음악사

History of music
시계 방향으로, 왼쪽 위부터:

음악에 대한 정의는 전 세계적으로 매우 다양하지만, 알려진 모든 문화가 음악에 참여하고, 따라서 음악은 문화적 보편성을 가지고 있다고 여겨집니다.음악의 기원은 매우 논쟁적으로 남아있습니다; 해설가들은 음악이 언어 이전에 생겨났는지, 이후에 생겨났는지 또는 동시에 생겨났는지를 둘러싼 많은 의견 차이와 함께, 종종 그것을 언어의 기원과 관련시킵니다.광범위한 분야의 학자들에 의해 많은 이론들이 제안되었지만, 어떤 이론도 광범위한 승인을 얻지 못했습니다.대부분의 문화는 음악의 발명에 관한 그들만의 신화적 기원을 가지고 있으며, 일반적으로 그들 각각의 신화적, 종교적 또는 철학적 믿음에 뿌리를 두고 있습니다.

비록 실제 기원이 초기 중기 구석기 시대(300,000~50,000 BP)에 있는지 아닌지는 불확실하지만, 선사 문화의 음악은 뼈 피리의 증거에 의해 상부 구석기 시대의 40,000 BP로 확고하게 연대가 추정됩니다.선사시대 음악에 대해서는 거의 알려진 바가 없으며, 주로 단순한 플루트와 타악기에 국한되어 있습니다.그러나, 그러한 증거는 음악이 샤 왕조와 인더스 계곡 문명과 같은 선사 시대 사회에 어느 정도 존재했음을 나타냅니다.문자의 발달과 함께 고대의 음악인 문자 문명의 음악은 중국, 이집트, 그리스, 인도, 페르시아, 메소포타미아, 중동의 주요 사회에 존재했습니다.고대 음악 전반에 대해 많은 일반화를 하기는 어렵지만, 알려진 바에 의하면 그것은 종종 단선율곡과 즉흥곡으로 특징지어졌습니다.고대의 노래 형태에서, 텍스트는 음악과 밀접하게 정렬되어 있었고, 현존하는 가장 오래된 음악 표기법이 이 시기에 남아 있지만, 리그베다와 시경 고전과 같은 많은 텍스트가 그들의 동반된 음악 없이 남아 있습니다.실크로드의 궁극적인 출현과 문화 간의 증가하는 접촉은 음악적인 생각, 연습, 그리고 악기들의 전달과 교환으로 이어졌습니다.이러한 상호작용은 당나라의 음악이 중앙아시아의 전통에 크게 영향을 받는 반면, 당나라의 음악과 일본의 가가쿠, 한국의 궁중음악은 서로 영향을 미쳤습니다.

역사적으로, 종교는 종종 음악의 촉매제가 되어 왔습니다.힌두교의 베다는 인도 고전 음악에 큰 영향을 끼쳤고 유교의 오대 고전은 이후의 중국 음악의 기초를 마련했습니다.6세기 이슬람의 급속한 보급 이후, 이슬람 음악은 페르시아와 아랍 세계를 지배했고, 이슬람 황금기에는 수많은 중요한 음악 이론가들이 존재했습니다.초기 기독교 교회에 의해 쓰여진 음악은 서양 고전 음악 전통을 적절하게 열었고,[1] 서양 고전 음악은 다성음악, 음표 표기법 그리고 많은 현대 악기들의 초기 형태들이 발달한 중세 음악으로 이어졌습니다.한 사회의 음악은 종교나 부족함 이외에도, 사회적, 경제적 조직과 경험, 기후, 그리고 기술에 대한 접근을 포함한 문화의 모든 다른 측면에 영향을 받습니다.많은 문화들이 음악을 중국의 4대 예술과 중세의 4중주와 같은 다른 예술 형태와 결합시켰습니다.음악이 표현하는 감정과 사상, 음악이 연주되고 듣는 상황, 음악가와 작곡가에 대한 태도 등은 지역과 시대에 따라 다양합니다.많은 문화들이 예술 음악(또는 '클래식 음악'), 민속 음악, 대중 음악을 가지고 있거나 계속해서 구분하고 있습니다.

오리진스

자세한 정보:진화 음악학 § 음악의 기원
참고 항목:음악고고학과 음악의 정의

"그러나 음악은 메시지들이 정교하게 표현되는 언어이며, 그러한 메시지들은 많은 사람들이 이해할 수 있지만, 오직 소수만이 전달할 수 있습니다.그리고 모든 언어들 사이에서 그것만이 동시에 이해할 수 있고 번역할 수 없는 모순적인 성격을 통합한다는 것, 즉 이러한 사실들은 음악의 창조자를 신과 같은 존재로 만들고 음악 자체를 인간 지식의 최고의 신비로 만듭니다."

Claude Lévi-Strauss, The Raw and the Cooked[2]

음악은 문화적 보편성으로 간주되지만,[3][4] 문화와 역사에 따라 음악의 정의는 다릅니다.[5]인간 인지의 많은 측면들과 마찬가지로, 학자들이 종종 양극화된 입장을 취하면서, 음악의 기원이 어느 정도까지 이해될 것인지에 대해서는 여전히 논의되고 있습니다.[6]음악의 기원은 종종 언어의 기원과 함께 논의되는데, 그들의 연관성의 본질은 많은 논쟁의 주제입니다.[7]그러나 20세기 중반 이전에는 두 주제 모두 학계에서 큰 주목을 받지 못했습니다.[8][9][n 1]화제가 다시 떠올랐기 때문에.논쟁의 주요 원천은 세 가지 관점으로 나뉩니다: 음악이 언어에 이르게 한 일종의 원형 언어(적응의 결과)로 시작되었는지, 음악이 언어의 결과인 스패들(진화의 표현형 부산물)[11][12][n 2][n 3]인지, 또는 음악과 언어가 모두 공통된 선행에서 파생되었는지.

고고학자, 인지 과학자, 민족 음악학자, 진화 생물학자, 언어학자, 신경 과학자, 고생물학자, 철학자, 심리학자(발달 및 사회)의 기여를 포함한 음악의 기원에 대한 특정 이론에 대한 합의는 거의 없습니다.[21][n 4]대표적인 이론은 다음과 같습니다.

  • 음악은 성적 선택의 정교한 형태로 생겨났고, 아마도 짝짓기 호출에서 생겨났을 것입니다.[23]아마도 음악의 기원에 대한 최초의 중요한 이론인 이 이론은 일반적으로 찰스 다윈에게 기인합니다.[24][25]다윈의 1871년 저서 《인간의 하강과 성에 관한 선택》에 처음 등장하였으며,[8][26] 인간의 성이 "더 음악적"이라는 증거가 없으므로 성적 이형성의 증거가 없다는 비판을 받아 왔습니다. 현재 성적 이형성을 포함하지 않은 성적 선택의 다른 예는 없습니다.[27]다른 동물들의 짝짓기 시스템에서 음악의 사용을 인용한 최근의 논평가들은 그럼에도 불구하고 다윈의 이론을 전파하고 발전시켰습니다; 그러한 학자들은 Peter J.B.를 포함합니다.슬레이터, 케이티 페인, 비에른 메르커, 제프리 밀러, 피터 토드.[28]
  • 음악은 언어와 함께 생겨났는데, 둘 다 "공유된 전조"에서 유래한 것으로 추정됩니다.[29][30][28]생물학자 Herbert Spencer는 이 이론의 중요한 초기 지지자였고,[25] 작곡가 Richard Wagner도 그 음악과 언어의 공유 조상을 "말-음악"이라고 불렀습니다.[11]21세기 이래로, 많은 학자들이 이 이론을 지지해왔는데, 특히 고고학자 스티븐 미텐이 그렇습니다.[25]
  • 음악은 현실적인 필요를 충족시키기 위해 생겨났습니다.제안 내용은 다음과 같습니다.
    • 경제학자 칼 뷔처(Karl Bucher)가 처음 제안한 응집력 있는 노동을 조직하는 데 도움을 주기 위해서입니다.[25]
    • 음악학자 칼 스텀프(Carl Stumpf)가 처음 제안한 장거리 통신의 용이성과 범위를 개선하기 위해서입니다.[25]
    • 인류학자 지그프리드 나델이 처음 제안한 신성하거나 다른 초자연적인 존재와의 의사소통을 강화하기 위해서입니다.[25][31]
    • 특히 가족 또는 지역사회의 맥락에서 "조정, 응집력 및 협력"을 지원합니다.[25][28]
    • 포식자나 어떤 종류의 적을 겁주기 위한 수단이 되는 것.[25]
  • 음악은 음악학자 커트 삭스(Curt Sachs)가 처음 제안한 "말하기(logogenic)와 감정 표현(pathogenic)"이라는 두 가지 기원을 가지고 있습니다.전 세계적으로 음악의 다양성을 되돌아보면서, 삭스는 일부 음악이 의사소통적이거나 표현주의적인 형태에 국한된다는 것에 주목했고, 이러한 측면들이 별개로 발전했다는 것을 암시했습니다.[25]

많은 문화들은 음악의 창조에 대한 신화적인 기원을 가지고 있습니다.[32][33]기독교 신화의 주발,[25] 페르시아/이란 신화의 전설적인 샤 잠시드,[34] 힌두교의 여신 사라스와티,[35] 고대 그리스 신화의 뮤즈와 같은 특정 인물들이 음악을 발명한 것으로 인정받고 있습니다.[33]어떤 문화들은 음악의 여러 기원을 공경합니다; 고대 이집트 신화는 그것을 아문, 하토르, 이시스, 오시리스를 포함한 수많은 신들과 연관짓지만, 특히 이히는 그렇습니다.[36]중국 신화에는 음악의 기원과 관련된 많은 이야기가 있지만,[37][n 5] 가장 눈에 띄는 것은 황제 황디의 명령에 따라 신화 속 펑황새의 노래를 모방하여 대나무 피리를 발명한 음악가 링룬의 이야기입니다.[38]

선사시대

주요 기사:선사시대 음악
왼쪽 위, 슬로베니아의 디비제 베이브에서 온 것으로 알려진 디비제 베이브 플루트;[39] 오른쪽 위는 독일 가이센클뢰스터레에서 온 오리냑 뼈 플루트;[40] 오늘날 허난성 우양시 자후에 있는 아래는 구디 뼈 플루트.

가장 넓은 의미에서, 선사시대 음악(과거의[41][42][n 6] 원시 음악)은 인간과 침팬지가 마지막으로 공통의 조상을 가졌던 적어도 600만년 전에 시작하여, 선사시대 문화(선사시대)에서 생산된 모든 음악을 포함합니다.[43]음악은 구석기 시대에 처음 생겨났지만,[44] 이것이 중세(300,000 ~ 50,000 BP)인지 아니면 상부 구석기(50,000 ~ 12,000 BP)인지에 대해서는 불분명합니다.[45]대부분의 구석기 시대 악기들은 유럽에서 발견되었으며 상부 구석기 시대까지 거슬러 올라갑니다.[46]이 시기보다 훨씬 이전에 노래가 등장했을 가능성은 분명하지만, 이것은 본질적으로 확인하기 불가능합니다.[47]잠재적으로 가장 오래된 악기는 슬로베니아의 Divje Babe 동굴에서 온 Divje Babe Flute로 연대는 43,000년, 82,000년에 이르며 어린 동굴 곰 대퇴골로 만들어졌습니다.[48]네안데르탈인에 의해 사용된 것으로 알려진 디바이브 베이브 플루트는 학계의 광범위한 관심을 받아왔고, 그것이 정말로 악기인지 동물에 의해 형성된 물체인지는 치열한 논쟁의 주제입니다.[39]전자라면, 그것은 중세 구석기 시대의 가장 오래된 악기이자 음악 문화의 증거가 될 것입니다.[49]디비제 베이브 플루트와 다른 세 개의 의심스러운 플루트 외에 시각 예술과 관련된 상황과 유사한 확실성에 대한 남아있는 중세 구석기 음악적 증거는 사실상 없습니다.[n 7][44]독일 슈바벤 쥐라의 뼈 피리, 즉 가이센클뢰스터레, 홀레펠스, 보겔허드 동굴의 뼈 피리입니다.[50]구석기 시대의 구석기 시대의 구석기 시대와 초기 유럽 현대 인류가 사용한 동굴에는 모두 여덟 개의 예가 있는데, 네 개는 새의 날개 뼈로 만들어졌고 네 개는 매머드 상아로 만들어 졌습니다. 이 중 세 개는 거의 완성도가 높습니다.[50]가이센클뢰스터레에서 나온 세 개의 플루트는 기원전 43,150년에서 39,370년 사이에 가장 오래된 것으로 추정됩니다.[51][n 8]

플루트의 상대적인 복잡성을 고려할 때, 방울, 흔들기, 드럼과 같이 후기 수렵 및 채집 사회에서 흔한 물건과 유사한 초기 악기가 존재했을 가능성이 높습니다.[47]이 시기 이전과 이전에 다른 악기가 없었던 것은 갈대, 박, 가죽, 나무껍질과 같은 [44]더 약한 생분해성 재료를 사용했기 때문일 수 있습니다.[52]기원전 15,000년에 제작된 트로이-프레레 동굴의 그림은 무속인이 활을 연주하는 것을 묘사한 것으로 생각됩니다.[53]

선사시대 문화는 서로 다른 사회 간의 통일이 거의 이루어지지 않은 채, 음악에 대한 다양한 용도를 가지고 있었다고 생각됩니다.[54]음악은 음식과 다른 기본적인 필요가 부족할 때 특별한 가치가 있었을 것입니다.[54]또한 선사시대의 문화들이 음악을 자연과 본질적으로 연결되어 있다고 보았고, 음악의 사용이 자연 세계에 직접적으로 영향을 주었다고 믿었을 가능성이 있습니다.[54]

선사시대 중국에서 발견된 가장 초기의 악기는 기원전 6000년부터 현재의 허난성 무양시 자후에서 발견된 12개의 구디뼈 피리입니다.[55][56][n 9][n 10]선사시대 하나라(c.2070년~1600년)의 악기는 청 2개, 작은 종 2개(토기 1개, 청동 1개), 훈 1개가 전부입니다.[58]남아있는 악기들의 극도의 부족과 대부분의 시아를 둘러싼 일반적인 불확실성 때문에, 그 시기의 음악적인 서사를 만드는 것은 비현실적입니다.[58]인도 아대륙에서는 선사시대 인더스 밸리 문명(기원전 2500년~2000년)에 단순한 방울과 플룻이 사용되었음을 보여주는 고고학적 증거가 있으며, 초기 하프와 드럼도 존재했음을 보여주는 도상학적 증거가 있습니다.[59]후기 IVC의 한 표식은 기원전 1800년 이전의 아치형 하프에 대한 최초의 묘사를 담고 있습니다.[60]

고대

주요 기사:고대음악
후르리아 가곡 중 가장 오래된 니칼에게 찬송가가 있는 위패 그리기 (기원전 1400년)c.

문자의 출현 이후, 문자를 쓰는 문명들은 고대 세계의 일부라고 일컬어지는데, 그 중 첫 번째는 기원전[61] 2600년의 Abu Salabikh (현재 남부 이라크)에 대한 수메르 문학입니다. 비록 고대 사회들의 음악이 매우 다양했지만, 몇몇 기본적인 개념들은 거의 모든 것, 즉 단성음악에서 두드러지게 생겨납니다.음악적 환경에서 즉흥성과 텍스트의 우세.[62]중국, 이집트, 그리스, 인도, 메소포타미아, 로마, 중동을 포함한 고대 문화권에는 다양한 노래 형태가 존재했습니다.[63]이 노래들의 텍스트, 리듬, 멜로디는 마법, 과학, 종교와 같은 음악 전반과 밀접하게 일치했습니다.[63]복잡한 노래 형태는 후대 고대 사회, 특히 중국, 그리스, 인도의 국가 축제에서 발전했습니다.[63]그 후 고대 사회는 또한 무역과 음악적 사상과 악기의 전승이 증가하는 것을 목격했는데, 종종 실크로드에 의해 인도됩니다.[64][65]예를 들어, 기원전 4-5세기 중국의 진쯔더의 튜닝 키는 상당한 페르시아의 도상을 포함합니다.[66]일반적으로, 문화 간의 고대 음악에 대한 많은 다른 일반화를 만들기에는 충분한 정보가 존재하지 않습니다.[63]

고대 음악 기보법의 실제적인 예들은 대개 파피루스나 점토판 위에 존재합니다.[63]음악적 연습, 장르, 사상에 대한 정보는 주로 문학, 시각적 묘사를 통해 얻을 수 있고, 시대가 진행됨에 따라 점점 더 많이 악기를 통해 얻을 수 있습니다.[63]현존하는 가장 오래된 문자 음악은 시리아 우가리트의 후르리아 노래입니다.이 중에서 가장 오래된 것이 니칼 찬송가입니다.6; h. 6), 다소 완전하며 기원전 1400년으로 거슬러 올라갑니다.[67]하지만 세이킬로스의 비문은 완전히 알려진 최초의 완전한 음악적 작곡입니다.2세기 또는 그 이후로 거슬러 올라가는, 그것은 아마도 알려지지 않은 세이킬로스의 부인을 위한 비문입니다.[68]

중국

상주

그들은 종을 치고, 친척, 친척,
그들은 se-ziter를 연주하고, 진-ziter를 연주하고,
입 안의 오르간과 차임벨 소리가 함께 울립니다.
그들은 야와 난 오데스를 부릅니다.
피리에 흠잡을 데 없이 수행할 수 있습니다.

Shijing, Ode 208, Gu Zhong[69]
Translated by John S. Major[70]

기원전 13세기 중엽, 상나라 후기(기원전 1600년–1046년)에는 문자가 발달했는데, 문자는 주로 의식적인 신탁뼈에 신명을 새긴 것일 뿐만 아니라 청동 문자로도 존재합니다.[71][72]11개에 달하는 오라클 스크립트 문자들이 어느 정도 음악을 참조할 수 있으며, 그 중 일부는 악기 자체의 도상적 표현일 수 있습니다.[73]청나라의 석종은 상나라 지배층에게 특히 인기가 있었던 것으로 보이며,[n 11] 상나라에 남아있는 피리는 없지만,[75] 신탁 기록에 따르면 오카리나(xun), 가로 피리(xiao), 세로 피리(dizi), 겹 피리(double pipe), 입 기관(sheng), 그리고 아마도 판 피리(paixiao)를 사용한 것으로 보입니다.[76][n 12]기원전 2000년 청동기가 등장하면서 상나라는 종(鈴), 나오(鐃), 중(鐘) 등 두 가지로 구분할 수 있는 소재를 사용했습니다.상 이전부터 발견되지 않는 북은 때때로 청동을 사용하기도 했지만,[80] 그것들은 더 자주 나무(반구)였습니다.[81][57][n 13]앞서 말한 관악기들은 주나라 (기원전 1046년–256년)[57][n 14] 시대에도 분명히 존재했습니다. 중국의 첫 번째 현악기인 진 (또는 구친)과 시더.주나라는 주요 궁정 합주단의 출현을 보았고, 잘 알려진 종후의 묘(기원전 433년 이후)에는 다양한 복잡하고 장식된 악기들이 있습니다.[57]이 무덤 중에서 가장 주목할 만한 악기는 적어도 5명의 연주자가 필요한 5옥타브에 달하는 65개의 조율된 비앙중 종들로 구성된 기념비적인 세트입니다. 그것들은 여전히 연주가 가능하고 음악에 대한 희귀한 비문을 포함합니다.[84]

후베이성 이씨 후작의 기념비적인 비앙종.

고대 중국의 악기들은 실용적인 수단과 의례적인 수단 모두에 사용되었습니다.사람들은 초자연적인 힘에 생존의 필요성을 호소하기 위해 그것들을 사용했고,[85] 반면 팬플룻은 사냥을 할 때 새들을 유인하기 위해 사용되었을 수 있고,[86] 드럼은 제물과 군사 의식에서 일반적이었습니다.[80]중국의 음악은 항상 춤, 문학 그리고 순수예술과 밀접하게 연관되어 있습니다;[87] 많은 초기 중국 사상가들은 음악을 사회의 도덕과 통치와 동일시 했습니다.[88][n 15]상나라와 주나라 시대에 걸쳐 음악은 왕실의 권력의 상징이었고,[91] 종교적인 예배와 조상과 영웅들의 축하 행사에 사용되었습니다.[85][92]공자 (551–479)는 의식과 이상적인 도덕과 관련된 음악을 공식적으로 우월한 야악 (雅樂, "제대로 된 음악")으로 지정했는데, 이는 사실상 모든 비의식 음악을 포함하지만, 특히 과도하거나 음탕하다고 여겨지는 모든 음악을 포함하는 俗樂 (俗樂, "관통적인/대중 음악")과는 반대로 말입니다.공자가 살았던 전국시대에 관리들은 종종 이러한 구분을 무시했고, 더 활기찬 스월 음악을 선호했고, 오로지 정치적인 수단을 위해 오래된 야월 전통을 사용했습니다.[94]공자와 맹자 같은 제자들은 이러한 선호를 무덕으로 여겼고, 음악이 우주와 본질적으로 연결되어 있다는 이론인 [95]지도자들의 간음에 대한 무지를 나쁘게 보았습니다.[96][97][n 16]그러므로, 고대 중국 음악의 많은 측면들은 우주론과 일치했습니다: 12음계의 shi-èr-l ǜ 체계는 특정한 무게와 측정과 동일하게 대응했습니다; 5음계의 음계와 5음계, 그리고 바구아의 8가지 상징과 함께 바인의 중국 악기의 8가지 음계 분류.중국 고대 음악가들의 연주 관행에 대한 실제 음악이나 텍스트는 남아있지 않습니다.[99]주나라의 오대 고전에는 음악 해설이 있고, 이칭과 춘추의 춘추의 실록이 참고가 되고, 리지서에는 실질적인 논의가 들어 있습니다(악보의 장 참조).[38]월경악곡이 소실된 반면,[78] 시경악곡은 서주 시대 (1045년–771년)의 소실된 노래들이 160여 개의 본문을 포함하고 있습니다.[100]

진과 한

상해박물관 동한시대 악공 2명(서기 25-220)

진시황에 의해 세워진 진 왕조 (221–206 BCE)는 단지 15년 동안 지속되었지만, 책을 태우는 것으로 알려진 것은 이전의 음악 문학의 상당한 손실을 초래했습니다.[65]진나라 사람들은 구정이 특별히 인기 있는 악기가 되는 것을 보았습니다; 더 휴대하기 쉽고 더 큰 소리로, 그것은 떠오르는 대중 음악계의 요구를 충족시킵니다.[101][n 17]한나라 (기원전 202년 – 서기 220년) 동안 상나라와 주나라의 음악을 "완벽한 것으로 이상화"되면서 재구성하려는 시도가 있었습니다.[98][65]악국인 월복은 기원전 120년에 한나라 무제가 세운 나라로 민요를 수집하는 역할을 했습니다.[102][n 18]이것의 목적은 두 가지였는데, 그것은 황실이 서민들의 생각을 제대로 이해할 수 있게 해주었고,[87] 또한 황실이 노래를 선전과 정치적 목적에 맞게 각색하고 조작하는 계기가 되기도 했습니다.[98][65][n 19]의식, 오락 지향적인 그리고 군악가들을 고용하여,[104] 그 국은 또한 다양한 장소에서 공연했고, 새로운 음악을 썼고, 사마샹루와 같은 유명한 인물들에 의해 의뢰된 시에 음악을 세웠습니다.[105]한나라는 유교를 공식적으로 국가 철학으로 받아들였고,[65] 정신이상설이 지배적인 철학으로 자리 잡았습니다.[106]그러나 실제로는 많은 관리들이 수악보다는 공자의 높은 평가를 무시하거나 경시했고,[107] 나중에 좀 더 활기차고 격식을 차리는 것을 선호했습니다.기원전 7년까지 국은 829명의 악공을 고용했는데,[65][105] 그 해 아이 황제는 재정적인 한계와 [65]유교와 상충되는 점점 더 유명해지는 스월 음악으로 인해 부서를 해체하거나 축소했습니다.[104]한나라는 중동과 중앙 아시아로부터 많은 외국 음악적 영향을 받았습니다: 떠오르는 실크로드는 악기들의 교환으로 이어졌고,[64] 장천과 같은 여행자들이 새로운 음악 장르와 기술로 중계할 수 있게 했습니다.[65]이러한 문화적 전승에서 나오는 악기로는 금속 트럼펫과 현대의 오보에와 오우드 류트와 비슷한 악기들이 있는데, 후자는 피파가 되었습니다.[64]다른 현존하는 악기들, 예를 들어 청,[86] 판파이프,[108] 그리고 특히 좋은 품성과 도덕성과 관련된 가장 존경받는 악기였던 진쯔더(또는 구친)는 인기가 크게 증가했습니다.[83]

그리스

주요 기사:고대 그리스의 음악

그리스 문자 역사는 고대 그리스까지 거슬러 올라가며, 고대 그리스 연극의 주요 부분이었습니다.고대 그리스에서는 오락, 축하, 정신적인 이유로 혼혈 합창단이 공연했습니다.[citation needed]악기들은 가장 중요한 관악기인 두 개의 리드를 가진 아울로 [109]뿐만 아니라 현악기인 라이어,[110] 특히 키타라라고 불리는 특별한 종류를 포함했습니다.

인디아

주요 기사:고대 인도의 음악

고대 인도의 음악에 대한 주요 출처는 텍스트와 도상입니다; 구체적으로, 산스크리트어의 몇몇 이론적 논문들이 남아있고, 일반 문헌에 짧은 언급이 있고, 고대 인도 음악가들과 그들의 악기들의 많은 조각들이 존재합니다.[111]고대 산스크리트어, 팔리어, 프라크리트어 문학에는 칼리다사와 일랑고 아디갈의 서사시 실라파티카람에 이르기까지 음악적인 언급이 자주 포함되어 있습니다.[112]그럼에도 불구하고, 고대 인도의 실제 음악 관행에 대해서는 거의 알려진 바가 없으며, 이용 가능한 정보는 그 시대의 음악에 대해 다소 동질적인 관점을 강요하고 있음에도 불구하고, 실제로는 훨씬 더 다양했음을 보여줍니다.[111]

기념비적인 예술 논문 Natya Shastra는 고대 인도 음악의 초기 및 주요 원천들 중 하나입니다; 음악 부분들만 보아도 굽타 시대 (서기 4세기에서 6세기)일 것입니다.[113]

페르시아와 메소포타미아

자세한 정보:메소포타미아의 음악

아케메네스 시대까지

우르의 황실 묘지에서 발견된 우르의 황소머리 여제는 고대 우르의 여제 중 가장 잘 알려진 것입니다.

일반적으로 페르시아의 초기 음악은 현존하는 기록이 부족하기 때문에 전체적인 윤곽을 그리는 것은 불가능합니다.[114]기원전 3300년에서 3100년 사이의 엘람 묘사에 의해 입증된 아치형 하프는 페르시아 음악의 최초의 긍정적인 부분이지만, 그들의 예술적인 묘사보다 훨씬 이전에 존재했을 가능성이 있습니다.[115]2450년에 만들어진 엘라마이트 황소는 수사에서 발견되었고, 40개 이상의 작은 옥수스 나팔은 2200년에서 1750년 사이의 박트리아-마르기아나 고고학 단지에서 발견되었습니다.[116][n 20]소 나팔은 종교와 동물 모두와 밀접한 관련이 있었던 것으로 보이는데, 잠시드가 나팔로 동물을 끌어모으는 조로아스터교 신화에 따르면 엘람인들이 나팔을 사냥에 사용했다고 합니다.[117]많은 면에서 이란의 가장 초기에 알려진 음악 문화는 메소포타미아의 문화와 강하게 연관되어 있습니다.고대 아치형 하프 (3000)c. 또한 후자에 존재하며 악기의 부족은 하프가 어떤 문화에서 유래했는지 불분명하게 만듭니다.[115]메소포타미아의 우르 지역에는 훨씬 더 많은 황소자리가 남아 있는데, 특히 우르 지역의 황소머리자리는 그들의 동시대 엘람인들과 거의 동일합니다.[118]테라코타 명판의 증거에 따르면, 기원전 2세기경 아치형 하프는 20줄 수직형과 9줄 수평형으로 존재하는 각진 하프로 대체되었습니다.[119]적어도 기원전 2300년에 메소포타미아에서 루테가 사용되었다고 알려졌지만, 기원전 1300년까지는 이란에서 루테가 사용되지 않았지만, 이란 서부에서 지배적인 현악기가 되었지만, 이용 가능한 증거는 루테의 인기가 엘리트 이외의 것이었음을 시사합니다.[120]쿨에 파라의 암석 부조는 정교한 페르시아 궁정 앙상블이 기원전 1세기에 나타났다는 것을 보여주는데, 그 중심 악기는 아치형 하프였습니다.[121]이러한 특정한 바위 부조에서 음악가들의 명성은 종교 의식에서 그것들이 필수적이었다는 것을 암시합니다.[122]

이전 시대와 마찬가지로, 아케메네스 제국의 음악에 대한 현대적인 정보는 극히 적습니다.[66][123]아케메네스 음악 문화에 대한 대부분의 지식은 그리스 역사가들로부터 나옵니다.[123]헤로도토스는 히스토리에서 아케메네스 사제들이 자신들의 의식에서 아울로스 음악을 사용하지 않았다고 언급한 반면 크세노폰은 키로파이디아에서 페르시아를 방문한 것을 반성하며 많은 여성 가수들이 궁정에 있었다고 언급했습니다.[66]아테나이우스는 또한 여성 가수들이 마케도니아 장군 파르메니온에 의해 다리우스 3세로부터 329명을 빼앗았다고 언급하면서 언급했습니다.[66]후대의 페르시아 문헌들은 고산 시인이자 음악가인 음유시인들이 유명했고 궁정에서 상당한 지위를 가졌다고 주장합니다.[124]

파르티아와 사산 시대

더 자세한 정보: 파르티아 음악과 사산 음악
파르티아 류트 연주자의 테라코타 조각상

파르티아 제국 (기원전 247년 ~ 서기 224년)은 음악 활동과 악기의 문자적이고 도상적인 묘사가 증가했습니다.기원전 2세기 고대 수도 니사에서 발견된 파르티아의 루타(마시는 뿔)는 그 시대의 음악가들의 가장 생생한 묘사들 중 일부를 포함합니다.테라코타 명판과 같은 그림 증거는 여성 하프 연주자를 보여주는 반면, 바빌론의 명판은 현악기(하프, 류트, 시)와 타악기(탬버린과 클래퍼)를 보여줍니다.두라에우로포스의 청동상들은 더 큰 판파이프와 더블 오울로를 묘사하고 있습니다.음악은 분명히 의식과 축하 행사에서 사용되었습니다; 하트라의 파르티아 시대의 돌 프리즈는 트럼펫, 탬버린, 그리고 다양한 플루트를 연주하는, 음악가들이 포함된 결혼식을 보여줍니다.다른 문자적이고 도상적인 증거들은 고산 음유시인들이 계속해서 눈에 띄고 있음을 보여줍니다.그러나, 아케메네스 시대처럼, 그리스 작가들은 파르티아 음악에 대한 정보의 주요한 원천으로 계속 남아있습니다.스트라보는 고산족이 신들과 귀족들의 이야기를 노래하는 것을 배웠다고 기록했고 플루타르코스는 파르티아의 영웅들을 찬양하고 로마의 영웅들을 조롱하는 고산족의 이야기를 비슷하게 기록했습니다.플루타르코스는 또한 파르티아 군대가 전쟁을 준비하기 위해 큰 북을 사용했다고 기록하고 있습니다.[125]

c. 379 이란 탁에 보스탄에서 창을 연주하는 사산 여성들의 CE 바스 릴리프

그러나 사산 시대 (226년–651년)는 음악에 대한 충분한 증거를 남겼습니다.이러한 사산 음반의 유입은 제국,[34] 특히 조로아스터교가 지배하는 지역에서의 두드러진 음악 문화를 암시합니다.[126]많은 사산 샤한샤들은 아르다시르 1세와 바흐람 5세를 포함한 열렬한 음악 지지자들이었습니다.[126]호스로 2세 (590–628)r.는 페르시아 음악의 황금기로 여겨지는 가장 뛰어난 후원자였습니다.[126]호스로가 봉사하는 음악가로는 아자드바르에 창이(아자드),[123] 밤샤드, 하피스트 나기사(나키사), 람틴, 사르카쉬, 바바드 등이 있습니다.[114][127]이 음악가들은 보통 음유시인으로 활동했는데, 그들은 궁정 시인과 음악가로 활동했던 연주자들이었습니다;[128] 사산 제국에서는 시와 음악 사이의 구분이 거의 없었습니다.[129]

기타 아랍 및 아프리카 문화

서아프리카 녹 문화(오늘날의 나이지리아)는 기원전 500년부터 200년까지 존재했으며 많은 조각품을 남겼습니다.[130]이 중에는 마라카라고 생각되는 두 개의 물체를 흔드는 남자와 같은 음악에 대한 묘사도 있습니다.또 다른 조각상에는 입을 벌리고 있는 남자(아마도 노래하고 있는)가 있고, 북을 치는 남자의 조각상도 있습니다.[131]

포스트클래식 시대

자세한 정보:중앙아시아와 중국 음악

일본 가가쿠 음악

주요 기사 : 가가쿠

일본의 궁정은 아스카 시대에 701년에 설립된 가가쿠료 황실 음악 학원에서 유래한 雅楽 음악을 발전시켰습니다.가가쿠라는 단어는 중국의 야월 음악에서 유래했지만, 후자는 원래 유교 제례 음악을 의미하는 반면, 가가쿠는 다양한 장르, 스타일, 악기로 확장됩니다.[132][133][n 21]이 전통의 초기 역사에서, 토라가쿠(일본 고유의 음악), 산간가쿠(한국 삼국의 음악), 도가쿠(중국 당나라의 음악)와 더불어, 토라가쿠, 기가쿠, 린유가쿠.이 시대의 아시아 음악 중에서 독특하게, 8세기에서 11세기에 걸쳐 현존하는 수많은 가가쿠 음악이 있습니다.[133]

9세기에 가가쿠 음악의 큰 변화가 일어났는데, 즉 도가쿠 음악과 고마가쿠 음악의 구별의 발전이었습니다.도가쿠는 중국의 영향을 받은 양식으로, "좌파 음악"(사호)이라고 불리는 류가쿠 전통과 결합했습니다.고마가쿠는 그 후 한국(산간가쿠)과 발해(복카이가쿠)의 영향을 받은 음악을 아우르며 "우호"라고 불렸습니다.이러한 구분이 두드러졌지만 엄격하지는 않았고 도가쿠 양식과 고마가쿠 양식이 서로 맞물리며 영향을 미쳤습니다.[133]긴 헤이안 시대 (794–1185)는 많은 축제와 기념 행사에 수반되었기 때문에 궁정으로부터 가가쿠 음악의 후원을 많이 받았습니다.이 시기에 사이바라와 로이 노래 형태와 같은 많은 새로운 장르들이 등장했습니다.[133][134]가가쿠 합주단은 다양한 악기로 구성되어 있으며, 일본 전통 음악에서 가장 큰 합주단입니다.[135]

중세 유럽

주요 기사:중세음악
참고 항목:중세 작곡가 목록, 중세 음악 이론가 목록, 중세 악기 목록
Codex Guelf.1099의 Perotin에 의한 Alleluia nativitas

현대 학자들은 일반적으로 '중세 음악'을 대략 6세기에서 15세기 [136]사이의 중세 동안 서유럽의 음악으로 정의합니다.음악은 악기들의 예술적인 묘사들, 음악에 대한 글들, 그리고 다른 기록들에 의해 증명되듯이, 중세 초기에 확실히 두드러졌습니다; 그러나 800년 이전부터 오늘날까지 남아있는 음악의 유일한 레퍼토리는 로마 가톨릭 교회의 평송 전례 음악입니다.그레고리오 성가라고 불리는 가장 큰 부분.그의 이름을 음악 레퍼토리에 올렸고, 그 자신이 작곡가였을지도 모르는 교황 그레고리오 1세는 보통 그가 죽은 지 백 년 이상 지난 날부터 그의 기여에 대한 자세한 정보를 제공하지만, 현재 형태의 레퍼토리에서 음악적인 부분의 창시자라고 주장됩니다.많은 학자들은 전설에 의해 그의 명성이 과장되었다고 믿고 있습니다.대부분의 성가 레퍼토리는 그레고리와 샤를마뉴 시대 사이의 수세기 동안 익명으로 작곡되었습니다.

9세기 동안 몇 가지 중요한 발전이 이루어졌습니다.첫째, 교회는 많은 성가 전통들을 통일하고 그레고리오 전례에 찬성하여 많은 성가 전통들을 억압하려는 주요한 노력이 있었습니다.두번째로, 오르가눔이라고 알려진 병렬 노래의 한 형태인 초기의 다성음악이 불렸습니다.셋째, 그리고 음악사에서 가장 중요한 것은, 비록 현대 음악가들이 당연하게 여기는 정확성과 유연성을 가지고 음정과 리듬 표기의 체계가 진화하기까지는 몇 세기가 더 걸릴 것이지만, 기보법은 약 500년의 시간이 흐른 후에 재창조되었습니다.

1100년 이후에는 여러 폴리포니 학파들이 번성했습니다. 음악이 종종 하나의 지속적인 선을 넘어 빠르게 움직이는 부분으로 특징지어지는 오르가눔의 무술 유파; 작곡가 Léonin과 Pérotin을 포함하고 약 1200년에 두 부분 이상의 첫 음악을 제작했던 Notre Dame 다성음악 유파; Galicia의 Santiago de Compostela의 음악적 용광로, 파이중세 후기에 많은 전통을 가진 음악가들이 함께 모였던 그의 음악은 코덱스 칼릭티누스에 남아있고, 영국 학교는 우스터 프래그먼트와 올드 홀 원고에 남아있습니다.이러한 성스러운 음악의 학파들과 함께 음유시인, 음유시인, 미네생거의 음악에서 예시된 것처럼 세속적인 노래의 활기찬 전통이 발달했습니다.초기 르네상스의 후기 세속적인 음악의 대부분은 13세기 초 알비겐 십자군 전쟁 동안 문화가 대부분 소멸된 음유시인, 궁정 시인, 떠돌이 음악가들의 형태, 사상, 그리고 음악적 미학에서 진화했습니다.

13세기 후반에 발전한 성스러운 음악의 형태는 모테트, 지휘, 디스칸트, 클라우술래를 포함합니다.한 가지 특이한 발전은 두 시기 동안 편모의 떠돌이 악단들의 음악이었던 가이슬러이다: 13세기 중반 (그들이 교회에 의해 억압될 때까지); 그리고 그들의 활동이 생생하게 기록되고 유명한 음악으로 잘 기록되었던 1350년경 흑사병과 그 직후의 시기.그들의 음악은 민요 스타일과 참회 또는 종말론적인 글을 혼합했습니다.유럽 음악사에서 14세기는 아르스 노바의 스타일에 의해 지배되는데, 아르스 노바는 초기 르네상스의 이상과 미학과 많은 공통점을 가지고 있음에도 불구하고 관습에 의해 음악에서 중세 시대와 묶입니다.그 시대에 남아있는 음악의 대부분은 세속적이고, 같은 이름의 시적 형태에 해당하는 발라드, 비렐라이, 라이, 론도 등의 형식을 사용하는 경향이 있습니다.이러한 형태로 된 대부분의 작품들은 1개에서 3개의 목소리를 위한 것이고, 아마도 악기 반주가 있을 것입니다: 유명한 작곡가들은 Guillaume de Machaut와 Francesco Landini를 포함합니다.

비잔틴의

주요 기사: 비잔틴 음악
참고 항목:비잔틴 작곡가 목록

395년부터 1453년까지 존재했던 비잔틴 제국에는 두드러진 다양한 음악적 관습들이 존재했습니다.[137]성스러운 음악과 세속적인 음악은 모두 흔한 것이었고, 성스러운 음악은 교회 예배에서 자주 사용되었고, 의식극, 발레, 연회, 축제, 스포츠 경기를 포함한 많은 행사에서 세속적인 음악이 자주 사용되었습니다.[138][139]하지만, 대중적인 인기에도 불구하고, 세속적인 비잔틴 음악은 교회 신부들, 특히 제롬에 의해 혹독하게 비판 받았습니다.[139]성스러운 음악의 작곡가들, 특히 찬송가와 성가는 비잔틴 음악의 역사를 통틀어 일반적으로 잘 기록되어 있습니다.그러나 유스티니아누스 1세 치세 이전의 사람들은 사실상 알려져 있지 않습니다; 안티모스, 아우센티오스, 티모클레스 수도사들은 트로파리아를 썼다고 전해지고 있지만, 아우센티오스에 의해 쓰여진 한 권의 본문만이 남아 있습니다.[140]첫 번째 주요 형태는 콘타키온으로, 그 중 멜로디스트 로마노스가 가장 뛰어난 작곡가였습니다.[141]7세기 후반에 카논은 인기 면에서 콘타키온을 추월했습니다; 크레타의 안드레는 첫 번째 중요한 작곡가가 되었고, 전통적으로 이 장르의 창시자로 인정받지만,[142] 현대 학자들은 현재 이 귀속에 대해 의심하고 있습니다.[143]8세기와 9세기에 다마스쿠스의 요한과 마이우마의 코스마스, 그리고 나중에 스투디오스의 테오도르와 테오파네스의 낙인이 찍혀진 테오파네스의 음악으로 카논은 절정에 이르렀습니다.[138]세속적인 음악의 작곡가들은 상당히 덜 기록되어 있습니다.제국의 역사에서 늦게까지 요안네스 코우젤레스, 제노스 코론스, 요안네스 글리키스가 주요 인물로 알려진 작곡가들이 있습니다.[144]

같은 시기의 서양 작곡가들처럼, 비잔틴 작곡가들은 주로 남자들이었습니다.[145]카시아는 이것의 주요 예외입니다; 그녀는 스티케론 찬송가의 다작하고 중요한 작곡가였고 비잔틴 전례에 들어간 유일한 여성이었습니다.[146]몇몇 다른 여성들은 테클라, 테오도시아, 마사 그리고 존 클라다스의 딸로 알려져 있습니다(그녀의 이름은 기록되지 않았습니다.[147][148]오직 후자만이 남아있는 작품, 하나의 안티폰을 가지고 있습니다.[149]레오 6세 지혜로운 황제와 콘스탄티누스 7세와 같은 비잔틴 황제들은 작곡가였다고 알려져 있습니다.[150][151]

근현대 초기

인도 고전 음악

주요 기사:인도 고전 음악
자세한 정보:힌두스타니 클래식과 카르나틱 클래식
참고 항목:카르나틱의 작곡가 목록

고대와 중세 시대에 인도 아대륙의 고전 음악은 크게 통일된 관습이었습니다.14세기에 이르러 델리 술탄국에 의해 시작된 사회정치적 혼란은 인도 북부와 남부를 고립시키기 시작했고, 각 지역의 독자적인 전통이 생겨나기 시작했습니다.16세기까지 북쪽의 힌두스타니 고전 음악과 남쪽의 카르나틱 고전 음악이라는 두 가지 독특한 양식이 형성되었습니다.[152]그들 사이의 주요한 차이점 중 하나는 북 힌두스타인의 맥이 당시 페르시아와 아랍의 음악적 관습에 상당한 영향을 받았다는 것입니다.[153]카르나틱 음악은 대부분 헌신적이고 대부분의 노래는 힌두교의 신들에게 바칩니다.

인도 클래식 음악(marga)은 단성음악이고 탈라를 통해 리드미컬하게 구성된 단일 멜로디 라인 또는 라가를 기반으로 합니다.

서양 고전 음악

주요 기사:서양 고전 음악

르네상스

주요 기사:르네상스 음악
참고 항목:르네상스 시대의 작곡가 목록
기욤 뒤 페이(왼쪽)와 길레스 빈초이스(오른쪽)가 1440년 마르탱 르 샹피오나 데 데 마담의 일루미네이드 원고 사본을 들고 있습니다.

음악에서의 르네상스의 시작은 다른 예술에서의 르네상스의 시작처럼 명확하게 표시되지 않으며, 다른 예술에서의 것과 달리, 그것은 이탈리아에서 시작된 것이 아니라 북유럽, 특히 현재 중북부 프랑스, 네덜란드, 벨기에로 구성된 지역에서 시작되었습니다.부르군트 작곡가들의 스타일은, 프랑코-플랑미 학파의 1세대로 알려져 있고, 처음에는 14세기 후반 아르스 서브틸리어의 과도한 복잡함과 매너 있는 스타일에 대한 반응이었고, 모든 목소리에 명확하고 노래할 수 있는 멜로디와 균형 잡힌 다성음악을 포함했습니다.15세기 중반 부르고뉴 학파의 가장 유명한 작곡가들은 기욤 뒤파이, 질 빈초이스, 그리고 앙투안 부스누아입니다.

15세기 중반까지, 저지대와 인접한 지역의 작곡가들과 가수들이 유럽 전역에 퍼지기 시작했고, 특히 이탈리아로, 그들은 교황 예배당과 예술의 귀족 후원자들 (메디치 가문, 에스테 가문, 스포르차 가문과 같은)에 의해 고용되었습니다.그들은 그들의 스타일을 가지고 다녔습니다: 성스러운 용도나 세속적인 용도로 적절히 개조될 수 있는 부드러운 다성음악.그 당시에 신성한 음악 작곡의 주요 형태는 미사곡, 모테트곡, 그리고 우송곡이었습니다; 세속적인 형태는 샹송, 프로티올라, 그리고 나중에 마드리갈을 포함했습니다.

인쇄술의 발명은 음악 양식의 보급에 큰 영향을 미쳤고, 프랑코-플람스 음악가들의 움직임과 함께, 샤를마뉴 휘하의 그레고리오 성가의 통일 이후 유럽 음악에서 최초의 진정한 국제적인 양식의 확립에 기여했습니다.[citation needed]프랑코-플랑미 학파의 중간 세대의 작곡가들은 다양한 질감과 표준적인 장치의 정교한 사용으로 대위법적으로 복잡한 스타일로 음악을 작곡했던 Johannes Ockeghem; 15세기의 지난 수십 년간 가장 유명한 대중 작곡가들 중 한 명인 Jacob Obrecht; 그리고 아마도 가장 유명한 가문인 Josquin des Presz를 포함했습니다.팔레스트리나 이전에 유럽에서 활동했던 우리의 작곡가, 그리고 16세기 동안 어떤 형태로든 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 유명했던 사람.Josquin이 대위법의 복잡성을 증가시키는 것을 탐구한 후의 세대의 음악; 아마도 가장 극단적인 표현은 Nicolas Gombert의 음악에 있을 것인데, 그의 대위법의 복잡성이 칸초나와 리세르카와 같은 초기 기악 음악에 영향을 미쳤고, 궁극적으로 바로크 푸갈 형태로 절정에 이르렀습니다.

16세기 중반까지, 국제적인 양식이 무너지기 시작했고, 몇몇 매우 다양한 양식적인 경향이 명백해졌습니다: Giovanni Pierluigi da Palestrina의 음악에서 예시된, Trent의 반종교 개혁 위원회에 의해 지시된 것과 같은, 신성한 음악에서의 간결함을 향한 경향; 복잡함과 반채색주의에 대한 경향.루차스키의 페라라 학파와 세기말 마드리갈리스트 카를로 게수알도의 아방가르드 스타일에서 그것의 극단적인 표현에 이른 마드리갈; 그리고 반음계 대조를 만들기 위해 산마르코 디 베네치아 성당의 건축을 사용했던 베네치아 학파의 웅장하고, 소리가 큰 음악.베네치아 학파의 음악은 오케스트레이션, 장식 악기 부분, 컨티뉴어 베이스 부분의 발전을 포함하고 있는데, 이 모든 것들은 1600년경 수십 년의 기간 동안에 발생했습니다.베니스의 유명한 작곡가들은 가브리엘리스, 안드레아, 지오바니 뿐만 아니라 그 시대 말에 가장 중요한 혁신가들 중 한 명인 클라우디오 몬테베르디를 포함했습니다.

조반니 피에루이지 다 팔레스트리나의 미사 파파에 마르첼리 일부 악보

유럽의 대부분 지역은 20세기 후반까지 활동적이고 차별화된 음악적 전통을 가지고 있었습니다.영국에서는, 토마스 탈리스와 윌리엄 버드와 같은 작곡가들이 그 대륙에서 쓰여진 것과 비슷한 양식으로 신성한 음악을 썼고, 활동적인 국내 마드리갈리스트 그룹은 영국의 취향을 위해 이탈리아 양식을 각색했습니다: 유명한 작곡가들은 토마스 몰리, 존 윌비 그리고 토마스 웰크스를 포함했습니다.토마스 루이스 드 빅토리아(Tomás Luis de Victoria)가 팔레스트리나(Palestrina)와 유사한 정제된 음악을 작곡하고 수많은 다른 작곡가들이 새로운 기타를 위해 작곡하면서 스페인은 자신만의 악기 및 보컬 스타일을 발전시켰습니다.독일은 신성한 음악의 기초로서 로마 가톨릭 그레고리오 성가를 대체했던 개신교 합창곡을 기반으로 만들어진 다성음악 형태를 발전시켰고, 베네치아 학파의 양식을 수입했습니다 (그곳에서 바로크 시대의 시작을 정의했던 모습).게다가, Jan Pieterszoon Sweelinck와 같은 네덜란드와 독일 작곡가들은 엄청난 양의 오르간 음악을 작곡했고, J.S. Bach의 작품으로 절정에 달했던 후기 바로크 오르간 양식의 기초를 확립했습니다.프랑스는 기욤 코스텔리(Guillaume Costeley)와 클로드 르 주(Claude Le Jeune)와 같은 작곡가들과 함께 세속적인 샹송에 사용되는 musique mesurée로 알려진 독특한 스타일의 음악 사전을 개발했습니다.

이 시대의 가장 혁명적인 운동 중 하나는 1570년대와 1580년대에 피렌체에서 일어났는데, 그들은 아이러니하게도 반동적인 의도를 가지고 있었습니다: 그들이 동시대의 음악적 타락이라고 보았던 것에 불만족하여, 그들의 목표는 고대 그리스의 음악을 복구하는 것이었습니다.그들 중 가장 중요한 것은 천문학자의 아버지인 빈센조 갈릴레이와 줄리오 카치니였습니다.그들의 노력의 결실은 모노디로 알려진 선언적인 멜로디의 창법과 그에 상응하는 무대화된 극적인 형태, 즉 오늘날 오페라로 알려진 형태였습니다.1600년경에 쓰여진 첫 오페라는 르네상스의 끝과 바로크 시대의 시작을 정의하기도 합니다.

1600년 이전의 음악은 성조보다는 모달이었습니다.16세기 후반 지오세포 잘리노와 프란치누스 가푸리우스의 음계 음계에 대한 글과 같은 몇 가지 이론적 발전은 직접적으로 일반적인 관습 음조의 발전으로 이어졌습니다.크고 작은 음계들은 오래된 교회 양식들 위에 지배하기 시작했는데, 이 특징은 처음에 작곡의 cadential point들에서 가장 분명했지만, 점차 널리 퍼지게 되었습니다.바로크 시대의 성조 음악으로 시작하는 1600년 이후의 음악은 흔히 보통 연습 기간에 속한다고 언급됩니다.

바로크

주요 기사: 바로크 음악
참고 항목:바로크 작곡가 목록
토카타와 푸가 D단조, J.S. 바흐의 BWV 565
아쉬타르 모 ï라 공연
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바로크 시대는 바로크 예술 양식이 유럽 전역에서 번성하고 이 시기 동안, 음악은 범위와 복잡성에서 확장됨에 따라 1600년부터 1750년까지 일어났습니다.바로크 음악은 첫 오페라 (오케스트라가 반주하는 극적인 솔로 성악)가 쓰여졌을 때 시작되었습니다.바로크 시대에는, 다수의 동시에 독립적인 멜로디 라인들이 사용되었던 다성음악의 대위법이 중요하게 남아있었습니다 (중세 시대의 성악에서는 대위법이 중요했습니다).[clarification needed]독일, 이탈리아, 프랑스, 네덜란드, 폴란드, 스페인, 포르투갈, 영국 바로크 작곡가들은 파이프 오르간, 하프시코드, 클라비코드와 같은 합창단과 건반 악기를 위해 뿐만 아니라 현악기, 금관악기, 목관악기를 포함한 작은 앙상블을 위해 작곡했습니다.이 기간 동안 푸가, 발명품, 소나타, 협주곡을 포함하여, 그것들이 더 확장되고 진화한 후기 시대까지 지속된 몇몇 주요 음악 형태들이 정의되었습니다.[154]후기 바로크 양식은 다성학적으로 복잡하고 화려하게 장식되었습니다.바로크 시대의 중요한 작곡가들은 얀 피에테르순 스웰린크, 요한 세바스티안 바흐, 아르칸젤로 코렐리, 프랑수아 쿠페랭, 지롤라모 프레스코발디, 조지 프리드리히 헨델, 장 밥티스트 룰리, 장 필립 라모, 클라우디오 몬테베르디, 게오르크 필립 텔레만, 그리고 안토니오 비발디를 포함합니다.

고전적인

주요 기사:고전기 (음악)
참고 항목:고전주의 작곡가 목록
고전주의 시대와 낭만주의로의 전환의 주요 작곡가들, 통칭하여 제1비엔나 학파로 알려져 있습니다.시계 방향, 왼쪽 위부터: 요제프 하이든 (하디, 1791), 볼프강 아마데우스 모차르트 (델라 크로체, 1781), 루트비히 판 베토벤 (슈틸러, 1820), 프란츠 슈베르트 (라이더, 1875).

고전 시대의 음악은 동음계적인 질감, 혹은 반주가 있는 명백한 멜로디가 특징입니다.이 새로운 멜로디들은 거의 목소리 같고 노래하기 쉬운 경향이 있었고, 작곡가들이 실제로 음악의 초점으로서 가수들을 대체할 수 있게 했습니다.그러므로 기악은 오페라와 다른 노래 형태(오라토리오와 같은)를 빠르게 대체하여 음악 청중들이 가장 좋아하는 것과 훌륭한 작곡의 전형으로 만들었습니다.그러나, 오페라는 사라지지 않았습니다: 고전 시대 동안, 몇몇 작곡가들이 그들의 모국어로 일반 대중을 위한 오페라를 제작하기 시작했습니다 (이전의 오페라들은 일반적으로 이탈리아어였습니다).

더 강하고 또렷한 멜로디를 선호하는 목소리의 점진적인 변화와 함께, 대위법은 또한 전형적으로 장식적인 번창이 되었고, 종종 작품의 마지막 근처나 한 악장에 사용됩니다.대신, 아르페지오와 피아노 음악에서 알베르티 베이스(일반적으로 왼손에 반복되는 패턴이 있는 반주)와 같은 단순한 패턴이 혼란스러운 추가적인 목소리를 내지 않고 곡의 움직임에 활기를 불어넣기 위해 사용되었습니다.현재 대중적인 기악곡은 소나타, 교향곡, 협주곡 등 몇 가지 잘 정의된 형태에 의해 지배되었지만, 이들 중 어떤 것도 그 당시에 현재 음악 이론에서 그것들처럼 구체적으로 정의되거나 가르쳐지지 않았습니다.세 가지 모두 소나타 형식에서 유래하는데, 소나타 형식은 작품 전체의 바탕이 되는 형식이자 하나의 악장의 구조입니다.소나타 형식은 고전 시대 동안 성숙되어 19세기 내내 악기 구성의 주요 형태가 되었습니다.

초기 고전주의 시대는 Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz, 그리고 Christian Cannabich와 같은 작곡가들을 포함했던 Mannheim School에 의해 시작되었습니다.그것은 Joseph Haydn에게 지대한 영향을 미쳤고, 그를 통해서, 그 이후의 모든 유럽 음악에 지대한 영향을 미쳤습니다.볼프강 아마데우스 모차르트는 고전 시대의 중심 인물이었고, 모든 장르에서 그의 경이롭고 다양한 작품은 그 시대에 대한 우리의 인식을 정의합니다.루트비히 판 베토벤과 프란츠 슈베르트는 기존의 장르, 형식, 그리고 심지어 음악의 기능의 확장으로, 낭만주의 시대로 이끌었던 과도기적인 작곡가들이었습니다.

로맨틱

주요 기사 : 로맨틱 뮤직
참고 항목:낭만주의 작곡가 목록

낭만주의 시대에 음악은 더 표현적이고 감정적이 되어 문학, 예술, 철학을 아우르게 되었습니다.유명한 초기 낭만주의 작곡가들은 슈만, 쇼팽, 멘델스존, 벨리니, 도니제티, 베를리오즈를 포함합니다.19세기 후반에는 오케스트라의 규모와 도시 사회의 한 부분으로서 콘서트의 역할에 있어서 극적인 확장이 이루어졌습니다.그 세기의 후반부의 유명한 작곡가들은 요한 슈트라우스 2세, 브람스, 리스트, 차이콥스키, 베르디, 바그너를 포함합니다.1890년과 1910년 사이에, 그리그, 드보 ř라크, 말러, 리차드 스트라우스, 푸치니, 그리고 시벨리우스를 포함한 작곡가들의 세 번째 물결이 훨씬 더 복잡하고 종종 훨씬 더 긴 음악 작품들을 만들기 위해 낭만주의 중기 작곡가들의 작품 위에 세워졌습니다.드보 ř라크, 시벨리우스, 그리그와 같은 인물들에 의해 예시된, 19세기 후반 음악의 두드러진 특징은 민족주의적 열정입니다.그 밖에 세기말 유명한 인물로는 생사 ë인, 포레, 라흐마니노프, 프랑크, 드뷔시, 림스키코르사코프 등이 있습니다.

20세기와 21세기

주요 기사 : 20세기 음악
20세기 클래식, 모더니즘(음악), 컨템포러리 클래식, 대중음악
참고 항목:모더니즘 작곡가 목록 포스트모더니즘 작곡가 목록 20세기 클래식 작곡가 목록 21세기 클래식 작곡가 목록

20세기는 라디오가 세계적으로 인기를 얻고 음악을 녹음하고 편집하고 배포하는 새로운 미디어와 기술이 개발되면서 음악 감상의 혁명을 맞이했습니다.음악 공연은 공연의 방송과 녹음으로 점점 더 시각적으로 변하게 되었습니다.[155]

20세기 음악은 새로운 음악 스타일과 형태로 새로운 자유와 폭넓은 실험을 가져왔고, 이는 초기 음악의 허용된 규칙에 도전했습니다.[citation needed]20세기 중반의 음악 증폭과 전자 악기, 특히 신시사이저의 발명은 고전 음악과 대중 음악에 혁명을 일으켰고, 새로운 형태의 음악의 발전을 가속화했습니다.[156]

고전 음악에 관해 말하자면, 아놀드 쇤베르크와 이고르 스트라빈스키의 두 기본 학파가 세기의 과정을 결정했습니다.[157]하지만, 다른 작곡가들도 주목할 만한 영향을 끼쳤습니다.예를 들어, 벨라 바르토크, 안톤 베베른, 드미트리 쇼스타코비치, 올리비에 메시아엔, 존 케이지,[158] 벤자민 브리튼, 칼하인츠 스톡하우젠, 소피아 구바이둘리나, 크리즈토프 펜데레키, 브라이언 페르네호, 카이야 사리호.

20세기에는 대중음악, 즉 폭넓은 매력을 가진 음악이 유례없이 보급되었습니다.[n 22]이 용어는 1880년대 뉴욕시에서 생겨나기 시작한 저명한 음악가와 출판인들의 모임인 미국 틴 팬 앨리(American Tin Pan Alley)의 음악에 뿌리를 두고 있습니다.비록 대중음악이 때때로 "팝 뮤직"으로 알려져 있지만, 용어들이 항상 상호 교환될 수 있는 것은 아닙니다.[160]대중 음악은 인구의 많은 부분의 취향에 호소하는 다양한 음악 장르를 가리키는 반면,[161] 대중 음악은 보통 대중 음악 내의 특정한 장르를 가리킵니다.[162]일반적으로 대중음악 노래와 곡들은 쉽게 부를 수 있는 멜로디를 가지고 있습니다.대중음악의 노래 구조는 공통적으로 절의 반복을 수반하는데, 절과 후렴구 또는 후렴구가 노래 전반에 걸쳐 반복되고 브릿지는 곡 내에서 대조적이고 과도기적인 절을 제공합니다.[163]

참고문헌

메모들

  1. ^ 파리의 언어학 협회는 1866년에 언어의 기원에 대한 논의를 금지했고 비슷한 해고는 20세기 중반까지 대부분의 언어학자 사회를 둘러싸고 있었습니다.[8]기념비적인 학제간 책 The Origines of Music (2000)의 편집자들은 "음악학은 음악학자들 사이에서 음악적 기원에 대한 주제를 유행하지 않게 만들기 위해 공식적인 법령[...]이 필요하지 않았던 것 같습니다"라고 언급합니다.[10]
  2. ^ 비슷한 방식으로, 생물 음악학자 스티븐 브라운은 음악을 기존의 능력의 산물로 보는 "구조적 모델"과 그것의 출현을 적응적 기술로 간주하는 "기능적 모델"의 두 가지 방식으로 주제에 대한 이론을 차별화합니다.[12]
  3. ^ 인지 심리학자이자 언어학자인 스티븐 핑커(Steven Pinker)는 1997년, 핑커는 음악이 "적응이 아닌 기술"[16]이고 "[13][14][15]생물학적 원인과 결과에 관한 한 음악은 쓸모가 없다"는 이유로 음악을 "청각 치즈케이크"로 유명하게 언급했습니다.[17] 존 D와 같은 학자들. 배로우와 댄 스페버는 동의했고,[18] 음악 심리학자 산드라 트레허브는 핑커와 마찬가지로, 이 주제에 대한 많은 전문가들과는 반대로, "대규모 과학계의 많은 부분이 음악과 생물학 사이의 연결에 대해 매우 회의적"이라고 언급했습니다.[19]조셉 캐롤과 애나 K 같은 다른 학자들.티로볼라스는 핑커의 의견을 거부했고, 음악이 인지적 유연성과 구애의 표시를 위한 연습으로 사용되는 것과 같은 진화적인 장점, 특히 "인지적이고 신체적인 유연성과 건강함"을 보여주는 능력을 제안했습니다.[20]
  4. ^ 20세기 중반에 크게 발전하거나 시작된 많은 분야들은 음악의 기원에 대해 어느 정도 논의하고 연구합니다.여기에는 진화 음악학, 음악 고고학, 생체 음악학, 신경 음악학, 비교 음악학 등이 포함됩니다.[21][22]
  5. ^ 중국 신화의 음악의 기원에 대한 대체 이야기는 다음을 참조하십시오.Fernald, Helen E. (December 1926). "Ancient Chinese Musical Instruments: As Depicted on Some of the Early Monuments in the Museum". The Museum Journal. XVII (4): 325–371.
  6. ^ "원시 음악"이라는 용어는 멸종된 문자 문화를 포함하지만, 그것은 또한 접촉하지 않은 기존의 원주민들을 나타냅니다.[41]Wallin, Merker & Brown(2000, p. 21)은 이 용어를 사용한 20세기 음악학자들이 문제의 음악에 대해 "그 못지않게 존경심"을 가졌다고 주장합니다.[42]
  7. ^ 리비아의 Haua Fteah 동굴; 독일의 Ilsenhöle [de]; 그리고 영국의 Kents Cavern은 각각 중세 구석기 시대 플루트로 제안된 물체를 포함하고 있지만, 어떤 것도 광범위한 학문적 수용을 얻지 못했습니다.[48]
  8. ^ Geissenklösterle, Hohle Fels 및 Vogelherd 동굴에서 살아남은 8개의 플루트에 대한 종합적인 표는 Morley(2013, 페이지 43-45) 참조
  9. ^ 이 뼈 피리 (구디)는 붉은 관두루미로부터 만들어졌습니다. 그것들은 아마도 세계 어디에서나 연주할 수 있는 가장 초기의 악기들일 것입니다.[57]
  10. ^ 그 다음으로 오래된 것은 기원전 5000년부터 저장성 위야오의 허무두에 있는 다양한 뼈 호루라기입니다.[56]
  11. ^ 1983년 현재, 통(1983a, p. 79)은 "[20세기]에 수십 개의 상청이 발굴되었다"고 언급하고 있습니다.알려진 바에 의하면, 일반 백성들은 상나라 (1600–1046) 시기에 청을 사용하지 않았고, 많은 청 악기들은 상나라 엘리트들의 청동기와 옥과 같은 장식들을 가지고 있습니다.[74]
  12. ^ 파이샤오의 연대는 기원전 1300년에서 1050년 사이에 기록된 것으로, 신탁 문자가 그를 위한 (조음) 캐릭터가 팬 플루트라는 것을 보여주는 그림적인 증거에서 비롯된 것이지만, 오직 기원전 700년에 안전하게 기록되어 있습니다.[77]
  13. ^ 모든 증거로 볼 때, 현악기는 상나라에 존재하지 않았던 것으로 보입니다.[70]
  14. ^ 구친(또는 진)은 중국인이 아닌 북방에서 기원했을지 모르지만,[82] 그것은 여전히 미래의 중국 음악에 큰 영향을 미쳤습니다.[83]
  15. ^ 한나라 대사서는 상나라의 마지막 왕인 주왕을 비난하며 "그는 술과 음유시한 음악을 좋아했고...그래서 그는 시전에게 새롭고 타락한 소리를 내게 했습니다.오왕은 주왕과의 전쟁에서 결과를 예측하기 위해 피치 파이프를 사용했다고 알려진 반면, '땅을 향해 펄럭이는'[90] 음악.[89]
  16. ^ 더 완전한 형태로, 간잉 이론은 우주가 기, 음, 양 그리고 음악을 포함한 자연적인, 보이지 않는, 그리고 "공명적인" 힘에 의해 지배된다고 믿었는데, 월지 음악 기록에 따르면 이것은 "하늘과 땅의 조화를 나타낸다"고 합니다.[96][97]
  17. ^ 고대 문헌들은 구정의 발명을 진나라의 것으로 보고 있지만, 이전의 표본들은 기원전 5세기부터 발견되고 있습니다.[69]
  18. ^ 진나라 때 악국(악국)의 초기 형태가 있었을 것입니다.[103]일반적으로 음악국의 연대표는 고대 기록에서 불명확하고 매우 모순적입니다.자세한 정보는 Birrell (1993, pp. xv8–xx) 참조
  19. ^ 남아있는 민요의 위치와 양에 대한 정보는 Birrell (1993, pp. xxi–xiv)을 참조하십시오.
  20. ^ 트럼펫의 크기는 현대의 트럼펫보다 훨씬 작아서 일부 학자들은 그것들이 실제로 깔때기나 주둥이였다고 주장하지만, 로어그렌은 그러한 해석이 "귀중한 재료와 비범한 솜씨를 고려하지 않을 것"이라고 주장합니다.[117]
  21. ^ 그러나 음악학자인 앨런 마렛은 8세기 초 가가쿠 음악의 시대에 이르러 현대 중국의 야월 음악은 폭넓은 영향과 장르를 채택하여 가가쿠의 양식적 다양성과 유사하게 만들었다고 지적했습니다.[133]
  22. ^ 콜리어 백과사전의 대중음악 역사에 대한 에세이(1984)에서 로버트 크리스트가우는 "어떤 종류의 대중음악은 그것을 소비하기 위한 도시 중산층이 존재해 온 만큼 오랫동안 존재해 왔습니다.무엇보다도 그것을 구별하는 것은 그것이 지향하는 미적 수준입니다.문화 엘리트들은 항상 음악에 자기 중요한 종교적 또는 미적 지위는 아닐지라도 고귀한 것을 부여해 왔습니다. 반면, 시골 사람들에게 그것은 실용적이고 무의식적인 것이었고, 현장 작업이나 노동으로부터 주기적인 탈출을 제공하는 축제에 대한 반주였습니다.그러나 로마와 알렉산드리아 이후로 전문 연예인들은 도시 거주자들을 노래, 행진, 춤으로 전환시키고 교화시켰는데, 그들의 가식은 그 중간쯤에 떨어졌습니다."[159]

인용문

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