깊은 맥으로 구분되는 진지한 도덕적 질문을 나타내며, 그렇지 않으면 이해할 수 있는 사건들의 이야기와 함께 고도로 양식화된 비게트, 초현실주의 그리고 종종 접근하기 어려운 예술적 이미지를 통합한다.

찰리 브루커의 영국 에미상 수상작인 블랙 미러 TV 시리즈는 현대 사회의 어둡고 때로는 풍자적인 주제, 특히 새로운 기술의 예상치 못한 결과에 대해 탐구합니다.예술 TV가 아닌 "추상 소설"로 분류되지만 극찬을 받았습니다.HBO의 The Wire는 또한 대부분의 텔레비전 쇼가 받는 것보다 학계로부터 더 많은 비판적인 관심을 받았기 때문에 "예술적인 텔레비전"으로 인정될 수도 있다.예를 들어, 영화 이론 저널인 Film Quarterly는 이 쇼를 [98]표지에 실었다.

대중매체에서

예술[100] 영화는 심슨[99] 가족이나 클론 하이 스푸핑과 같은 애니메이션 시트콤부터 심지어 코미디 영화 리뷰 웹 시리즈인 브라우즈 헬드 [101][102]하이까지 대중 문화의 일부였다.

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