싱어송라이터

Singer-songwriter
우디 거스리
밥 딜런
조니 미첼

싱어송라이터는 작사, 작곡, 그리고 가사와 멜로디를 포함한 그들만의 음악 소재를 연주하는 음악가이다.미국에서 이 범주는 포크-어쿠스틱 [1]전통에 기반을 두고 있지만, 이 역할은 대중음악의 다른 시대를 통해 변천되었다.싱어송라이터들은 보통 기타나 피아노를 사용하여 전체 작곡이나 노래에 단독 반주를 제공하는 경우가 많다.21세기 초에 GarageBand와 같은 디지털 제작 도구가 싱어송라이터들에 의해 그들의 음악을 작곡하기 위해 사용되기 시작했다.

정의 및 사용방법

"싱어-송라이터" (또는 "송라이터/가수")[2]라는 레이블은 음반사와 비평가들에 의해 종종 통기타나 [3]피아노로 자작곡을 하고 연주하는 대중 음악 아티스트들을 정의하기 위해 사용됩니다.그러한 예술가는 작곡가, 작사가, 보컬리스트, 때로는 기악가, 그리고 때로는 [4]자기관리자의 역할을 한다.AllMusic에 따르면, 싱어송라이터들의 가사는 종종 개인적인 것이지만 정교한 은유와 모호한 이미지로 가려져 있으며, 그들의 창조적인 관심사는 노래의 연주보다는 노래에 중점을 두는 것이다.그런 가수들의 음반들은 대부분 곡 [5]자체에 중점을 둔, 비슷하게 직설적이고 여유 있는 사운드를 가지고 있다.

이 용어는 또한 헨리 러셀 (1812년-1900년), 아리스티드 브루앙 (1851년-1925년), 행크 윌리엄스 (1923년-1953년), 버디 홀리 (1936년-1959년)를 포함한 록, 포크, 컨트리, 그리고 팝 음악 장르의 작곡가들을 특징지을 수 있다.1949년부터 [6]녹음된 "싱어-송라이터"라는 문구는 특히 서정적인 자기성찰, 고백적인 작사, 온화한 편곡, 절제된 연주 [8]스타일과 같은 특정한 스타일과 주제적 관습을 따르는 작곡가들을 묘사하기 위해 1960년대부터[7] 널리 쓰이게 되었다.작가 래리 데이비드 스미스에 따르면 작곡가, 작가, 가수의 역할을 통합했기 때문에 싱어송라이터 현상의 인기는 미국 대중음악에 [9]틴팬앨리 시대 이후 "공적인 개성을 가진 노래"라는 중세 음탕한 전통을 재도입시켰다.미국 포크 음악 부흥기의 싱어송라이터들의 노래 주제에는 우디 거스리와 피트 시거의 경우처럼 정치적 항의가 포함된다.[10]대중음악 연구 저널에 따르면, 포크 리바이벌로부터 대중음악의 영속화에 이르기까지, 싱어송라이터의 역할은 여러 차원의 창조적 정체성을 수반했다.

첫 번째 미적 층은 작곡가들이 자신의 작품을 노래하고 공연하도록 장려하고 노래 텍스트에 그들만의 스타일적인 맛을 주입하도록 장려한다.작곡가들은 일단 완성되면 작품으로부터 독립하지 않고, 오히려 그들의 보컬과 음악 공연을 통해 노래 텍스트에 들어가 활성화하고 인증한다.첫 번째 계층이 항상 가수가 작사가가 될 것을 요구하지 않는 반면, 두 번째 사회학 계층은 가수와 작사가 사이의 관계에 집착할 뿐만 아니라, 또한 노래를 부르는 것 외에도 더 많은 사회학적 기관을 요청합니다.편곡, 믹싱, 프로듀싱, 콜라보레이션, 미디어 관리 등의 작곡을 지원합니다.다시 말해, 싱어송라이터는 스타일적인 페르소나를 연기하고, 다른 목소리를 축적하고, 다른 사회학적 기술을 조정하는 것을 포함한 두 층의 목소리를 포함하는 두 가지 과정을 거친다.이 두터운 과정은 단일 권위적 이미지 아래에 있는 유동적이고, 다중적이며, 이질적인 목소리를 보여주며, 따라서 [11]싱어송라이터의 작가에 대한 개념을 복잡하게 만든다.

역사

행크 윌리엄스, 1951년

싱어송라이터의 개념은 전 세계에 다양한 형태로 존재해 온 고대의 음유시적 구전 전통으로 거슬러 올라갈 수 있다.시는 구호나 노래로 연주되었고, 때때로 하프나 다른 비슷한 악기와 함께 연주되었다.인쇄술의 발명 이후, 노래는 발라드 판매자들에 의해 쓰여지고 공연되었다.보통 이것들은 끊임없이 진화하는 기존의 곡과 가사의 버전일 것이다.이것이 민속문화의 싱어송라이터 전통으로 발전했다.

여행 공연자들은 유럽 전역에 존재했다.따라서 민속학자 아나톨 르 브레이즈는 19세기 후반에 브리트니를 돌아다니며 판본을 [12]판매한 발라드 가수 얀 아르 미누즈에 대해 자세히 설명합니다.

대도시에서는 공공 장소에서 공연을 하는 것이 가능했고, 레코드 레코딩의 발명으로 테오도르 보트렐, 조지 M과 같은 초기 싱어송라이터들이 생계를 유지할 수 있었다. 코한과 행크 윌리엄스는 유명인사가 되었고, 라디오는 그들의 대중적 인지도와 매력을 더했다.

1940년대부터 1960년대까지 미국 포크 음악의 부흥에 의해 촉발된 동안, 전통 포크 음악과 연감 가수와 직공 같은 그룹으로부터 영감을 받은 젊은 연주자들은 그들만의 독창적인 소재를 쓰고 연주하고 그들만의 음악 [13]편곡을 만들기 시작했다.

21세기 초, 디지털 오디오 워크스테이션 GarageBand는 많은 싱어송라이터 지망생들에 의해 [14]작곡과 녹음을 위해 사용되어 왔다.GarageBand에서 전문적으로 음악을 작곡한 싱어송라이터로는 에리카 바두(2008년 앨범 New Ameryka Part One)[15]와 빌랄(2010년 앨범 Airtight's Revenge)[16]이 있다.

여러 나라의 전통

북미, 영국 및 아일랜드

다음 항목도 참조하십시오.미국 포크 음악의 부흥
폴 사이먼 콘서트

북미에서 "싱어-송라이터"라는 용어는 블루스와 포크 음악 스타일의 작품을 개발한 가수들로부터 유래할 수 있다.20세기 초중반의 미국 싱어송라이터로는 리드 벨리,[17] 지미 로저스,[18] 블라인드 레몬 [19]제퍼슨, 티본 워커,[20] 블라인드 윌리 맥텔,[21] 라이트닌 홉킨스,[22] 아들 하우스,[23] 로버트 존슨이 [24][25]있다.1940년대와 1950년대에 행크 윌리엄스와 같은 컨트리 싱어송라이터는 우디 거트리와 피트 [27]시거와 함께 로니 길버트, 리 헤이스 그리고 점점 더 많은 [28]청중들에게 그들의 주제적인 작품을 공연한 위버스의 다른 멤버들과 함께 [26]유명해졌다.이 프로토 싱어송라이터들은 그들의 음악과 가사의 순수한 독창성으로 오늘날의 싱어송라이터들보다 덜 걱정했고, 주저 없이 다른 노래의 일부를 제거하고 커버를 연주했다.주제곡(리드 벨리의 "Jim Crow Blues"나 거스리의 "Deportee (Los Gatos에서의 비행기 난파)"와 같은 그날의 특정 이슈에 관한 노래)을 쓰는 전통은 이 음악가 그룹에 의해 확립되었다.시거와 거트리와 같은 가수들은 노동조합을 위한 집회에 참석했고, 조쉬 화이트, Cisco 휴스턴, 말비나 레이놀즈, 얼 로빈슨, 이완 맥콜, 존 제이콥 나일스, 그리고 닥 왓슨과 같은 블루스 가수들이 작곡한 반면, 노동계급의 삶에 관한 많은 노래와 사회적 항의를 썼다.그들의 개인적인 경험에 대한 불만들이러한 사회적 이슈에 대한 집중은 싱어송라이터 장르에 큰 영향을 끼쳤다.게다가 1930년대부터 1950년대에 걸쳐 호이 카마이클, 빌리 홀리데이, 레이 찰스, 해리 깁슨, 페기 리, 니나 시몬과 같은 재즈와 블루스 싱어송라이터들이 등장했고, 영향력 있는 싱어송라이터 제리 리 루이스, 버디 홀리, 척 샘 오비슨, 로큰롤 장르에도 등장했다.발렌스, 그리고 폴 앙카.컨트리 음악 분야에서는 행크 윌리엄스, 팻시 클라인, 타미 와이넷, 로레타 린, 조지 존스, 멀 해거드, 로저 밀러, 빌리 에드 휠러, 그리고 다른 가수들이 1940년대부터 1960년대까지 종종 연애와 다른 주제에 대한 설득력 있는 노래를 작곡했다.

영어권 북미와 영국에서 이 싱어송 라이터가 처음으로 대중적으로 인지된 것은 1960년대와 1970년대 초반 블루스, 포크, 그리고 국가의 영향을 받은 음악가들이 두드러지고 인기를 얻었을 때였다.이 싱어송라이터들은 밥 딜런, 닐 영, 존 레논, 밴 모리슨, 윌리 넬슨, 폴 사이먼, 레너드 코헨, 조니 미첼을 포함했다.캐롤 킹, 타운즈 반 잔트, 닐 다이아몬드 등 주로 작사가였던 아티스트들도 연주자로서의 작품을 내놓기 시작했다.대부분의 이전 국가 및 포크 음악의 스토리텔링 접근 방식과는 대조적으로, 이러한 연주자들은 일반적으로 매우 개인적인 (종종 1인칭) 자기성찰적인 관점에서 곡을 썼다."고백"과 "민감"이라는 형용사는 종종 싱어송라이터 스타일을 묘사하기 위해 사용되었다.

1970년대 초반 제임스 테일러
캐롤 킹이 USS 해리 S에서 공연하고 있다. 2000년 지중해의 트루먼

록 밴드 시대에 멤버들은 엄밀히 말하면 솔로로서 싱어송라이터가 아니었다.하지만 많은 이들이 다른 밴드 멤버들과 함께 곡을 만든 싱어송라이터들이었다.예로는 폴 매카트니, 존 레논, 조지 해리슨, 링고 스타, 브라이언 윌슨, 믹 재거, 키스 리처드, 제리 가르시아, 밥 위어, 엘튼 존(버니 토핀과 함께), 저스틴 헤이워드, 존 로지, 로비 로버트슨, 이안 앤더슨, 필 콜린스 등이 있습니다.에릭 클랩튼과 같은 많은 다른 사람들은 그들의 말년에 싱어송라이터로서 성공을 거두었다.

미국 민속 음악 부흥, 우디 거스리와 피트 시저에 의해 개척된에서 개발한 장면 1960년대 초 주요한 운동, 조안 바에즈와 그의 히트, Blowin'더 많은 관객들이 Wind"(1963년)을"protest songs"에 주류 시청자에게 다가가기 시작 하였었다 그녀의 protégée, 밥 딜런에 의해 대중화되어로 늘어났다.[29]이질적인 교류의 조짐이 있었지만 록과 포크 음악은 다른 [30]관객들과 함께 대체로 다른 장르로 남아 있었다.민요와 록의 요소를 융합하려는 초기 시도는 록앤롤 [31]기기로 녹음된 민요 "떠오르는 태양의 집"(1964년)에서 강조되었다.

1960년대 중반까지 밥 딜런은 민중과 록을 융합하는 데 앞장섰고 1965년 7월 혁명적인 록 사운드를 담은 "롤링 스톤처럼"을 발매했으며, 그 후 그 달 말 뉴포트 포크 페스티벌에서 전기 공연을 했다.딜런은 모든 세대를 싱어송라이터의 환경에 끌어들였다.록 리듬과 전기적인 힘에 의해 중단되는 시와 함께 종종 도시적인 관점에서 글을 쓰면서, 딜런의 포크음악과 록의 융합은 새로운 싱어송라이터들이 그들의 이야기를 하기 위해 두 전통의 요소들을 사용할 수 있게 해 주었다.1960년대 중후반, 밴드들과 싱어송라이터들이 뉴욕 언더그라운드 미술/음악계를 확산시키기 시작했다.1967년 더 벨벳 언더그라운드 & 니코의 발매는 싱어송라이터 루 리드와 독일 가수이자 공동작업자인 니코가 참여한 것으로 2003년 [32][33]롤링 스톤에 의해 "가장 예언적인 록 앨범"으로 묘사되었다.

60년대 후반, 팝의 테두리를 벗어난 여성 싱어송라이터의 새로운 물결이, 앤 섹스턴이나 실비아 플래스와 같은 시인들의 고백적인 스타일로 도시 풍경을 가사의 캔버스로 사용했다.이 선구적인 여성들, 특징 있는 뉴스 위크, 1969년 7월,"여자::'그들에게 – 조니 미첼과 Lotti 골든, 로라 Nyro, Melanie는 방지하고, Elyse는 조산사가 되와인버그, 자아 발견의 항해처럼 쓰는한 개인화된 노래, 날카로운 관찰력과 시의 영향력에 깜짝은 발 디딜 틈이 없는 것은 흔한 일 하면."에 등장했다.[34]<가디언>에서 작가 로라 바튼은 소재의 급격한 변화를 묘사하고 있다.-그들은 정치, 연애, 도시 풍경, 마약, 실망,[35] 그리고 떠돌이 연주자의 삶과 외로움에 대해 노래했다.로티 골든은 애틀랜틱 데뷔 앨범 '모터 사이클'에서 1960년대 후반 뉴욕 이스트 빌리지에서 성 정체성(The Space Queens-Silky is Sad)과 과도한 약물 복용(Gonna Fay's)과 같은 주제를 방문하며 그녀의 삶을 연대기화했다.1969년 뉴스위크 기사에 실린 여성들은 비욘세의 2016년 앨범 [36]레모네이드의 뮤즈로 시인 워산 샤이어와 함께 21세기 [35]여성 싱어송라이터들에게 정보를 준 현대 여성 싱어송라이터의 새로운 시대를 열었다.

Lotti Golden performing, Nashville, Tenn., 1971 text
1971년 테네시주 내슈빌에서 로티 골든 공연

1970년대 중반과 1980년대 초까지 싱어송라이터의 원래 물결은 대체로 좀 더 일반적인 팝이나 소프트 록 형식으로 흡수되었지만, 싱어송라이터 전통에서 몇몇 새로운 아티스트들(빌리 조엘, 스티비 원더, 브루스 스프링스틴, 톰 페티, 잭슨 브라운, 크리스 이사크, 빅토리아 윌리엄스, 존 멜캠프 Z)이 있었다.계속해서 등장했고, 다른 경우에는 피터 케이스, 폴 콜린스, 폴 웨스터버그와 같은 록과 펑크 록 아티스트들도 솔로 싱어송라이터로 전향했다.케이트 부시는 그녀의 독특한 스타일로 내내 독특했다.

1980년대 후반, 이 용어는 첫 앨범이 예상외로 잘 팔린 수잔 베가를 시작으로 트레이시 채프먼, 멜리사 Etheridge, 난시 그리피스, K.d. lang, 샤니아 트웨인, 사라 맥라클란, 숀, 로빈 등의 미국 여성 아티스트 그룹을 대상으로 적용되었다. 영국에서 먼저 성공을 거둔 아모스는 그 후 그녀의 국내 시장에서 성공을 거두었다.1990년대 초, 여성 아티스트들도 코트니 러브와 PJ 하비를 포함한 새로운 스타일로 등장하기 시작했다.이후 1990년대 중반, 이 용어는 캐나다의 Alanis Morissette와 그녀의 획기적인 앨범 Jagged Little Pill의 성공으로 다시 부활했다.

또한 1980년대와 1990년대에 보노, 더 에지, 데이브 매튜스, 제프 버클리, 리처드 바로네, 던컨 셰이크, 엘리엇 스미스 같은 아티스트들은 새로운 어쿠스틱 기반의 록 스타일을 만들기 위해 싱어송라이터의 전통을 차용했다.2000년대에는, 더 조용한 스타일은 대부분 인상파적 가사와, 노라 존스, 코너 Oberst, 수프얀 스티븐스, 데이비드 Bazan, 사우스산 가브리엘:미국 California주 서남부, 아이언&와인, 데이비드 그레이, 레이 라몬 테인, 멕 허친슨, Darden 스미스, 조쉬 라우스, 스티브 Millar, 졸리는 네덜란드, 패트릭 더프, 리처드 버크너, 보석, 잭 Savoretti, 리차드 같은 예술가들에서 나왔다. 스엔델, 존 고카, 앤티 듀베콧.몇몇은 커트 코베인, 노엘 갤러거, 티본 버넷, 에디 베더, 피트 요른과 같은 새로운 장르로 진출하기 시작했다.다른 사람들은 창의력을 증진시키기 위해 마음을 바꾸는 방법으로 마약을 사용했다. 예를 들어, 홀리선즈의 에밀 아모스는 16세부터 매일 마약을 복용했고, 1,000곡 이상의 노래를 작곡했고, 인디 [37]음반사와 음반 계약을 맺었다.

1990년대 후반부터 개인은 프로페셔널 등급의 시스템으로 녹음을 할 수 있게 되었다.이것은 사람들이 독립적으로 그들의 음악을 녹음하고 판매할 수 있는 기회를 만들었다.이러한 아티스트는 독립적이고 종종 자기 소유의 음반사에 음반을 발매하거나 아예 레이블이 없기 때문에 "인디"로 알려져 있습니다.게다가 인터넷은 인디아가 그들의 음악을 더 많은 청중에게 들을 수 있는 수단을 제공해 왔다.

데이비드 크로스비(The Byrds and Crossby, Stills & Nash의)는 1976년 스탠포드 대학 프로스트 원형극장 무대 뒤에서 목격된 메인스트림 록으로 넘어온 싱어송라이터 중 한 명이다.
트레이시 채프먼은 1980년대에 미국 사회의 사회적 이슈에 대해 노래하기 시작했다.
2010년 노라 존스 전기 피아노 연주존스는 라비 샹카르의 딸이다.
그래미상을 11번이나 수상한 현대 싱어송라이터 테일러 스위프트(2015년 사진)

프랑스의 전통인 샹송

프랑스의 "샹송"은 중세부터의 오래된 전통에서 유래했습니다.그것은 프랑스어의 리듬에 따라 움직이며 일반적으로 영어권보다 높은 수준의 가사를 가지고 있다.이는 영미 록 음악과 록 밴드 시대의 문화적 영향 아래 1960년대부터 오늘날까지 프랑스에서 퍼지기 시작한 나머지 "팝" 음악이나 소프트 록 형식과 구별될 수 있다.

최초의 현대 프랑스 싱어송라이터는 1938년 솔로 활동을 시작한 샤를 트레네였다.그는 샹송에서 재즈 리듬을 처음으로 사용했다.그는 레오 페레, 조르주 브라센스, 펠릭스 르클레르(퀘벡 출신), 세르게 게인스부르, 자크 브렐(벨기에 출신), 앙리 살바도르(프랑스령 아즈나브)와 같은 예술가들이 제2차 세계대전 이후 새로운 세대가 창조적으로 꽃을 피울 때까지 고립된 행위로 남아 있었다.신랄하고 풍부한 상상력그들 대부분은 젊은 세대의 프랑스 예술가들에 의해 위대한 거장으로 인정받고 있는데, 특히 페레는 가사의 풍부함, 선율의 천재성, 사회 문제에 대한 비판적 밀도, 그리고 그의 작품 본체의 심오함으로 인해 프랑스어로 구동되는 리듬으로 팝이나 록 음악을 밝고 운치 있게 각색한 것으로 알려져 있다.

1960년대와 1970년대에 가장 유명한 싱어송라이터는 클로드 누가로, 장 페라, 보비 라푼트, 프랑수아즈 하디, 미셸 폴나레프, 니노 페러, 크리스토프, 베르나르 라빌리에, 베로니크 산송, 자크 히겔린을 포함했다.

칸토토리, 이탈리아의 전통

루시오 바티스티

칸토토리(이탈리아어 복수형, 단수형은 칸토토레)는 영어의 싱어송라이터에 대응하는 이탈리아어 표현이다.그 단어는 칸탄테(가수)와 오토레(작가)의 합성어이다.

최초의 국제적인 칸타우토레는 1958년 그의 노래 "Volare (Nel blu dipinto di blu)"로 유명한 도메니코 모두그노였고, 50년대 후반에 활동을 시작한 다른 초기 칸타우토리는 지노 파올리, 루이지 텐코, 움베르토 빈디, 조르지오 가버, 얀조이다.

파브리치오 데 앙드레, 루시오 바티스티, 프란체스코 구치니는 60년대에 활동을 시작했고, 에도아르도 베네나토, 루시오 달라, 프란체스코 데 그레고리, 프랑코 바티아토, 리노 가에타노, 이바노 포사티, 안토넬로 벤디티, 클라우디오 바기노는 60년대에 활동을 시작했다.그들의 노래는 오늘날에도 여전히 인기가 있으며, 종종 소외된 사람들(De André, Guccini, Dalla)과 반항적인 사람들(Finardi, De Gregori, Venditti) 또는 정치적 배경(Venditti, Guccini)에 대한 이야기를 들려준다.

대신에 브란두아르디는 중세 및 바로크 음악 스타일에 훨씬 더 많은 영향을 받았고, 그의 가사는 대개 고대 우화에 영감을 받았습니다.바티아토는 1970년대 프로그레시브 록으로 시작해 1980년대 팝, 일렉트로닉, 뉴웨이브, 월드뮤직의 독창적인 조합으로 전환했다.

나폴리 칸토토레 피노 다니엘레는 종종 R&B, 퓨전, 블루스, 팝, 재즈, 타란텔라 등 다양한 장르를 융합해 이탈리아어, 나폴리, 영어로 다양한 가사로 자신만의 독특한 사운드를 만들어냈다.비슷하게, 파올로 콩테는 종종 칸토토레라는 꼬리표를 달았지만, 재즈 전통에 더 빠져 있었다.

1980년대에 Vasco Rossi는 이탈리아 멜로디가 섞인 블루스 색상의 록 음악으로 유명했다.그는 [38]팬들로부터 "유일한 이탈리아 록스타"라는 별명을 얻었다.

국제적인 사운드와 이탈리아어 가사가 혼합된 2000년대에 부고는 그를 [39]위해 만들어진 신조어인 "판토레"가 되었다.비록 큰 명성을 얻지는 못했지만, 그는 70년대 [40]정치화된 것과는 거리가 먼 이탈리아 작곡의 재창조의 선구자로 여겨진다.

지난 25년 동안 이 장르는 Samuele Bersani, Capareza, 그리고 소위 제2의 로마 칸토토리 학파(Max Gazzé, Nicolò Fabi, Danielle Silvestri, Simone Cristchi)에 의해 대표되어 왔다.

이 단어는 스페인어, 포르투갈어, 카탈로니아 칸타우터, 프랑스어 찬타우터, 몰타 칸타우터, 루마니아 칸타우터, 슬로베니아 칸타우터를 포함한 다른 언어로 차용되었다.

이베리아-라틴 아메리카 전통

1960년대에 시작하여 1950년대의 이탈리아 칸토토리 스타일을 따라 많은 라틴 아메리카 국가들은 다양한 인기 스타일의 요소를 채택한 싱어송라이터 전통을 발전시켰다.최초의 그러한 전통은 1960년대 중반 칠레, 페루, 아르헨티나, 볼리비아와 같은 안데스 국가들에서 지배된 누에바 칸시온의 발명이다.

카에타노 벨로소

비슷한 시기에, 브라질 인기 스타일의 보사노바는 트로피컬리스모라고 불리는 정치적으로 비난 받는 싱어송라이터 전통으로 발전하고 있었다.질베르토 길과 카에타노 벨로소라는 두 명의 연주자는 트로피컬리스모에서의 작업을 통해 브라질에서 가장 유명한 두 사람이 되었다.

제2차 세계대전 후 이탈리아에서 매우 다작의 싱어송라이터(이탈리아 칸토레) 전통이 개발되어 처음에는 샹소니에의 프랑스 학파와 연결되었다가 최근에는 매우 이질적으로 발전했다.칸토토레라는 용어는 일반적으로 가사에 일관된 사회정치적 내용을 내포하고 있지만, 보다 포괄적인 싱어송라이터 분류로 주목할 만한 연주자는 도메니코 모두그노, 루이지 텐코, 지노 파올리, 세르지오 엔드리고, 파브리치오 데 안드레, 프란체스코 데 그레고리, 안토넬로 벤디티, 베치이다.우치니와 프랑코 바티아토.

인근 몰타에서 주요 싱어송라이터는 월터 미컬레프, 맨웰 미프수드, 빈스 파브리이다.그들은 모두 몰타어로 공연한다.

스페인과 포르투갈도 라틴어 요소를 바탕으로 한 싱어송라이터의 전통을 가지고 있다.카탈로니아는 조안 마누엘 세르트와 루이즈 라흐로 대표되는 노바 칸소의 전통으로 잘 알려져 있다. 포르투갈의 포크/프로테스트 가수이자 작곡가인 호세 아폰소는 현대화되고 사회적으로 인식된 형태의 파도를 포함한 포르투갈 민속 문화의 부흥을 이끌었다.1974년 포르투갈의 카네이션 혁명 이후, 노바 칸소는 더욱 정치화되었고 칸투 리브레로 알려졌습니다.스페인의 또 다른 중요한 싱어송라이터로는 호아킨 사비나, 호세 루이스 페랄레스, 루이스 에두아르도 오테가 있다.

1960년대 후반과 1970년대에, 실비오 로드리게스와 파블로 밀라노네스와 같은 사회적, 정치적으로 인식되는 싱어송라이터들이 쿠바에서 나타나 누에바 트로바로 알려진 장르를 탄생시켰다.트로바는 하나의 장르로서 라틴 아메리카 전역에 광범위한 영향을 끼쳤다.예를 들어 멕시코에서는 유카탄 반도의 칸시온 유카테카와 시에라 후아레즈의 트로바 세라나가 모두 트로바의 지역적 적응이다.오늘날 과테말라 출신의 리카르도 아르조나는 라틴 아메리카에서 상업적으로 가장 성공한 싱어송라이터로 인정받고 있습니다.비록 그의 작품에서 사회정치적 참여는 고르지 않지만, 어떤 사람들은 아르조나의 더 많은 참여 작품들이 그를 이탈리아 칸토토리의 전통에 놓이게 한다고 본다.

1970년대 중반, 우루과이에서 인기 있는 칸토라고 불리는 싱어송라이터 전통이 생겨났다.

트로피컬리스모, 전통 삼바, 보사 노바의 영향으로 MPB, 즉 브라질 대중음악은 높은 싱어송라이터가 되었다.수년간 솔로 가수들은 로맨틱한 냉소주의 알라 조빔이나 잠재의식적인 반정부 메시지 모두 치코 부아르케로 브라질 대중음악을 지배했다.브라질 군사독재가 끝난 후 브라질 음악은 정치적, 사회적 의식이 낮아졌다.검열을 받은 라울 세이샤나 유머러스한 정신주의자 호르헤 벤은 펑크 카리오카, 악세 음악, 브라질 디스코에 의해 서서히 가려졌다.그러나 최근 몇 년 사이 사회적으로 의식적인 브라질 싱어송라이터들의 새로운 주식이 1980년대 이후 거의 엄격하게 지배되어 온 댄스 음악 모멘텀을 깨기 시작하고 있다.

소련과 러시아

주요 기사 : 바드 (소련)
소련과 러시아 음유시인 불라트 오쿠자바

1960년대 이후 소련 체제 밖에서 작곡한 가수들은 '바드'로 알려져 왔다.전통적으로 바드송이라고 불리던 최초의 노래는 1930년대 후반과 1940년대 초반에 작곡된 것으로 생각되며, 이 장르의 존재는 전통적으로 소련 지식인들의 아마추어 활동, 즉 대중 배낭여행 운동과 1950년대와 1960년대 학생들의 노래 운동에서 비롯되었다.많은 바드들이 러시아 기타를 사용하여 소그룹에서 그들의 노래를 연주했는데, 다른 음악가나 가수들과 함께 하는 경우는 거의 없었다.하지만 피아노나 아코디언을 사용한 바드도 알려져 있습니다.유명해진 사람들은 겸손한 콘서트를 열었다.최초의 전국적인 유명한 돼지들은 전통적으로 퍼스트 파이브라고 불린다: 미하일 안차로프, 알렉산더 고로드니츠키, 노벨라 마트베예바, 불라트 오쿠자바, 유리 비즈보.1960년대에, 그들은 블라디미르 비소츠키, 빅토르 베르코프스키, 율리 김, 그리고 다른 많은 사람들과 함께 했다.

1970년대 들어 클래식한 6현 기타로의 전환이 이뤄졌고, 지금은 러시아산 기타가 바드를 가진 희귀 조류다.같은 시기에 KSP(Kluby Samodeyaelnoy Pesni – 아마추어 노래 팬클럽)의 움직임이 생겨나 1980년대 말까지 이들의 핵심 홍보 엔진이었다.바드는 많은 노래의 정치적 특성을 고려해 그들의 음악을 녹음하는 것이 거의 허락되지 않았다. 부분적으로는 엄격하게 국가가 지원하는 소련 쇼 비즈니스 시설에서 그들의 모호한 지위 때문이다.결과적으로, 음유시인 곡들은 보통 민간 전승으로, 입에서 입으로, 또는 콘서트에서 만들어진 아마추어 음반들, 특히 정치적인 성질의 노래들의 카피를 통해 널리 퍼졌다.음유시인은 주로 다른 시와 달리 단순한 기타 선율과 함께 부른다는 점이 다르다.또 다른 차이점은 이 시의 형태는 문체보다는 의미에 더 초점을 맞춘다는 것이다.이것은 문체적 장치가 덜 사용되고 시는 종종 서술의 형태를 취한다는 것을 의미한다.다른 노래들과 음시들을 구별하는 것은 음악이 가사보다 훨씬 덜 중요하다는 사실이다; 코드 진행은 종종 매우 단순하고 한 음시 노래에서 다른 음시로 반복되는 경향이 있다.반면 소련에서 주요 음유시인 지지자는 작곡가 연합이었고, 주요 음유시인 증오자는 작가 연합이었다.훨씬 더 분명한 차이점은 이 장르의 상업성이 없다는 것이다. 즉, 노래는 팔리지 않고 노래를 부르기 위해 쓰여졌다.다른 포스트 소련 국가에서는 싱어송라이터들이 지배하는 비슷한 장르가 노래시로 알려져 있다.

불가리아

불가리아에서 싱어송라이터는 "바드" 또는 "기타를 든 시"라는 이름으로 인기가 있습니다.그들의 전통은 전통적인 민속 모티브, 20세기 초반의 도시 민속, 그리고 현대의 영향을 혼합한 것이다.1960년대, 1970년대, 그리고 1980년대에 이 나라의 공산당 정권은 불가리아인들의 "배드"를 용인하기 시작했고, 보통 1인 밴드에 의해 연주되는 소위 "정치적 노래"를 홍보했다.불가리아에서는 공산주의적 의미가 강한 상징인 '알렌막'(붉은 양귀비)이라는 제목으로 국가적 축제 전통이 확립됐다.동시에, 엔젤 "젠데마" 안젤로프, 야보 "야브카타" 릴로프, 벨리자르 "발데스" 방코프 등 공산당 공식 노선에 반하는 유명한 지하 인사들이 있었다.

1989년 공산주의 붕괴 이후 싱어송라이터들의 전통이 다시 정립되었다.현재 불가리아의 "바드"들은 매년 여러 개의 축제, 즉 하만리 마을의 포키 축제(기타를 든 시, 시적 현악기), 로베흐의 바드페스트, 싱어송라이터들의 소피아 이브닝 등을 즐긴다.불가리아 전통의 주요 인물은 디미타르 타랄레스코프, 천사 젠데마 안젤로프, 야브카타 리로프, 벨리자르 반코프, 디미타르 도브레프, 안드로 스투벨, 브라니미르 "버니" 스토이코프, 벨로하일라바, 미하일로바.크라시미르 [citation needed]파르바노프입니다

루마니아

공산주의의 고립에도 불구하고, 루마니아에서 싱어송 라이터의 전통은 1960년대 말부터 번성했고 루마니아에서는 민족주의, 미국식, 서정주의 세 가지 주요 스타일로 포크 음악의 맥락에 놓였다.이러한 이니셔티브의 많은 틀은 피할 수 없는 이념적 손길을 가진 일련의 대중 문화 사건인 Cenaclul Flacherra의 형태로 이루어졌다.그러나 밥 딜런, 조앤 배즈 등 우드스톡 세대 서양 아티스트의 탈취, 가스펠 같은 음악 공개, 큰 국제적 이슈(대중문화, 지도층의 책임감, 냉전시대 고조된 긴장감)에 대한 개방은 놀라운 일이다.중립적인 입장 등).전반적으로 루마니아 사람들은 비동맹적인 음악과 항의적인 [citation needed]음악 사이의 지하 문화 운동으로 인식될 수 있다.

독일의 전통인 리더마허

라인하르트 메이

1960년대와 1970년대는 프랑스 샹송 장면과 미국 포크 음악 부흥에서 즉각적인 영감을 얻으면서 유럽의 벤켈상 (벤치 싱잉)과 모리타트 전통에 뿌리를 두고 있었으며, 독일어로 된 싱어송라이터인 "Ledermacher" (송메이커)가 등장했고, 그 중 한 명인 프란츠, 한스 웨더 (Josader)가 있었다.서독 출신의 ef Degenhardt, Reinhard Mey, Constantin Wecker, 동독 출신의 볼프 비어만, 오스트리아 출신의 루드비히 히르슈와 게오르크 댄저.내용과 스타일에 관해서, 리더마허의 스펙트럼은 정치적 발라더링에서 다소 관찰적인 스토리텔링과 러브송에 이르기까지 다양하다.가사는 종종 사회적 불평등, 군국주의, 소비주의, 환경 문제 또는 독일 나치의 과거 반향과 같은 주제를 다루며, 종종 기술 골격주의와 반체제적 관점을 [41]표현한다.

스웨덴

1960년대 중반, 스웨덴은 싱어송라이터의 스웨덴 버전인 "트루바두르"의 부흥을 목격했다.Cornelis Vreeswijk와 Fred Okerström은 특히 "비자"(칼 마이클 벨만과 에버트 타베와 같은 예술가들에 의해 구별된 간단한 스탠자 시나 노래를 그리는 특정한 방법)의 유산과 발라디어링에 [42]대한 현대적인 접근 방식을 혼합하려는 노력에 영향을 미쳤다.

네덜란드

에데 스탈(1941년-1986년)은 네덜란드 북부 그로닝겐주에서 온 싱어송라이터로 주로 네덜란드어의 그로닝어 방언으로 노래했다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

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추가 정보

외부 링크