이탈리아 예술

고대부터 그리스인, 에트루리아인, 켈트인들은 각각 이탈리아 반도의 남쪽, 중앙, 북쪽에 거주해왔다.발카모니카에 있는 아주 많은 암석화는 기원전 8,000년 정도 되었고, 수천 개의 무덤에서 나온 에트루스카나 미술의 풍부한 유적은 물론, 파스툼, 아그리겐토 등의 그리스 식민지에서 나온 풍부한 유적이 있다.고대 로마는 마침내 이탈리아와 유럽의 지배적인 강대국으로 부상했다.이탈리아에 있는 로마 유적들은 로마 자체의 위대한 제국 기념물에서부터 폼페이우스와 이웃 유적지의 예외적으로 보존된 평범한 건물들의 생존에 이르기까지 매우 풍부하다.로마 제국의 몰락 이후 중세 이탈리아, 특히 북부는 신성로마제국의 카롤링거 미술과 오트토니아 미술뿐만 아니라 라벤나 등의 비잔틴 미술에도 중요한 중심지로 남아 있었다.

이탈리아는 지오토의 프로토 르네상스를 시작으로 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘의 하이 르네상스 시대의 특정한 정점에 도달하면서 르네상스 전반에 걸쳐 주요한 예술 발전의 중심지였다. 그의 작품은 매너리즘으로 알려진 르네상스의 후기에 영감을 주었다.이탈리아는 바로크 (1600년-1750년)로 17세기, 신고전주의 (1750년-1850년)로 18세기까지 예술적 우위를 유지했다.이 시기에 문화관광은 이탈리아 경제의 주요 버팀목이 되었다.바로크주의와 신고전주의 둘^[1][2] 다 로마에서 시작되어 모든 서양 예술로 확산되었다.이탈리아는 19세기 중반부터 국제 미술계에서 맥키아올리, 퓨처리즘, 형이상학, 노벨센토 이탈리아노, 공간주의, 아르테 포베라, 트란사반트가르드 등의 운동을 전개하며 존재감을 유지했다.

이탈리아 예술은 수세기 동안 여러 주요 운동에 영향을 주었고 화가, 건축가, 조각가 등 여러 명의 위대한 예술가를 배출했다.오늘날, 이탈리아는 몇몇 주요 미술관, 박물관, 전시회와 함께 국제 미술계에서 중요한 위치를 차지하고 있다; 이탈리아 주요 예술 중심지에는 로마, 피렌체, 베니스, 밀라노, 토리노, 제노바, 나폴리, 팔레르모, 레체, 그리고 다른 도시들이 포함된다.이탈리아는 58개의 세계문화유산이 있는 곳으로 세계에서 가장 많은 나라다.

에트루스카나 미술

에트루스카의 청동 인물들과 테라코타 장례식의 구호품들은 로마가 한반도에 그녀의 제국을 건설하기 시작할 때쯤에는 쇠퇴했던 강력한 중앙 이탈리아 전통의 예를 포함한다.

현대까지 살아남은 에트루스카나 그림들은 대부분 무덤에서 나온 벽 프레스코화들이며, 주로 타르퀴니아에서 나온 것이다.이것들은 학자들에게 알려진 이탈리아에서 로마 이전의 조형 미술의 가장 중요한 예다.

프레스코화는 신선한 회반죽 위에 그림을 그리는 것으로 구성되어 있어 회반죽이 마르면 회반죽의 일부가 되고 벽의 일체적인 부분이 되어, 회반죽이 그렇게 잘 살아남는 데 도움이 된다(실제로 살아남은 에트루스카나 로마화의 거의 모든 부분이 프레스코에 있다).색깔은 돌과 미네랄을 갈아서 중간으로 섞은 다른 색깔로 만들어졌고, 미세한 브러시는 동물의 털로 만들어졌다(최고의 브러시도 황소 털로 만들어진다).기원전 4세기 중반부터 치아로스쿠로는 깊이와 볼륨을 묘사하는 데 이용되기 시작했다.때로는 일상의 장면들이 묘사되기도 하지만, 더 자주 전통적인 신화적인 장면들이 그려진다.비율의 개념은 살아남은 어떤 프레스코화에도 나타나지 않고 우리는 종종 일부 신체 부위를 가진 동물이나 남성을 묘사하는 것을 발견한다.가장 잘 알려진 에트루스카나 프레스코 중 하나는 타르퀴니아에 있는 사자 무덤이다.

로마 미술

에트루스칸은 로마의 가장 초기 기념비적인 건물들을 건설하는 일을 담당했다.로마의 사원들과 집들은 에트루스카누스칸 모델을 바탕으로 촘촘히 세워져 있었다.로마 신전에서 에트루스칸이 영향력을 행사한 요소로는 단상과 나머지 삼면을 희생하여 전방을 강조하는 것이 있었다.커다란 에트루스칸 집들은 로마의 마을과 거의 같은 방식으로 중앙 홀 주위에 모여 있었다. 큰 집들은 나중에 아트리움 주위에 지어졌다.에트루스칸 건축의 영향력은 공화국 기간 동안 다른 곳으로부터의 영향(특히 그리스어)에 직면하여 점차 쇠퇴하였다.에트루스칸 건축은 그 자체로 그리스인들의 영향을 받았기 때문에 로마인들이 그리스 양식을 채택했을 때 완전히 이국적인 문화는 아니었다.공화국 시절에는 주로 헬레니즘 세계에서 건축적 영향이 꾸준히 흡수되었을 테지만 기원전 211년 시라큐스가 함락된 후 그리스 미술 작품들이 로마로 쏟아져 들어왔다.기원전 2세기 동안 이러한 작품들, 그리고 더 중요한 그리스 장인의 흐름은 계속되었고, 따라서 로마 건축의 발전에 결정적으로 영향을 주었다.공화국이 끝날 무렵, 비트루비우스가 건축에 관한 논문을 쓸 때 그리스 건축 이론과 예가 지배적이었다.제국의 팽창과 함께 로마 건축물은 넓은 지역에 퍼져 공공 건물과 더 큰 민간 건물 모두를 위해 사용되었다.많은 분야에서 스타일의 요소들은 지역적 취향, 특히 장식에 의해 영향을 받았으나, 건축은 확실히 로마적인 것으로 남아 있었다.토속적인 건축 양식은 로마 건축에 의해 다양한 정도에 영향을 받았으며, 많은 지역에서 로마와 토속적인 요소들이 같은 건물에서 결합되어 발견된다.

서기 1세기까지 로마는 세계에서 가장 크고 가장 발전된 도시가 되었다.고대 로마인들은 도시의 위생 시스템, 도로, 건물을 개선하기 위한 새로운 기술을 고안했다.그들은 도시에 담수를 파이프로 주입하는 수도관 시스템을 개발했고 도시의 쓰레기를 제거하는 하수구를 건설했다.가장 부유한 로마인들은 정원이 있는 큰 집에서 살았다.그러나 인구의 대부분은 돌, 콘크리트 또는 석회암으로 만들어진 아파트에 살았다.로마인들은 새로운 기술을 개발하고 나폴리 근처의 마을인 포추올리에서 화산토양과 같은 물질을 사용하여 시멘트를 단단하고 튼튼하게 만들었다.이 콘크리트로 그들은 인슐레라고 불리는 큰 아파트 건물을 지을 수 있었다.

벽화가 부자들의 집을 장식했다.그림은 종종 정원 풍경, 그리스 로마 신화에 나오는 사건, 역사적 장면 또는 일상생활의 장면을 보여주었다.로마인들은 바닥을 모자이크로 장식했다 - 작은 색깔의 타일로 만든 그림이나 디자인.풍부하게 채색된 그림과 모자이크는 로마의 집들이 방을 더 크고 밝게 보이게 하는데 도움을 주었고, 주인장의 부를 과시했다.^[3]

후기 제국 기독교 시대에는 서기 350년부터 500년까지 벽화, 모자이크 천장 및 바닥 작업, 장례 조각 등이 번창했고, 원형과 판넬 페인팅에 있는 실물 크기의 조각품들은 대부분 종교적인 이유로 소멸되었다.^[4]콘스탄티누스가 제국의 수도를 비잔티움(콘스탄티노폴리스로 개명)으로 옮기자 로마의 예술은 동양의 영향을 통합하여 후기 제국의 비잔틴 양식을 생산하였다.5세기에 로마가 축출되자, 장인들은 동양의 수도로 옮겨가 일을 찾았다.콘스탄티노폴리스의 하자 소피아 교회는 거의 1만 명의 직공과 장인을 고용하여, 또한 라벤나의 유명한 모자이크 창조를 명령한 저스티니아 1세 황제 휘하의 로마 미술의 마지막 폭발을 이루었다.^[5]

중세 미술

중세 내내 이탈리아 예술은 주로 건축 장식(프레스코와 모자이크)으로 구성되었다.이탈리아의 비잔틴 예술은 표준화된 서예와 색과 금을 훌륭하게 사용한 매우 형식적이고 세련된 장식이었다.13세기까지 이탈리아의 예술은 외부 유럽과 동양의 조류에 영향을 받아 거의 전적으로 지역적이었다.c. 1250 이후 다양한 지역의 예술은 공통적으로 특성을 발전시켜, 위대한 독창성뿐만 아니라 일정한 통일성도 관찰할 수 있게 되었다.

비잔틴 미술

서부의 수도가 함락되면서 로마 제국은 콘스탄티노플의 지도 아래 1000년 더 계속되었다.^[6]비잔틴 장인들은 이탈리아 전역의 중요한 프로젝트에 사용되었고, 비잔틴 화풍의 그림은 14세기까지 찾아볼 수 있다.

고딕 예술

고딕 양식의 시대는 중세에서 르네상스로의 전환을 의미하며, 아시시의 성도미닉과 성 프란치스코가 각각 창시한 승려들의 도미니크와 프란시스칸 질서의 영향으로 양성된 스타일과 태도가 특징이다.

교회 안에서 종교 분쟁이 일어났던 시기였다.프랑시칸과 도미니칸은 이러한 분쟁을 해결하고 카톨릭 교회를 기본으로 되돌리기 위한 시도로 설립되었다.프랑시스칸의 초기 시대는 특히 성 프란치스코의 동정심 때문에 기억되는 반면, 도미니카인들은 종교재판의 시작에 가장 책임이 있는 명령으로 기억된다.

고딕 양식의 건축은 북유럽에서 시작되어 이탈리아까지 남쪽으로 퍼져나갔다.

르네상스 예술

중세 동안, 화가들과 조각가들은 그들의 작품에 영적인 질을 주려고 노력했다.그들은 시청자들이 그들의 그림과 조각품의 깊은 종교적 의미에 집중하기를 원했다.그러나 르네상스 시대의 화가들과 조각가들은 르네상스 작가들처럼 사람과 자연을 사실적으로 묘사하기를 원했다.중세 건축가들은 거대한 성당을 설계하여 신의 장엄함을 강조하고 인간의 정신을 겸손하게 하였다.르네상스 건축가들은 인체의 비율과 장식물이 고대 디자인을 모방하는 건물을 설계했다.

14세기 및 15세기 초의 예술

14세기 초 플로렌스의 화가 지오토는 로마 제국 멸망 이후 처음으로 자연을 사실적으로 묘사한 화가가 되었다.그는 아시시, 플로렌스, 파두아, 로마에 있는 교회들을 위해 웅장한 프레스코화(축축축한 석고 위에 페인트칠)를 제작했다.지오토는 실제 감정을 보여주는 실물과 같은 인물들을 창조하려고 시도했다.그는 많은 인물들을 사실적으로 묘사했다.

플로렌스의 건축가, 화가, 조각가들로 이루어진 주목할 만한 그룹은 15세기 초에 일했다.화가 마사치오, 조각가 도나텔로, 건축가 필리포 브루넬레스치 등이 포함됐다.

마사치오의 가장 훌륭한 작품은 그가 1427년경 피렌체에 있는 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브란카치 예배당에서 그린 프레스코화 시리즈였다.프레스코화는 성서의 감정적인 강렬함을 사실적으로 보여준다.이들 그림에서 마사치오는 브루넬레스치의 시스템을 이용하여 선형 원근법을 이루었다.

도나텔로는 그의 조각품에서 인간의 존엄성을 사실적이고 종종 극적인 디테일로 묘사하려고 노력했다.그의 걸작에는 성경의 영웅 다윗의 동상이 세 개 포함되어 있다.1430년대에 완성된 버전에서 도나텔로는 데이빗이 거인 골리앗을 쓰러뜨린 직후의 우아하고 누드 같은 젊음을 묘사했다.높이가 약 1.5m인 이 작품은 고대 서양 미술에서 만들어진 최초의 대형 독립 누드였다.

브루넬레스치는 고대 로마 건축 양식을 되살린 최초의 르네상스 건축가였다.그는 그의 디자인에 아치, 기둥, 그리고 다른 고전 건축 요소들을 사용했다.그의 가장 잘 알려진 건물들 중 하나는 플로렌스의 아름답고 조화롭게 비례한 파지 예배당이다.1442년에 시작되어 약 1465년 완공된 이 예배당은 새로운 르네상스 양식으로 디자인된 최초의 건물들 중 하나였다.브루넬레스치는 또한 화가들이 평평한 표면에 공간과 깊이를 보여줄 수 있는 수학적 시스템인 선형 원근법을 숙달한 르네상스 최초의 예술가였다.

15세기 말과 16세기 초의 예술

15세기 말과 16세기 초의 예술은 세 사람이 지배했다.그들은 미켈란젤로, 라파엘, 레오나르도 다빈치였다.

미켈란젤로는 화가, 건축가, 시인으로서 뛰어난 재능을 보였다.게다가 그는 역사상 가장 위대한 조각가로 불렸다.^[7]미켈란젤로는 인간의 모습을 묘사하는 데 명수였다.예를 들어 그의 유명한 이스라엘 지도자 모세(1516)의 동상은 육체적, 정신적 힘에 대한 압도적인 인상을 준다.이러한 자질들은 미켈란젤로가 바티칸의 시스티나 성당 천장에 그린 성서와 고전적인 주제들의 프레스코화에도 나타난다.1508년에서 1512년까지 그려진 프레스코화는 르네상스 미술의 가장 위대한 작품들 중 하나이다.

라파엘의 그림은 미켈란젤로의 그림보다 윤곽이 부드럽고 시적이다.라파엘은 원근법과 색채의 섬세한 사용에 능숙했다.그는 많은 아름다운 마돈나 그림들과 많은 뛰어난 초상화를 그렸다.그의 가장 위대한 작품 중 하나는 프레스코 아테네의 학교다.그 그림은 고대 그리스와 로마 모델의 영향을 받았다.그것은 고대 그리스의 위대한 철학자와 과학자들을 고전적인 아치의 배경에서 묘사한다.라파엘은 따라서 고전 고대의 문화와 그 시대의 이탈리아 문화를 연결시키고 있었다.

레오나르도 다빈치는 르네상스 미술의 가장 유명한 두 작품인 벽화 최후의 만찬과 초상화 모나리자를 그렸다.레오나르도는 역사상 가장 탐구적인 사람 중 한 명이었다.그는 자연에서 본 모든 것이 어떻게 작용하는지 알고 싶었다.4000쪽이 넘는 수첩에 그는 상세한 도표를 그리고 관찰 결과를 썼다.레오나르도는 신체가 어떻게 작용하는지 배우려고 노력하면서 인간의 뼈와 근육을 세심하게 그렸다.그의 탐구심 때문에 레오나르도는 르네상스 시대의 학문 정신과 지적 호기심의 상징이 되었다.^[8]

하이 르네상스 건축의 창시자는 도나토 브라만테로, 그는 55세 때인 1499년 로마에 왔다.그의 첫 로마 걸작인 몬토리오 산피에트로의 템피에토(1502)는 고전적인 사원 건축물을 회상하는 중앙집중식 돔 구조다.교황 율리우스 2세는 브라만테를 교황 건축가로 선택했고, 그들은 함께 4세기 올드 세인트(Old St)를 대체할 계획을 고안했다.피터는 거대한 규모의 새 교회와 함께 있다.그러나 이 프로젝트는 브라만테가 죽은 지 한참이 지나서야 완성되었다.

다성음악의 발달과 마찬가지로 하이 르네상스의 강력한 팝인 율리우스 2세와 레오 X 밑에서 인문학적 연구가 계속되었다.p\d가 속한 시스티나 합창단은 이탈리아 전역과 북유럽의 음악가들과 가수들을 끌어 모았다.멤버가 된 가장 유명한 작곡가들 중에는 조스킨 데 프레즈와 조반니 피에루이지 다 팔레스트리나도 있었다.

매너리즘

매너리즘은 우아하고 정중한 스타일이었다.이탈리아 피렌체에서 번성했는데, 그곳의 대표자는 조르지오 바사리와 브론지노였다.이 스타일은 로소 피오렌티노와 프란체스코 프리마틱시오에 의해 프랑스 법정에 소개되었다.베네치아 화가 틴토레토는 그 양식의 영향을 받았다.

그림에 대한 매너리즘적 접근은 다른 예술에도 영향을 미쳤다.

건축에서 이탈리아 건축가 줄리오 로마노의 작품이 눈에 띄는 예다.이탈리아의 벤베누토 첼리니와 플랑드르 태생인 지암볼로냐가 이 스타일의 조각상 대표였다.^[9]

일부 역사학자들은 이 시기를 하이 르네상스 고전주의의 퇴조 또는 심지어 하이 르네상스와 바로크 사이의 막간으로 여기기도 하는데, 이 경우 날짜는 보통 c. 1520부터 1600까지이며, 그 자체로 긍정적인 문체로 간주된다.

바로크와 로코코 미술

17세기 초에 로마는 예술에서 이탈리아 지배력의 갱신의 중심이 되었다.파르마에서 안토니오 다 코레지오는 바로크 천장 그림에 지대한 영향을 미치기 위한 계획인 구름 위에 부드럽게 떠 있는 생동감 넘치는 인물들로 교회 금고를 장식했다.카라바조의 폭풍우 치는 치아로스쿠로 그림과 볼로네스 카라치 가문의 건장하고 착시적인 그림은 이탈리아 미술에서 바로크 시대를 낳았다.도메니치노, 프란체스코 알바니, 그리고 후에 안드레아 사키 등이 카라치 미술의 고전적 함의를 수행한 사람들이다.

한편, 귀도 레니, 구에르치노, 오라지오 겐틸레스치, 조반니 란프랑코, 후에 피에트로 다 코르토나와 안드레아 포초는 고전적-법조적 모드로 철저한 훈련을 받으면서도 처음에는 카라바조(Caravaggio)의 그것과 더 가까운 방식으로 몸짓을 하는 인물들로 가득 찬 역동적인 구성을 그리는 경향이 있었다.조각과 건축에서 바로크 풍채와 웅장함의 우뚝 솟은 거장은 지안 로렌초 베르니니니였다.1640년경, 많은 화가들은 프랑스 주재원 니콜라스 푸신이 로마에서 전면에 내세웠던 고전적인 양식에 기울었다.조각가 알레산드로 알가르디와 프랑수아 듀크스노이도 고전적인 경향을 보였다.주목할 만한 후기 바로크 화가로는 제노아 조반니 바티스타 골리, 네폴리탄 루카 지오다노, 프란체스코 솔리메나 등이 있다.

18세기의 주요 조명은 베니스에서 왔다.그 중에는 로코코 양식의 찬란한 해설자인 조반니 바티스타 티에폴로, 건축 화가 프란체스코 과르디, 카날레토, 조반니 바티스타 피아제타, 베르나르도 벨로토, 그리고 로마 고대 유물의 판화자인 조반니 바티스타 피라네시 등이 있었다.

이탈리아의 신고전주의 미술과 19세기

유럽의 다른 지역과 마찬가지로 이탈리아의 신고전주의 미술은 고대 로마와 고대 그리스 미술과 건축의 원리에 주로 바탕을 두고 있었지만, 이탈리아의 르네상스 건축과 그 기본에 의해서도 역시 빌라 카프라 「라 로톤다」와 같은 것이다.

이탈리아 예술과 건축의 고전주의와 신고전주의, 특히 레온 바티스타 알베르티의 글과 디자인, 필리포 브루넬레스치의 작품에서 발전했다.고전 고대의 건축, 특히 고대 로마의 건축에서 보여지는 부분들의 대칭성, 비례성, 기하성, 그리고 규칙성을 강조하는데, 그 중 많은 예가 남아 있었다.기둥, 필라스터, 보풀 등의 질서정연한 배치와 반원형 아치, 반구형 돔, 틈새 및 아데디쿨의 사용은 중세 건물의 보다 복잡한 비례 시스템과 불규칙한 프로파일을 대체했다.이 스타일은 빠르게 다른 이탈리아 도시들과 후에 유럽 대륙의 다른 지역으로 퍼져나갔다.

조각가 안토니오 카노바는 신고전주의 양식의 대표적인 주창자였다.국제적으로 유명한 그는 유럽에서 가장 뛰어난 조각가로 여겨졌다.^[10]

프란체스코 하예즈는 이탈리아에서 낭만주의의 가장 위대한 주창자다: 그의 많은 작품들은 대개 중세 시대의 배경이며, 암호화된 애국적인 리소르기멘토 메시지를 담고 있다.

마키아올리

이탈리아는 더 유명한 인상주의자들보다 먼저 실제로 그곳에 있었던 마키아올리 예술가들만의 인상주의 형태를 만들어냈다.조반니 파토리, 실베스트로 레가, 텔레마코 시뇨리니, 주세페 압바티.마키아올리 예술가들은 프랑스의 인상주의의 선구자였다.그들은 빛과 그림자, 즉 마키(문학적으로 조각이나 반점)가 예술 작품의 주요 구성 요소라고 믿었다.마키아라는 단어는 스케치적이고 자발적인 수행 때문인지 아니면 전체적인 효과의 조화로운 폭에 의해서인지, 그림이나 그림의 반짝이는 품질을 묘사하기 위해 19세기 이탈리아 예술가들과 비평가들에 의해 일반적으로 사용되었다.

1862년 11월 3일 잡지 가제타 델 포폴로(Gazetta del Popolo)에 게재된 적대적 리뷰는 맥키아올리(Macchiaioli)라는 용어의 첫 출판을 기념한다.^[11]이 용어는 몇 가지 함축된 의미를 담고 있는데, 그것은 작가들의 완성된 작품이 스케치에 지나지 않는다는 것을 조롱하는 듯 암시했고, 관용적으로 관용적으로 덤불이나 스크럽랜드에 숨는 것을 의미하는 "darsi alla macchia"라는 구절을 떠올렸다.사실, 예술가들은 이런 야생 지역에서 그들의 작품의 많은 부분을 그렸다.이러한 이름의 의식은 당시 예술적 표현을 규정하는 엄격한 법률에 따라 새로운 예술가의 학교가 예술의 규칙 밖에서 일하고 있다는 전통주의자들의 시각을 반영하여 무법자를 가진 예술가들을 확인하기도 했다.

이탈리아의 근현대 미술

20세기 초, 미래주의의 주창자들은 현대 세계의 역동적인 비전을 발전시켰고, 조르지오 데 치리코는 이상한 형이상학적 고요함을 표현했고 아메데오 모딜리아니는 파리 학교에 들어갔다.재능 있는 후기 현대 화가로는 조각가 지아코모 만쯔, 마리노 마리니, 정물화가 조르지오 모란디, 우상화 화가 루치오 폰타나 등이 있다.20세기 후반 이탈리아 디자이너들, 특히 밀라노 디자이너들은 상상력이 풍부하고 기발한 기능성 작품으로 국제 스타일에 깊은 영향을 끼쳤다.

퓨처리즘

미래주의는 1909년부터 1916년까지 번성했던 이탈리아의 예술 운동이었다.삶의 모든 영역에서 과거와 단절하려 했던 많은 예술운동 중 첫 번째였다.미래주의는 기계시대를 특징짓는 힘과 속도, 흥분을 미화했다.프랑스의 입체파 화가들과 다중노출 사진으로부터 퓨처리스트들은 사실적인 형태를 여러 개의 이미지와 겹치는 색의 조각으로 분해하는 법을 배웠다.그런 수단으로 그들은 현대 생활의 에너지와 속도를 묘사하려고 시도했다.문학에서 퓨처리즘은 전통적인 문장 구조와 운문 형식의 폐지를 요구했다.^[12]

미래주의는 1909년 2월 20일 파리 신문 르 피가로가 이탈리아의 시인이자 편집자인 필리포 토마소 마리네티의 선언문을 발표하면서 처음 발표되었다.(미래주의의 선언문 참조)마리네티는 과거의 예술을 버리고 문화와 사회의 변화와 독창성, 혁신을 자축하겠다는 목표를 반영해 퓨처리즘이라는 신조어를 만들었다.마리네티의 선언문은 자동차의 새로운 기술과 그 속도와 힘과 움직임의 아름다움을 찬양했다.그는 폭력과 갈등을 격앙시키면서 전통적 가치에 대한 전면적인 거부와 박물관, 도서관 등 문화기관의 파괴를 요구했다.그 선언서의 발언은 열정적으로 폭발적이었다; 그것의 공격적인 어조는 대중의 분노를 불러일으키고 논쟁을 불러일으키기 위해 의도된 것이었다.

마리네티의 선언문은 밀라노에 있는 젊은 화가들에게 미래주의 사상을 시각 예술에 적용하도록 영감을 주었다.움베르토 보시오니, 카를로 카르라, 루이지 루솔로, 지아코모 발라, 지노 세베리니 등이 1910년 그림에 관한 여러 선언문을 발표했다.마리네티처럼 독창성을 미화하고 물려받은 예술적 전통에 대한 경멸을 표출했다.

보시오니 또한 조각에 관심을 갖게 되었고, 1912년 봄에 이 주제에 관한 선언문을 발표하였다.그는 병의 내측과 외측 윤곽을 모두 대변한 두 개의 조각품인 <공간의 병 개발>(1912년)과 인간의 형상이 하나의 단단한 형태로 그려지지 않고 대신 스파의 여러 평면으로 구성된 <공간의 고유 연속성 형식>(1913년)에서 자신의 이론을 가장 충분히 실현한 것으로 평가받고 있다.형상이 움직이는 CE현실적인 원칙은 아키텍처로도 확장된다.안토니오 산텔리아는 1914년에 건축에 관한 미래주의 선언문을 공식화했다.고도로 기계화된 도시들과 대담하게 현대적인 고층 빌딩들에 대한 그의 선견지명이 20세기 건축계획의 가장 창의적인 일부를 구성한다.

이 그룹에서 가장 재능 있는 예술가였던 보시오니와 ^[13]산텔리아는 둘 다 1916년 군 복무 중에 사망했다.보시오니의 죽음은 그룹 인력의 확대와 제1차 세계대전에 의한 참화의 냉철한 현실과 결합되어 시각예술의 중요한 역사적 세력으로서 퓨처리스트 운동에 사실상 종지부를 찍었다.

형이상학 예술

형이상학적 그림은 이탈리아의 미술 운동으로, 1917년 페라라의 카를로 카라와 조르지오 데 치리코의 작품으로 탄생했다.데 치리코 자신이 채택한 형이상학이라는 단어는 그 운동의 시학에서 핵심적인 것이다.

그들은 마치 시간에 얼어붙은 것 같은 형상과 물체를 가진 몽환적인 이미지를 묘사했다.형이상학 회화 예술가들은 전통적인 원근 공간에서 보이는 세계의 표현을 받아들이지만, 인간을 더미 같은 모델, 이상하고 비논리적 맥락의 사물, 비현실적인 빛과 색채, 정지 인물의 부자연스러운 정적인 모습 등을 받아들인다.

노벨센토 이탈리아어

이탈리아 예술가들의 모임인 Novcento 운동은 1922년 밀라노에서 결성되어 과거의 위대한 이탈리아 대표 예술로의 복귀를 주창했다.

Novcento(이탈리아어: 20세기) 운동의 창립 멤버는 비평가 Margherita Sarfatti와 7명의 예술가였다.안셀모 부치, 레오나르도 두드레빌, 아킬 푸니, 지안 에밀리오 말레르바, 피에로 마루시그, 우발도 오피, 마리오 시로니.사르파티의 지도 아래 이 단체는 유럽의 아방가르드 운동을 거부하고 이탈리아의 예술 전통을 수용함으로써 이탈리아 예술의 갱신을 꾀하였다.

노벨센토와 관련된 다른 예술가들로는 조각가 마리노 마리니와 아르투로 마르티니와 화가 오톤 로사이, 마시모 캄피글리, 카를로 카라, 펠리스 카소라티 등이 있다.

공간주의

이탈리아 화가 루치오 폰타나가 슈파지알의 영화로서 세운 운동은 1947년에서 1954년 사이에 선언문에서 반복되었다.

구체적인 예술, 다다, 타키즘의 요소들을 결합한 이 운동의 추종자들은 이젤화를 거부하고 새로운 기술 발전을 받아들였고, 시간과 움직임을 작품에 포함시키려 했다.폰타나의 잘리고 뚫린 그림들은 그의 논문들을 예시한다.

아르테 포베라

다음 시리즈의 일부
이탈리아의 문화
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이탈리아 포털
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아르테 포베라는 1960년대 이탈리아에서 시작된 예술운동으로 개념적, 미니멀리스트적, 퍼포먼스적 예술의 양상이 결합되고, 미술의 상업화를 분쇄하려는 바람으로 지구나 신문과 같은 무가치하거나 흔한 재료를 사용하게 된다.이 구절은 이탈리아어로, 문자 그대로 "불완전한 예술"이라는 뜻이다.

트란사반트가르드

트란사반트가르드라는 용어는 이탈리아 비평가 아킬레 보니토 올리바의 발명이다.그는 트란사반트가르드 예술을 형식상 전통적(대부분의 회화나 조각), 무정치적(apolitical), 그리고 무엇보다도 절충적(collectic)으로 정의했다.

이탈리아의 주요 박물관 및 미술관 목록

옹호 및 제한

2017년 이탈리아 코디스 데이 베니 문화전(Codice dei beni culturali e del paesagio) 개정안에 따르면, 예술 작품은 적어도 70년 전에 완성되었다면 공공 및 문화적 관심사를 법적으로 정의할 수 있다.^[14][15]이전의 한계는 50년이었다.가치 저장소로 미술품의 수출과 국제 상거래를 용이하게 하기 위해, 처음으로 민간 소유자와 그 대리점들에게 13.500유로 미만의 상업적 가치를 스스로 인증하도록 교수진에게 부여되었다.o 공공 행정 허가가 필요하다.^[16][17]이 법안은 통과되어 2017년 8월 29일에 발효되었다.^[15]지하 또는 해수면 아래에서 발견된 고고학적 유골에 대해서는 공인을 받아야 한다.^[14]

참고 항목

• 이탈리아 문학
• 이탈리아의 역사
• 이탈리아의 문화

참조

외부 링크

• [2] 이탈리아 예술. kdfineart-italia.com.웹. 2011년 10월 5일.
• [3] 이탈리아어와 투스카나식 미술. italianartstudio.com.웹. 2011년 10월 5일.
• [4] 이탈리아 미술 노트