프랑스 예술

프랑스 상아 버진 앤 차일드, 13세기 말 높이 25cm로 상아 상아 모양에 맞게 구부러졌다.

프랑스 예술은 프랑스의 지리적 지역에서 유래한 시각적, 플라스틱 예술(프랑스 건축, 목공, 직물, 도자기 등)으로 구성된다.현대 프랑스는 유럽 미술의 중심지였던 상위 구석기 시대 이후 많은 거대 기념물들을 남겼고, 철기 시대에는 초기 켈트 미술의 가장 인상적인 발견들 중 많은 것들이 있었다.갈로-로마 시대는 독특한 지방 스타일의 조각품을 남겼고, 근대 프랑스-독일 국경 주변 지역은 정교하게 장식된 고대 로마 도자기를 대량 생산하면서 제국을 이끌었는데, 이 도자기는 이탈리아 등에 대규모로 수출되었다.메로빙 예술과 함께 프랑스 양식의 이야기는 기독교 유럽의 예술의 더 넓은 발전에 뚜렷하고 영향력 있는 요소로서 시작된다.

프랑스는 로코코와 신고전주의 시대에 프랑스가 이탈리아의 영향력에 필적할 때까지 르네상스가 이탈리아를 양식적 발전의 주요 원천으로 이끌기 전까지 로마네스크 미술과 고딕 미술의 발전에 있어서 선두주자로 있다가 19세기부터 20세기 중반까지 다시 돌아오기 전까지 상당히 선도적 역할을 했다고 말할 수 있다.금괴의

기록 개요

선사시대

브라스무푸이 금성의 정면과 측면도

현재 가장 일찍 알려진 유럽 미술은 4만~1만년 전 상류 팔래오르시즘 시대이며 프랑스는 샤텔페로니안, 오리냐시안, 솔루트레안, 그라브티안, 막달레니안 문화권의 현존하는 선사시대 미술이 많이 선택되어 있다.This art includes cave paintings, such as the famous paintings at Pech Merle in the Lot in Languedoc which date back to 16,000 BC, Lascaux, located near the village of Montignac, in the Dordogne, dating back to between 13,000 and 15,000 BC, or perhaps, as far back as 25,000 BC, the Cosquer Cave, the Chauvet Cave dating back to 29,000 BC, and the Trois-Frères cave; and portable art, such as animal carvings and great goddess statuettes called Venus figurines, such as the "Venus of Brassempouy" of 21,000 BC, discovered in the Landes, now in the museum at the Château de Saint-Germain-en-Laye or the Venus of Lespugue at the Musée de l'Homme.장식용 구슬, 뼈 핀, 조각, 부싯돌과 돌 화살촉도 프랑스 지역에서 온 선사시대 물건들 중 하나이다.

호모 사피엔스만이 예술적 표현을 할 수 있다는 추측이 있지만, 최근 발견된 '라 로슈코타르의 가면'은 2002년 루아르 강둑 근처의 동굴에서 발견되었는데, 기원전 약 3만 3천년 전으로 거슬러 올라간다.—이제 네안데르탈인 인간들이 정교하고 복잡한 예술적 전통을 발전시켰을지도 모른다는 것을 암시한다.

카르나크 석재 중 가장 잘 알려진 거대석유적지인 메네크 선형이 있다.

신석기 시대(신석기 유럽 참조)에는 카르낙, 생술피체 데 팔레렌스 등의 고인돌과 멘히르와 같은 거대(큰 돌) 유적들이 나타나기 시작하는데, 일부 저자들이 중석기 뿌리에 대해 추측하고 있지만, 이러한 모습은 기원전 5천 년부터 시작되는 것으로 생각된다.프랑스에는 약 5,000개의 거대 기념물이 있는데, 주로 브리트니에 있는데, 이 기념물들이 가장 많이 밀집되어 있다.이 지역에는 맹금, 고인돌, 크롬레흐, 케임브리지와 같이 잘 보존된 다양한 기념물이 있다.남부 브리트니에 있는 가브리니스의 케언은 거대한 예술의 뛰어난 예다. 그것의 14미터 안쪽 복도는 거의 완전히 장식적인 조각들로 장식되어 있다.지금 네 조각으로 되어 있는 에르그라의 거대한 망루는 원래 높이가 20미터가 넘는 것으로서 지금까지 세운 망루 중 가장 큰 망루가 되었다.프랑스에도 이 시대부터 수많은 도장석, 윤택한 돌도끼, 그리고 새겨진 멘히르들이 있다.그랜드 프레스티지 지역은 귀중한 실렉스 날개로 알려져 있으며 신석기 시대에 광범위하게 수출되었다.

In France from the Neolithic to the Bronze Age, one finds a variety of archaeological cultures, including the Rössen culture of c. 4500–4000 BC, Beaker culture of c. 2800–1900 BC, Tumulus culture of c. 1600–1200 BC, Urnfield culture of c. 1300–800 BC, and, in a transition to the Iron Age, Hallstatt culture of c. 1200–500 BC.

서프랑스의 선사시대 유적지에 대한 자세한 내용은 브리타니의 선사시대를 참조하십시오.

켈트 시대와 로마 시대

아그리스 헬멧

프로토-셀틱 유른필드와 홀스타트 문화로부터 대륙 철기 시대 켈트 예술이 발달했는데, 주로 기원전 450년부터 기원전 1세기 로마 정복까지 철기 시대 후기에 번성했던 라테네 문화와 관련이 있었다.이 예술은 토착적이고 고전적이며 아마도 지중해, 동양적인 원천을 이용했다.가울의 켈트족은 프랑스 전역에서 발견된 수많은 무덤과 무덤을 통해 알려져 있다.

켈트 예술은 매우 장식적이며, 직선을 피하고 대칭을 가끔씩만 사용하며, 자연의 모방이나 고전적 전통의 중심에 있는 아름다움의 이상은 없지만, 분명 복잡한 상징성을 수반하는 경우가 많다.이 작품은 다양한 스타일을 포함하고 있으며 종종 다른 문화의 미묘하게 변형된 요소들을 포함하고 있는데, 그 예로는 게르만 예술가들이 이미 사용했음에도 불구하고 6세기에야 프랑스에 도착했던 특징적인 오버레이싱과 언더 인터레이싱이 있다.오늘날 부르고뉴의 켈트 빅스 무덤은 고대시대의 가장 큰 청동 분화구를 드러냈는데, 그것은 아마도 그리스 출신의 켈트 귀족들이 수입했을 것이다.

테레 골동품 오르랑주

가울 지방(라틴어:갈리아)은 기원전 1세기부터 서기 5세기까지 로마 제국의 통치하에 있었다.남부 프랑스, 특히 프로방스와 랭게독은 많은 온전한 갈로 로마 유적지로 알려져 있다.근대 리옹인 루그두눔은 로마 제국 시대에 이탈리아 외 최대의 도시였으며 두 명의 로마 황제를 낳았다.그 도시는 여전히 극장을 포함한 로마 유적을 자랑하고 있다.이 시기의 기념비적인 작품으로는 유럽에서 가장 잘 보존된 로마 사원 중 하나인 Nmesmes의 원형극장 , 리옹 근처의 비엔느 시, 유달리 잘 보존된 사원(아우구스투스와 리비아의 사원), 서커스단, 퐁뒤가드 아쿠데 등이 있다.로마 도시 글라눔과 바이슨-라로마인, 네메스와 아를레스의 온전한 갈로-로마 아레나, 로마식 목욕탕, 파리의 경기장 등도 예외적으로 보존되어 있다.

중세 시대

메로빙 예술

메로빙 예술은 5세기부터 8세기까지 프랑스와 독일에서 지속된 프랑크족 메로빙 왕조의 예술과 건축물이다.5세기 가울에 메로빙 왕조의 등장은 예술의 중요한 변화를 가져왔다.건축에서는 더 이상 견고하고 조화로운 건물을 짓고 싶은 욕구가 없었다.조각은 석관, 제단, 교회 가구를 장식하는 단순한 기법에 지나지 않는 것으로 퇴보했다.한편, 금화와 원고 조명의 상승은 켈트족의 장식이 부활하는 계기가 되었으며, 기독교와 다른 공헌으로 메로빙 미술의 기초를 이루고 있다.클로비스 1세(465–511) 휘하의 프랑크 왕국과 그의 후계자들의 통일은 교회 건설의 필요성과 일치했다.그들을 위한 계획은 아마도 로마 바실리카에서 베껴온 것일 것이다.불행히도, 이러한 목재 구조물은 불의 파괴로 인해 살아남지 못했다. 우발적이든, 침입 당시 노르만족이 일으킨 것이든 말이다.

카롤링가 예술

C. 820, Aachen Gospels, C. 820, 카롤링가 조명의 예

카롤링거 미술은 약 120년의 기간으로, 샤를 마르텔, 피핀 1세, 샤를마뉴, 그리고 그의 직계 상속자들인 750년에서 900년까지의 기간으로, 흔히 카롤링거 르네상스로 알려져 있다.카롤링거 시대는 프리 로마네스크로 알려진 중세 미술 운동의 첫 번째 시기다.처음으로 북유럽의 왕들은 지중해 고전적인 로마 미술 양식을 후원하여 고전적인 형식을 게르만 미술과 혼합하고, 조각상 선 그리기에서 완전히 새로운 혁신을 창조하였으며, 로마네스크 미술과 결국 서양 고딕 예술의 발판을 마련하였다.

조명이 들어오는 원고, 금속공예, 소규모 조각, 모자이크, 프레스코 등이 그 시대부터 살아남는다.카롤링겐교도들은 프랑스의 수많은 교회에서 주요 건축운동도 벌였다.여기에는 메츠, 리옹, 비엔느, 르망스, 랭스, 보바이스, 베르둔, 아우세르의 생제르맹, 플라비니의 생피에르, 생데니스 등의 도시 중심지와 샤르트르의 타운 중심지가 포함된다.788년에 완공된 생리키에(솜메)의 센툴라 사원은 수도원 건축의 큰 업적이었다.또 다른 중요한 건물(대부분 오늘 분실)은 게르미니데스프레스(Germigny-des-Pres)에 있는 '테오둘프 빌라'였다.

캐롤링거의 지배가 900년경에 끝나면서 예술적 연출은 거의 3대에 걸쳐 중단되었다.카롤링거 제국이 멸망한 후 프랑스는 조직적인 후원이 전혀 없는 반목하는 여러 지방으로 갈라졌다.10~11세기의 프랑스 예술은 지역 수도원들에 의해 문맹과 경건함을 증진시키기 위해 제작되었지만, 생산된 원시적인 양식은 초기의 카롤링거 시대의 기술만큼 그다지 숙련되지 않았다.

카롤링거 원고를 모사할 모델로 활용할 수 있는 기회와 떠돌이 아티스트의 가용성에 기초하여 여러 지역적 스타일을 개발하였다.생 베르탱의 수도원은 앵글로색슨과 카롤링가 형식을 바탕으로 새로운 스타일을 창조한 주모자 오드버트(986–1007)의 휘하에 중요한 중심이 되었다.인근 성당. 바스트(Pas-de-Calais)도 많은 중요한 작품을 만들었다.프랑스 남서부에서는 리모게스의 생 무술 수도원, 가스코니의 알비, 피게아크, 생세버 드 로스탄에서 많은 원고들이 제작되었다.파리에서는 생제르맹드프레스 사원에서 발전한 독특한 양식이 있다.노르망디에서는 975년에 새로운 스타일이 생겼다.클루니 개혁 운동과 제국 개념의 부활로 10세기 후반에 이르러 예술 생산이 재개되었다.

1140–1150, 베젤레이에 있는 베젤라이 사원 나르텍스의 중앙 고음파

로마네스크 미술

로마네스크 미술은 대략 서기 1000년부터 12세기 중반 프랑스에서 발생한 고딕 양식의 발흥에 이르기까지 150년 동안 서유럽의 예술을 가리킨다."로마네스크 미술"은 로마 건축 기술에 대한 새로운 관심으로 특징지어졌다.예를 들어, 생길헴-르-데세르트 성당의 12세기 수도들은 아칸투스 잎 모티브와 로마 유적에서 흔히 볼 수 있는 드릴 구멍의 장식적인 사용을 채택하고 있다.Other important Romanesque buildings in France include the abbey of Saint-Benoît-sur-Loire in Loiret, the churches of Saint-Foy in Conques of Aveyron, Saint-Martin in Tours, Saint-Philibert in Tournus of Saône-et-Loire, Saint-Remi in Reims, and Saint-Sernin in Toulouse.특히 노르망디는 버네이 교회, 몽생미셸 교회, 쿠탄스 대성당, 바이룩스 교회 등에서 대규모 건축 캠페인을 경험했다.

파리 새인테 채플레 샤플레 오뜨의 실내

대부분의 로마네스크 조각은 미학뿐만 아니라 구조적인 목적도 겸비하여 교회 건축에 통합되었다.로마네스크 이전의 소규모 조각은 비잔틴과 초기 기독교 조각의 영향을 받았다.다른 요소들은 중동 국가들의 다양한 지역 스타일에서 채택되었다.모티브는 기괴한 인물, 짐승, 기하학적 무늬와 같은 "바리안"의 예술에서 유래되었는데, 이 모든 것은 특히 알프스 북쪽 지역에서 중요한 덧셈이었다.그 시대의 중요한 조각 작품들 중에는 세인트 갈 수도원의 상아 조각품들이 있다.기념비적인 조각은 로마네스크 이전 시대에는 건축과 별도로 거의 실행되지 않았다.로마 제국이 멸망한 후 처음으로 기념비적인 조각이 의미심장한 예술형태로 떠올랐다.'마지막 심판' 틴파눔, '벨리외 수르도뉴', '모이삭의 선각예언자'에서처럼 덮인 교회 건물, 문루, 수도 모두 크기와 중요성이 증가하고 확장되었다.성경의 역사 장면으로 자주 장식되는 기념비적인 문양, 세례문체, 양초꽂이 등이 청동으로 주조되어 현대 금속공들의 솜씨를 입증했다.프레스코화는 교회의 금고와 벽에 적용되었다.황금과 은으로 된 풍부한 직물과 귀중한 물건들, 예를 들면 목장이나 사리품들은 재판관의 필요에 부응하고 성도들의 숭배를 위해 점점 더 많이 생산되었다.12세기에 대규모의 석조 조각이 유럽 전역에 퍼졌다.프로방스, 부르고뉴, 아키타인의 프랑스 로마네스크 교회에서는 파사드를 장식한 조각상과 조각상이 수도에 편입되었다.

고딕어

고딕 미술과 건축은 약 300년 동안 지속된 중세 미술 운동의 산물이었다.그것은 12세기 중반의 로마네스크 시대부터 발전하면서 프랑스에서 시작되었다.14세기 후반까지, 그것은 국제 고딕체로 알려진 더 세속적이고 자연스러운 스타일로 진화했고, 그것은 15세기 후반까지 지속되어 르네상스 예술로 발전했다.고딕 미술의 주요 매체는 조각, 판넬페인팅, 스테인드글라스, 프레스코, 조명이 들어오는 원고였다.

차르트르 대성당의 서양식 (로얄) 포탈, c. 1145 이 건축 조각상들은 가장 초기 고딕 조각상들, 스타일의 혁명 그리고 한 세대의 조각가들을 위한 모델들이다.

고딕 양식의 건축은 12세기 중반 올데프랑스에서 아보트 수거가 성당에 수도원을 건설하면서 탄생했다. 데니스(Denis, c. 1140)는 최초의 고딕 양식의 건물로 여겨졌고, 곧이어 샤르트르 대성당, c. 1145가 되었다.이에 앞서 프랑스에는 조각 전통이 없었기 때문에 부르고뉴에서 조각가들이 유입되었는데 부르고뉴는 샤르트르 대성당의 서양(로얄) 포탈(이미지 참조)에서 기둥 역할을 하는 혁명적 인물을 만들었다. 이는 프랑스 미술에서 완전히 새로운 발명품이었고, 한 세대의 조각가들에게 모델을 제공할 것이다.프랑스의 다른 유명한 고딕 교회로는 부르주 대성당, 아미앵 대성당, 노트르담 드 라온, 파리의 노트르담, 랭스 대성당, 파리의 새인테 샤펠레, 스트라스부르 대성당 등이 있다.

프랑스 고딕 건축의 스타일 지정은 다음과 같다: 초기 고딕, 하이 고딕, 레이온난트, 후기 고딕 또는 "플람보얀트".이 부서들로 나누는 것은 효과적이지만 논쟁의 여지가 있다.고딕 양식의 성당들은 여러 연이은 시기에 걸쳐 지어졌고, 각 시대의 장인들이 반드시 이전 시대의 소망을 따르는 것은 아니기 때문에, 특정 건물을 짓는 동안 지배적인 건축 양식이 바뀌는 경우가 많았다.따라서, 하나의 건물을 고딕 건축의 특정 시대에 속하는 것으로 선언하는 것은 어렵다.건물 전체에 적용하기보다는 구조 내의 특정 요소에 대한 설명자로 용어를 사용하는 것이 더 유용하다.

프랑스 사상이 널리 퍼졌다.고딕 조각은 12세기 후반과 13세기 초에 로마네스크의 일부인 초기 딱딱하고 길쭉한 형태에서 공간적이고 자연주의적인 처리로 진화했다.살아남은 고대 그리스·로마 조각상들의 영향력은 네덜란드-부르군드 조각가 클라우스 슬루터의 휘장, 표정, 포즈 등의 치료에 접목되었고, 자연주의에 대한 취향은 고딕 조각의 종말을 처음으로 예고하여 15세기 말에 이르러 고전적인 르네상스 양식으로 진화하였다.

엥거란트 쿼턴, 1452-53년 성모 대관식

"고딕"이라고 불릴 수 있는 양식의 그림은 고딕 건축과 조각이 시작된 지 거의 50년이 지난 1200년이 되어서야 나타났다.로마네스크에서 고딕으로 이행하는 것은 매우 부정확하고 결코 명확하게 묘사된 것은 아니지만, 이전 시대보다 더 침울하고 어둡고 감정적인 스타일의 시작을 알 수 있을 것이다.이러한 전환은 먼저 영국과 프랑스에서 1200년경, 독일에서는 1220년경, 이탈리아에서는 1300년경부터 일어난다.표면의 이미지를 표현한 회화는 고딕 시대 동안 4가지 주요 공예품, 프레스코화, 판넬화, 원고조명, 스테인드글라스에서 행해졌다.프레스코는 초기 기독교와 로마네스크 전통의 지속으로 남유럽의 교회 벽에 걸린 주요 화보 서술 공예로 계속 사용되었다.북쪽에서는 15세기까지 스테인드글라스가 지배적인 예술의 형태로 남아 있었다.At the end of the 14th century and during the 15th century French princely courts like those of the dukes of Burgundy, the duke of Anjou or the duke of Berry as well as the pope and the cardinals in Avignon employed renowned painters, like the Limbourg Brothers, Barthélemy d'Eyck, Enguerrand Quarton or Jean Fouquet, who developed the so-called Int유럽에 퍼져 새로운 플랑드르 영향과 이탈리아 초기 르네상스 예술가의 혁신을 접목시킨 에르내셔널 고딕 양식.

초기 근대기

사냥꾼 다이애나 - 1550–1560년 퐁텐블로 학교

15세기 후반에 프랑스의 이탈리아 침공과 활기찬 부르고뉴 궁정의 근접성은 플랑드르 연고로 프랑스인들을 북이탈리아 르네상스의 재화와 그림, 창조적 정신에 접촉하게 했다.당시 프랑스에서의 초기 예술적 변화는 장 클루엣과 그의 아들 프랑수아 클루엣과 같은 이탈리아 예술가들과 로소 피오렌티노, 프란체스코 프리마티치오, 니콜로 델라베테와 같은 이탈리아 예술가들에 의해 1531년부터 종종 폰테뉴블라우 제1학교라고 불리는 것에 의해 실행되었다.레오나르도 다빈치 역시 프랑수아 1세의 초청을 받았지만, 그가 가지고 온 그림 외에 프랑스 왕을 위해 거의 제작하지 않았다.

프랑수아 1세부터 앙리 4세까지의 시대 예술은 흔히 마네시즘이라고 불리는 이탈리아 화보나 조각의 후기 작품과 파르미기아노와 관련이 있는 것으로서 후기 작품들에 의해 크게 영감을 받는 경우가 많다.우화와 신화를 정교하게 사용하는 등 시각적 미사여구에 의존하는 길쭉하고 우아한 모습이 특징이다.아마도 프랑스 르네상스의 가장 큰 업적은 루아르 계곡의 샤토 건설일 것이다.더 이상 요새로 여겨지지 않았던 그런 쾌락궁들은 루아르 지역의 강과 땅의 풍요로움을 이용했고 그것들은 놀라운 건축 기술을 보여준다.

바로크와 고전주의

니콜라스 푸신 1637-38의 레 베르거스 다카디

17세기는 모든 분야에서 프랑스 미술의 황금기를 맞았다.17세기 초에는 마리 드 메디치와 루이 13세의 궁정에서 후기 매너리즘과 초기 바로크 풍조가 계속 번성하였다.이 시기의 예술은 유럽의 북쪽, 즉 네덜란드와 플랑드르 학교와 반개혁의 로마 화가들로부터의 영향을 보여준다.프랑스의 예술가들은 그의 플랑드르 바로크, 관능적인 선, 색채와 함께 피터 폴 루벤스의 대조적인 장점들을 니콜라스 푸신에게 이성적인 통제와 비례, 로마 고전주의 바로크 스타일로 자주 논했다.로마에서 활동하는 고전주의의 또 다른 지지자는 르 로레인(Le Lorrain)으로 알려진 클로드 겔레(Claude Gellée)로, 그는 고전적인 경관의 형태를 규정했다.

세기의 초기의 많은 젊은 프랑스 화가들은 스스로를 단련하기 위해 로마로 갔고 곧 발렌틴 드 불로뉴나 시몬 부에트처럼 카라바조의 영향력을 동화시켰다.후작은 프랑스에 바로크를 가져온 공로를 인정받고 1627년 파리로 돌아오면서 왕의 첫 화가로 임명되었다.그러나 프랑스 그림은 곧 이탈리아 바로크의 사치와 자연주의에서 출발했고, 푸신의 예를 따라 파리의 예술주의로 알려진 고전주의적인 방식을 발전시켰으며, 고대에 영감을 받았고, 비례, 조화, 그리고 그림의 중요성에 초점을 맞췄다.심지어 부에트도 이탈리아에서 돌아온 후 좀더 잰 듯하면서도 여전히 고도로 장식적이고 우아한 스타일로 태도를 바꾸었다.

조르주 드 라 투어의 참회자 막달렌 C. 1640.

그러나 그와 동시에 조르주 드 라 투어의 놀라운 촛불 빛 그림으로 대표되는 강한 카라바기스티 바로크 학교가 여전히 있었다.르나인 삼형제가 그린 그림에는 처참한 자와 가난한 자들이 준 더치 방식으로 등장하였다.필리프 드 샴페인의 그림에는 둘 다 루이 14세의 선전적인 초상화가 있다.3세의 장관 리슐리외 추기경과 다른 가톨릭 얀센주의 종파 사람들의 사색적인 초상화들.

건축에서 살로몬 드 브로스, 프랑수아 만사르트, 자크 르메르시어 같은 건축가들은 바로크의 프랑스 형식을 규정하는 것을 도왔으며, 모든 유럽에 영향을 미치고 이탈리아 등가인 팔라초로부터 강하게 출발하는 도시 hôtel 미립자의 공식을 개발했다.많은 귀족 성들이 새로운 클래식-바로크 양식으로 재건되었는데, 그 중 가장 유명한 것은 메이슨과 체베르니로, 높은 지붕 "아 라 프랑세즈"와 중세의 탑으로 장식된 성의 모델을 그대로 유지하고 있는 것이 특징이다.

17세기 중후반부터 프랑스 미술은 같은 기간 유럽의 나머지 대부분 지역에서 행해졌듯이 바로크에 대한 비례와 음주적 특징 없는 일정한 법칙을 고수하는 것을 내포하고 있는 "클래식주의"라는 용어로 더 자주 언급된다.루이 14세 휘하에서 이탈리아에서 행해졌던 바로크는 예를 들어, 루브르 박물관을 재설계하려는 베르니니의 유명한 제안이 루이 14세에 의해 거절당했기 때문에 프랑스인의 취향에 맞지 않았다.

루이 르 보의 보 르 비콤테 성당.

루이 14세는 선전, 전쟁, 위대한 건축 작품을 통해 프랑스와 그의 이름을 찬양하기 위해 고안된 방대한 프로그램을 시작했다.The Palace of Versailles, initially a tiny hunting lodge built by his father, was transformed by Louis XIV into a marvelous palace for fêtes and parties, under the direction of architects Louis Le Vau (who had also built the château de Vaux-le-Vicomte) and Jules Hardouin Mansart (who built the church of the Invalides in Paris), painter and designe베르사유에서 온 프랑스 정원의 합리적인 형태를 완성한 조경가 안드레 르 누트레와 함께 유럽 전역으로 퍼져나갔다.

조각상 루이 14세의 통치 또한 피에르 푸젯, 프랑수아 지라르돈, 앙투안 코이세복스와 같은 예술가를 킹이 보호한 덕분에 중요한 순간을 증명했다.로마에서, 피에르 레그로스는 좀 더 바로크 방식으로 일하면서, 세기말의 가장 영향력 있는 조각가들 중 한 명이었다.

로코코와 신고전주의

파리 제르맹 보프랜드의 살롱 드 라 프린세 보이세

로코코와 신고전주의는 18세기 초부터 18세기 말까지 유럽의 시각적, 조형적 예술과 건축을 묘사할 때 사용되는 용어다.프랑스에서는 1715년 루이 14세의 죽음으로 흔히 레앙스라고 불리는 자유의 시기로 이어진다.베르사유에는 1715년부터 1722년까지 버려졌고, 젊은 왕 루이 15세와 파리에 거주하는 오를레앙 공작이 이끄는 정부였다.로카유라고 알려진 장식 예술에 새로운 스타일이 등장했다: 바로크의 비대칭성과 역동성은 유지되었지만 수사력이 적고 거만한 효과와 자연에서 영감을 받은 모티브의 사용과 인공성에 대한 심층적인 연구로 갱신되었다.방이나 가구를 장식할 때 사용하던 이런 태도는 그림에도 있었다.로캘레 그림은 "페테스 갈란트"와 같은 라이터 주제, 극장 설정, 유쾌한 신화적 이야기, 그리고 여성 누드화 쪽으로 방향을 틀었다.대부분 신화나 역사 그림의 도덕적인 면은 생략되고 묘사된 장면의 장식적이고 유쾌한 면에 액센트가 가해진다.그 시기의 그림은 붓놀림이 뚜렷하고 매우 화려한 장면으로, 그림보다 색에 더 중점을 두고 있다.이 시기의 중요한 프랑스 화가로는 페테 갈란테의 창시자로 여겨지는 앙투안 왓테우, 온화한 목가적인 풍경으로 유명한 니콜라스 랑크레트, 프랑수아 바우처 등이 있다.당시 유럽에서는 파스텔 초상화가 특히 유행하게 되었고 모리스 콴틴 드 라 투어, 장 바티스트 페로뉴, 스위스 장-에티엔 리오타르의 저명한 인물들이 등장하는 등 파스텔리스트들의 주요 활동 중심지는 프랑스였다.

1769년 장 호노레 프라고나르의 영감

루이 XV 스타일의 장식은 지난 번 치세 말기에 이미 뚜렷이 나타나긴 했지만, 파스텔 컬러, 목재 판넬, 작은 방, 금도금, 그리고 더 적은 수의 브로케이드, 조개껍질, 화환, 그리고 때때로 중국 피사체들이 선구적으로 나타나면서 더 가벼워졌다.샹틸리, 빈센, 그리고 그 당시 세브르 제조회사들은 당대 최고의 도자기 몇 가지를 생산했다.대부분 파리에 본부를 둔 내각 제작자인 매우 숙련된 에베니스트들은 귀중한 나무와 청동 장신구로 정교한 가구들을 만들어 유럽 전역에서 높이 평가되고 모방되었다.베르사유에서 루이 15세의 작업대를 만든 장 프랑수아 오벤, 베르나르 2세 반 리삼부르크, 장 앙리 리세너 등이 대표적이다.시슬레우르 도루르라고 불리는 고도로 숙련된 예술가들은 가구와 다른 장식 예술 작품들을 위한 청동 장신구들을 전문으로 한다 - 가장 유명한 것은 피에르 구티에르와 피에르 필리프 토미레이다.토마스 제르맹과 그의 아들 프랑수아-토마스 제르맹과 같은 재능 있는 은공예품들은 정교한 은제품 서비스를 만들어냈는데, 이는 유럽의 다양한 로열티로 높은 평가를 받았다.Rooms in châteaux and hôtels particuliers were more intimate than during the reign of Louis XIV and were decorated with rocaille style boiseries (carved wood panels covering the walls of a room) conceived by architects like Germain Boffrand and Gilles-Marie Oppenord or ornemanistes (designers of decorative objects) like Juste-Aurèle Meissonnier.

안젤라 자크 가브리엘이 보르도의 장소

전반기의 가장 유명한 건축가들은 보프랜드, 로버트 드 코트, 안젤 자크 가브리엘을 제외하고, 그는 루이 14세 시대의 그것으로부터 의식적으로 영감을 받은 스타일로 파리의 콩코르드 장소와 보르도의 드 라 보르도의 광장 같은 공공 광장을 디자인했다.세기의 전반기 동안, 프랑스는 유럽의 예술 중심지이자 주요 예술적 영향력으로 이탈리아를 대체했고, 많은 프랑스 예술가들은 유럽 전역의 다른 법정에서 일했다.

18세기 후반에는 유럽, 특히 예술과 과학을 통해 프랑스어의 우수성을 계속 보였으며, 프랑스어의 회화는 유럽 법원 구성원들에게 기대되었다.프랑스의 학계는 계속해서 예술가를 배출했지만, 장-호노레 프라고나르드, 장-바티스트-시메옹 샤르딘과 같은 몇몇은 두꺼운 붓놀림으로 새롭고 점점 인상적인 화풍을 탐구했다.장르의 위계질서가 공식적으로는 계속 존중받았지만, 장르화, 풍경화, 초상화, 정물화 등은 극히 유행이었다.샤르딘과 장바티스트 오드리는 공식적으로 그림 피사체의 서열에서 모든 장르 중 가장 낮은 것으로 여겨졌음에도 불구하고 그들의 정물적인 삶에 찬사를 받았다.

1762년 니콜라스 세바스티앵 아담의 프로메테우스

또한 이 시기에는 낭만주의 이전의 양상을 발견하기도 한다.이탈리아의 염소자리 그림에서 영감을 받은 휴버트 로버트의 폐허 이미지는 클로드 조셉 버넷의 폭풍과 달빛 해병대의 이미지뿐만 아니라 이러한 점에서 전형적이다.그래서 역시 안드레 르 누트레의 합리적이고 기하학적인 프랑스 정원에서 인위적으로 야생적이고 비합리적인 자연을 강조한 영국 정원으로의 변화도 있었다.한 사람은 또한 이 정원들 중 일부에서 "사람"이라고 불리는, 아주 멋진 절들의 폐허를 발견한다.

18세기 후반에는 프랑스의 신고전주의, 즉 그리스 로마 형식과 우상화를 의식적으로 사용하게 되었다.이 운동은 디데롯과 같은 지식인들이 로카유 양식의 인위성과 장식적인 본질에 반하여 추진하였다.그림에서, 이 스타일의 가장 위대한 대표자는 자크 루이스 데이비드로, 그리스 꽃병들의 프로필을 반영하여, 프로필의 사용을 강조하였다.그의 주제에는 소크라테스나 브루투스의 죽음과 같은 고전사가 자주 포함되어 있었다.그의 그림의 위엄과 주제는 17세기 니콜라스 푸신의 작품에서 크게 영감을 받았다.푸신과 데이비드는 차례로 장 아우구스트 도미니크 잉그레스에게 큰 영향을 끼쳤다.이 시대의 중요한 신고전주의 화가로는 장바티스트 그뤼제, 요셉 마리 비엔, 그리고 초상화 장르로는 엘리자베스 루이제 비게 르 브룬이 있다.신고전주의도 장식 예술과 건축에 침투했다.

자크루이 다비드, 1786년 호라티이 선서

레두와 불레와 같은 건축가들은 단순하고 순수한 기하학적 형태에 기반한 급진적인 스타일의 신고전주의 건축 양식을 시메트리 연구와 조화의 연구로 개발하여, 레두의 아크-에-세난인의 소금공장의 복합체 같은 비전적인 프로젝트를 정교하게 다듬어, 계몽주의라는 합리적 개념에서 개발된 이상적 공장의 모델이었다.사상가들

근대

19세기

프랑스 혁명과 나폴레옹 전쟁은 프랑스의 예술에 큰 변화를 가져왔다.프랑스의 나폴레옹 1세 황제를 수행하게 하는 경탄과 신화의 프로그램은 다비드, 그로스, 게린의 그림에서 긴밀히 조율되었다.장 오귀스트 도미니크 잉그레스는 1850년대까지 신고전주의의 주요 인물이었고, 색채보다 그림을 우선시하는 저명한 스승이었다.한편, 낭만주의의 이 모든 요소인 동양주의, 이집트 모티브, 비극적인 반영웅, 야생경관, 역사소설, 그리고 중세시대와 르네상스의 장면들은 쉬운 분류를 거역할 수 없는 활기찬 시대를 만들어냈다.당대의 가장 중요한 낭만주의 화가는 공적인 경력에 성공한 외젠 들라크루아스였으며 잉그레스의 주요 적수였다.그에 앞서 테오도르 게리코는 1819년 살롱에서 그의 기념비적인 메두사 뗏목이 노출되면서 낭만주의의 길을 열었다.카밀 코롯은 고전주의의 영향을 받은 전통적인 이상화된 풍경화의 형태를 탈피하여 보다 현실주의적이고 동시에 대기 변동에 대한 분별력을 갖기 위해 노력했다.

1824년 외젠 들라크루아 치오스 대학살

낭만적인 경향은 세기에 걸쳐 계속되었는데, 이상화된 풍경화와 사실주의 둘 다 낭만주의에 그 씨앗을 가지고 있다.구스타브 쿠르베트와 바르비존 학파의 작품은 19세기 말 헨리 마티스와 조르주 루오 같은 화가들과 오딜론 레돈의 작품인 구스타브 모로와 같은 화가들의 상징성이 그것으로부터 논리적으로 발전한 것이다.

Ecole des Beaux-Arts에서 개발된 학술적 그림은 대중과 국가에서 가장 성공적이었다. 장 레옹 게르메, 윌리엄 부게로, 알렉산드르 카바넬과 같은 고도로 훈련된 화가들은 잉그레스와 신고전파의 발자취를 따라 골동품에서 영감을 받은 역사적인 장면을 그렸다.젊은 아방가르드 화가들과 평론가들로부터 관습주의를 비판받았지만, 학술 화가들 중 가장 재능 있는 화가들은 역사적 장르를 새롭게 하여, 동양과 사진의 발명으로 가능해진 새로운 프레이밍과 같은 여러 문화와 기술로부터 영감을 이끌어냈다.

많은 비평가들에게 에두아르 마네는 19세기와 근대에 대해 썼다. (Charles Baudelaire가 시에서 했던 것처럼)황금시대부터 스페인화를 재발견한 그의 모습, 칠하지 않은 캔버스를 보여주려는 의지, 직설적인 누드화 탐구, 급진적인 붓놀림 등이 인상주의를 향한 첫걸음이다.인상주의는 바비존 학파를 한 걸음 더 나아가서, 그리고 모든 믿을 수 있는 스타일과 혼합된 색과 검은 색의 사용을 거부하면서, 변화하는 빛에서 포착된 빛의 취약한 전이적 효과에 대해, (부분적으로는 J. M. W. 터너와 외젠 부딘의 그림에서 영감을 얻는다.)그것은 그의 성당과 건초더미들을 가진 클로드 모네, 그의 초기 야외 축제와 그의 깃털 같은 나체 스타일을 모두 가진 피에르 오귀스트 르누아르, 그의 댄서들과 거더들과 함께 에드가 드가스로 이어졌다.다른 중요한 인상파 화가들은 알프레드 시슬리, 카밀 피사로, 구스타브 카유보떼였다.

그 문턱을 넘은 후, 그 다음 30년은 놀라운 실험의 리타니가 되었다.네덜란드 태생이지만 프랑스에 사는 빈센트 반 고흐는 표현주의의 길을 열었다.색 이론에 영향을 받은 조르주 서라트는 인상파 실험을 지배하는 점묘파 기법을 고안했고 폴 시그낙이 그 뒤를 이었다.화가의 화가인 폴 세잔은 세계의 기하학적 탐험을 시도했고, 그로 인해 많은 동료들이 무관심하게 되었다.은행가인 폴 고갱은 에밀 베르나르를 따라 브리타니에서 상징성을 발견했고, 그 후 프랑스 폴리네시아에서 이국주의와 원시주의를 발견했다.이 화가들은 후기 인상파 화가라고 일컬어졌다.1890년대의 운동인 레 나비스는 폴 세루시에, 피에르 보나르드, 에두아르 뷔야르드, 모리스 데니스와 같은 화가들을 재정비하여 브리트니에서 고갱의 사례에 영향을 받았다: 그들은 일본 판화의 그래픽적 접근법으로 평평한 평야에서 장식적인 예술을 탐구했다.그들은 예술 작품이 최종 산물이며 예술가의 자연 합성을 개인적인 미적 은유와 상징으로 시각적으로 표현한 것이라고 설파했다.독학으로 우체국장을 가볍게 두드린 앙리 루소는 순진무구한 혁명의 모델이 되었다.

20세기

클로드 모네, 루앙 대성당, 파사드(Sunset), c. 1892-1894

20세기 초엽에는 인상주의와 후기 인상주의가 촉발시킨 색채와 내용에서의 실험이 지배적이었다.극동의 산물도 새로운 영향을 미쳤다.거의 같은 시기에 레스 파우베스(헨리 마티스, 안드레 데레인, 모리스 드 블라민크, 알베르 마르케, 라울 뒤피, 오손 프리츠, 샤를 카모인, 앙리 므앙구인)는 독일의 표현주의처럼 색깔로 폭발했다.

파리에 살고 있는 스페인인 파블로 피카소의 아프리카 부족 가면 발견은 그를 1907년 그의 레 드모아젤 드비뇽의 창시자로 이끌었다.독립적으로 일하면서 피카소와 조르주 브라크는 세잔의 사물을 평탄한 매체로 합리적으로 이해하는 방식으로 돌아가 정제했고, 입체주의에 대한 그들의 실험은 또한 그들이 일상 생활의 모든 측면과 사물, 신문, 악기, 담배, 와인, 그리고 다른 사물들을 그들의 작품에 통합하도록 이끌 것이다.모든 단계에서 입체주의는 향후 10년 동안 유럽과 미국의 그림을 지배할 것이다.(전체적인 논의를 위해서는 큐비즘에 관한 기사를 참조하십시오.)

제1차 세계대전은 프랑스에서의 역동적인 예술창작을 멈추지 않았다.1916년 한 무리의 불평분자들이 취리히의 한 술집에서 만나 가능한 가장 급진적인 제스처인 다다의 반 예술적 제스처를 만들어냈다.동시에 프랜시스 피카비아와 마르셀 뒤샹은 비슷한 생각을 탐구하고 있었다.1917년 뉴욕에서 열린 미술 전시회에서 뒤샹은 백자 소변기(파운틴)가 서명한 R자를 선보였다. 예술 작품으로 중얼거리고, 기성복의 아버지가 되었다.

다다가 파리에 이르렀을 때, 지그문트 프로이트의 글, 특히 무의식에 대한 그의 관념에 매료된 젊은 예술가들과 작가들의 집단에게 열렬히 받아들여졌다.다다의 도발적 정신은 자동적 글쓰기, 우연한 작전, 경우에 따라서는 상태를 변화시켜 무의식의 정신 탐구와 연결되게 되었다.초현실주의자들은 재빨리 그림과 조각에 눈을 돌렸다.예상치 못한 원소의 충격, 프루트지, 콜라주, 데칼코마니아의 사용, 신비로운 풍경과 꿈의 이미지 렌더링은 1930년대의 나머지 시대를 통해 핵심 기법이 되는 것이었다.

조르주 브라크, 바이올린과 촛대, 1910년

이 전쟁 직후 프랑스 미술계는 대략 두 방향으로 갈라졌다.전쟁 이전부터 예술실험을 계속한 사람들, 특히 초현실주의, 그리고 타키즘이나 라트 인포멜을 이용하여 프랑스식으로 실행하면서 뉴욕의 새로운 추상표현주의와 액션 페인팅을 채택한 사람들이 있었다.이러한 두 가지 성향과 병행하여, 장 두부페트는 다양한 매체에서 아이 같은 그림, 그래피티, 만화를 탐구하면서 전후 초창기를 지배했다.

1950년대 후반과 1960년대 초 프랑스에서는 팝아트로 여겨질 수 있는 예술 형태를 보았다.이브 클라인은 매력적인 누드 여성이 파란색 페인트로 몸을 굴리며 캔버스에 몸을 던졌다.Victor Vasarly는 정교한 광학 패턴을 디자인하여 Op-Art를 발명했다.벤 바우티에와 같은 플럭서스 운동의 예술가들은 그래피티를 통합했고 그들의 작품에서 물건들을 발견했다.Niki de Saint Phalle은 비대하고 활기찬 플라스틱 형상을 만들었다.아르만은 함께 모여 상자형 또는 수지 코팅 조립품에서 물체를 발견했고, 세사르 발다치니는 일련의 대형 압축 물체 흠집을 생산했다.세사르 발다치니는 1960년대 프랑스의 저명한 조각가로 자동차, 금속, 쓰레기, 가정용품 등 폐기물을 압축해 대형 폐기물 조각품을 만들었다.^[1]