미국 내 음악 교육 및 프로그램

Music education and programs within the United States
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미국의 음악 교육은 많은 학교에서 현대식 교육의 한 형태로 시행되고 있다.음악 교육은 교실에서 음악을 가르치고 적용하는 데 초점을 맞춘 학문 분야입니다.커리큘럼에의 이 추가가 진행됨에 따라, 이 학습 코스에의 효과와 함축은, 특히 관련하는 요소들에 대해서, 폭넓게 논의되고 있다.연구자들은 학문 분야에서 가장 먼저 알려진 응용에서 그것의 진행 과정을 추적할 수 있다.

역사

이 나라의 가장 초기의 체계적인 음악 교육은 개신교 교회 예배에 대한 가수들의 훈련에 집중되었고, 시편 노래에서 신도들을 이끌었다.18세기에, 미국 최초의 노래 학교가 설립되었고, 많은 전설적인 노래 거장들이 헛간, 학교 그리고 다른 비공식적인 장소에서 가르치며 뉴잉글랜드를 여행했습니다; 이 거장들에는 프란시스 홉킨슨과 윌리엄 빌링스가 포함되었습니다.세기가 끝날 무렵, 사바나, 필라델피아, 보스턴과 같은 도시에 있는 더 공식적인 노래 학교들은 사회적 노래 사회가 되었다.

미국의 공교육은 1830년대에 보스턴에서 커리큘럼의 일부로 처음 음악을 제공하였고, 1838년 보스턴 학교 위원회에서 성공적으로 음악을 옹호한 후, 노래 선생님인 로웰 메이슨의 도움을 통해 확산되었다.위원회는 음악이 도덕적, 육체적, 지적인 성격이었기 때문에 결국 음악을 교과 과목에 포함시키기로 결정했다.음악은 "행복, 만족, 명랑함, 평온함"을 만들어 내는 것으로 기록되었을 뿐 아니라 종교에서 매우 중요한 역할을 했기 때문에 도덕적인 것으로 여겨졌다.노래는 폐를 위한 운동이었기 때문에 그것은 육체적인 성질의 것이었다.위원회는 음악이 중세에 4강 구도의 일부로서 연구되어 왔으며 "기억, 비교, 주의력, 지적 능력에 기여한다"고 언급함으로써 음악의 지적 본질을 정당화했다."[1]

공교육에서 음악의 또 다른 주창자는 스위스의 교육 개혁가 요한 하인리히 페스탈로찌였다.페스탈로치는 자연이 지식의 궁극적이고 독창적인 원천이라고 믿었고, 따라서 그의 교육 이론은 감각, 운동 감각, 그리고 능동적인 학습에 높은 가치를 두었다.그는 학생들이 모든 과목에서 단순한 개념으로 시작해서 나중에 더 복잡한 개념으로 옮겨야 한다고 느꼈다.페스탈로지의 방법은 "학생 중심 학습"으로 여겨질 수 있는 가장 초기의 방법 중 하나였으며 그의 훈육과 사랑과 신뢰에 기초한 학생과 교사 간의 관계는 당시 체벌의 일반적인 관행과는 확연히 달랐다.페스탈로찌의 아이디어를 음악을 가르치는데 사용한 최초의 음악 교육자는 스위스의 페스탈로찌의 동료인 한스 네겔리였다.그의 음악에 대한 페스탈로지적 접근은 윌리엄 채닝 우드브릿지, 엘람 아이브스, 로웰 메이슨에 의해 미국으로 가져와 번역되고 대중화 되었다.이 접근법은 능동적이고 감각적인 학습을 중시하고, 수화보다 먼저 소리를 가르치고, 음악을 멜로디, 리듬, 표현으로 분리했으며, 또한 각 요소의 맥락 안에서 단순한 것에서 복잡한 것으로 이동했다.이러한 아이디어의 대부분은 Orff-Schulwerk, Kodahly, Dalcroze-Urthymics와 같은 나중에 확립된 음악 교육 방법에서 찾을 수 있습니다.

음악 교육은 주로 성악가로서, 비록 많은 사립 학원들이 존재했지만, 바이올린, 비올라, 첼로, 피아노와 같은 관현악기에 대한 소년과 소녀들의 교육을 제공하지만, 여학교에서 가장 흔하게 남아있었다.

19세기 중반, 교육자 루터 휘팅 메이슨은 신시내티의 학교에서 음악 교육을 확립했고, 저명한 교과서 저자가 되었다.1870년에 처음 출판된 그의 국립 음악 강좌는 많은 미국 커리큘럼의 표준적인 부분이었다.음악 교육은 전국적으로 계속 확대되었고, 교육 발전의 필수적인 부분으로서 존경을 받았다.1890년대까지 전국교육협회에 음악 섹션이 있었다.

과학적 방법과 그것이 음악에 어떤 영향을 미쳤는지

남북전쟁 이후, 실용주의와 순차적 기술 구축의 과학적 측면, 정확한 평가, 시험, 체계적인 교육 방법, 과학적인 방법이 교육에서 인기를 끌었다.음악 교육자들의 응답은 다양한 방법론, 체계적 교과서, 등급별 음악 시리즈, 교사들을 위한 교육 자료를 사용하여 음악을 과학적으로 공부할 수 있다는 것을 보여주었다.19세기 교육의 과학적이고 실용적인 목표는 학교 음악 교육의 발전에 지대한 영향을 끼쳤다.

두 가지 방법론: 암기 대 노트

로웰 메이슨
루터 휘팅 메이슨

음악을 가르치는 데 사용된 두 가지 주요 방법론은 "로테" 방법과 "음표" 방법이었다.암기법은 많은 페스탈로지 이데올로기를 따랐다.노래가 먼저 알려지고 음악적인 아이디어가 한 번에 하나씩 세심하게 체계적으로 제시되었다.암기하는 것이 이 방법론의 기초가 되었다.로웰 메이슨은 암기법을 사용하여 최초의 음악 시리즈로 여겨지는 것을 집필했다.로웰 메이슨의 1864년작 '노래의 정원'은 19세기 후반의 다른 암기 방법론의 발판을 마련했다.Luther Whiting Mason은 교과서에 제시된 유명한 암기법 이름이다.루터 메이슨은 신시내티 학교에 취직했지만 나중에 "초등학교 음악 감독관"[1]: 195 이 되기 위해 보스턴으로 이사했다.루터 메이슨은 암기적인 방법론을 사용하여 학교 교과서를 썼다.1870년에 긴에 의해 출판된 국립 음악 강좌는 음악 읽기를 [1]가르치기 위해 암기 노래를 사용하는 순차적인 접근법으로 7권의 책을 제시했습니다. (p.16 ) 루터 메이슨은 그 당시 음악이 교실 선생님에 의해 가르쳤지만 음악 전문가가 감독했기 때문에 교실 선생님에 대한 매우 상세한 수업 계획을 포함시켰습니다.이 시리즈는 교실 선생님이 매일 15분씩 음악을 가르치고 일주일에 한 번씩 음악 교육자가 감독하도록 고안되었다.이 책 시리즈는 매우 인기가 있었다.루터 메이슨은 그의 방법을 일본과 독일에서 적용하기 위해 초대받았다.암기법은 19세기 후반의 "음표" 방식보다 덜 선호되었다.하지만, 그 논쟁은 오늘도 계속되고 있다.

음표 방법의 예로는 조셉 버드의 1861년판 보컬 뮤직 리더와 벤자민 젭슨의 "음표" 방법론을 사용한 세 권의 책 시리즈가 있다.Elementary Music Reader는 Luther Mason의 The National Music Course 이후 1년 후인[1] 1871년에 반즈 컴퍼니에 의해 출판되었습니다.벤자민 젭슨은 전쟁에서 부상을 입은 후 뉴헤이븐에서 군인으로 음악 교사가 되었다.그의 음악 교과서는 음악 독서와 노래 부르기를 목표로 연습과 노래가 체계적으로 제시되어 있었다.젭슨은 1888년에 스탠다드 뮤직 리더라는 이름으로 그의 시리즈의 두 가지 개정판을 출판했고 1904년에는 뉴 스탠다드 뮤직 [1]리더라는 이름으로 출판했다.젭슨의 음표 방법론의 발자취를 따라 1883년에 출판된 일반 음악 강좌를 쓴 호사 에드슨 홀트와 존 휠러 터프츠가 있었다.일반 음악 코스를 읽으려면 여기를 클릭하십시오.이 시리즈는 모두 시각 노래와 음악 읽기를 위한 다섯 권의 책으로 구성되었다.과학적이고 실용적인 연구로서 음악 독서의 심각성을 보여주기 위해 몇 가지 다른 음표 방법론 교과서가 제시되었다.기타 노트 방법론 서적에는 다음과 같은 내용이 포함되어 있습니다.블랙만과 휘트모어-1873의 '그레이드드드 스쿨 싱어', 신시내티 스쿨의 '젊은 싱어'-1860, '젊은 싱어 매뉴얼'-1866', '신시내티 뮤직 리더'-1893 [1]: 207 등이 있다.과학적 방법과 음표 방법론의 진보의 정점은 1895년에 출판된 토마스 태퍼와 프레드릭 리플리의 국립 음악 강좌에 제시되었습니다.이 책은 노래의 아름다움을 키우기 위해 음악 리터러시에 대한 말도 안 되는 체계적인 접근법에 초점을 맞췄다.그것은 재료의 체계적이고 실용적인 전달을 강조했다.

필립 C.헤이든

미국의 음악 교육은 Music Supervisors National Conference의 창설로 큰 전환점을 맞이했다.1907년 4월 10일부터 12일까지 아이오와주 커쿠크에서 웨스트민스터 장로교회에서 음악 감독자 회의의 첫 회의가 열렸다.필립 C라는 이름의 음악 교육자. 헤이든은 초대장을 보내고 헤이든이 이 출판물의 창간자이자 편집자인 Music School Monthly에서 회의를 발표함으로써 첫 만남을 가능하게 했다.이 모임은 주로 교육자들이 리듬에 맞는 새로운 교수법을 관찰하고 헤이든의 음악 학생들을 관찰하기 위한 것이었다.

3일간의 대회 기간 동안 헤이든과 그의 학생들이 제공한 음악 시연회가 열렸다.음악 교육의 현재 주제에 대한 비공식 토론도 컨벤션 기간 동안 개최될 것이다.향후의 회의나 클리닉은, 이 모델에 근거하고 있습니다.컨벤션 내내, 많은 교육자들은 음악 감독자와 교육 기술을 전담하는 보다 상설적인 조직을 갖는 것의 중요성에 대해 논의했다.대회 마지막 날 69명의 음악 감독자들이 투표를 통해 다시 대회를 열기로 하고 익명으로 남을 단체의 헌장 회원이 되었다.

Music Supervisors National Conference는 1910년 신시내티에서 헌법과 내규를 채택하면서 조직의 세 번째 회의에서 공식적으로 설립되었습니다.음악 감독자의 역할이 관리직으로 바뀌면서, 회의는 주로 교실에서 제공되는 교육 방법에 초점을 맞추기 시작했다.1934년 시카고 회의에서 회원들은 이름을 Music Educators National Conference로 바꾸기로 결정했다.

Music Supervisors National Conference가 시작된 이래, 이 단체는 모든 학생들이 자격을 갖춘 음악 교사가 제공하는 공립 학교 시스템에서 음악 교육을 받을 수 있도록 하기 위해 열심히 노력해 왔습니다.

성대모사 교육이 모든 수준에서 공교육을 지배했다.기악 교육은 20세기 초까지 주로 민간 기업을 통해 이루어졌다.프레드릭 이네스, 존 필립 수사 등의 밴드 음악에 영감을 받아 많은 학교들이 오케스트라 악기 밴드를 제공하였다.이것은 많은 군인들이 군인으로 배운 밴드 음악에 대한 지식과 관심을 가지고 돌아온 1차 세계대전 이후 가속화 되었다.

최초의 음악 교육자들을 위한 공식적인 학교는 1884년 뉴욕의 포츠담에 줄리아 에티 크레인(Julia Ettie Crane)에 의해 설립되었지만, 1920년대에 오하이오에 있는 오버린 음악원은 음악 교육에서 4년제 학위를 제공하는 최초의 학교가 되었다.

콘서트 및 행진 밴드

여고생, 군대, 공연대

19세기 중후반 밴드들은 모든 공동체에서 필수적인 부분이었다.이 밴드들은 퍼레이드로 행진하고, 무료 콘서트를 제공하고, 군인들을 지원하며,[2] 병원에 있는 사람들을 위해 연주했다.1865년부터 1917년까지 발생한 밴드의 황금기에는 전국에 약 10,000개 이상의 브라스 밴드가 존재했다.밴드 멤버십은 남성으로 구성되었지만, 과거 사진을 보면 여성 밴드도 모두 있었다.여성 밴드는 20세기까지 인기를 이어갔고, 고등학교 밴드의 완전한 남성에서 여성의 프로그램으로의 통합으로 진화에 영향을 미쳤다.고등학교는 종종 표준적인 남성 밴드를 수용했지만 여성 밴드를 포함하기도 했다.산업을 지원하기 위해 만들어진 여성 밴드도 있었다.제2차 세계대전이 시작되면서 여성 밴드는 여성 군악대로 확장되었다.이 밴드들은 여군을 즐겁게 하고, 전쟁 채권을 팔고, 콘서트, 졸업식, 댄스, 퍼레이드, 병원 등에서 공연하기 위해 만들어졌다.WAC 밴드는 전쟁에서 [3]돌아온 부상당한 군인들을 즐겁게 해주기 위해 사용되었다.

오하이오 음악 교육자 조안 A.군악대에 큰 공헌을 한 양입니다램은 나중에 WAC로 알려진 여성 육군 보조 부대에 등록하기 전까지 대중음악 교사였다.기본 훈련에서 그녀는 장교 후보자가 되라는 요청을 받았지만, 그녀는 WAC 밴드에서 연주하기 위해 가입했다고 주장했다.그녀는 밴드의 멤버가 되기 위한 그녀의 끈질긴 노력 때문에 정신과 의사에게 보내지기도 했다.마침내 그녀는 WAC 밴드 디렉터를 찾아 그녀의 오보에와 함께 오디션을 보고 즉시 밴드로 재배치되었다.램은 여성 최초로 밴드에서 여러 음악 포지션을 맡았다.그녀는 육군음악학교를 졸업하고, 400번째 WAC 밴드를 지휘했고, 아프리카계 미국인 WAC 밴드를 시작했고, 국군 라디오 오케스트라에서 연주했습니다.WACS에서 근무한 후, 그녀는 30년 [2]동안 근무했던 로스앤젤레스 공립학교에서 음악 교사, 교육자, 행정가로 다시 돌아왔다.

흑인 여성들 또한 WAC 밴드에서 복무하기를 원했다.404 WAC 대역이 생성되었습니다.군 WAC 지부는 흑인 여성 [4]밴드를 허용하는 유일한 지부였다.해안경비대는 또한 그들의 버전의 여성 밴드를 만들었다.SPAR 밴드는 부대를 위해 연주했고 WAC 밴드와 같은 활동을 많이 했다.전쟁 후 SPAR 밴드는 해체되었고 해안경비대는 다시 남성으로 변했다.전쟁이 끝난 후, 여성 SPAR 밴드 멤버들은 교사, 연주자, 그리고 부모가 되었다.G를 사용한 WAC와 SPAR 군악대의 여성 멤버도 있었다.나는 다른 사람들이 전쟁 [5]후 전문적으로 일을 계속하는 동안 대학에 갈 것을 빌했다.전쟁 중에는 여성 스윙 밴드도 남성으로 대체되어 인기를 끌었다.[6]이 스윙 밴드는 매우 성공적이었고 전쟁의 노력에서 벗어나기를 갈망하는 대중들에게 좋은 반응을 얻었다.

인제뉴스는 1920년대 후반부터 1930년대까지 인기 있었던 여성 재즈 밴드였다.이 공연 밴드는 보드빌이나 버라이어티 극장에 자주 출연하곤 했다.Anna Mae Winburn은 International Sweets of Rhythm이라고 불리는 여성 재즈 밴드의 흑인 밴드 리더였다.프랜시스 클라인은 아이린 버밀리언의 지휘 아래 커밋 다트의 올걸 밴드에서 연주한 또 다른 30, 40년대의 유명한 여성 기악가였다.

여성 군악대와 전후 여성 밴드들은 기악에 더 많은 여성 참여의 문을 열었다.이러한 개척자 같은 여성들의 노력을 통해 여성의 목적과 신뢰도에 대한 관점이 바뀌었다.갑자기 여성 밴드도 남성 밴드만큼 재미있다는 것을 알게 되었다.여성들은 연예계에서 장소와 목적을 찾았다.엄마가 될 수 있는 능력만 있는 것으로 여겨졌던 여성들은 음악계의 리더였다.여성의 평등은 역사상 이 시기에 나타나기 시작했고 음악은 이 운동의 주요 통로였다.이 과거의 여성들은 오늘날의 여성들이 즐기는 환경을 만들었다.이러한 환경은 공정성과 모든 경력 영역에서 성공을 추구할 수 있는 능력 중 하나입니다.오늘날의 여성들은 대학에 다니며 노동력에서 전문직이 될 수도 있다.조안 램과 같은 여성들은 과거에 가지고 있던 것을 정복한 것처럼 보였다.

제2차 세계대전 중 고등학교 음악 프로그램

캘리포니아 주 로스앤젤레스, 워싱턴 고등학교 학생, 전쟁 활동에 대한 구체적인 공헌에 대한 훈련
몽고메리 블레어 HS 승전군단

대학 밴드 서비스 단체

미국이 제1차 세계대전에 참전하면서 윌슨 정부는 "애국적 사고방식"[7]을 장려했다."아메리카"와 "성조기"와 같은 애국적인 노래를 부르는 지역사회 노래들은...모든 [8]종류의 강력한 지역사회 노력을 홍보하기 위한 방법으로 시민들에게 인기 있는 수단이었고 또한 이민자들이 영어를 [1]배우도록 도왔다.지역사회 노래 외에도, 콘서트 밴드와 행진 밴드가 "민간의 [9]사기 유지"를 위한 애국심을 고취하기 위해 사용되었다.대학과 대학 행진 밴드는 1차 세계대전 중과 후에 특히 미국 [10]중서부에서 문화적으로 영향력이 있었다.전쟁 후, 이 대학 밴드 멤버들은 "선의와 동료애, 그리고 이해를 발전시키기 위한 방법들을 찾고 있었다.헌신적인 [11]리더십의 가치를 인식할 수 있습니다."Two leading band service organizations were established to fit that calling, the Kappa Kappa Psi fraternity (ΚΚΨ) and the Tau Beta Sigma sorority (ΤΒΣ).

The University of Detroit Band at Dinan Field in the 1920s.
1920년대 디트로이트 대학 다이난필드의 밴드.

Kappa Kappa Psi는 1919년 11월 27일 오클라호마 A&M [12]칼리지에서 설립된 최초의 단체입니다.제1차 세계대전 당시 미국에서 강한 애국심이 식어갔고, 대학의 밴드 멤버들은 밴드 [11]음악을 계속 주창하고 싶어했다.밴드 리더 윌리엄 A를 포함한 10명의 대학생 밴드 멤버가 선발되었다.앙상블 지휘자 보후밀 "보"[12] 마코프스키의 스크록스.1920년 [12]워싱턴 대학교와 몬태나 주립 대학교가 추가되면서 이 단체는 빠르게 전국이 되었다.1919년부터 Kappa Kappa Psi의 회원들은 [11]매년 약 5,000명의 활동적인 회원들과 함께 200개 이상의 고등 교육 기관을 옹호, 지원 및 봉사하고 있습니다.유명한 형제로는 John Philip Sousa, Karl King, William Revelli가 [11]있다.

현재 Kappa Kappa Psi에는 (1) 중등 학교의 밴드의 존재와 복지를 촉진하고, 그 노력에 대한 존중을 기르고, (2) 형제회원으로서의 뛰어난 밴드 멤버의 존중을 기르고, (3) 적극적인 행동을 통한 캠퍼스 리더쉽과 존중을 촉진하고, (4) 육성하는 5가지 뚜렷한 목적이 있다.g 대학 밴드 간의 긍정적인 유대감과 높은 수준의 성취도, 그리고 (5) 대학 밴드나 기타 음악 단체에 [11]관련된 모든 사람들에게 긍정적인 사회적 경험을 제공한다.

1920년대 대학 밴드들은 젊은이들의 영역이었다.여성은 거의 관여하지 않았다.[13]하지만, 미국의 진보적인 운동이 발달하면서, 밴드들은 덜 군국주의적이 되었고 1930년대에 더 많은 여성들을 받아들였다.진보 운동에도 불구하고 일부 고등 교육 밴드들은 남성 전용 앙상블로서 훨씬 더 오래 버텼다.미시간 주립 대학교는 [10]1972년까지 여성을 스파르타 마칭 밴드에 가입시키지 않았다.

타우 베타 시그마 여대회는 카파 카파싸이로부터 27년 후인 [14]1946년 3월 26일에 설립되었습니다.이 기관은 오클라호마주립대(Oklahoma A&M)로,[13] 텍사스가 아닌 오클라호마에서 시작하는 것이 더 쉬울 것이라고 판단한 후, 오클라호마지막으로 오클라호마주립대(Oklahoma State University)였다.여성을 위한 밴드 서비스 조직을 만든 주된 배경은 단순히 미국에서 더 많은 여성들이 대학 밴드에 관여하고 있다는 사실 때문이다.와바 베인스는 텍사스 공대의 다른 여자 급우들과 함께 [14]1937년 밴드스워멘 그룹을 결성하는 것에 대해 감독 D. O. 와일리와 접촉했다.지역 조직은 Tau Beta Sigma로 공식화되었고 Kappa Kappa Psi 형제단 이후 [14]구성되었습니다.

타우 베타 시그마는 1943년 카파 카파싸이에게 국가 동호회 산하 지부가 되어달라고 청원했지만, 완전한 헌법 개정과 제2차 세계 대전에서의 미국의 참전과 관련된 어려움으로 인해 카파 카파싸이는 [13]1919년처럼 타우 베타 시그마가 그들만의 조직을 형성할 것을 제안하게 되었다.1945년 텍사스 법인법과의 합병증 때문에 A. 카파 카파싸이의 프랭크 마틴은 오클라호마 주립 대학(OSU)의 유사한 여성 그룹을 타우 베타 시그마의 [14]창립 장으로 사용할 것을 제안했습니다.OSU의 헌장이 허가된 지 한 달 후, 여성들은 타우 베타 [14]시그마의 창립 여성들을 설치하기 위해 텍사스로 돌아갔습니다.카파 카파싸이는 1947년에 소집할 수 있었고 타우 베타 시그마를 공식적으로 자매 여학생 [13]클럽으로 받아들였다.

두 조직 모두 제2차 세계대전 이후 성장하였다.사회는 여전히 진화하고 변화하고 있었고 1972년 Title IX법이 [15]통과되면서 여성의 권리는 전면과 중심이 되었다.이 법은 "연방정부의 [16]지원을 받는 모든 교육 프로그램에서 소년과 소녀에게 성평등을 요구한다."두 그룹 모두 연방정부의 자금 지원을 받았기 때문에 여성은 카파 카파싸이에, 남성은 타우 베타 시그마에 가입할 수 있었다.Kappa Kappa Psi와 Tau Beta Sigma는 오늘날에도 여전히 활동하고 있으며, 반세기 전 창업자들이 그랬던 것처럼 그들과 연관된 밴드를 홍보하기 위해 노력하고 있습니다.

현대 중등교육

미국에서 음악은 일반적으로 고등학교에서는 선택 사항이며 중학교나 중학교에서는 필수가 될 수도 있고 아닐 수도 있다.많은 음악 프로그램들은 콘서트 밴드, 행진 밴드, 재즈 밴드, 그리고 작은 앙상블을 포함한 악기 연주자들에게 다양한 기회를 제공한다.대부분의 중고등학교에서 다른 음악적 기회는 합창단과 연극 공연이다.일부 고등학교는 음악 이론을 추가하고 수업을 진행하기 시작하고 있다.이 수업들은 앞으로 이중 학점을 받을 수 있게 될 것이다.

음악 교육 개혁

2015년에 미국 교육부에 따르면, 고등학교의 40%가 [17]졸업을 위해 예술 과목을 요구하지 않는다는 것을 보여주는 2010년 연구가 발표되었습니다.2010년 현재 8,000개 이상의 공립학교가 음악 프로그램을 운영하고 있지 않다.전국적으로 130만 명의 초등학생들이 음악 [18]수업을 받지 못하고 있다.

핵심 과목으로서의 음악

역사

미국 [19]교육부에 따르면, 학교에서 공부하는 핵심 학문 과목은 현재 영어, 읽기 또는 언어 예술, 수학, 과학, 외국어, 시민과 정부, 경제, 예술, 역사,[19] 지리학이다.미국에서 핵심 과목을 가르치려면 HQT(Highly Qualified Teacher)가 되어야 한다. 즉, 4년제 기관에서 학사 학위를 취득하고, 가르치고 싶은 주에서 자격증을 취득해야 하며,[20] 해당 과목 분야에서 충분한 역량을 갖추고 있어야 한다.다만, 개개의 역량은, 주 마다 다릅니다.역사적으로 음악과 미술은 미국 학교에서 핵심 커리큘럼의 일부가 아니었으나 2015년 7월 미 상원은 Every Child Achieves [21]Act에 따라 교육과정에 음악과 미술의 핵심 과목을 지정하는 초당적 개정안을 통과시켰다.

추가된 핵심 과목들은 "기술, 공학, 컴퓨터 공학, 음악, 체육"[22]이었다.이것은 많은 미국 교육 옹호자들이 핵심 커리큘럼에 편입된 과목들을 좁혔다고 느꼈던 낙오자 방지법에 대한 조치였다.낙오방지법은 1965년 초중등교육법이라는 명칭이 붙었지만 2002년 낙오방지법으로 개명됐다.전미음악교육협회(NAfME)는 "미국 학교의 핵심 커리큘럼의 일부로서 음악 교육을 발전시키고 보존하는 데 전념하는 미국 음악 교육자들의 조직"이다.NAfME는 1907년 지역,[21] 주, 국가 차원에서 학생들에게 음악과 예술 교육의 혜택을 주창하는 60,000명 이상의 사람들로 구성된 조직이다.NAfME는 초당적인 상원 개정과 그것이 미국의 핵심 커리큘럼에 미칠 영향을 담은 보도 자료를 발표했다.

실행

음악은 그리스, 독일, 슬로베니아, 스페인,[23] 인도, 아프리카와 같은 전 세계 학교에서 학문적인 과목으로 시행된다.전 세계 많은 나라에서 음악이 문화적 필요조건으로 여겨지기 때문에 이것은 포괄적인 것이 아니다.NAfME는 음악과 예술에 대한 이행 계획을 국가 차원에서 핵심 과목으로 다루지만, 이 개정의 이행은 주마다 다르다.2014년 현재 41개 주가 모든 수준에서 예술 교육을 요구하고 있지만, 이 중 17개 주만이 신중한 평가 정책을 가진 프로그램을 가지고 있다.미국의 50개 과목 중 27개 과목이 예술을 핵심 과목으로 여긴다.조지아와 아칸소는 음악의 매우 구체적인 윤곽을 가지고 있는 반면, 알래스카, 콜로라도, 하와이, 미시간, 그리고 D.C.는 어떤 수준의 [24]학교 교육에도 예술 교육 요구사항이 없습니다.

NCCAS([25]National Coalition for Core Arts Standards)는 모델 코너스톤 평가(MCAs)라는 제목의 일련의 성과 평가를 실시하고 있으며, 이는 최근 몇 [26]달 동안 고등학교에서 시범 프로그램으로 확대되고 있습니다.이것 이외에, NAfME 또한:" 외롭고 다른 사람들, 음악의 다양한 레퍼토리와 노래, 악기에 외롭고 다른 사람들, 음악의 다양한 레퍼토리와 공연을 하며 지정된 지침 내에서 음악을 주선한 작곡하는 등 9개 국립 음악 교육 standards,[27]improvising 멜로디, 변화와 조합을 가지고 있다.;r음악을 회피하고, 음악을 듣고, 분석하고, 묘사하고, 음악과 음악 퍼포먼스를 평가하고, 음악, 다른 예술과 예술 이외의 분야의 관계를 이해하고, 역사와 문화에 [28]대한 음악을 이해한다.

아동 발달과 학업 성공에 미치는 영향

핵심 커리큘럼의 일부로서 음악과 예술을 위한 많은 정책 입안자들과 창안자들은 높은 수준의 음악과 예술 프로그램에 참여하는 학생들이 [29][30]현재 직장에서 요구되는 것처럼 보이는 창의적인 전망을 가져올 것이라고 믿고 있다.음악은 전통적으로 학계의 외부 과목으로 간주되어 왔고 음악은 중등 과목 또는 종종 선택 과목으로 학교에 통합되었기 때문에, 핵심 과목으로 음악의 교실 이익에 대한 연구는 제한적입니다.많은 연구자들이 악기를 배우는 것과 같이 음악을 적극적으로 추구하는 것뿐만 아니라 수동적으로 음악을 듣는 것의 이점도 탐구해 왔다.교실에서의 음악과 그것이 두뇌 발달, 학업 성취도, 그리고 실제 생활 기술에 미치는 영향들은 제니 남윤의 연구를 통해 관찰되었다.그녀는 음악이 연주될 때 뇌의 두 반구가 자극을 받고, 두 반구를 연결하는 다리인 뇌량(callosum)이 음악가의 [31]뇌에서 얼마나 더 큰지를 결론지었다.

음악을 엄격하게 듣는 것의 효과는 오랫동안 탐구되어 왔고 "공간적 [32]추론의 작은 증가"를 일으키는 것으로 알려진 "모차르트 효과"라는 이름이 붙여졌다.모차르트 효과에서 보듯 음악을 듣는 것은 시간적 추리뿐 아니라 뇌와 기분에도 영향을 미치는 것으로 입증됐지만 장기적인 이점은 없다.[33]1981년 Mission Vejo 고등학교의 연구는 음악 학생들이 음악에 참여하지 않은 학생들보다 높은 학점을 가지고 있다는 것을 증명했다.음악이 자신감, 규율, 그리고 사회적 결속을 증가시키고 학문적인 [34]이익을 가져오는 풍요로운 활동이라는 것을 입증하는 연구가 행해져 왔다.7

음악은 가장 자주 전두엽의 아랫부분에 영향을 미친다.

음악과 뇌 사이의 상호작용을 분석하는 것은 음악 교육이 학생들에게 영향을 미치는 방식과 이유를 이해하는 데 도움을 준다.음악은 두뇌 전체를 참여시키는 능력을 가지고 있는데, 이것은 다른 교육 [35]방법과는 다릅니다.이러한 효과를 분석한 스크립과 길버트는 음악 훈련이 뇌의 신체적, 인지적 발달에 도움을 준다는 사실도 주목한다.또한 인간의 뇌는 [35]음악 발달에 소질이 있다고 언급되는데, 이는 음악이 청각, 운동, 그리고 인지 기능에 뿌리를 두고 있으며 개인이 우리 주변의 세계를 인식하는 방식에 큰 역할을 한다는 것을 의미한다.스크립과 길버트는 출생 전부터 특정 노래에 대해 "선택적인 반응"이 있다는 결론을 도출하기 위해 태아 조직의 초음파 이미지로부터 증거를 사용합니다.게다가, 음악 훈련은 운동이 신체에 영향을 미치는 것처럼 뇌에 영향을 미치는 것으로 보인다.예를 들어, 음악 훈련을 받은 사람은 음악 훈련을 받지 않은 사람보다 청각 처리 능력이 더 발달할 것이다.

크리틱

비록 미국 상원이 음악을 핵심 과목으로 승인했지만, Lamar Alexander 교육부 장관을 포함한 많은 사람들은 음악과 예술이 과외 [36]과목이라고 주장한다.또한 많은 사람들은 연방정부의 예산 삭감 중에서 음악과 예술이 [36]미국에서 핵심 커리큘럼의 기반이 아니기 때문에 가장 먼저 도입될 것이라고 믿고 있습니다.미국 공립학교 시스템에서 음악과 예술이 아이들에게 미치는 구체적이고 측정 가능한 영향에 대한 결론을 도출하기 전에 핵심 과목으로서의 음악의 혜택과 산술, 언어, 집중력 및 기타 관련 기술을 통한 교육 시스템에 미치는 영향을 평가해야 한다.

음악 교육의 자금 조달에 관한 견해

음악 교육의 재원은 음악 프로그램에 대한 예산 삭감과 [37]공립학교에서의 학습 우선순위에 대한 다양한 믿음 때문에 미국에서 논의되어 왔다.

음악 교육을 위한 연방 기금 증액 찬성론자들은 음악이 아이들에게 공간적, 시간적 뇌 기능 향상과 같은 인지적, 정서적 이점을 제공하는데, 이는 다른 학교 [37]과목에서 성공할 수 있도록 도울 수 있다고 주장해왔다.사회적으로, 지지자들은 음악을 평화, 열정을 불러일으키고 스트레스를 줄이는 것으로 묘사하는데,[38] 그들은 음악이 학생들에게 여러 가지 혜택을 준다고 생각한다.연방 기금 증액에 반대하는 사람들은 음악이 세금 [39]낭비라고 생각하기 때문에 연방 재정 지원을 받을 만큼 중요하지 않다고 생각한다.어떤 사람들은 음악 프로그램이 학생들이 실용적인 기술을 습득하는 것을 방해하고 돈을 더 현명하게 [37]쓸 수 있는 더 유용한 영역에서 돈을 빼앗는다고 주장한다.다른 사람들은 음악에서 비롯된 인지적 또는 학문적 이점을 보여주는 연구는 입증되지 않았으며 [40]결론에 도달하기 전에 더 많은 조사가 필요하다고 주장한다.

근대 초등 교육

미국의 초등학교는 보통 일주일에 여러 번 음악 수업을 제공하며 수업 시간은 30분에서 45분이다.4학년 무렵부터는 합창단이나 오케스트라 밴드(특히 관악단)의 형태로 공연 기회가 제공되기도 한다.초등학교에서 사용하기 위해 개발된 교육 방법이 몇 가지 있다.코달리 방법은 헝가리에서 코달리 졸탄에 의해 개발되었다.오르프 슐베르크 방법은 카르미나 부라나를 작곡한 독일 작곡가 칼 오르프에 의해 개발되었다.달크로즈-유리스믹스 방법은 당시 제네바 음악원에서 가르치고 있던 에밀 자크-달크로즈에 의해 스위스에서 개발되었다.세 가지 방법 모두 활동과 실천에 의한 학습에 중점을 둔다.코달리 방법은 솔페주 음절과 대응하는 손 신호를 사용하는 것으로 가장 잘 알려져 있다.오르프 슐베르크 방법은 "오르프 악기"로 알려진 실로폰과 글록켄피엘의 다양한 크기의 사용으로 가장 유명하다.Dalcroze-Eurythmics Method의 가장 눈에 띄는 특징은 음악에 대한 움직임, 이상적으로는 라이브 음악을 사용하는 것입니다.

경제협력개발기구(OECD)의 보고서에 따르면 학생들이 초등학교와 중등학교에서 보통 보내는 시간은 7,751시간이며, 이 보고서를 위해 조사된 학교들은 초등학교에서 예술에 11%를 소비했고, 그 중 8%만이 그 시간에 소비했다고 한다.e예술은 중등교육에서.이 보고서는 또한 예술 수업을 합치면 체육 수업과 거의 같은 시간을 받는다고 설명하는데, 이는 두 교육 수준 모두에서 8에서 9퍼센트 사이이다.

미국 교육부는 2009-2010학년도 중등학교 1,201곳을 대상으로 설문조사를 실시했다고 Parsad는 설명했다.이 조사는 다른 예술 수업을 가르치는 중등 교사의 대다수가 그들의 분야의 전문가였다고 보고했다.미국 교육부는 두 번째 조사에서, 같은 기간 동안 94%의 초등학교가 음악 교육을 제공했고 83%의 학교가 초등학교에서 시각 예술 교육을 제공했다고 결론지었다.연극과 무용 수업은 이 연구에 참여한 초등학교의 3, 4퍼센트에게만 제공되었지만, 절반 이상의 학교가 다른 과목에 춤을 포함시켰다.미술과 음악 수업은 적어도 일주일에 한 번은 초등학생들에게 제공되었다고 Parsad는 설명한다.

코네티컷 대학교는 보다 집중적인 연구뿐만 아니라 일반 교육을 포함한 다양한 음악 프로그램을 시행하고 있습니다.

대학 수준의 음악 프로그램

미국 전역에서 음악 교육의 시행이 성공하면서, 이 교수법은 대학 수준으로 발전하기 시작했다.예를 들어, 코네티컷 대학교는 학생들이 [41]음악 분야에서 경력을 쌓을 수 있도록 하기 위한 집중적인 프로그램을 제공한다.음악이나 그 컴포넌트에 관한 일반적인 교육을 받고 싶지만, 많은 대학과 대학에서 시행되고 있는 것처럼 음악 분야의 진로를 추구하지 않는 학생들을 위한 다른 과정도 있다.

코네티컷주 Storrs에 있는 코네티컷대학에서는 "미국에서의 대중음악과 다양성" 입문 과정으로 사용되는 "미국 사회의 대중음악과 다양성" 수업을 제공하고 있습니다.이 코스는 재즈, 블루스, 힙합과 같은 장르의 음악적 의미와 그것이 인종과 계급의 [41]문제와 어떻게 관련되어 있는지를 관찰함으로써 이러한 목표에 초점을 맞춘다.학생들이 음표 읽기, 음고 기호, 리듬, 그리고 다른 음악적 개념과 같은 기술을 개발할 수 있는 "음악 기초와 귀 훈련"이라는 제목의 또 다른 과정입니다.이 과정들은 많은 다른 과정들 중에서 대학의 참석자들이 일반적인 음악 교육을 받을 수 있게 해준다.

Ning Xu는 대학생들을 대상으로 "도덕적 품질, 인문학적 품질, 정신 건강, 지능 개발 및 혁신[42] 능력"을 포함한 여러 측면에서 역량을 테스트했습니다.이 연구를 위한 그녀의 결론은 음악 교육이 대학생들의 [42]역량과 관련하여 중요하고 긍정적인 역할을 한다는 가설을 뒷받침했다.

테크놀로지의 도입

1930년대 후반 라디오를 듣는 소녀

음악 교육의 역사를 통틀어, 많은 음악 교육자들이 교실에서 기술을 채택하고 구현해 왔다.앨리스 키스와 DC보일은 음악을 가르치기 위해 라디오를 사용한 미국 최초의 음악 교육자라고 한다.Keith는 방송 음악 [43]감상 강좌인 Listening in the Masters를 썼다.기술 사용을 장려한 또 다른 지지자는 Marguerite V였다.1903년 3월 14일 노스다코타 주 드레이튼에서 태어난 후드.후드는 16살에 고등학교를 일찍 졸업했다.그 후 노스다코타주 제임스타운에 있는 제임스타운 칼리지에 입학하여 로맨스 언어와 음악, 그리고 역사와 [44]영어 부전공으로 졸업했다.

후드의 직업적 경력은 그녀를 1923년 몬태나로 이끌었고 그곳에서 그녀는 교육, 작문, 대중 연설을 추구했다.1930년, 후드는 몬태나의 두 번째 주 음악 감독관이 되었다.후드의 교직 생활 동안 라디오는 교육 도구로 사용되었다.몬태나는 산의 간섭 때문에 라디오 수신이 좋지 않아서 후드는 지역 라디오 방송국을 만들었다.후드는 1937년 Montana School of the Air라는 음악 교육 라디오 방송 프로젝트를 시작했습니다.이 방송들은 4개의 라디오 [44]방송국에서 매주 방송되었다.라디오를 교육방송에 사용하는 것은 대공황의 불안정한 시기에 학생들에게 미국 전역에서 연락이 닿을 수 있게 해주었기 때문에 긍정적인 평가를 받았다.라디오는 비용 효율이 높았고 고립된 시골 [44]학교에 도달할 수 있었다.

NBC는 음악 교육에서 중요한 역할을 했다.NBC는 공립학교에 등록한 학생들을 위해 음악적인 예를 방송했다.월터 담로쉬가 라디오 프로그램인 음악 감상 시간을 감독했다.이 방송에서 교사들은 학생 노트와 교사용 매뉴얼과 함께 [43]선곡된 음악을 미리 얻을 수 있었다.다른 두 개의 인기 있는 음악 방송 프로그램은 관현악단의 앨리스와 스탠다드 심포니 아워였다.이러한 방송들은 적극적인 청취와 음악 감상을 촉진하고 장려하는 혁신적인 교육 전략이었다.라디오 이전에, 음악 감상은 라이브 공연과 선생님,[45] 특히 피아노 연주 능력으로 제한되었다.

1930년대 라디오의 영향도 마찬가지로 iPod, 콤팩트 디스크 및 컴퓨터와 같은 오늘날의 기술과 비교할 수 있습니다.1930년대 이후로 교실에서 기술은 훨씬 더 널리 이용 가능하게 되었다.오늘날, 어린이들은 1930년대에는 이용할 수 없었던 많은 음악 기기들과 옵션들을 접할 수 있다.본질적으로, 기술은 학생들을 위한 음악 교육의 질을 향상시키기 위한 목적으로 미국 전역의 음악 교실에서 사용되어 왔다.

지속적인 연구 개발

음악 테크놀로지의 매체가 계속 발전하고 있는 가운데, XR(확장현실) 테크놀로지(증강현실 및 가상현실 등)의 새로운 발전은 움직임을 녹음된 음악으로 변환하는 데 직접적인 영향을 미칠 수 있다는 것을 연구진은 발견했습니다.런던 퀸 메리 대학의 토마스 디콘, 닉 브라이언-킨스, 패트릭 G.T. 힐리, 마티외 바트는 음악의 다모달과 공간 표현에 대한 이해를 조정하기 위해 두 경험 많은 음악 제작자들의 실용적인 방법을 밝혀내는 공동 공간 음악 구성에 대한 관찰 연구를 수행했다.를 참조해 주세요.그들의 분석을 통해, 연구팀은 제스처가 우주에서 소리를 형성하는 과정을 통해 이해하고, 소통하고, 행동을 형성하는데 사용된다고 제안했다.이 은유는 어떻게 미적 평가가 협조적인 공간 활동을 통해 협업적으로 생산되고 개발되는지를 강조합니다.그 의미는 음악의 [46]창조적이고 공간적인 미디어 제작을 위한 협업적 작업 공간의 개발에서 구체화된 행동에 대한 민감성을 확립한다.

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