프랑스의 극장

Theatre of France
다음 시리즈의 일부
프랑스의 문화
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역사
중세 프랑스 • 초기 근대 프랑스 • 안시엔 레기메 • 프랑스 종교전쟁 • 루이 14세 • 프랑스 혁명 • 나폴레옹 전쟁 • 프랑스 제3공화국 • 20세기 프랑스
사람
언어들
프랑스어 • 알자스어 • 브레톤 • 카탈로니아어 • 코르시카어 • 갈로 • 뉴칼레도니아어 • 오시타어 • 타히티아어
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스포츠
기념물
기호

이 기사는 프랑스의 극장에 대한 개요다.

기록 개요

세속 프랑스 극장

중세 비종교적 연극의 기원에 대한 논의는 여전히 논쟁의 여지가 있지만, 라틴 코미디와 비극에서 비롯되어 9세기까지 지속되는 대중적 전통에 대한 생각은 그리 쉽지 않아 보인다.

대부분의 역사가들은 중세극의 기원을 교회의 재판 대화와 '트로프'에 둔다.처음에는 단순히 그 의식을 극화한 것, 특히 크리스마스와 부활절과 관련된 의식에서(신비극 참조), 연극은 결국 수도원 교회에서 챕터 하우스나 편집 홀, 마지막으로 야외로 옮겨졌고, 국어는 라틴어로 대체되었다.12세기에 프랑스어로 현존하는 가장 초창기 구절들이 라틴어로 된 성 니콜라스 연극과 성 스티븐 연극과 같이 라틴어로 된 소송 드라마에 삽입된 재구성으로서 나타나는 것을 발견하게 된다.

12세기와 13세기의 프랑스어 연극:

  • Le Jeu D'Adam (1150–1160) - 라틴어 무대 방향과 함께 운율이 옥토셀라비크인 커플링으로 작성됨(일반 대중을 위해 라틴어를 사용하는 성직자들에 의해 작성됨)
  • 성 니콜라스 - 진 보델 - 옥토사이벨라비 라임 커플트로 쓰여 있다.
  • 르 미라클 드 테오필 - 루트베우프 (c.1265)

희극과 만화극의 기원은 똑같이 논쟁의 여지가 있다; 일부 문학적 역사가들은 비수술적 기원('종려원' 중 하나 또는 이교도와 민속 축제 중 하나), 다른 이들은 소송극의 영향을 본다(위에서 열거한 드라마들 중 일부는 희극적인 순서를 포함한다) 그리고Plautus와 라틴 만화 극장의 수도회 낭독

12세기와 13세기의 비드라마적 연극:

14세기 및 15세기의 연극 목록 선택:

15세기에 연극의 대중적 대표성은 다수의 전문 길드와 준전문 길드에 의해 조직되고 통제되었다.

중세 프랑스에서 행해진 극장장르:

르네상스 극장

16세기 프랑스 극장은 그 시대의 다른 문학 장르와 같은 진화의 패턴을 따랐다.비록 기적극이 더 이상 유행하지 않았지만, 세기의 첫 수십 년 동안, 공공 극장은 오랜 중세 유산인 추리극, 도덕극, 공극, 그리고 소티들에 크게 묶여 있었다.공공 공연은 길드 시스템에 의해 엄격하게 통제되었다.길드 "Les Confrer de la Passion"은 파리에서 추리극의 연극 제작에 독점권을 가지고 있었다; 1548년, 증가하는 종교적 균열로 인한 폭력이나 신성 모독에 대한 두려움 때문에 파리 의회는 다른 곳에서 추리극의 공연을 계속했지만, 수도에서 추리극의 공연을 금지하도록 강요했다.또 다른 길드인 "산소우시"는 농장과 소티를 담당했으며, 도덕 연극도 함께 공연한 "Clerces de la Basoche" 역시 마찬가지였다.'라 바소체'는 '열정'처럼 정치적 감시를 받았고(극은 검토위원회의 허가를 받아야 했고, 살아 있는 사람을 묘사한 가면이나 인물은 허용되지 않았다) 1582년 마침내 진압되었다.세기말까지 파리의 공공 연극 공연에 대한 독점적인 통제 하에 "Confreres de la Passion"만이 남게 되었고, 그들은 Hteltel de Bourgogone에 있는 그들의 극장을 비싼 가격에 극단에 임대하였다.1597년 그들은 이 특권을 포기했다.[1]

이러한 전통 작품의 수많은 작가들(극작가 피에르 그링고르, 니콜라스 드 라 체스나이, 안드레 드 라 비그네 등)과 함께 마르그리트 드 나바레도 전통적인 추리극과 도덕극에 가까운 많은 희곡을 썼다.

그러나 1503년 초에 소포클레스, 세네카, 유로피데스, 아리스토파네스, 테렌스, 플로투스의 원어판은 모두 유럽에서 구할 수 있었고 그 후 40년 동안 휴머니스트와 시인들이 이 고전을 번역하고 적응하는 것을 보게 될 것이다.1540년대에 프랑스 대학 환경(특히 1553년부터 예수회 대학)은 조지 부캐넌과 마크 앙투안 무레트와 같은 교수들에 의해 쓰여진 네오 라틴 극장(라틴어로 된)의 주최자가 되었고, 이는 라 플레야드의 회원들에게 심오한 흔적을 남길 것이다.1550년부터 프랑스어로 쓰여진 휴머니스트 극장을 찾는다.캐서린 데 메디치와 같은 저명한 인물들은 많은 휴머니스트 연극에 재정적 지원을 제공했다. 예를 들어, 그녀는 1554년에 지안 조르지오 트리시노의 라 소포니스바 번역을 의뢰했는데, 이것은 프랑스어에 등장한 최초의 비극이었다.[2]

세네카의 영향력은 특히 휴머니즘적 비극에 강했다.그의 희곡은 본질적으로 서정적인 구절과 수사적인 웅변으로 읽히도록 의도된 것으로 많은 인문주의자들의 비극에 극적인 행동보다 미사여구와 언어에 대한 집중을 가져왔다.

휴머니스트적 비극은 두 가지 뚜렷한 방향을 잡았다.

  • 성경적 비극: 성경에서 따온 줄거리들—중세의 추리극에 영감이 가깝지만, 인문주의자의 성서적 비극은 고전적인 대사를 따라 성서 등장인물들을 재조명하여 코믹한 요소와 무대 위의 신의 존재를 모두 억압했다.이 줄거리는 종종 현대의 정치, 종교적인 문제와 분명한 유사성을 가지고 있으며, 사람들은 개신교와 가톨릭의 극작가를 모두 발견한다.
  • 고대 비극: 신화나 역사에서 따온 음모들 — 그들은 종종 현대의 정치적, 종교적 문제와 분명한 유사성을 가지고 있었다.

내전이 한창이던 시기(1570–1580)에는 다음과 같은 제3종류의 전투극장이 나타났다.

  • 현대적 비극: 최근 사건에서 얻은 줄거리

인문학자들은 연극의 번역가, 각색가로서의 업무와 함께 극적 구조, 줄거리, 성격화 등의 고전 이론도 조사했다.호레이스는 1540년대에 번역되었지만 중세 시대에 걸쳐 사용 가능했다.아리스토텔레스의 시어학 완결판이 나중에 (1570년 이탈리아어 버전으로 처음) 등장했지만, 그의 사상은 13세기 초 독일어 라틴어인 에베레스의 아랍어 광택 번역본 헤르만에서 회자되었고, 16세기 전반에는 다른 시어학 번역본이 등장하였다.o 중요한 것은 1560년대에 등장한 율리우스 시저 스칼리거의 아리스토텔레스의 시학에 대한 논평이었다.4세기 문법학자 디오메데스와 아엘리우스 도나투스도 고전 이론의 원천이었다.16세기 이탈리아인들은 고전극 이론의 출판과 해석에 중심적인 역할을 했고, 그들의 작품은 프랑스 극장에 큰 영향을 미쳤다.로도비코 카스텔베트로의 아리스토테 기반 시 예술(1570년)은 세 개의 단결 중 첫 번째 발현 중 하나였다; 이 작품은 장 드 라 테일의 예술 드 라 비극(1572년)을 알려 줄 것이다.이탈리아 극장(지안 조르지오 트리시노의 비극처럼)과 장식(스페로니 연극 카나체, 지오반니 바티스타 지랄디의 연극 오르베체에서 도발한 것과 마찬가지로)도 프랑스 전통에 영향을 미칠 것이다.

라 플레야드의 시적 구성을 알렸던 고전적 출처의 모방과 각색이라는 같은 정신으로, 프랑스의 인문주의 작가들은 비극은 5막으로 이루어져야 하며 3명의 고귀한 계급의 주인공을 가져야 한다고 권고했다; 연극은 행동의 중간에서 시작되어야 하고(미디어에서), 고상한 언어를 사용해야 하며, 경치를 보여서는 안 된다.무대 위의 공포의 es일부 작가들(Lazare de Baïf, Thomas Sébillet 등)은 중세 시대의 도덕극과 농단의 전통을 고전극과 연계시키려 했으나, 요아힘 뒤 벨레이는 이러한 주장을 거부하고 고전적 비극과 희극을 보다 높은 품격으로 격상시켰다.이론가들에게 더 큰 어려움은 아리스토텔레스의 "카타르시스"라는 관념이나 르네상스 극장과 감정의 정리가 결합되어 있는 것인데, 이는 관객들을 즐겁게 하는 동시에 도덕적 예(exemplum)를 보여주는 수사적 목적에도 깊이 애착을 두고 있었다.

클레오파트라가 자살을 생각하고 있는 것에 대한 열렬한 두려움과 의심을 말해주는 에티엔 조델의 클레오파트르 포로(1553년)는 프랑스 최초의 오리지널 연극이라는 구별을 가지고 있다(극은 5막으로 이루어지며 시간, 장소, 행동의 통일성을 다소 존중한다).e 고대 모델에 프롤로그는 음영에 의해 소개되고, 고전적인 후렴구가 있는데, 이 후렴구는 액션을 논평하고 등장인물들에게 직접 이야기하며, 비극적인 결말은 메신저에 의해 묘사된다.

(로마에 포로로 잡히기 보다는) 고귀한 소포니스바의 자살에 대한 이야기를 들려주는 고대 모델을 바탕으로 한 최초의 현대적인 정기적인 비극인 Gian Giorgio Trissino의 La Soponisbe를 멜린 드 생겔라이스가 번역한 것은 1556년 공연 당시 법정에서 엄청난 성공을 거두었다.

휴머니스트 비극의 저자 및 작품 목록 선택:

(1600-1610년경 비극은 극작가 앙투안 드 몽크레스티앙, 알렉산드르 하디, 장 드 셸란드레를 보라)

비극과 함께, 유럽의 휴머니스트들도 고대 희극적 전통을 개작했고, 15세기 초에 르네상스 이탈리아는 휴머니스트 라틴 코미디의 형태를 개발했다.비록 옛사람들은 희극적 형식에 대해 덜 이론적이었지만, 휴머니스트들은 일련의 규칙들을 정교하게 설명하기 위해 Aelius Donatus (AD 4세기), Horace, A리스토텔레스 (아리스토텔레스), 테렌스의 작품들을 사용했다: 희극은 진실을 보여줌으로써 악을 바로잡으려 해야 한다; 행복한 결말이 있어야 한다; 희극은 trage보다 더 낮은 언어를 사용한다.dy; 코미디는 국가와 지도자들의 위대한 사건을 그리는 것이 아니라 사람들의 사생활, 그리고 그것의 원칙적인 주제는 사랑이다.

비록 일부 프랑스 작가들이 고대 모델들과 친하게 지냈지만(Pierre de Ronsard가 대학에서 아리스토파네스의 "플뤼투스"의 일부를 번역했음) 프랑스 희극 전통은 모든 출처로부터 많은 차용량을 보여준다: 중세적인 희극(세기에 걸쳐서 엄청나게 인기가 있었다), 단편적인 이야기인 이탈리아 인본주의자가 왔다."La Celestina"(페르난도 데 로하스 감독)가 죽었다.

르네상스 코미디의 작가 및 작품 목록 선택:

지난 세기 수십 년 동안, 고전 극장의 엄격한 규칙을 따르지 않은 이탈리아의 다른 네 가지 연극 방식이 프랑스 무대에 쇄도했다.

  • 콤미디어 델라르테 - 1545년 파두아에서 만들어진 즉흥적인 고정형식 극장(할레킨, 콜롬보); 이태리 극단은 1576년부터 프랑스에서 초청되었다.
  • 비극적인 이야기—연인, 기사, 변장, 마법이 있는 모험 소설의 연극 버전.이 중 가장 유명한 것은 아리오스토의 올란도 푸리오소를 각색한 로버트 가니에의 브라다만테(1580년)이다.
  • 목회자 — Giambattista Guarini의 "Pastor fido"("성실한 셰퍼드"), Tasso의 "Aminta" 및 안토니오 Ongaro "Alce"(그들은 Jacopo Sannazaro와 Jorge de Montemayor에서 영감을 받았다.)를 모델로 삼았다.최초의 프랑스 목사회는 비극 이전에 행해진 짧은 연극이었지만, 결국 5막으로 확대되었다.니콜라스 드 몽트뢰는 다음과 같은 세 가지 목사를 썼다.운동선수 (1585), 다이앤 (1592) 아리메네 오우 르 베르거 데세페레 (1597)
  • 발레 드 쿠르 (Court Ballets de Court) — 춤과 연극의 우화적이고 환상적인 혼합물.이 중 가장 유명한 것은 「발레 코미크 데 라 라인」(1581년)이다.

세기가 끝날 무렵, 가장 영향력 있는 프랑스 극작가는 - 그의 스타일과 새로운 형식에 대한 그의 숙련도에 의해 - 로베르트 가니에가 될 것이다.

이러한 모든 절충적 전통은 프랑스의 "클래식주의"가 마침내 스스로를 강요하기 전에 17세기 초의 "바로크" 극장에서 계속 진화하게 될 것이다.

초기 현대 극장과 극단

중세 시대와 르네상스 시대에 파리의 공공 연극은 길드의 지배를 받았으나, 16세기 말엽에는 이 중 단 하나만이 계속 존재했다: 비록 "Les Confrerie de la Passion"은 더 이상 추리극을 공연할 권리가 없지만, 그들은 추리극을 감독할 수 있는 독점권을 받았다(1548년).수도에서 연극 제작을 하고 그들의 극장(Hôtel de Bourgogone)을 비싼 가격에 연극 공연단에 임대했다.1597년, 이 길드는 다른 극장과 극단들이 결국 수도에 문을 열 수 있도록 하는 특권을 포기했다.

연극은 공공 극장과 더불어 개인 거주지, 법원 앞, 대학 등에서 제작되었다.세기의 전반기에 대중, 대학의 인문주의 연극, 그리고 법정에서 공연된 극장은 극도로 다른 취향을 보였다.예를 들어, 비극적인 사건이 처음 10년 동안 법정에서 유행했던 반면, 대중은 비극에 더 관심이 있었다.

초기 파리의 극장들은 테니스 코트 같은 기존 구조물에 배치되는 경우가 많았다; 그들의 무대는 극도로 좁았고, 세트장과 장면 변화를 위한 시설들은 종종 존재하지 않았다. (이것은 장소의 단결을 장려할 것이다.)결국 극장은 정교한 기계와 데커 시스템을 개발하게 되는데, 이것은 세기의 전반기 비극적인 의도에서 발견된 기사들의 수보레스크 비행을 위한 것이다.

세기의 초기에는 일주일에 두 번 연극 공연이 두세 시부터 열렸다.연극의 표현은 종종 희극적인 프롤로그로 시작해서 비극이나 희극, 그리고 마침내 한 곡의 곡으로 시작하는 여러 작품을 포괄했다.노블들은 공연 도중 가끔 무대 한쪽에 앉았다.집 조명을 낮출 수 없다는 점에서 관객들은 항상 서로를 의식했고 공연 중 특히 관객들은 목소리를 높였다.무대 바로 앞 자리, 즉 '파테르'가 없는 곳은 남성 전용이었지만, 가장 싼 티켓인 파테르에는 대개 사교 집단이 섞여 있었다.우아한 사람들은 화랑에서 그 쇼를 보았다.왕자들, 머스킷총병들, 왕실 페이지들은 무료로 입장할 수 있었다.1630년 이전에, 정직한 여성은 극장에 가지 않았다.

프랑스는 영국과 달리 무대에서 공연하는 여성들에게 아무런 제약도 두지 않았지만, 어느 성(性)의 배우들의 경력은 가톨릭교회와 금욕적인 종교 얀센주의 운동에 의해 도덕적으로 잘못된 것으로 여겨졌다.배우들은 전형적으로 전형적인 역할이나 틀에 박힌 캐릭터를 묘사하는 환상적인 무대 이름을 가지고 있었다.

대본 코미디와 비극 외에도 파리 시민들은 종류에 따라 급조된 일종의 극장인 콤미디어 델라르테를 공연한 이탈리아 연기단의 대단한 팬이기도 했다.콤미디어 델라르테의 등장인물들은 프랑스 극장에 지대한 영향을 미칠 것이고, 사람들은 프랑스 극장을 가득 메우는 허풍쟁이, 바보, 연인, 노인, 그리고 교활한 하인들 속에서 그들의 메아리를 발견한다.

오페라는 세기의 후반기에 프랑스에 왔다.

파리에서 가장 중요한 극장과 극단은 다음과 같다.

  • 호텔 드 부르고뉴 - 1629년까지, 이 극장은 Valleran Lecomte가 감독한 ("Comédiens du Roi")와 Belerose (Pierre Le Messier)가 감독한 ("Comédiens du Roi")를 포함한 다양한 극단들에 의해 점령되었다.이 극단은 1629년에 공식적인 "트루프 로얄"이 되었다.배우 포함:투루핀, 그로스 기욤, 고티에-가구이유, 플로리도르, 몬플레리, 라 챔펠레.
  • 샤를 르누아르와 몽도리에 의해 설립된 테레 뒤 마라이(1600–1673) - 호텔 드 부르고뉴의 이 라이벌 극장은 클로드 데샹과 조들렛의 극단을 중심으로 극단 "Vieux Comédiens du Roi"를 수용했다.
  • '라극단 드 몽슈르' - 루이 14세의 동생의 보호 아래, 이것은 몰리에르 최초의 파리 극단이었다.그들은 파리의 몇몇 극장(Petit-Bourbon, the Palais-Royal)으로 옮겨갔다가 1673년 테트레 뒤 마라이의 극단과 결합하여 호텔 게네고드의 극단이 되었다.
  • La Comédie francaise - 1680년 루이 14세는 호텔 드 부르고뉴와 호텔 게네고우를 하나의 공식 극단으로 통합했다.

파리 외곽, 교외, 지방 등에는 유랑극단이 많았다.몰리에르는 그런 극단에서 출발했다.

왕궁과 다른 귀족들은 또한 그들의 축제에 대한 연극적 표현, 발레 드 쿠르, 모의 전투, 그리고 다른 종류의 "전승"의 중요한 조직자였고, 어떤 경우에는 무용수나 배우들의 역할은 귀족들이 직접 맡았다.베르사유에서의 초창기 시절, 즉 거처가 크게 확장되기 전, 우리는 전적으로 그러한 쾌락에 바쳐졌으며, 비슷한 구경거리가 재위 기간 내내 계속되었다.판화는 루이 14세와 베르사유의 "Cour du marbre" 앞에 야외에 앉아 연극 공연을 관람하는 모습을 보여준다.

17세기 대본극의 대부분은 시로 쓰여졌다(명기할 만한 예외는 몰리에르의 희극 일부를 포함한다).Except for lyric passages in these plays, the meter used was a twelve-syllable line (the "alexandrine") with a regular pause or "cesura" after the sixth syllable; these lines were put into rhymed couplets; couplets alternated between "feminine" (i.e. ending in a mute e) and "masculine" (i.e. ending in a vowel other than a mute e, or in a consonant 또는 비) 운율

바로크 극장

17세기 프랑스 연극은 종종 피에르 코르네유, 몰리에르, 장 라신이라는 세 명의 위대한 이름으로 전락하고, "클래식주의"의 승리로 귀결된다. 그러나 진실은 훨씬 더 복잡하다.

세기의 초기의 극장은 전 세대의 장르와 극작가들이 지배했다.이 점에서 가장 영향력 있는 것은 베레니스 플로레스였다.비록 왕실은 비극에 싫증이 났지만, 대중에게 공개되는 극장은 비극을 선호했다.이것은 1630년대와 1640년대에 그 시대의 긴 바로크 소설의 영향을 받아 기사들과 하녀들의 영웅적이고 마술적인 모험이라는 비극적인 모험이 지배적인 장르로 자리잡게 되면서 바뀔 것이다.1637년 코르네유의 "Le Cid"와 1640년 "Horace"의 놀라운 성공은 그 비극을 다시 유행으로 몰고 갈 것이며, 그 비극은 세기의 남은 기간 동안 남아 있을 것이다.

비극적인 극장의 가장 중요한 원천은 세네카와 호레이스와 아리스토텔레스(그리고 줄리어스 시저 스칼리거와 로도비코 카스텔베트로의 현대적 논평)의 설법이었는데, 플뢰타르, 수에토니우스 등과 같은 고전 작가들과 단편 모음집(이탈리아어, 프랑스어, 스페인어)에서 줄거리를 따왔다.그리스의 비극적인 작가들(소포클레스, 유로피데스)은 세기 중반까지 점점 더 중요해질 것이다.세기의 희극, 비극, 비극의 중요한 모델들은 또한 스페인 극작가 페드로 칼데론 데 라 바르카, 티르소 데 몰리나, 로페 드 베가 등에 의해 공급되었는데, 이 작품들 중 많은 것들이 프랑스 무대에 번역되고 각색되었다.중요한 연극 모델도 이탈리아 무대(목회자 포함)에서 공급되었고, 특히 예절과 관련하여 이탈리아도 연극에 관한 이론적 논의의 중요한 원천이 되었다(예: 스페로네 스페로니의 희곡 카나이스와 조반니 바티스타 지랄디의 희곡 오르베체(Orbecche)에 대한 토론 참조).[3]

일반 코미디(즉, 플로투스나 테렌스를 모델로 한 5막의 코미디와 아엘리우스 도나투스의 설교를 모델로 한 5막의 코미디)는 세기의 전환기에 비극이나 비극적인 의학보다 무대에 서는 빈도가 낮았는데, 초기 단계의 희극적 요소가 희극, 풍자적인 독백과 이탈리아 콤미디어 델라르테에 의해 지배되었기 때문이다.장 로트루와 피에르 코르네유는 1630년 직전에 일반 코미디로 돌아올 것이다.

코르네유의 비극은 이상하게도 비극적이지 않았다(그의 첫 번째 버전 "Le Cid"는 비극적인 결말로까지 기록되었다). 그들은 행복한 결말을 맺었기 때문이다.코르네유는 연극에 관한 그의 이론적 작품에서 희극과 비극을 다음과 같은 가정을 중심으로 재정립했다.

  • 코르네유의 희극에서 전형적인 극악무도한 많은 저속한 사람들을 제거하게 될 것이다.고귀한 등장인물은 비열한 것으로 묘사되어서는 안 된다(거짓말할 수 있는 행동은 일반적으로 코르네유의 희곡에서 고귀하지 않은 등장인물에 기인한다).
  • 비극은 국가의 문제를 다루고, 희극은 사랑을 다룬다.작품이 비극적이 되려면 비극적인 결말이 필요 없다.
  • 아리스토텔레스는 카타르시스(감정의 정화)가 비극의 목표가 되어야 한다고 말하지만 이는 이상에 불과하다.그 시대의 도덕 규범에 따라 연극은 악이 보상받거나 귀족이 타락하는 모습을 보여서는 안 된다.

코르네유의 '르 시드'에 대한 대중적, 비판적 반응의 역사는 다른 기사(출처 사용으로 비판을 받았고, 좋은 취향을 위반했으며, 아리스토텔레스나 호라시아의 규칙에 부합하지 않는 다른 부정행위로 비난을 받았다)에서도 찾아볼 수 있지만 그 영향은 놀라웠다.리슐리외 추기경은 새로 결성된 아카데미에 프랑세즈에게 비판(아카데미의 첫 공식 판단이었다)에 대한 조사와 발음을 요청했고, 이번 논란으로 연극과 연극 형식을 통제하고 규제하려는 시도가 커지고 있는 것으로 드러났다.이것은 17세기 "클래식주의"의 시작일 것이다.

코르네유는 1674년(주로 비극적이지만 그가 영웅적 희극이라고 부르는 것)까지 계속 희곡을 썼으며, 1660년대 후반부터의 장 라신의 성공이 종말을 예고했지만(프랑수아 에델린, 압베 다비냐크에 의해 불규칙성이 점점 더 비판받고 있다) 많은 이들이 성공을 이어갔다.그의 특출한

장르 표시와 함께 극작가 및 연극 리스트를 선택하십시오(출판일이 보통 첫 공연 날짜보다 길기 때문에 날짜는 대략적인 경우가 많다).

  • 앙투안 드 몽크레스티엔 (c.1575-1621)
    • Soponisbe a/k/a La Cathaginoise a/k/a La Liberté (tragedy) - 1596
    • La Reine d'Ecosse a/k/a L'Ecossaise (tragedy) - 1601
    • Aman (tragedy) - 1601
    • 라 베르제리 (목회자) - 1601
    • 헥터 (트레이지) - 1604년
  • 장 드 셸란드레 (1585년-1635년)
    • Tyr et Sidon, 당신은 Belcar et Melliane (1608)
  • 알렉상드르 하디 (1572년-c.1632년) - 하디는 600개의 희곡을 썼다고 알려져 있다. 단지 34개의 희곡만이 우리에게 내려왔다.
    • Scédase, you'hospitalité violé (tragedy) - 1624
    • La Force du sing (tragicomedy) - 1625 ( 줄거리는 세르반테스 단편 소설에서 따온 것)
    • Lucréce, ou l'Adultére puni (tragedy) - 1628
  • 호나우랏 드 뷔일, 서그뉴르 드 라칸 (1589–1670)
    • 레즈 버그리스(목장) - 1625
  • 테오필 드 비아우 (1590–1626)
    • Les Amours tragique de Pyrame et Thisbé (tragedy) - 1621
  • 프랑수아 르 메텔 드 보이스로베르(1592-1662)
    • Didon la chaste ou Les Amours de Hiarbas (tragedy) - 1642년
  • 장 마이어트(1604–1686)
    • 라 실베 (목회비극) - C.1626
    • La Silvanire, ou La Morte vive (목욕적 비극적) - 1630
    • 레스 갈란테리스 뒤 두크 도손느 나폴리 부관 (코미디) - 1632년
    • La Sophonisbe (tragedy) - 1634년
    • 라 버진리 (트레지오미디) - 1636년
  • 트리스탄 레르미트(1601–1655)
    • 마리암느(트레이지) - 1636
    • 펜테(트레이지) - 1637
    • La Mort de Seneque (tragedy) - 1644년
    • 라 모르트 데 크리스페 (트레이지) - 1645년
    • 기생충 - 1653년
  • 장 로트루 (1609–1650)
    • 라 바그 드 로블리 (코미디) - 1629
    • 라 벨 알프레드 (코미디) - 1639
    • Laure Persécutée (tragicomedi) - 1637년
    • Le Véritable saint Genest (tragedy) - 1645년
    • 베셀라스 (비극성) - 1647년
    • 코즈로즈 (비극적) - 1648년
  • 피에르 코르네유(1606–1684)
    • 멜라이트 (코미디) - 1629[4]
    • 클라이탄드레 (추상적이고 나중에 비극으로 바뀌었다) - 1631
    • 라 뷰브 (코미디) - 1631
    • La Place Royale (코미디) - 1633년
    • 메데(트레이지) - 1635년
    • L'Elusion comique (코미디) - 1636
    • Le Cid (추상적이고 나중에 비극으로 바뀌었다) - 1637
    • 호레이스(추행) - 1640
    • 신나(트레이지) - 1640
    • 폴리레코레("크리스타니아" 비극) - c.1641
    • La Mort de Pompée (tragedy) - 1642년
    • 르 멘투르 (코미디) - 1643년
    • 로도구네, 왕자 데 파르테스 (트레이지) - 1644년
    • 헤라클리오스, 엠페레우르 드 오리엔트(트레지) - 1647년
    • 돈 산체 다라곤("영웅적" 코미디) - 1649년
    • 니코메데(트레이지) - 1650
    • 세르토리우스(트레지) - 1662년
    • 소포니스베(트레이지) - 1663년
    • Othon (tragedy) - 1664년
    • Tite et Bérénice("영웅적" 코미디) - 1670
    • 수레나, 게네랄 데 파르테스(트레이지) - 1674년
  • 피에르 뒤 라이어 (1606–1658)
    • 루크레체(트레이지) - 1636
    • 알치오네 - 1638
    • 세볼라(트레이지) - 1644
  • 장 데스마레츠 (1595–1676)
    • Les Visionnancer (코미디) - 1637
    • 에리고네(프로세스 비극) - 1638
    • 스키피온(역참사) - 1639
  • 프랑수아 헤델린, 압베 다비냐크(1604–1676)
    • 라사이민데 - 1642년
    • La Pucelle d'Olléans
    • Zénobie (tragedy) - 1647년, 극의 엄격한 규칙이 제공되는 모델을 제공할 목적으로 쓰여졌다.
    • 르 마티르 드 사인테 캐서린 (트레이지) - 1650년
  • 폴 스카론 (1610–1660)
    • 조들레 - 1645년
    • 돈 자펠 다르메니 - 1653년
  • 아이작 드 벤세레이드 (c.1613-1691)
    • 클레오파르트르 (트레이지) - 1635년
  • 새뮤얼 채푸조 - 1625 - 1701
    • Le Cercle des Femmes ou le Secret du Litt Nuptial 1656 (코미디, 산문)
    • Damon et Phinias, ou le Triomp de l'Amour et de l'Amitié (tragi-comedy) 1657년
    • 아르메차르 아미스 엔네미스 (트라기코미디) 1658년
    • Le Riche mécontent ou le noble imaginaire (코미디)1660
    • L'Academie des Femmes, (Farce, poss) 파리, 1661년
    • 1662년 파리 르 콜린-마일라드(Farce, Comoie Facetieuse),
    • 라바레 뒤페, 오우 옴므 데 파유, (코미디) 파리, 1663년
    • Les Eaux de Pirmont - 1669

17세기 고전주의

참고 항목:고전주의

문학에 적용되는 고전주의라는 표현은 질서, 명료성, 도덕적 목적, 그리고 좋은 취향에 대한 개념을 내포하고 있다.이러한 관념들 중 많은 것들이 아리스토텔레스와 호레이스의 작품과 그리스 로마 고전 명작들에 의해 직접적으로 영감을 받는다.

프랑스 고전극장(프랑스 고전주의라고도 함)에서 연극은 삼유니티스를 따라야 한다.[5]

  • 장소의 통일: 설정이 바뀌면 안 된다.실제로 이 때문에 '캐슬, 인테리어'가 빈번하게 일어났다.전투는 무대 밖에서 벌어진다.
  • 시간의 통일: 이상적으로는 전체 연극이 24시간 안에 이루어져야 한다.
  • 행동의 통일: 하나의 중심 이야기가 있어야 하고 모든 이차적인 플롯이 그것과 연결되어야 한다.

비록 고전적인 예에 기초하지만, 장소와 시간의 통일성은 관객이 극적 행동에 완전히 흡수하는 데 필수적인 것으로 여겨졌다; 중국이나 아프리카에서 광란하게 분산된 장면들, 또는 여러 해에 걸쳐 비평이 유지되면서 연극적 환상을 깨뜨릴 것이다.때로는 행동의 통일성과 함께 묶이는 것이 드라마에서 어떤 캐릭터도 예기치 않게 늦게 등장해서는 안 된다는 개념이다.

연극적 통일성과 연계된 개념은 다음과 같다.

  • "Les biensiones": 문학은 도덕률과 좋은 취향을 존중해야 한다; 비록 역사적 사건일지라도, 이 코드를 과시하는 어떤 것도 제시되어서는 안 된다.
  • "La vraisemblance": 행동은 믿을 수 있어야 한다.역사적 사건들이 믿을 수 없는 것과 모순될 때, 일부 비평가들은 후자를 상담했다.신뢰성의 기준은 독백을 비판하는 데도 사용되기도 했고, 후기 고전극에서는 거의 변함없이 감정을 드러내는 교신자(발레자, 친구, 간호사)가 제공된다.

이러한 규칙들은 바로크 "사기코미디"에서 흔히 볼 수 있는 많은 요소들을 배제했다: 날으는 말, 기사도적 전투, 마법의 외국 여행, 그리고 데우스 엑 마키나.페드레에 있는 괴물에 의한 히폴리테의 지배는 무대 밖에서만 일어날 수 있었다.

  • 마지막으로, 문학과 예술은 의식적으로 호레이스의 "즐기고 교육하는 것" ("자율적인 선택권 자동 부여 에스트")을 따라야 한다.

이러한 "규칙"이나 "코드"는 거의 완벽하게 지켜지지 않았으며, 세기의 걸작들 중 다수는 감정적 효과를 높이기 위해 의도적으로 이러한 규칙을 어겼다.

  • 코르네유의 '르 시드'는 아버지를 살해한 뒤 로드리그가 치메네 앞에 나타나도록 해 도덕규범을 위반했다는 비판을 받았다.

루이 14세 이하 극장IV

1660년대까지 고전주의는 마침내 프랑스 극장에 강요되었다.The key theoretical work on theatre from this period was François Hedelin, abbé d'Aubignac's "Pratique du théâtre" (1657), and the dictates of this work reveal to what degree "French classicism" was willing to modify the rules of classical tragedy to maintain the unities and decorum (d'Aubignac for example saw the tragedies of Oedipus and Antigone 현대무대에 적합하지 않은 것).

피에르 코르네유는 생전까지 비극을 계속 연출했지만, 1660년대 후반의 장 라신의 작품은 원로 극작가의 후기 연극을 완전히 덮어버렸다.그리스 신화, 유로피데스, 소포클레스, 세네카에 의해 영감을 받은 라신의 비극들은 그들의 줄거리를 소수의 귀족적인 인물들 사이의 정열적이고 의무에 얽매인 갈등의 팽팽한 집합으로 압축했고, 이러한 인물들의 이중 결합과 충족되지 않은 욕망과 증오의 기하학에 집중했다.라신의 시적 실력은 파토스와 아첨하는 정열을 표현하는 데 있었고(예: 의붓아들에 대한 페드레의 사랑) 그의 영향력은 세기말까지 감정적 위기가 비극의 지배적 모드가 될 것이라는 것이었다.라신의 두 후기 연극("에스터"와 "아탈리")은 성서의 주제와 젊은 여성 교육에 연극을 이용하는 새로운 문을 열었다.

지난 20세기 후반과 18세기 초의 비극은 피에르 코르네유와 라신의 고전 작품들에 의해 지배되었지만, 전체적으로 비극에 대한 대중의 열정은 크게 줄어들었다: 연극적 비극은 세기말의 어두운 경제 및 인구통계학적 문제를 벗어나고 있었다."예절의 변화"(아래 참조)는 비극의 도덕적 목표의 많은 부분을 통합했다.다른 후세기의 비극은 다음과 같다: Claude Boyer, Michel Le Clerc, Jacques Pradon, Jean Galbert de Campistron, Jean de La Chapelle, Antoine D'Aubigny de la Fosse, L'abbé Charles-Clude Gene, Provilon.세기가 끝날 무렵, 특히 크레빌론의 희곡에서는 세기의 초창기 연극으로 회귀하는 경우가 종종 있었다. 복수의 에피소드, 사치스러운 공포와 연민, 그리고 무대 위의 섬뜩한 행동의 표현이었다.

초기 프랑스 오페라는 이 시기 왕실에서 특히 인기가 있었으며, 작곡가 장바티스트 룰리는 매우 다작했다(이 시기 궁정 발레와 오페라에 대한 자세한 내용은 작곡가 기사를 참조하라).이 음악 작품들은 비극적인 이야기와 궁정 발레의 전통 속에서 계속되었고, 또한 때때로 비극적인 줄거리들(또는 "트래게디 앙 뮤지크")을 제시하기도 했다.룰리와 함께 활동한 극작가들 중에는 피에르 코르네유와 몰리에르가 포함되었지만, 이들 성리학자 중 가장 중요한 인물은 희극, 비극, 비극의학의 작가 필립 퀴노가 있었다.

세기의 후반부의 코미디는 몰리에르가 지배했다.베테랑 배우, 희극의 달인, 슬랩스틱, 이탈리아와 스페인 극장(위 참조), 플로투스와 테렌스를 모델로 한 '정규' 극장 등 몰리에르의 연출력은 크고 다양했다.그는 프랑스인들에게 "예절의 희극" ("코메디 드 무르스")과 "성격의 희극" ("코메디 드 카락테르")을 현대적인 형태로 준 공로를 인정받고 있다.탐욕스러운 아버지들, '프리시우스'와 사회적 패러디, 의사들과 거만한 문학형식의 그의 우스꽝스러운 풍채는 매우 성공적이었지만 종교적 위선과 자유주의에 관한 그의 희극("타르트페")은 그에게 교회로부터 많은 비난을 가져왔고, "타르트튀프"는 왕의 개입을 통해서만 공연되었다.'타르트튀프', '돈 후안', '레 미산트로프' 등 몰리에르의 희극은 극과 극을 오갈 수 있고, '돈 후안'과 '미산트로프'의 결말은 순전히 코믹과는 거리가 멀다.

몰리에르가 추적한 길목에서 세기말까지 희극은 계속될 것이다: 현대 도덕과 매너에 대한 풍자와 "규칙적인" 코미디가 지배할 것이고, 루이 14세의 마지막 위대한 "코미디"인 알랭-레네 레지의 "투르카레"는 거의 어떤 캐릭터도 만회할 수 없는 엄청나게 어두운 연극이다.

1659년 이후 프랑스 극장 목록 선택:

18세기

추가 정보:18세기 후반의 프랑스 신고전주의 및 프랑스 연극

19세기

프랑스의 주요 낭만주의 전투는 극장에서 벌어졌지만 극장에 대항하지는 않았다.세기의 초창기는 고전주의와 고전주의에서 영감을 받은 비극의 부활로 특징지어졌으며, 종종 혁명의 정신에 부합하는 국가적 희생이나 애국적 영웅주의라는 주제를 가지고 있었지만, 1830년 빅토르 위고의 에르나니의 제작은 무대 위에서 낭만주의 운동의 승리를 나타내었다(격동의 서술).개막식은 테오필레 고티에(Teophile Gautier)에서 볼 수 있다.시간과 장소의 극적인 단결은 폐지되고 비극적이고 코믹한 요소가 함께 등장하며 운율적인 자유가 얻어졌다.프리드리히 실러의 희곡으로 특징지어지는 로맨티스트들은 종종 역사적 시대(프랑스 르네상스, 루이 14세 시대)의 주제를 선택했다.프랑스의 III)와 불운한 고귀한 인물(왕자와 무법자) 또는 오해한 예술가(토머스 채터튼의 삶을 바탕으로 한 비니의 희곡).

세기의 중반이 되면서 극장은 자연주의와 관련된 점점 더 현실적인 경향을 반영하기 시작했다.이러한 경향은 그 시대의 연극적인 멜로 드라마에서 볼 수 있으며, 더욱 더 무시무시하고 섬뜩한 빛 속에서 세기말의 그랜드 기뇰에서 볼 수 있다.멜로드라마 외에도 중세 중기의 대중적이고 부르주아적인 극장은 외젠 마린 라비체(Eugene Marin Labiche)의 "잘 만들어진" 부르주아 농락과 에밀 오기에르의 도덕극에서 현실주의로 바뀌었다.루도비치 할레비, 앙리 메이하크, 그리고 세기가 바뀔 무렵 조르주 페이도의 오페레타, 익스트림, 코미디가 인기였다.전쟁 전에, 가장 성공적인 연극은 옥타브 미르보의 위대한 코미디 레즈 어필자 아들 레즈 어펜서즈 (Business is Business)(1903)이다.

보들레르 시와 세기의 후반부 문학의 상당부분(혹은 "핀 드 시엘")은 그들의 무시무시한 내용이나 도덕적 비전에 대해 종종 "결단"으로 특징지어졌지만, 1886년 장 모레아스 "심볼리스트 선언"이 발표되면서 새로운 문학 환경에 가장 많이 적용되었던 상징적 용어였다.빌리에 드 리슬 아담과 모리스 마테를린크의 작품에서 상징성이 극장에 나타났다.

20세기

세기의 프랑스 전환기에 가장 중요한 극작가는 알프레드 재리였다.주로 우부 로이(Ubu Roy)라는 그의 희곡의 영향은 현대 관객들에게 크게 영향을 미쳤으며, 그 중에서도 몬티 파이썬의 플라잉 서커스(Flying Circus)와 더 젊은 원스(The Young Ones)에 계속 큰 영향을 미치고 있다.

제1차 세계 대전 후 프랑스의 아방가르드 극장은 다다와 초현실주의에 의해 심오하게 특징지어졌다.초현실주의 운동은 제2차 세계대전까지 실험적인 글쓰기와 국제 미술계의 주요 세력이었고, 초현실주의자들의 기술은 특히 시와 연극에 적합했으며, 특히 안토닌 아르토와 기욤 아폴리나르의 연극 작품에서 두드러졌다.

1920년대와 1930년대의 극장은 루이스 주베트, 찰스 덜린, 개스톤 바티, 루드밀라와 조르주 피토에프 감독들을 중심으로 느슨한 극장 연합('카텔'이라 불림)을 더욱 변화시켰다.이들은 장 지라우두, 쥘 로맹스, 장 아누일, 장 폴 사르트르의 프랑스 작품과 루이지 피란델로, 안톤 체호프, 조지 버나드 쇼의 희곡과 작품을 제작했다.

Inspired by the theatrical experiments in the early half of the century and by the horrors of the war, the avant-garde Parisian theatre, "New theatre"—termed the "Theatre of the Absurd" by critic Martin Esslin in reference to Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov, Fernando Arrabal—refused simple explanations and abandoned tradit이온 문자, 플롯 및 스테이징.극장에서의 다른 실험들은 지방분권, 지역극장, "인기극장" (노동계층을 극장으로 끌어들이기 위해 고안된), 브레히트극장 (1954년 이전 프랑스에서 크게 알려지지 않은)과 아서 아다모프와 로저 플랜촌의 제작을 포함했다.아비뇽 축제는 1947년 장 빌라르에 의해 시작되었는데, 장 빌라르는 "Tétre national pupulaire" 또는 T.N.P를 만드는 데도 중요한 역할을 했다.

1968년 5월의 사건은 교육, 계급, 가정, 문학에서 혁명적 변화의 급진적 이념의 발전에 분수령을 맞았다.연극에서 아리안 므누치킨의 테레 뒤 솔레일에 의해 개발된 "크레레이션 콜렉티브"라는 개념은 작가, 배우, 프로듀서로 분단하는 것을 거절했다: 목표는 완전한 협업, 다면적인 관점, 배우와 대중 사이의 분리의 해소, 그리고 관객들이 그들 자신의 진리를 찾는 것이었다.

참고 항목

참조

  1. ^ Brockett, Oscar (2003). History of the Theatre, 9th Edition. Allyn and Bacon. p. 188. ISBN 0-205-35878-0.
  2. ^ 루시 레이필드, 프랑스 르네상스 극장, '책장 위의 모험', 2016년 1월
  3. ^ 봐, 다른 작품들 중: 브레이, 레네.프랑스의 La formation de la distratic classique.파리:하셰트, 1927년르네상스 시대의 극장 발전에 대한 분석은: 레이스를 참조하라.티모시"르네상스 극장과 비극론"케임브리지 문학 비평사.제3권:르네상스 229-247페이지ISBN 0-521-30008-8
  4. ^ Frederick Hawkins (1884). "Chronology of the French Stage, 789-1699". Annals of the French Stage. London: Chapman and Hall – via Hathi Trust.
  5. ^ Dennis J. Sporre, The Creative Impulse: 프렌티스 홀, 2000, 414페이지의 예술 소개.

외부 링크