클레즈머

Klezmer
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클레즈머
Tanz des Marschelik, Spassmacher (1902 postcard).png
네이티브 네임
קלעזמער
기타 이름유대 기악 포크 음악, 프레이렉 음악
문체적 기원
문화적 기원동유럽의 아시케나즈식 유대인의 의식, 특히 결혼식
일반적인 기기표준 오케스트라 악기, 아코디언, 심발롬
Menorah(מְנוֹרָה)
Flag of Israel
유대인과
이스라엘 음악
종교의
컨템포러리
파이유트
제미롯
니군
피즈모님
바카쇼트
세속적인
클레즈머
세파르딕
미즈라히
미드레인지와 재즈
고전적인
유대인 예술 음악
이스라엘
하티카
금의 예루살렘
삐유팀
아돈 올람
게셈
레하 도디
마오즈 추르
예디드 네페시
이그달
춤
이스라엘 민속 무용
발레
호라
예멘 댄스
휴일을 위한 음악
샤바토
하누카
축복
오차누카
드리델의 노래
알 하니심
미이말렐
네루리
유월절 (하가다)
니시타나 마
다예누
아디르 후
차드 가디야
에차드미요다
라샤나 하바아
라그 바오머
바르요카이

Klezmer (Yiddish: קלעזמער) is an instrumental musical tradition of the Ashkenazi Jews of Central and Eastern Europe.전통에 필수적인 요소들은 댄스곡, 의식적인 멜로디, 그리고 듣기 위해 연주되는 훌륭한 즉흥 연주를 포함한다; 이것들은 결혼식과 다른 사회적 [1][2]행사에서 연주되었을 것이다.이 음악 장르는 오스만 (특히 그리스와 루마니아) 음악, 바로크 음악, 독일과 슬라브 민속 춤, 그리고 종교적인 유대 [3][4]음악을 포함한 많은 다른 음악 장르의 요소들을 통합했습니다.음악이 미국에 도착했을 때, 그것은 전통적인 의식 요소 중 일부를 잃었고 미국 빅 밴드와 대중 [5][6]음악의 요소를 채택했다.1910년대와 1920년대에 미국에서 이 장르를 대중화시킨 유럽 태생의 클라이즈머 중에는 데이브 타라스와 나프툴레 브랜드웨인이 있었다; 그들은 막스 엡스타인, 시드 베커맨, 레이 [7]뮤지커와 같은 미국 태생의 음악가들이 뒤를 이었다.

홀로코스트 기간 동안 동유럽에서 유대인의 삶이 파괴되고 미국에서 클레즈머 음악의 인기가 전반적으로 떨어진 후, 이 음악은 1970년대 후반 소위 클레즈머 [8]부활로 다시 대중화되기 시작했다.1980년대 이후, 음악가들은 재즈, 펑크, 그리고 [9]다른 스타일과 결합된 퓨전 앨범을 발매하면서 이 장르의 전통적이고 실험적인 형태를 실험했다.

어원학

이디시어(Yiddish)에서 사용되는 klezmer라는 용어는 히브리어 어원을 가지고 있다: klei는 "도구, 도구 또는 도구"를 의미하고 zemer는 "멜로디"를 의미하며 k'lei zemer는 "melody"를 의미한다. '악기'라는 뜻의 '악기'이 표현은 동유럽의 [11]아슈케나지 유대인들뿐만 아니라 디아스포라 전역의 유대인들에게도 친숙했을 것이다.시간이 흐르면서 이디시어 맥락에서 "클레즈머"의 사용은 처음에는 16세기 후반 보헤미아에서 그리고 그 후 폴란드에서, 아마도 그 당시 프로 [11]길드를 형성하고 있던 음악가들의 새로운 지위에 대한 반응으로 그들의 악기 대신 음악가를 묘사하도록 발전했다.이전에는 음악가를 렛츠(lets) 또는 다른 [12][13]용어로 불렀을 것이다.클레즈머라는 용어가 이디시어를 사용하는 동유럽에서 이러한 전문 음악가들이 선호하는 용어가 된 후, 다른 유형의 음악가들은 일반적으로 muziker 또는 muzikant로 더 많이 알려져 있었다.

20세기 후반이 되어서야 "클레즈머"[14]라는 단어가 일반적으로 알려진 영어 용어가 되었다.그 동안 메토니즘을 통해 뮤지션뿐만 아니라 그들이 연주한 음악 장르, 즉 [15][16]이디시어에는 없었던 의미를 갖게 되었다.20세기 초 녹음 산업 자료와 다른 문서들은 그것을 히브리어, 유대어 또는 이디시어 댄스 음악이라고 불렀고, 때로는 이디시어 용어인 프릴레흐 음악("Cheerful music")을 사용하기도 했다.

20세기 러시아 학자들은 때때로 클레즈머라는 용어를 사용했다; 이반 리파예프는 이디시어나 [11]우크라이나어로 출판할 때 이 용어를 사용하지 않았다.

이 음악을 지칭하기 위해 "클레즈머"라는 용어를 사용한 최초의 전후 녹음은[citation needed] 1977/78년의 "The Klezmorim's East Side Wedding and Streets of Gold"였고, 1979년에는 Andy Statman과 Zev Feldman의 유대인 Klezmer Music이 뒤를 이었다.

음악적 요소

스타일.

음색, 전형적인 운율, 장식을 포함한 Klezmer 음악을 연주하는 전통적인 스타일은 그것을 다른 [17]장르와 차별화한다.클레즈머 음악은 유대인 칸토리아 음악, 하시딕 니그, 이디시 극장 음악을 포함한 더 큰 동유럽 유대인 음악 문화에서 나왔지만, 그것은 또한 중앙유럽과 동유럽의 주변 민속 음악들과 국제 음악 [3]형식에서 차용했다.그래서 다른 모든 장르에서 인지할 수 있는 요소를 가진 전체적인 스타일로 발전했다.

19세기 후반 이전에는 정규 음악 훈련을 받은 클리즈머 음악가들은 거의 없었지만, 그들은 그들만의 발전된 음악 기법으로 풍부한 전통을 물려받았고, 각각의 음악가들은 그 스타일이 어떻게 "올바르게"[18][17] 연주되어야 하는지에 대한 이해를 가지고 있었다.이 장식품들의 사용은 무작위로 이루어진 것이 아니다; "맛", 자기 표현, 변화, 그리고 절제 문제는 음악을 [17]어떻게 해석하는가에 있어 중요한 요소들이었고 여전히 남아 있다.

Klezmer 음악가들은 각각의 멜로디 악기에서 사용 가능한 특정 기술에 전체적인 스타일을 적용합니다.그들은 카조네, 데이븐, 그리고 반신반의적인 노래들을 포함한 유대교 종교의 성악 멜로디를 통합하고 정교하게 만들어 악기에서 [19]가능한 음악적 표현으로 인간의 목소리의 범위를 확장합니다.Klezmer 음악에서 전형적으로 "유대인"으로 여겨지는 양식적 요소들 중에는 dreydlek ("목소리로 눈물")와 한숨을 내쉬거나 웃는 모조 ("[20]눈물을 통해 웃음")를 포함한 칸토리아 또는 하시딕 성악 장식과 공유되는 것들이 있다.이런 성대모사 장신구에는 이디시어(Krekhts, "groan" 또는 "moan"), 이디시어(kvetsh, "wrinkle" 또는 "fold"), 이디시어(kvetsh, "압박" 또는 "stress")[10] 등 다양한 용어가 사용되었습니다.트릴, 그레이스 노트, 어포게이터라, 페달 노트, 매드런트, 슬라이드, 그리고 전형적인 클레즈머 문양과 같은 다른 장식품들 또한 [17]스타일에 중요하다.특히, 종교적 유대 음악을 끌어당기는 운율은 비록 더 넓은 구조가 비유대인 [21]소스로부터 차용되었다 하더라도, 한 곡을 더 강하게 클레즈머 곡조로 식별합니다.클래식 음악과는 달리 비브라토는 좀 더 적게 사용되며,[20][17] 또 다른 종류의 장식물로 취급된다.

반주자 혹은 오케스트라의 반주 스타일은 즉흥적으로 할 수 있습니다.[22]

역사 레퍼토리

Klezmer 음악가의 레퍼토리는 매우 다양했고 특정한 사회적 기능과 춤, 특히 전통 [1]결혼식과 관련이 있었다.이러한 멜로디는 유대인이 아닌 곳에서 유래했거나 Klezmer에 의해 작곡되었을 수 있지만, [23]특정 작곡가의 것으로 간주되는 경우는 거의 없습니다.일반적으로 클레즈머 음악은 크게 두 가지로 나눌 수 있다.특정 춤을 위한 음악과 듣는 음악(탁상, 행렬, 의식 등)이다.[23]

춤

  • 프레이렉스.가장 단순하고 널리 퍼져있는 Klezmer 댄스 곡조는 단체 서클 댄스를 위해 연주되고 의도된 곡들은 그룹 서클 댄스를 위한 곡들이다.이 기본 춤은 위치에 따라 레들(원), 홉케, 카라호드(원형 춤, 말 그대로 러시아 코로보드의 벨라루시 번역), 드레들, 리쿠들 [1][24][22][10]등으로도 불렸을 수 있다.
  • 불가르
  • 셰어는 에서 콘트라 춤을 춘다. 1930년대에 쓴 베레롭스키는 그 춤이 넓은 지역에서 매우 흔하게 연주되었음에도 불구하고, 그는 그것이 오래된 독일 [1]춤에 뿌리를 두고 있다고 의심한다고 언급했다.이 춤은 다른 복잡한 유럽의 Klezmer 춤이 [25]잊혀진 후에도 미국에 계속 알려졌습니다.
  • 그것을 추었던 하시딕 유대인들의 이름을 딴 Khosidl 또는 khusidl은 또는 에서 더 위엄 있게 장식된 춤이다.댄스 스텝은 원형 또는 일렬로 할 수 있습니다.
  • 호라 또는 족은 1과 3에 박자를 가미한 절름발이의 루마니아식 춤으로 더욱 화려하게 장식되어 있다.이스라엘의 호라는 루마니아 호라에서 유래했다.이디시어 이름 zhok은 말 그대로 "춤"인 루마니아 자크에서 유래했다.
  • 브로이지탄츠[23]
  • 콜로메이크는 우크라이나에서 유래한 빠르고 기억하기 쉬운 춤으로 그 나라의 민속 음악에서 두드러진다.
  • 스코트슈네는 일반적으로 춤이나 듣기를 [1]위해 연주될 수 있는 보다 정교한 프레이렉스라고 여겨진다.
  • Nigun은 듣거나 노래하거나 [10]춤을 추는 멜로디를 지칭할 수 있는 매우 넓은 용어이다.보통 의 미드 페이스의 노래입니다.
  • 왈츠는 클래식, 러시아, 폴란드 등 모든 면에서 매우 인기가 있었다.파데스판은 클리어머들에게 알려진 러시아/스페인 왈츠의 일종이었다.
  • 마주르카와 폴카는 각각 폴란드와 체코의 춤으로 유대인과 이방인 모두를 위해 연주되었다.
  • Sirba – 또는 (Romanian sörba)의 루마니아 춤.점프 스텝과 짧은 달리기 버스트가 특징이며, 멜로디에는 세 개의 세 개가 포함되어 있습니다.

비댄스 레퍼토리

  • 도인은 루마니아 목동 도이나에서 차용한 자유 형식의 악기 형태이다.루마니아와 몰도바에는 많은 지역형 도이나가 있지만, 유대인의 형태는 전형적으로 더 단순하며, 작은 키 테마는 큰 키로 반복되고, 그 다음에 프레이렉스가 [23]뒤따른다.볼레클은 관련된 [10]장르이다.
  • Tish-nign(테이블 튜닝)[10]
  • 히브리어로 데베쿠트라고 불리는 니건의 일종인 모랄리쉬는 영적인 흥분이나 경건한 [10][22]기분을 불러일으킨다.
  • 특히 하시딕 문맥에서 볼츠(Waltz)는 유태인이 아닌 왈츠보다 느릴 수 있으며 결혼식 파티가 테이블에 [10]앉아 있을 때 듣기 위한 것이다.
  • 신부의 자리 등 신부 의식을 중심으로 한 형태
  • 습지(3월)는 즐거운 노래나 연주 [10]맥락에 맞게 조정된 유대인이 아닌 행진 멜로디일 수 있습니다.
  • 가스니구님, 침티쉬 등 행렬의 멜로디.베레고프스키에 따르면 가스왕은 항상 [23]제시간에 왔다.
  • 오스만/아랍의 Taqsim에서 이름을 따온 Taksim은 특정한 모티브에 대한 자유로운 판타지이며, 트릴,[23] 룰라드 등으로 구성되어 있으며, 대개 프레이렉스로 끝난다.20세기에는 대부분 구식이 되었고 [26]도이나로 대체되었다.
  • 환타지 또는 환상은 전통적으로 하객들이 식사를 할 때 유대인의 결혼식에서 연주되는 자유 형식의 노래이다.그것은 "가벼운" 클래식 음악의 환타지아를 닮았다.
  • 터키셔는 데이브 타라스, 나프툴레 브랜드웨인 등 내로라하는 클리즈모림이 연주하는 거장 솔로곡이다.이런 종류의 멜로디에는 춤이 없고, 오히려 그것은 오스만 양식이나 오리엔탈 스타일을 가리키며, 멜로디는 아슈케나지 음악 미학에 그리스 하사피코에 대한 언급을 포함시킬 수 있다.
  • 자이 게준트(건강해지세요), 가스닌(Gas-nine), 도브리덴(Gobriden), 도브라노슈(Dobranotsh) 또는 아우트 나크트(Aute nakht, [23][27]굿나잇) 등과 같은 결혼식 날의 시작이나 마지막에 연주되는 이별 멜로디.이런 종류의 작품들은 때때로 위엄 있고 [28]진지한 분위기를 풍겼을 수도 있다.

오케스트레이션

Klezmer 음악은 노래나 노래의 많은 역사가 없는 기악 전통이다.동유럽에서 클레즈머스는 전통적으로 바첸(결혼식 연예인)의 보컬 스타일링에 동행했지만, 그들의 공연은 대개 즉흥적인 커플링과 [29][30]노래보다는 결혼식을 부르는 것이었다.(바드첸의 중요성은 20세기까지 점차 감소했지만, 일부 전통에서는 여전히 계속되었다.)[31]

클리즈머 오케스트라는 규모와 구성이 시대와 장소에 따라 달랐다.18세기와 19세기 초의 클레즈머 밴드는 약 3~5명의 음악가들이 우드윈드나 현악기를 [18]연주할 정도로 규모가 작았다.그 시대의 또 다른 일반적인 구성은 오늘날의 헝가리 밴드들과 비슷했는데, 전형적인 리드 바이올리니스트, 세컨드 바이올린, 첼로,[32][33] 그리고 Cimbalom이었다.19세기 중반, 클라리넷은 작은 클레즈머 앙상블에도 [34]등장하기 시작했다.세기의 마지막 수십 년 동안, 우크라이나에서 오케스트라는 평균 7명에서 12명의 단원으로 더 커졌고, 브라스 악기를 포함했고, 명망 있는 [35][36]행사에 20명까지 포함시켰다.(단, 좋지 않은 결혼식의 경우, 대규모 Klezmer 앙상블은 하급 멤버 서너 명만 보낼 수 있습니다.)[35]이 대형 오케스트라에서는 현악기와 목관악기, 코넷, C클라리넷, 트롬본, 콘트라베이스, 큰 터키 드럼, 그리고 몇 개의 여분의 [23]바이올린의 핵심 악기 위에 있습니다.19세기 동안 유대인들이 차리스트 군악대에 포함되면서 전형적인 군악기가 클레즈머에 도입되었을 수도 있다.그렇게 큰 오케스트라와 함께, 음악은 중요한 순간에 [37]밴드 리더 솔리스트가 여전히 들을 수 있도록 편곡되었다.갈리시아와 벨로루시에서는 20세기까지 [38][23]심발롬이 있는 작은 현악 합주단이 표준으로 남아있었다.미국의 클레즈머는 20세기 초 댄스홀과 결혼 피로연에서 발전하면서 당시의 인기 오케스트라에서 사용되는 것과 달리 보다 완벽한 오케스트레이션을 가지고 있었다.그들은 선율에는 클라리넷, 색소폰, 트럼펫을 사용하고, 미끄럼틀이나 다른 번들거리에는 트롬본을 잘 활용한다.

로하틴(우크라이나 서부)의 유대인 음악가

클레즈머 음악의 선율은 보통 리드 바이올린에 할당되지만, 때로는 플루트와 [23]클라리넷도 있습니다.다른 악기 연주자들은 조화, 리듬, 그리고 약간의 대조를 제공한다.클라리넷은 이제 종종 멜로디를 연주했다.프렌치 밸브 코르넷과 키드 독일 트럼펫과 같은 금관악기는 결국 카운터보이스 역할을 [39]이어받았습니다.현대의 클레즈머 악기는 초기 오케스트라보다 19세기 군악대의 악기에 더 일반적으로 영향을 받는다.

20세기 초의 클라이즈머 녹음에서 타악기는 일반적으로 나무 블록이나 스네어 드럼에 지나지 않았다.동유럽에서 타악기는 종종 프레임 드럼, 혹은 바라반이라고 불리는 포이크를 연주하는 드러머에 의해 제공되었다.포익은 베이스 드럼과 비슷하며 종종 심벌이나 금속 조각을 위에 올려놓고 비터나 손에 묶인 작은 심벌로 때린다.

멜로디 모드

서양, 칸토리알 및 오스만 음악 용어

클레즈머 음악은 서양음악의 전통도 있지만 오스만 제국에서도 발달한 장르로, 주로 그 양식과 [40][41]모달의 진행을 설명할 만한 문헌이 잘 갖춰져 있지 않은 구전이다.하지만, 다른 종류의 아슈케나지 유대인 음악과 마찬가지로,[10][42] 그것은 작곡에 사용된 복잡한 모드 체계를 가지고 있다.그 멜로디의 대부분은 서양음악에서 사용되는 장조 및 단조 용어에 잘 맞지 않으며,[40] 중동음악처럼 체계적으로 미세조화되지도 않는다.19세기에 칸토리얼 음악을 위해 개발된 누사흐 용어는 종종 대신 사용되며, 실제로 많은 클레즈머 작곡은 종교 음악을 [27]많이 사용합니다.그러나 그것은 또한 바로크와 동유럽 민속음악의 요소들을 포함하고 있으며,[21][22][43] 종교적 용어에 근거한 묘사만을 불완전하게 만든다.그럼에도 불구하고 1970년대 클레즈머 부활 이후 유대인의 기도모드에 대한 [44]용어가 클레즈머에서 사용되는 것을 가장 많이 묘사하고 있다.이디시어로 사용되는 모드에는 누사흐(נ ( (), 슈타이거(tey(), 전형적인 멜로디 캐릭터, 중요한 음표, 음계를 나타내는 매너, 라이프 모드(manner, mode of life),[22][23][41] 모이세이 베레롭스키가 일반적으로 사용한 '맛'을 의미하는 돌풍( (風) 등이 있다.

스탈린주의 시대에 글을 쓰다가 클레즈머의 종교적 측면을 경시해야 하는 제약을 받았던 베레롭스키는 1929년의 몇몇 초기 작품을 제외하고는 유대교 양식이라는 용어를 사용하지 않았다.대신, 그는 기술적인 [23][45]용어로 설명한 장조, 단조 및 "기타" 모드의 독일어에서 영감을 받은 음악 용어에 의존했습니다.1940년대 작품에서 그는 클리즈머 레퍼토리의 대부분은 내추럴 마이너든 다른 것이든 단조인 것 같았으며 소재의 약 4분의 1이 프레이기쉬어였고, 레퍼토리의 약 5분의 1이 메이저 [23]키였다고 언급했다.

클레이즈머 음악을 묘사하기 위해 종종 사용되는 또 다른 용어 세트는 오스만과 [44][46]다른 중동 음악에서 사용되는 마캄의 용어이다.이 접근법은 중동 음악에 매우 익숙한 20세기 초 이델슨으로 거슬러 올라가며 지난 10년 동안 조슈아 [47][43][44][40]호로위츠에 의해 개발되었다.

마지막으로, 일부 클레즈머 음악, 특히 20세기 중반 이후 미국에서 작곡된 음악들은 이러한 전통적인 모드로 작곡되지 않고 오히려 [21]화음을 중심으로 구성될 수 있다.

묘사

Klezmer 음악에서 모드를 설명하는 합의된 완전한 시스템이 없기 때문에, 이 목록은 불완전하고 일부 학자들이 [42][47]분리된 것으로 보는 개념을 혼동할 수 있습니다.이러한 용어를 단순한 8음 음계(옥타토닉)로 나열하는 또 다른 문제는 Klezmeric 구조가 5음 음계의 펜타코드로 작동하는 방법, 일반적으로 다른 모드의 부분들이 어떻게 상호작용하는지, 그리고 전통적인 [40][41]Klezmer 컨텍스트에서 주어진 모드의 문화적 의미가 무엇인지 보는 것을 어렵게 만든다는 것입니다.

C의 프레이기시 모드
  • 프레이기시, 아하보 랍보 또는 프리기아 우성 척도는 프리기아 모드와 유사하며, 2는 평평하지만 3은 영구적으로 상승합니다.[48]그것은 Klezmer에서 가장 흔한 모드 중 하나이며 유대인의 정체성과 밀접하게 관련되어 있다; Beregovsky는 그가 수집한 Klezmer 음악의 약 4분의 1이 Freygish로 [23][40]되어 있다고 추정했다.이 모드로 작곡된 가장 유명한 작품으로는 하바 나길라와 마요푸스가 있다.그것은 아랍 [40]음악에서 볼 수 있는 마캄 히자즈에 필적한다.
C의 Mi Sheberakh 모드
  • Mi Sheberakh, Av Harachamim, "변경된 도리안" 또는 우크라이나 도리안 척도는 [48]4가 상승된 마이너 모드입니다.그것은 때때로 니크리즈 마카미에 비교된다.그것은 프레이기쉬와 밀접한 관련이 있다. 왜냐하면 그들은 같은 피치 간격을 [40]공유하기 때문이다.이 모드는 루마니아 또는 우크라이나 음악과 관련된 도인즈 및 기타 클레즈머 형식에서 자주 볼 수 있습니다.
C의 Adonoy Molokh 모드
  • Adonoy Molokh 또는 Adoyshem Molokh는 평탄한 [22]7번째 회당 모드입니다.그것은 때때로 "유대인 전공"[47]이라고 불립니다.Mixolydian [48]모드와 몇 가지 유사점이 있습니다.
C의 Mogen Ovos 모드
  • Mogen Ovos는 Western Natural [22]Minor와 비슷한 시나고그 모드입니다.클리즈머 음악에서 그것은 종종 인사말과 이별곡,[40] 그리고 댄스곡에서 발견된다.그것은 아랍과 터키 음악에 사용되는 바야티 마캄과 몇 가지 유사점을 가지고 있다.
  • Yishtabakh는 Mogen Ovos와 Freygish를 닮았다.Mogen Ovos 스케일의 변형으로 2도 [49]및 5도를 자주 평탄하게 합니다.

역사

유럽

장르 전개

성경은 오케스트라와 레위인들이 음악을 만드는 것에 대해 몇 가지 묘사하고 있지만, 서기 70년 제2성전이 파괴된 후 많은 랍비들이 [50]악기를 사용하지 못하게 했다.그러므로, 그 이후 다른 시대와 장소에 유대 음악가들이 있었을지 모르지만, "클레즈머"는 훨씬 [51]더 최근에 생겨났다.이 단어의 사용에 대한 최초의 기록은 아이작 리브킨드에 의해 1595년 [52][53]크라쿠프에서 열린 유대인 평의회 회의에서 확인되었습니다.그것들은 1511년과 [54]1533년에 이미 발견되었기 때문에 프라하에 더 일찍 존재했을지도 모른다.폴란드의 유대인 음악가들이 길드(Khevre)를 결성할 수 있는 권리를 얻으면서 상황이 나아진 것은 1600년대였다.[55]그러므로 시간이 흐르면서 이 새로운 형태의 전문 음악가는 새로운 형태의 음악을 발전시켰고 동유럽 유대인들의 삶의 넓은 영역에 걸쳐 이 전통을 정교하게 만들었다.16세기 이후 하시딕 유대교의 출현은 또한 유대교 [16]관습의 한 요소로서 춤과 말없는 멜로디에 중점을 두었기 때문에 클레즈머의 발전에 기여했다.

중세 유대인의 결혼 행렬(날짜 불명)

동유럽의 클레즈머 직업(1700~1930년대)

페도세르의 초상화(A. M. Kholodenko), 19세기 클레즈머의 거장

19세기에는 이반 칸도슈킨과 같은 고전 바이올린 연주자와 베사라비안 민속 바이올린 연주자의 기술을 결합하고, 작곡가들이 사라진 후에도 널리 퍼진 춤과 전시 작품을 작곡한 많은 클레즈머 바이올린 거장들이 출현했다.[56]이 인물들 중에는 아론-모이셰 홀로덴코 "페드로서", 요세프 드러커 "스템페뉴", 알터 고이즈만 "알터 추도브너" 그리고 요제프 구시코프가 [57][58][59][60]있었다.

Klezmer 음반 산업이 강했던 미국과 달리, 20세기 초 유럽에서는 상대적으로 덜 기록되었다.유대인 음악에 대한 유럽 음반의 대부분은 칸토리알과 이디시 극장 음악으로 구성되었고, 클레즈머 [61]음악의 존재는 수십 개로 알려져 있다.여기에는 오스카 쩡굿, H. 스타이너, 레온 알, 요제프 솔린스키 같은 예술가의 바이올린 작품, S. 코쉬의 플루트 작품, 벨프의 루마니아 오케스트라, 러시아-유대인 오케스트라, 유대인 웨딩 오케스트라,[61][62] 티툰슈나이더 오케스트라의 앙상블 녹음 등이 포함된다.

러시아 제국 말기와 소련 시대의 클레즈머

러시아 제국의 유대인에 대한 규제 완화, 그리고 그들이 새롭게 학문과 음악 교육을 받을 수 있게 되면서, 현대 [23]기술을 사용하여 클레즈머를 재검토하고 평가하기 시작한 학자들이 생겨났다.아브라함 제비 이델손은 [63]디아스포라에서 유대 음악의 고대 중동 기원을 찾으려고 했던 그런 인물 중 한 명이다.또한 이디시 노래, 민속 이야기, 기악 음악을 포함한 유대 음악과 민속의 수집과 연구에 새로운 관심이 있었다.초기 탐험은 조엘 엥겔에 의해 이루어졌는데, 그는 1900년 그의 고향인 베르디얀스크에서 포크 멜로디를 수집했다.많은 양의 클레즈머 음악을 수집한 첫 번째 인물은 1907년부터 [64]1915년까지 정착촌 광장에 여러 차례 탐험을 했던 서스만 키셀고프였다.곧이어 모이세이 베레고프스키와 [65][23]소피아 마지드 같은 다른 학자들이 그의 뒤를 따랐다.그 탐험에서 수집된 대부분의 자료는 현재 우크라이나 [66]베르나츠키 국립도서관이 소장하고 있다.

1925년 우크라이나 결혼식에 참석한 Klezmer 뮤지션들

1930년대 후반에 쓴 베레롭스키는 클레즈머스의 연주 기술과 사회적 맥락에 대해 학자들이 잘 알지 못하는 것에 대해 개탄했다. 19세기 후반에는 클레즈머스를 [1]기억하는 나이든 음악가들을 통해 연구할 수 있었다.

소련의 유대인 음악과 클레즈머 음악의 지속적인 사용은 공식적인 지지나 검열의 여러 단계를 거쳤다.1920년대 소련의 유대인 음악문화는 전통적인 멜로디와 주제를 바탕으로 하거나 풍자한 작품이었지만 1930년대는 종종 [67]이디시어로 번역된 러시아 문화 작품이었다.1948년 이후, 소련의 유대인 문화는 억압의 국면으로 접어들었고, 이는 히브리어, 이디시어, 또는 기악기 클레즈머와 연계된 유대 음악 콘서트가 더 이상 공연될 수 없다는 것을 의미한다.[68] 모이세이 베레고프스키의 학업은 1949년에 중단되었고 [69][70]그는 1951년에 체포되어 시베리아로 추방되었다.탄압은 1950년대 중반에 일부 유대인과 이디시어 공연이 다시 [71]무대로 돌아오도록 허용되면서 완화되었다.하지만, 클레즈머의 주요 장소는 항상 전통적인 공동체 행사, 결혼식이었고 콘서트 무대나 학회는 아니었다.; 그러한 전통적인 장소는 반종교적인 소련 [72]정책에 따라 전반적으로 유대 문화와 함께 억압되었다.

미국

초기 아메리칸 클레즈머(1880~1910년대)

미국에 도착한 최초의 도둑들은 1880년 이후 시작된 동유럽 유대인 이민의 첫 번째 큰 물결을 따라 뉴욕, 필라델피아,[16] 보스턴과 같은 대도시에 정착했다.Klezmers는 러시아 제국, 루마니아 왕국, 오스트리아-헝가리에서 [73]온 젊은 가족이나 덜 확립된 음악가입니다.그들 중 일부는 식당, 댄스홀, 노조 집회, 와인 지하실, 그리고 뉴욕의 Lower East [74][75]Side와 같은 다른 현대적인 장소에서 일자리를 구했다.그러나 클라이즈머 음악가의 주요 수입원은 [76]유럽처럼 결혼식과 심카스로 남아 있었던 것으로 보인다.비록 몇가지 가족이나 사회 역사를 거쳐, Iași, 루마니아는 필라델피아에서 1880년대에, 그곳에서 klezmer 왕조를 설립했다 도착했다의 Lemish klezmer 가족 같은 기억됩니다 klezmers의 그런 초기 세대 훨씬 더 형편없이는 1910년대와 1920년대에 일하는 것보다, 많은 또는 음악 출판된 기록되지 않는 문서화되어 있다.[77][76]

빅 밴드 Klezmer 오케스트라(1910~1920년대)

1921년 막스 레이보위츠 오케스트라

미국 주요 도시에서 유대 음악 산업의 활력은 1910년대에 유럽으로부터 그 어느 때보다도 더 많은 크리저들을 끌어들였다.이것은 많은 클레즈머 오케스트라를 녹음한 음반 산업의 발전과 동시에 일어났다.1차 세계대전 무렵, 업계는 민족 댄스 음악으로 관심을 돌렸고 에디슨 레코드, 에머슨 레코드, 옥케 레코드, 빅터 레코드 회사와 같은 음반 회사에 78RPM의 [78]디스크를 녹음하기 위해 많은 밴드 리더들이 고용되었다.그 중 첫 번째는 우크라이나 클레즈머 가문 출신의 이발사이자 코넷 연주자인 아베 엘렌크리크였다.[79][80][81]그는 1913년 퐁 데르 추페(From the Weddle Choope)의 녹음을 의회도서관이 승인받았다.

그 10년 동안 유럽 태생으로 녹음된 클라이즈머 중에는 러시아 제국의 우크라이나 영토(Abe Elenkrig, Dave Tarras, Shloimke Beckerman, Joseph Frankel, 이스라엘 J) 출신도 있었다. Hochman), 일부는 오스트리아-헝가리 갈리시아 출신(Naftule Brandwein, Harry Kandel, Berish Katz), 일부는 루마니아 출신(Abe Schwartz, Max Leibowitz, Joseph Moskowitz)[82][83][84][85]이다.

1920년대 중반에는 라디오나 보드빌 무대에서 공연한 많은 인기 있는 참신한 "클레즈머" 그룹도 볼 수 있었다.여기에는 조셉 체르니아프스키의 이디시-아메리칸 재즈 밴드가 포함되어 있었는데, 이 밴드 멤버들은 코삭스나 하시딤의 [86]패러디 복장을 했다.또 다른 그룹은 Boibriker Kapelle로, 라디오와 콘서트에서 향수를 불러일으키고 구식의 Galician Klezmer [87]사운드를 재현하려고 노력했습니다.1924년 이민법이 통과되면서 유럽으로부터의 유대인 이민을 크게 제한하고 1930년까지 대공황이 시작되면서, 미국의 이디시시 음반과 클리즈머 음반 시장은 급격한 하락세를 보였고, 이것은 1910년대와 1920년대의 인기 있는 많은 밴드 리더들의 음반 경력을 근본적으로 끝냈다.라지 클레즈머 오케스트라의 [88]생존성을 떨어뜨린 거죠

유명 클라리넷 연주자

1910년대와 1920년대에 클라이즈머 "빅 밴드"의 부상과 함께, 그 밴드들을 이끌었던 소수의 유대인 클라리넷 연주자들은 그들 자신의 권리로 유명인사가 되었고, 그 후 수십 년 동안 지속된 유산을 가지고 있다.이들 중 가장 인기 있었던 것은 나프툴레 브랜드웨인, 데이브 타라스, 그리고 Shloimke [89][90][91]Beckerman이었다.

클레즈머 부활

1970년대 중후반 미국과 유럽에서는 Giora Feidman, The Klezmorim, Zev Feldman, Andy Statman, 그리고 Klezmer Conservatory Band가 이끄는 Klezmer 부활이 있었다.그들은 그들의 레퍼토리를 미국의 클리즈머의 [92]음반과 살아남은 음악가들로부터 끌어냈다.특히 데이브 타라스와 맥스 엡스타인과 같은 클라리넷 연주자들이 이 새로운 세대의 클라이즈머 [93]음악가의 멘토가 되었다.1985년 헨리 사포즈닉과 아드리엔 쿠퍼는 클레즈머와 다른 이디시 음악을 [94]가르치기 위해 클레즈캄프를 설립했습니다.

Elane Hoffman Watts, 2007년 Klezmer 드러머

1980년대는 주로 미국과 독일의 유대인이 아닌 사람들과 함께 현악기를 사용한 보다 전통적인 영감을 받은 연주에 대한 관심이 높아지면서 제2의 부활의 물결을 보았다.음악가들은 녹음을 듣고, 녹음을 찾고, 동유럽에 남아있는 몇 안 되는 클레즈모림의 현장 녹음을 함으로써 오래된 유럽의 클레즈머를 추적하기 시작했다.이 스타일의 주요 연주자들은 조엘 루빈, 부도위츠, 케브리사, 디 나예 카펠리, 예일 스트롬, 시카고 클레즈머 앙상블, 맥스웰 스트리트 클레즈머 밴드, 바이올리니스트 알리샤 스비갈스, 스티븐 그린맨,[95] 쿠키 시겔스타인, 로젠블리, 로젠블리츠입니다.브레이브 올드 월드, 핫 프스트로미, 더 클레즈매틱스 같은 밴드들도 이 시기에 등장했다.

1990년대에 샌프란시스코 베이 에리어 출신의 음악가들은 클리즈머 음악을 새로운 영역으로 가져감으로써 클리즈머 음악에 대한 관심을 더 높이는데 도움을 주었다.New Klezmer Trio와 같은 그룹은 존 존의 마사다와 바르 코흐바, 나프툴레의 드림, 돈 바이런의 미키 카츠 프로젝트, 바이올리니스트 다니엘 호프만의 클레즈머/재즈/중동 퓨전 [92]밴드 등 다른 형태의 음악과 클레즈머를 결합하는 새로운 밴드들의 물결에 영감을 주었다.뉴올리언스 클레즈머 올스타는[96] 또한 1991년에 뉴올리언스 펑크, 재즈, 그리고 클레즈머 스타일을 혼합하여 결성되었다.

클레즈머에 대한 관심은 존 존과 돈 바이런과 같은 유명한 아방가르드 재즈 뮤지션들에 의해 지속되어 왔고, 그들은 때때로 클레즈머와 재즈를 혼합했다.

2008년부터 여러 EU 문화기관의 [97]자금 지원을 받는 "The Other Europeans" 프로젝트는 Alan Bern과 학자인 Zev Feldman의 지도 아래 몰다비아에서 1년 동안 집중적인 현장 연구를 수행했습니다.그들은 클레즈머와 라우타리의 뿌리를 탐구하고 두 "다른 유럽" 그룹의 음악을 융합하기를 원했다.그 결과 밴드는 이제 국제적으로 공연합니다.

20세기 이스라엘에서는 별개의 클레즈머 전통이 발전했다.클라리넷 연주자 모셰 베를린과 아브룸 라이프 버스타인은 이스라엘에서 클리어머 스타일의 대표자로 알려져 있다.이스라엘에서 클레즈머 음악을 보존하고 홍보하기 위해 버스타인은 예루살렘 클레즈머 협회를 설립했는데, 이 협회는 이스라엘에서 [98]클레즈머 음악을 배우고 연주하기 위한 중심이 되었다.

대중문화

음악에서

전통적인 공연이 쇠퇴하는 동안, 레너드 번스타인과 아론 코플랜드와 같이 주류에서 성공을 거둔 많은 유대인 작곡가들은 그들의 젊은 시절에 들었던 클레즈메릭 관용구에 계속해서 영향을 받았다.조지 거슈윈은 클리어머 음악에 익숙했고, 비록 작곡가가 직접 [99]클리어머를 작곡하지는 않았지만 랩소디의 오프닝 클라리넷 글리산도는 이러한 영향을 시사한다.스윙 재즈 밴드 리더 베니 굿맨과 아티 쇼의 클라리넷 스타일링은 트럼펫 연주자 지기 엘먼과 같은 그 시대의 다른 유대인 아티스트들의 "프리락스윙" 연주와 마찬가지로 클라리넷 스타일링에서 파생된 것으로 해석될 수 있다.

동시에, 유대인이 아닌 작곡가들도 매력적인 주제 소재의 풍부한 원천을 찾기 위해 클레즈머로 눈을 돌리고 있었다.특히 드미트리 쇼스타코비치는 인간 생활의 황홀함과 절망을 모두 포용하는 클레즈머 음악에 감탄했고, 그의 실내 명곡인 G단조 피아노 5중주곡, 작품 57(1940), 피아노 3중주곡 2번 E단조, 작품 67(1944), 그리고 현악 4중주곡 8번 C단조(1960)에서 여러 멜로디를 인용했다.

이스라엘 태생의 작곡가 Ofer Ben-Amots의 작곡은 Klezmer 음악의 측면을 포함하며, 가장 주목할 것은 2006년 그의 작곡 Klezmer Concerto이다.이 곡은 클라리넷(유대 클라리넷 연주자 데이비드 크라카우어를 [100]위해 작곡), 현악 오케스트라, 하프, [101]타악기를 위한 곡이다.

비주얼 아트

Issachar Ber Ryback - 결혼식

19세기 유대인 삶의 낭만적인 상징인 클레즈머의 모습은 아나톨리 리보비치 카플란, 이사차 베르 라이백, 마르크 샤갈, 그리고 차임 골드버그와 같은 20세기 유대인 예술가들의 예술에 나타났다.소련에서 작품을 만든 카플란은 문학, 특히 쇼렘 알리켐의 스템페뉴에서 클레즈머의 낭만적인 이미지에 매료되어 그것들을 풍부하게 [102]묘사했다.

인필름

문학에서

유대인 문학에서, 클레즈머는 종종 낭만적이고 다소 불미스러운 [104]인물로 표현되었다.그러나 19세기 멘델레 모처 스포림과 쇼렘 알리켐과 같은 작가들의 작품에서는 대중을 [23]즐겁게 하는 위대한 예술가이자 거장으로 묘사되기도 했다.클레즈머스는 얀키엘 심벌리스트라는 이름의 인물을 묘사한 서사시 판 타데우스나 레오폴드 폰 사허-마조흐의 [12]단편 소설과 같은 비 유대계 동유럽 문학에도 등장했습니다.George Eliot의 Daniel Deronda (1876년)에서, 독일 유대인 음악 선생님은 Herr Julius [105]Klesmer라고 불립니다.이 소설은 [106]후에 에이브람 골드파덴에 의해 벤 아미라는 제목의 이디시 뮤지컬로 각색되었다.

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