네덜란드 예술

네덜란드 예술은 연합국이 플랜더스와 분리된 이후 네덜란드의 시각 예술 역사를 묘사하고 있다. 이 지역의 초기 그림은 초기 네덜란드 회화와 네덜란드와 플랑드르 르네상스 회화로 덮여 있다.

네덜란드 미술의 역사는 플랑드르 바로크 그림과는 여전히 밀접한 관계를 유지하고 있지만 매우 뚜렷한 양식과 새로운 형식의 그림이 발달한 네덜란드 황금기 그림이 대부분인 1620년에서 1680년경에 지배하고 있다. 17세기 동안 네덜란드의 도시에는 건강한 예술적 풍토가 있었다. 예를 들어, 1605년에서 1635년 사이에 10만 점 이상의 그림이 하렘에서 제작되었다.^[1] 당시 이 도시의 미술품 소유율은 25%로 사상 최고치를 기록했다.^[2] 황금기가 끝난 후에도 그림의 제작은 여전히 높은 수준을 유지했지만, 유럽의 나머지 지역들에 대한 영향력은 그만큼 강해졌다.

17세기의 많은 화가, 조각가, 건축가는 "네덜란드인"이라고 불리는 반면, 초기 화가들은 일반적으로 "네덜란드인" 전통의 일부로 언급된다. 개별 작품이 더 이상 귀속되지 않고 "더치 스쿨"로 라벨을 붙이거나 분류되는 것은 해당 작품의 개별 예술가를 확인할 수 없다는 것을 나타낸다.

19세기 헤이그 학교는 황금기의 주제의 범위를 현대적 용어로 재해석하여 네덜란드화를 다시 한번 유럽의 지도자로 삼았다. 19세기 이후 이어진 미술의 잇따른 움직임에서 네덜란드의 공헌은 빈센트 반 고흐와 피에트 몽드리안의 개별 인물들의 작품에서 가장 잘 알려져 있지만, 비록 둘 다 네덜란드 밖에서 최선을 다했지만, 어느 정도 시간을 들여서 인정받았다. 암스테르담 인상주의는 주로 국지적인 영향을 끼쳤으나, 몽드리안이 회원으로 있던 드 스티글 운동은 해외에서 영향력이 있었다.

골든 에이지

네덜란드의 황금기 그림은 17세기 당시 세계에서 가장 호평을 받은 작품 중 하나이다. 그림의 생산량이 너무 많아서 그 기간 동안 가격이 심각하게 하락했다. 1620년대부터 네덜란드 그림은 이웃 플랑드르에서 루벤스가 정형화한 바로크 양식에서 보다 사실적인 묘사 양식으로 결정적으로 깨져 현실세계와 매우 많이 관계되었다. 그림의 종류로는 역사화, 초상화, 풍경화, 도시경관, 정물화, 장르화 등이 있다. 이 범주 중 마지막 4개 범주에서 네덜란드 화가들은 다음 2세기 동안 유럽의 예술이 의존하는 스타일을 확립했다. 그림에는 종종 도덕적인 하위 텍스트가 있었다. 황금시대는 약 1710년까지 지속된 황혼기가 있었지만, 1671년 프랑스의 침략으로부터 진정으로 회복되지 못했다.

네덜란드의 화가들, 특히 북부 지방의 화가들은 그 사람을 깊은 친밀감이 흐르는 장면에 방관자가 되게 함으로써 관객의 감정을 환기시키려 했다. 17세기에 네덜란드에서 초상화가 번성했다. 많은 초상화는 부유한 사람들에게 의뢰되었다. 단체 초상화는 비슷하게 한 도시의 민간 경비대의 저명한 구성원, 신탁관리 위원회와 섭정 위원회 등에 의해 주문되었다. 종종 그룹 초상화는 각 인물에 의해 개별적으로 지불되었다. 지불된 액수는 사진 속의 각 사람의 위치를 결정했는데, 정면에서는 머리부터 발끝까지 완전한 레갈리아를 이루거나, 혹은 그룹 뒤에서만 얼굴을 마주하고 있었다. 때로는 모든 조원이 동등한 금액을 지불하기도 했는데, 이는 일부 조원이 다른 조보다 사진에서 더 두드러진 자리를 얻었을 때 다툼으로 이어질 가능성이 높았다. 그림으로 그린 물체들이 그 주제에 대한 상징적인 의미를 전달하는 알레고리가 종종 적용되었다. 일상의 삶만을 묘사한 것으로 보이는 많은 장르의 그림들이 실제로 네덜란드의 속담과 속담들을 묘사하거나 도덕적인 메시지를 전달했는데, 그 의미를 오늘날에는 항상 해독하기가 쉽지 않다. 네덜란드 풍경에서 가장 좋아하는 주제는 서부 해안가를 따라 있는 모래언덕, 소들이 풀을 뜯는 넓은 초원과 종종 멀리 있는 도시의 실루엣이었다.

1631년까지 렘브란트는 암스테르담에서 초상화 과제를 몇 개 받을 정도로 좋은 평판을 얻었다. 1640년경, 그의 작품은 그가 겪었던 가족의 비극을 반영하면서 더욱 냉정해졌다. 활달함은 더욱 진실한 감정으로 대체되었다. 성서 장면은 이제 구약성서 대신 신약성서에서 더 자주 파생되었다. 그의 가장 유명한 그림 중 하나는 네덜란드의 황금시대를 정점으로 1642년에 완성된 나이트 워치다. 이 그림은 암스테르담에 새로 지은 클루베니에르도엘렌(Musketers' Meeting Hall)의 연회장에 걸도록 의뢰되었다.

요하네스 베르메르의 작품은 투명한 색채와 세심한 구성, 빛나는 빛의 사용으로 찬사를 받고 있다. 베르메르는 주로 국내 실내장면을 그렸고, 심지어 그의 알려진 두 풍경에도 창틀이 달려 있다. 실내장면은 보통 장르 작품이나 초상화다.

위트레흐트 학파는 17세기 초 네덜란드의 위트레흐트 시에서 활동한 화가 집단을 말한다. 그것은 바로크라고 불리는 것의 일부분이다. 이들은 모두 1610년 사망한 당시 사망한 카라바조의 영향을 강하게 받았다. 밤보시안티(Bamboccianti)는 1625년부터 1700년까지 로마에서 활동한 네덜란드의 장르의 화가들로 이루어진 단체로, 높고 늦은 바로크 시대에 활동하였다. 그들의 작품은 그림 같은 풍경 속의 농부들을 포함하여 전형적으로 작은 응접실 그림이나 일상생활의 에칭이었다.

19세기

헤이그 스쿨

19세기까지 네덜란드는 최신 예술 경향과 학교에 한참 뒤쳐졌다. 19세기 전반기에 가장 잘 알려진 네덜란드의 화가인 요한 바르톨드 종킨트는 이 나라에서 미술 교육을 받은 후 프랑스로 건너가 그의 삶의 대부분을 파리에서 보냈다.

동시에, 네덜란드 예술은 거의 동시에 프랑스에서 발전하고 있는 현실적인 경향에 반응했다. 헤이그 학교는 19세기 초에 있었다. 그들은 조제프 이스라엘스를 포함했다. Jacob Maris는 네덜란드의 풍경에서 가장 중중하거나 가장 밝은 것, 그 대기에 가장 무겁거나 선명한 것 모두를 보여주었다. "화가는 안 돼"라고 M은 말한다. 필립 질켄은 "화가가 기뻐하는 떠다니는 은빛 안개를 통해 공기와 빛으로 목욕하고, 아지랑이에 의해 흐려진 특징적인 외딴 지평선을 통해, 또는 다시 한 번 회색으로 빛나고 있는 네덜란드의 날씨를 잘 표현했다"고 말했다.

암스테르담 인상주의는 19세기 중반 프랑스 인상주의와 거의 비슷한 시기에 유행했다. 화가들은 붓을 빠르고 눈에 띄는 필치로 인상을 캔버스에 담았다. 그들은 도시의 일상을 묘사하는 데 초점을 맞췄다. 19세기 말 암스테르담은 예술과 문학의 번화한 중심지였다. 암스테르담 인상파 화가들 중 유명한 화가로는 조지 헨드릭 브라이트너, 윌렘 드 즈워트, 아이작 이스라엘스, 사이먼 듀이커, 얀 투롭 등이 있다. 조지 헨드릭 브레이트너는 네덜란드에 프랑스의 쿠르베트와 마네의 그것과 비슷한 충격파를 일으킨 사실주의를 소개했다. 그는 항구의 목조기초 쌓기, 철거 공사장, 댐의 말타기, 빗속의 운하 등 도시경관의 뛰어난 화가였다. 세기가 바뀔 무렵에는 암스테르담의 아르티 엣 암미티에이에서 열린 매우 성공적인 회고전(1901)에서 증명된 것처럼 브레이트너는 네덜란드의 유명한 화가였다. 암스테르담의 거리가 잿빛이고 비가 오면 암스테르담 사람들은 음울하게 "에히트 브라이트너웨더"(일반 브라이트너웨더)라고 속삭인다.

빈센트 반 고흐

빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853년 3월 30일 ~ 1890년 7월 29일)는 후기 인상파 화가로서 거친 아름다움, 정서적 정직성, 대담한 색채로 유명한 작품이 20세기 미술에 지대한 영향을 끼쳤다. 수년간 고통스러운 불안과 잦은 정신질환 소동 끝에 그는 총상으로 37세의 나이로 사망했고,^[3][4] 일반적으로 자해로 받아들여졌다(총기는 발견되지 않았지만). 그 후 그의 작품은 소수의 사람들에게만 알려졌고 더 적은 사람들에게도 인정받았다.

1880년대 후반 그의 첫 전시회에 이어, 반 고흐의 명성은 동료들, 미술 평론가들, 딜러들, 수집가들 사이에서 꾸준히 성장했다.^[5] 그가 죽은 후 브뤼셀, 파리, 헤이그, 앤트워프에서 기념 전시회가 열렸다. 20세기 초에는 파리(1901년, 1905년)와 암스테르담(Stedelijk Museum, 1905년)에서 회고전이 열렸으며, 쾰른(손더번드 웨스트데우트슈르 쿤스트프룬데, 1912년), 뉴욕(Armory Show, 1913년)과 베를린(1914년)에서 중요한 단체전이 열렸다.^[6] 이것들은 후대의 예술가들에게 눈에 띄는 영향을 끼쳤다.^[7] 20세기 중반까지 반 고흐는 역사상 가장 위대하고 인정받는 화가 중 한 명으로 여겨졌다.^[8][9] 2007년에 네덜란드의 역사가들은 학교에서 가르칠 "네덜란드 역사의 카논"을 편찬했고 반 고흐를 렘브란트와 드 스티글과 같은 다른 국가 아이콘들과 함께 캐논의 50개 주제 중 하나로 포함시켰다.^[10]

파블로 피카소의 작품들과 함께, 반 고흐의 작품은 경매와 개인 판매로 추산되는 세계에서 가장 비싼 그림들 중 하나이다. 1억 달러(오늘날의 상당액) 이상에 팔린 것에는 가체트 박사의 초상화,^[11] 조셉 룰린과 아이리스의 초상화 등이 포함된다.^[12] 사이프레스와 함께 만든 휘트필드는 1993년 당시 5700만 달러에 팔렸으며, 그의 '반다지 이어' 자화상은 1990년대 후반 8,000만 달러에서 9,000만 달러로 개인적으로 팔렸다.^[13]

20세기

1905년과 1910년경 얀 슬루이터스에 의해 행해진 점묘법, 피에트 몬드리안, 레오 게스텔이 번창하고 있었다. 1911년과 1914년 사이에 입체주의, 미래주의, 표현주의 등 최신 미술 운동이 차례로 네덜란드에 도착했다. 제1차 세계 대전 이후 데 스티글(스타일)은 테오 반 도스부르크와 피에트 몬드리앙이 주도하여 수직선과 수평선만으로 이루어진 순수 예술과 원색의 사용을 촉진하였다. 디자인 아카데미는 1947년에 설립되었다.

박물관

오래된 그림들을 소장하고 있는 대부분의 박물관들은 네덜란드 그림들을 많이 소장하고 있는데, 특히 초기나 골든 에이지 시대부터 종종 그들이 전시할 수 있는 것보다 더 많다. 미결 컬렉션은 다음과 같다.

• 뮌헨의 알테 피나코테크
• 베를린의 게멜데갈레리
• 프란스 할스 박물관
• 상트페테르부르크의 에르미타주
• 빈의 쿤스트히스토리시스 박물관
• 파리의 루브르
• 마우리츠후이스
• 런던의 국립 미술관
• 암스테르담 리크스무세움

참조

외부 링크