장 에티엔 리오타르
Jean-Étienne Liotard
장 에티엔 리오타르(Jean-Etienne Liotard) 프랑스어 발음:[ʒɑ̃ ‿ ɛ ɔ타 ʁ(, 1702년 12월 22일 ~ 1789년 6월 12일)는 스위스의 화가, 미술 감정가, 딜러였습니다. 그는 파스텔의 세밀하고, 눈에 띄게 자연주의적인 초상화들과 튀르키예에 머물 때의 작품들로 가장 잘 알려져 있습니다. 프랑스 출신의 위그노이자 제네바 공화국의 시민인 [2]그는 제네바에서 태어나고 사망했지만, 그의 경력의 대부분을 그의 초상화가 많이 수요가 있었던 유럽의 수도에서 보냈습니다. 그는 로마, 이스탄불, 파리, 비엔나, 런던 그리고 다른 도시들에서 일했습니다.
인생
리오타르는 제네바에서 태어났습니다. 그의 부모님은 1685년 이후 제네바로 도망간 프랑스 개신교 신자였습니다.[3] 장 에티엔 리오타르(Jean-Etienne Liotard)는 다니엘 가델(Daniel Gardelle) 교수와 쁘띠또(Petitot) 교수 밑에서 그의 연구를 시작했습니다. 그의 에나멜과 미니어처는 상당한 기술로 모방했습니다.
그는 1725년 파리로 가서 장 밥티스트와 프랑수아 르모인 밑에서 공부했고, 그의 추천으로 그는 부작 드 푸이슈, 루이 필로젠 브룰라르트, 후작 드 푸이슈, 콩트 드 실레에게 나폴리로 갔습니다 1735년 그는 교황 클레멘스 12세와 몇몇 추기경들의 초상화를 그리며 로마에 있었습니다. 1738년 그는 더컨넌 경과 동행하여 콘스탄티노플로 가서 4년간 일했습니다.[4]
리오타르는 이스탄불을 방문하여 터키 국내의 여러 장면들을 그렸습니다; 그는 또한 유럽에 돌아왔을 때 대부분의 시간 동안 터키 드레스를 계속 입었습니다. 여행자들이 권고한 대로 유럽인들이 현지 의상을 입고 있는 가운데, 현대적인 드레스를 사용하는 것은 중동의 환경을 이용한 역사화에서 영웅적이지 않고 우아하지 않은 것으로 여겨졌습니다.
바이런 경을 포함한 많은 여행자들이 돌아오는 길에 이국적인 동양 드레스를 입고 그림을 그렸고, 마담 드 퐁파두르를 포함한 유럽을 떠난 적이 없는 많은 여행자들도 마찬가지였습니다.[5] 바이런의 시는 이국적인 동양 환경에서 낭만주의의 머리 모양 칵테일을 유럽에 소개하는 데 큰 영향을 미쳤습니다. 이는 후에 19세기 동양 예술을 지배하게 되었습니다.
그의 동양적인 의상을 별나게 채택함으로써 그는 터키 화가라는 별명을 얻었습니다.[4]
그는 1742년에 황실의 초상화를 그리기 위해 비엔나로 갔습니다. 1745년 그는 프란체스코 알가로티에게 라벨 쇼콜라티에르를 팔았습니다.
그는 여전히 유명한[citation needed] 후원을 받으며 파리로 돌아갔습니다. 1753년에 그는 영국을 방문했고 그곳에서 웨일즈의 공주 색시 고타의 오거스타 공주를 그렸습니다. 그는 1756년에 네덜란드로 가서 다음 해에 마리 파르게스와 결혼했습니다. 그녀는 또한 위그노 가족 출신으로, 그가 수염을 깎기를 원했습니다.
1762년에 그는 마리 앙투아네트를 포함한 비엔나에서, 1770년에 파리에서 초상화를 그렸습니다. 1772년 영국에 또 한번의 방문이 이어졌고, 그 후 2년 동안 그의 이름은 왕립 아카데미 전시회 참가자들 사이에 이름을 올렸습니다. 그는 1776년에 고향으로 돌아갔습니다. 1781년 리오타르는 그의 Traité des principles et des règles de la peinture를 출판했습니다. 말년에 그는 정물화와 풍경화를 그렸습니다. 그는 1789년 제네바에서 사망했습니다.
작동하다
리오타드는 다재다능한 예술가였습니다. 드레스덴 갤러리의 라 리세우스, 초콜릿 소녀, 라 벨 [6]리요네즈와 J. Paul Getty Museum의 Seven의 Maria Frederike van Reede-Athlone이 그의 우아하고 섬세한 파스텔 그림들로 가장 잘 알려져 있으며, 그는 에나멜, 동판 판화, 유리 그림으로도 두각을 나타냈습니다. 게다가, 그는 화술에 관한 논문을 썼고, 옛 거장들의 그림 전문 수집가였습니다.
그가 얻은 많은 걸작들은 그가 두 번째 영국 방문에서 높은 가격에 팔렸습니다. 암스테르담, 베른, 제네바의 박물관들은 특히 그의 그림과 파스텔 그림들의 예들이 풍부합니다. 한 터키인이 앉아있는 사진은 빅토리아 앨버트 박물관에 있고, 대영 박물관은 그의 그림 중 두 점을 소유하고 있습니다.
루브르 박물관에는 22점의 그림 외에도 헤라우트 중장의 초상화와 의상을 입은 영국 상인과 친구의 유화, 터키 의상을 입은 무슈 르벳과 마드모아젤 헬레네 글라바니라는 제목의 그림이 있습니다. 작가의 초상화는 피렌체 우피치 갤러리의 살라디 피토리에서 발견될 예정입니다. 그의 아들 또한 네덜란드 소녀와 결혼했기 때문에, 리크 박물관은 그의 그림과 그림들의 중요한 소장품을 물려받았습니다.
리오타드의 그림의 한 가지 두드러진 특징은 웃는 대상들이 널리 퍼져 있다는 것입니다. 일반적으로 당시 초상화 주제는 좀 더 진지한 어조를 채택했습니다. 이 여유는 레오타드에게 영감을 준 계몽주의 시대 철학의 반영이었습니다.[6] 또한 리오타드는 자신을 구해준 의사에게 경의를 표하는 여성의 그림과 같은 과학을 기념하는 작품들을 만들었습니다.[6]
파스텔 배지
레오타드는 '르 파인트르 드 라 베리테'라고도 알려져 있으며, 그의 그림에 자연주의적인 효과를 주기 위해 파스텔이라는 매체를 선택했습니다. 리오타드의 아폴로와 다프네 그리고 세 개의 은혜는 아마도 남아있는 그의 가장 오래된 파스텔 작품일 것입니다.[7] 리오타드가 주로 파리에서 유화 작업을 했다면 리오타드의 파스텔리스트 경력은 이탈리아에서 공식적으로 시작되었다고 할 수 있습니다. 리오타르는 고향 제네바에서 보낸 파스텔이라는 매체에 대해 젊은 시절에 이미 익숙했지만, 공식적으로 작업한 매체는 아니었습니다. 레오타드가 파리의 왕립 미술 협회로부터 유화 작품에 대한 거절을 받은 것은 그가 사랑하는 매체로 돌아가도록 자극을 주었을지도 모릅니다.
리오타르는 그의 논문에서 자연에 대한 사실적인 모방을 제공하기 위해 l'elimination destouchs의 중요성을 언급합니다. 붓 자국의 비가시성은 유화 물감 대신 파스텔을 사용함으로써 더 쉽게 달성할 수 있었습니다.[8] 따라서 리오타드가 파스텔 매체를 선택한 것은 의심의 여지가 없는데, 이는 그가 그림의 가장 중요한 측면이라고 생각했던 자연을 모방하는 능력 때문입니다. 같은 이유로 디드로는 예술적 매체로서의 파스텔의 인기가 절정에 달했던 1751년의 그의 사전 Raisonné에서 파스텔이 초상화를 위한 최고의 매체라고 언급합니다.[9]
파스텔의 비율은 강렬하고 선명한 색상을 제공하는 특히 건조한 소재로 만들어지는데, 이는 리오타드가 작업하는 것을 중요하게 여겼습니다. 리오타드는 "파레트의 아름다움, 생동감, 신선함, 가벼움으로 인해 파스텔화는 다른 어떤 종류의 그림보다 더 아름답다"고 썼습니다.[10] 리오타드는 이러한 특성을 과장하기 위해 파스텔을 종이 위에 아주 강하게 눌러 추가적인 탁월함을 만들어낸 것으로 유명합니다. 이러한 독특한 기법과 광도에 대한 열망이 파스텔과 작업하는 다른 예술가들과 차별화되고 그의 작품을 독특하게 만드는 이유입니다.
서포트 및 수정제
리오타드는 주로 송아지, 염소, 양의 가죽으로 만든 표면인 벨룸(Vellum)을 사용했는데, 벨룸은 안료의 우수성을 가장 잘 간직하고 있기 때문입니다. 그는 종종 생선풀과 포도주를 이용해 미세한 가루를 섞은 서포트를 준비했습니다.[11] 18세기에 파스텔은 종종 색종이에 의해 지지되었고, 특히 파란색 두꺼운 종이는 파스텔의 영롱함을 향상시켜 인기가 있었습니다. Gombaud and Suvage에 따르면, 리오타드는 또한 종이 지지대에 작업할 때 종종 파란색 종이를 사용했다고 합니다.
18세기부터 살아남은 파스텔의 대다수는 고정되어 있지 않았습니다.[12] 분말 색소가 건조하게 도포되어 상당히 잘 부서집니다. 따라서 색소가 표면에서 쉽게 분리될 수 있지만 수분과 얼룩에 더 민감합니다. 이 요인은 파스텔 작품의 보존을 복잡하게 합니다.
- 선택한 작품
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리처드 포코크, 1738–39, 캔버스에 유화 -
- 초콜릿 소녀, 1743년 ~ 1744년
- 프란체스코 알가로티 백작, 1745년 파스텔론 양피지
- 마리 샬롯 보이시에, 1746년
- 잔느-엘리자베스 드 셀론, 1746년 양피지 파스텔
- 1746년 제노바 출신 상인 무슈 보에르의 초상화, 양피지 파스텔
- 1747년 마리아 테레지아 황후, 구리에 법랑질을 했습니다.
- 마드모아젤 자케의 초상화, 1748–1752, 파스텔 종이에
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- 자화상, 1749, 파스텔
- Landschaft bei Genf, 1750
- 1750년 터키의 여인과 그녀의 하인, 캔버스에 유화
- 터키 드레스를 입은 프랑스의 마리 애들레이드, 1753, 캔버스에 유화
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- 1754년의 첫번째 컵은 벨룸에 파스텔.
- 마리아 프레데리케 판 레데아틀론, 1755–56, 파스텔론 벨룸
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- 아미-장 드 라 리브, 1758, 종이에 파스텔
- 파스텔, 젊은 여성의 초상
- 마르테 마리 트론친의 초상, 1758 (시카고 미술관)
- 장 트롱친 부인의 초상화 (성 앤 몰렌), 1758
- 1758년 프랑수아 트롱친 부인의 초상화 (안네 마리 프로마게트)
- 1754년 라 파밀레 라베그네의 쁘띠 데장외르
- 1754년 컴벌랜드 공작 헨리 프레드릭
- 1754년 영국의 루이자 공주의 초상화
- 인형을 든 마리안 리오타드, 1765
- (c. 1770)
- 1773
- 정물, 찻잔, 1781–83, 캔버스에 기름을 묻히다
- 그림과 함께하는 정물화, 1782, 파스텔
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참고 항목
참고문헌
- ^ 스위스 역사사전과 제네바 칸톤 공식 웹사이트에 게재된 그의 전기 공지에 따르면, 장 에티엔 리오타르는 제네바 공화국의 시민이었고, 공화국 의회(이백인 평의회) 중 한 곳의 부관이었습니다. [1]의 191페이지도 참조하십시오. 스위스 이외의 출처에서 그의 원산지는 때때로 (예를 들어 ULAN에서) 스위스라고 언급됩니다.
- ^ La Vendée La Terreur «, sur'histoire », trimestrial publication, Winter 93, 5, p.74.
- ^ N. "리오타드, 장 에티엔"의 파르망티에-랄레멘트. Grove Art Online.
- ^ a b 바트저, 캐서린, 마조리 셸리. 2011. 파스텔 초상화: 18세기 유럽의 모습. 뉴헤이븐, 콘: 예일대 출판부 12쪽. ISBN9780300169812.
- ^ 크리스틴 라이딩, 여행자 및 시터: 오리엔탈리즘 초상화, 트로망스에서, 48–75
- ^ a b c Jonathan Jones, Jean-Etienne Liotard 리뷰 – 계몽주의로 돌아가는 즐거운 타임머신, 가디언, 2015년 10월 20일.
- ^ Bull, Duncan; Bunt, Thomas Macsotay Bunt (2002). Jean-Etienne Liotard (1703-1789). Zwolle: Waanders Drukkers. p. 10.
- ^ Liotard, J.E. (1945). Traité des principes et des règles de la peinture. Genève: Pierre Cailler. p. 92.
- ^ Diderot, Dennis; et al. (1751). Encyclopédie, ou, Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers. Paris: Chez Briasson; David l'Aîné, Le Breton; Durand. p. 154.
- ^ Liotard, J.E. (1762). Explications des différens jugement sur la peinture. Mercure de France. p. 186.
- ^ Sauvage, Leila; Gombaud, Cécile (2015). "Liotard's Pastels: Techniques of an 18th-century Pastellist". Technology and Practice – Studying 18th century paintings and art on paper, CATS Proceedings, 2015. pp. 31–45. ISBN 978-1-909492-23-3.
- ^ Shelley, Marjorie (2011). "Paintin in the Dry Manner: The Flourishing of Pastel in 18th-Century Europe". The Metropolitan Museum of Art Bulletin. 68: 37.
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