주변 음악

Ambient music
주변 음악
문체적 기원
문화적 기원1960~1970년대 영국, 자메이카(더브 음악),[2] 일본[3][4]
파생 형식
서브장르
퓨전 장르
기타 토픽

앰비언트 음악은 전통적인 음악 구조나 리듬보다 음색과 분위기를 강조하는 음악 장르이다.순편성, 비트 또는 구조화된 [5]멜로디가 부족할 수 있습니다.그것은 수동적, 능동적[6] 경청 모두에 보상을 주고 평온함이나 [7][8]사색을 장려할 수 있는 소리의 텍스처 층을 사용한다.이 장르는 "대기", "시각적"[9] 또는 "방해적이지 않은"[10] 특성을 불러일으킨다고 합니다.자연음경을 포함할 수 있으며 피아노, 현악기, 플루트 등의 음향악기의 소리를 [11]신시사이저를 통해 에뮬레이트할 수 있다.

이 장르는 신시사이저와 [12]같은 새로운 악기들이 더 넓은 시장에 소개되던 1960년대와 1970년대에 시작되었다.이것은 에릭 사티의 가구 음악과musique concrète, 최소한의 음악, 자메이카처럼 레게와 독일 전자 음악 같은 스타일에 의해 부각되면서 대중화된 영국 음악가 브라이언 이노가 1978년에 그의 앨범 1주변:공항은을 위한 음악으로 명명되었다;에노는 환경 음악"재미 있다면도 무시하야 한다" 말해 예견된 것들이었다.[13]1980년대 후반 하우스 및 테크노 음악이 부각되면서 부활했고, 1990년대에 [14]이어 컬트 음악도 성장했습니다.주변 음악에는 뉴에이지 음악과 드론 음악의 요소가 있을 수 있는데, 이는 일부 작품이 지속되거나 반복되는 [15]음표를 사용할 수 있기 때문이다.

환경음악은 상업적으로 큰 성공을 거두지 못했으며, "인형된 새 시대, [..]부터 지루하고 무관한 기술적 [16]누들링까지 모든 것으로 비판받았다.그럼에도 불구하고, 그것은 특히 인터넷 시대에 수 년 동안 어느 정도의 찬사를 받았다.비교적 개방적인 스타일 때문에, 주변 음악은 클래식, 아방가르드 음악, 포크, 재즈, 그리고 [17][18]세계 음악 등 다양한 장르의 영향을 받는다.

★★★

에릭 사티는 현대 환경음악의 중요한 선구자이며 브라이언 에노에게 영향을 끼쳤다.

20세기 초 프랑스 작곡가로서 에릭 사티는 다다이스트의 영감을 받은 탐험을 사용하여 환경/배경 음악의 초기 형태를 창조했고, 그는 가구 음악이라고 이름 붙였다.이것은,[19] 주목의 초점이 되는 것이 아니라, 그 활동의 배경 분위기를 만들기 위해서 저녁 식사중에 연주할 수 있는 종류의 음악이라고 그는 설명했다.

사티는 자신의 말로 '음악'을 창조하려고 했다.환경 소음의 일부가 될 것입니다.그것들을 고려합니다.나는 그것이 저녁 식사 때 나이프와 포크의 소음을 부드럽게 하고 지배하지도, 강요하지도 않는 멜로디라고 생각한다.그것은 때때로 함께 식사하는 친구들 사이에 떨어지는 무거운 침묵을 채울 것이다.그것은 그들이 자신들의 진부한 발언에 주의를 기울이는 수고를 덜어줄 것이다.그리고 동시에 그것은 무분별하게 대화에 들어가는 거리의 소음을 무력화시킬 것이다.그런 음악을 만드는 것은 [20][21]요구에 부응하는 것입니다.

The Wire의 1998년 기사에 따르면, 블라인드 윌리 존슨의 1928년 싱글곡 "Dark Was the Night, Cold Was the Ground"는 "컨트리 가스펠 즉흥곡의 한 곡이며, 보컬 허밍과 신음 소리가 있는 슬라이드 기타이지만 [22]가사는 없다"고 간주하면서 주변 음악으로 정리될 수 있었다.

1948년 프랑스 작곡가이자 엔지니어인 피에르 쉐퍼는 '뮤지크 콩크레트'라는 용어를 만들었다.이 실험적인 음악 스타일은 작곡을 만들기 위해 수정,[23] 조작 또는 영향을 받은 자연 소리의 녹음을 사용했다.테이프 루프와 스플라이싱을 사용하는 셰퍼의 기술은 현대 샘플링의 선구자로 여겨지고 있습니다.

1952년 존 케이지가 유명한 3악장 4[24]'33을 발표했는데, 4분 33초 동안 완전한 침묵의 연주였다.이 곡은 공연장소/장소의 주변 소리를 담아 음악을 [25]연주하기 위한 것입니다.케이지는 브라이언 이노와 같은 영향력 [25]있는 아티스트들에 의해 언급되어 왔다.

1960년대

1960년대에, 많은 음악 그룹들이 특이한 방법으로 실험을 했고, 그들 중 일부는 나중에 환경 음악이라고 불리는 것을 만들었다.

1962년 여름 작곡가 라몬 센더와 모튼 수보트닉은 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터를 설립했는데, 이 센터는 전자 음악 스튜디오와 콘서트 [26]장소로 기능했다.폴린 올리베로스, 테리 라일리, 스티브 라이히를 포함한 녹음기로 작업하는 다른 작곡가들이 멤버이자 공동작업자가 되었다.다른 것들 중에서, 그들의 작곡은 반복적인 패턴이나 펄스, 안정된 드론, 그리고 자음 [27]하모니 같은 주변 음악과 많은 유사한 개념을 공유하는 미니멀 음악 (미니멀리즘이라고도 불린다)의 발전에 기여했다.

1960년대 중반에서 1990년대 중반 사이에 유럽과 미국에서 많은 음반이 발매되어 영어 대중 음악 [28]시장에서 환경 장르의 관습을 확립했다.주변 요소를 담은 1960년대 음반으로는 토니 스콧의 '요가 명상을 위한 음악'과 '선 명상을 위한 기타 기쁨과 음악', 레이먼드 스콧의 '아기를 위한 수딩 사운드'와 어브 테이벨의 '환경' 앨범 시리즈의 첫 음반이 있다.

1960년대 후반, 프랑스 작곡가 엘리안 라디그는 두 개의 테이프 레코더와 마이크 [29]사이의 피드백으로부터 테이프 루프를 처리함으로써 여러 곡을 작곡했다.70년대에 그녀는 ARP 2500 합성기로 거의 독점적으로 비슷한 음악을 작곡했고 그녀의 길고 느린 작곡은 종종 드론 [30][31]음악과 비교되었다.1969년, 그룹 CUM Transmissions는 영국 예술 학교에서 [32]소닉 실험을 하고 있었다.Pearl Before Swin의 1968년 앨범 Balaklava는 주변 [22]음악의 대류가 될 새소리와 바다소음을 특징으로 한다.

1970년대 1970년대

1970년대에 발전한 환경음악은 그 시대의 실험적이고 신시사이저 지향적인 스타일에서 비롯되었다.

1974년과 1976년 사이에 미국의 작곡가 로리 슈피겔은 [33]GROVE라고 불리는 컴퓨터-아날로그 하이브리드 시스템으로 만들어진 그녀의 중요한 작품 The Expanding Universe를 만들었습니다.1977년, 그녀의 작곡인 Music of the Spears는 보이저 1과 2의 [34]골든 레코드에 포함되었다.

1975년 4월 수잔 시아니 씨는 부클라 신시사이저로 두 가지 공연을 했습니다. 하나는 WBAI 프리 뮤직 스토어에서, 다른 하나는 필 니블록의 [35]로프트에서 공연했습니다.이 공연들은 2016년에 Buckla Concerts 1975라는 제목의 아카이브 앨범에 수록되었다.음반사에 따르면 이들 콘서트는 부분 라이브 프레젠테이션, 부분 보조금 신청, 부분 교육 [36]시연이었다.

하지만, Brian Eno가 70년대 중반에 이 용어를 만들고 나서야 주변 음악이 하나의 장르로 정의되었다.에노는 이를 염두에 두고 1975년의 Discript Music을 녹음했는데, 사티의 음악 [37]연주에 대한 인용을 언급하면서 "비교적으로 낮은 수준에서, 심지어 종종 [20]가청성의 한계 이하로 떨어질 정도로" 듣도록 제안했다.

다른 동 시대 음악가들은 그 시간에ambient-style 음악을 창조하기 이사오 Tomita[3][4]와 사카모토 류이치도 따라서 Teibel의 환경 시리즈의 음향 심리학의. 음경과 같은 왕 Tubby,[2]일본 전자 음악 작곡가들, 포폴 부흐, Cluster, Kr과 같은 독일의 실험적 밴드 같은 자메이카처럼 음악가들을 포함했다.aftwerk,하모니아, 애쉬 라 템펠, 귤 드림.스타일러스 매거진의 마이크 오르메는 베를린 학교 음악가의 작품을 "주변을 위한 [38]토대를 마련하는 것"이라고 묘사한다.

초기 전자 선구자 크래프트버그의 랄프 허터가 1977년 빌보드 인터뷰에서 말했듯이, 현대 음악에서 신시사이저의 부상이 주변 장르에 미친 영향은 아무리 강조해도 지나치지 않다: "전자공학은 국가와 색깔을 초월한다...전자제품으로 모든 것이 가능합니다.유일한 한계는 작곡가에게 있다.[39]옐로우 매직 오케스트라는 후에 주변 하우스 [40]음악으로 발전되는 독특한 스타일의 주변 일렉트로닉 음악을 개발했다.

이노

Brian Eno(1974년 사진)는 "주변 음악"이라는 용어를 만든 것으로 알려져 있다.

영국의 프로듀서 브라이언 에노는 1970년대 중반에 "주변 음악"이라는 용어를 만든 것으로 알려져 있다.그는 다른 아티스트들도 비슷한 음악을 만들고 있지만 "그냥 이름을 지어줬을 뿐"이라고 말했다.그게 바로 그게 필요했던...이름을 붙이면 차이가 생깁니다.당신은 이것이 이제 현실이라고 말한다.이름은 매우 중요합니다.[41]그는 무자크와 [42]같은 캔 음악과는 다른 음악을 묘사하기 위해 이 용어를 사용했다.

1978년 앨범 Ambient 1: Music for Airports의 라이너 노트에서 Eno는 다음과 같이 썼다.[43]

현존의 캔음반 회사가 어쿠스틱과 대기의 특색을 커버하는 것으로, 환경을 정규화하는 것을 기본으로 하고 있는 것에 비해, Ambient Music은 이러한 특징을 강화하려고 하고 있습니다.기존의 배경음악은 음악에서 모든 의심과 불확실성(따라서 모든 진정한 관심)을 제거함으로써 만들어지는 반면, 앰비언트 뮤직은 이러한 자질을 유지합니다.그리고 그들의 의도는 환경에 자극을 가함으로써 환경을 밝게 하는 반면, 앰비언트 뮤직은 차분하고 생각할 수 있는 공간을 유도하기 위한 것이다.앰비언트 뮤직은 특별히 강요하지 않고 많은 수준의 집중력을 수용할 수 있어야 한다. 흥미로운 만큼 무시할 수 없는 음악이어야 한다.

자신을 "비음악가"라고 말하는 에노는 그의 실험을 전통적인 [43][44]연주가 아닌 "치료"라고 불렀다.

1980년대 1980년대

70년대 후반, 뉴에이지 뮤지션 라라지는 워싱턴 스퀘어 공원을 포함한 뉴욕 공원과 보도에서 버스킹을 시작했다.Brian Eno가 Laraji의 연주를 듣고 그에게 앨범을 녹음하고 싶은지 물어본 곳이 그곳이었다.1980년에 발매된 Day of Radiance는 Eno의 Ambient 시리즈의 세 번째 앨범이다.Laraji는 이미 많은 앨범을 녹음했지만, 이것은 그에게 국제적인 인정을 [45]주었다.시리즈의 다른 앨범들과 달리, Day of Radiance는 전자제품 대신 어쿠스틱 악기를 주로 선보였다.

1980년대 중반, 샘플링의 사용을 통해 음파 풍경을 만들 수 있는 가능성이 높아졌다.1980년대 후반에는 기록 작성 및 기록 과정에서 컴퓨터의 통합이 급격히 증가하였다.사운드와 그에 필적하는 IBM 모델을 내장한 16비트 Macintosh 플랫폼은 음악가와 음반 [46]제작자들의 스튜디오와 집에 있을 것입니다.

하지만, 많은 예술가들은 여전히 주변 작품을 만들기 위해 아날로그 신시사이저와 음향 악기를 사용하고 있었다.

1983년 다카다 미도리는 이틀 만에 첫 솔로 LP Through the Looking Glass를 녹음했다.타악기, 마림바, 징, 리드 오르간, 종, 오카리나, 비브라폰, 피아노, 유리 코카콜라 병 [47]등 다양한 악기로 앨범의 모든 부분을 연주했다.

1988년과 1993년 사이에 엘리안 라디그는 ARP 2500에 관한 3시간 분량의 작품을 제작했고, 이후 함께 La Trilogie De La [48]Mort로 발행되었다.

또한 1988년 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터의 창립 멤버이자 소장인 폴린 올리버스는 45초의 반향 시간이 있는 워싱턴의 거대한 지하 저장조 안에서 앨범을 녹음한 후 "딥 리스닝"이라는 용어를 만들었다.딥 리스닝(Deep Listening)의 개념은 "즉흥, 전자 음악, 의식, 가르침, 명상의 원칙에 기초한 미학"[49]이 되었다.

1990년대 1990년대

1990년대 초, 오브, 아펙스 트윈, 시필, 저항할 수 없는 힘, 바이오스피어, 고등 정보 기관과 같은 예술가들은 상업적인 성공을 거두었고 대중 음악 매체들에 의해 주변 주택, 주변 기술, IDM 또는 단순히 "주변"으로 불리고 있었다.chillout이라는 용어는 원래 메인 댄스 플로어 바깥의 편안한 다운템포 "chillout rooms"에서 사용되었던 영국의 엑스터시 문화에서 유래되었다.[50][51]

애펙스 트윈(구체: Selected Ambient Works Volume II, 1994), 글로벌 커뮤니케이션(76:14, 1994), 런던의 미래 사운드(Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), 블랙 도그(Temple of Transparent Balls, 1993), 오토테크(Incunabula, 1994, Amber)와 같은 런던 아티스트당시 [50]유행했던 하드코어와 테크노에서 벗어나 차분하게 휴식을 취하기 위해 사용되었던 주변 음악들을 변화시키고 다양화시켰다.

1990년대 세계적인 아티스트로는 미국 작곡가 스타즈 오브 더 리드(Stars of the Lid)와 일본인 아티스트 스스무 요코타(Susumu Yokota)가 있으며, 그의 앨범 사쿠라(1999년)는 피치포크지가 "꿈의 가공기타"를 독특한 사운드 [52]툴로 불렀다.

~2000년대~2000년대~2000년대~2000년대

자연 서식지의 소리는 YouTube 업로드에서 흔히 볼 수 있는 것으로, 썸네일에는 청중을 끌기 위해 자연 풍경 이미지가 일반적으로 포함되어 있습니다.

2000년대 후반과 2010년대까지, 주변 음악은 유튜브에서 널리 인정받았고, 보통 1시간에서 8시간 길이의 업로드된 곡들이 수백만 건 이상의 조회수를 기록했다.이러한 동영상은 보통 "여유로운 음악"이라는 제목 또는 일반적으로 알려져 있으며 다른 음악 장르의 영향을 받을 수 있습니다.주변 비디오는 온라인 청취자들에게 요가, 공부, 수면(음악과 수면 참조), 마사지, 명상, 낙천, 영감을 얻고 그들의 방이나 다른 [53]환경에서 평화로운 분위기를 조성하는 것을 돕는다.많은 업로드된 주변 비디오는 자연의 소리를 특징으로 하는 생체음악의 영향을 받는 경향이 있지만, 소리는 환경의 일부로서 공간의 소리를 만들기 위해 리버브와 지연 단위로 수정됩니다.이러한 자연의 소리에는 해변, 열대우림, 뇌우, 강우 등의 소리도 포함되며, 새의 노래와 같은 동물들의 소리도 사용된다.바이노럴 비트가 포함된 곡들은 [54][55][a]듣는 사람에게 음악 치료와 스트레스 관리를 제공하는 일반적이고 인기 있는 업로드이기도 하다.

적절한 제목으로 Ambient 등의 YouTube 채널 [59]가입자가 500,000명을 넘는 것을 확인.또한 환경 음악을 출판하다 다른 자체 검증 채널,. 아이튠즈와 Spotify는 환경 음악, 등장 디지털 라디오 방송국이 가진 명상은 진정해 음악 시장에서 800만 subscribers,[61]과 2백만명이 넘는 subscribers,[60]Soothing 이완을 가지고 있으며 Relaxing 화이트 소음 50만개 이상 가입자들과 함께 포함한다. 있mos독립 레이블에 [5]의해 생산된 tly.

(피치포크 잡지에 따르면) 이 시대의 유명한 환경 음악에는 맥스 리히터, 줄리안나 바윅, 그루퍼, 윌리엄 바신스키, 원트릭스 포인트 네버,[62][63][64][65] 관리인의 작품이 포함됩니다.2011년 미국 작곡가 리즈 해리스는 그루퍼로 녹음한 앨범 AIA: Alien Observer를 발표했으며, 피치포크는 "역대 최고의 50개의 앰비언트 앨범"[66]에서 21위에 올랐다.2011년, 줄리안나 바윅은 그녀의 첫 번째 정규 앨범 The Magic Place를 발매했다.교회 성가대에서의 어린 시절 경험에 크게 영향을 받은 바윅은 그녀의 말없는 보컬을 에테르적인 [67]사운드스케이프에 연결시킨다.이 곡은 피치포크가 선정한 [66]역대 최고의 환경 앨범 50장에 30위에 올랐다.여러 장의 앨범을 스스로 발매한 후,[68] 부클라의 작곡가, 프로듀서, 연주자 케이틀린 아우렐리아 스미스는 2015년 독립 음반사 웨스턴 비닐과 계약했다.2016년, 그녀는 두 번째 공식 앨범 EARS를 발매했다.그것은 Buckla 신시사이저를 전통 악기와 연결했고 그녀의 구성은 Laurie Spiegel과 [69]Alice Coltrane과 비교되었다.Kaitlyn은 또한 유명한 Buckla 가수 Suzanne Ciani와 [70]함께 작업했습니다.이기팝의 2019년 앨범 Free는 주변 사운드스케이프를 [71]특징으로 합니다.증기파의 하위 장르인 Mallsoft는 다양한 환경 영향을 받고 있으며, Cat System Corp.와 Gatures와 같은 아티스트들이 쇼핑몰과 [72]식료품점에서 흔히 볼 수 있는 주변 소리를 탐색하고 있습니다.

장르 및

더브

다음 항목도 참조하십시오.더브뮤직과 싸이더브

앰비언트 더브는 앰비언트 음악과 두브의 융합입니다.이 용어는 1990년대 초 버밍엄의 지금은 없어진 레이블 "비욘드 레코드"에 의해 처음 만들어졌다.이 음반사는 음악 프로젝트 '디비티네이션'에서 같은 문구를 사용한 빌 라스웰을 포함한 많은 아티스트들에게 영감을 준 앨범 'Ambient Dub Volume 1'부터 '4'까지를 발매했다.앰비언트 더브는 1960년대부터 1970년대 초반까지 킹 터비와 다른 자메이카 사운드 아티스트에 의해 유명해진 더브 스타일을 채택하고 있으며, DJ에서 영감을 받은 앰비언트 일렉트로니카를 사용하여 드롭아웃, 에코, 이퀄라이제이션 및 사이키델 일렉트로닉 효과를 모두 갖추고 있습니다.그것은 종종 레이어드 기술을 특징으로 하며 월드 뮤직, 딥 베이스 라인, 하모닉 [2]사운드의 요소를 통합합니다.데이비드 투프에 따르면, "더브 음악은 긴 에코 지연과 같다, 시간을 통해 루프하는...음악 시퀀스의 합리적 순서를 [73]센세이션의 바다로 바꾼다."이 장르에서 주목할 만한 아티스트로는 방코 데 가이아뿐만 아니라 드레드존, 고등정보국, 더 오브, 가우디,[74] 오트, 루프 구루, 우브, 트랜스글로벌[75] 언더그라운드 등이 있다.

주택 ★★★★★★★★★★★★★★.

주요 기사:주변 주택

앰비언트 하우스는 1980년대 후반에 설립된 음악 카테고리로, 주변 음악 요소와 [76]분위기를 특징으로 하는 애시드 하우스를 묘사하는 데 사용됩니다.앰비언트 하우스 장르의 트랙은 일반적으로 4온더플로어 비트, 신스 패드 및 보컬 샘플이 분위기 [76]있는 스타일로 통합되어 있습니다.주변 주택 트랙은 일반적으로 전음 중심이 없으며 합성 화음과 함께 많은 무조성을 특징으로 한다.네덜란드 브레인보이저는 이 장르의 한 예이다.Illbient는 또 다른 형태의 앰비언트 하우스 음악이다.

테크노

주요 기사:환경 테크노

앰비언트 테크노(Ambient techno)는 1980년대 후반에 등장한 음악 카테고리로,[77] 주변 음악 분위기를 테크노의 리듬과 멜로디 요소로 묘사하는 데 사용됩니다.주목할 만한 아티스트로는 Aphex Twin, B12, Autechre, Black Dog 등이 있습니다.

환경 산업용

앰비언트 인더스트리얼은 인더스트리얼과 앰비언트 음악의 혼합 장르로, 인더스트리얼이라는 용어는 인더스트리얼 [78]메탈의 의미가 아니라 원래 실험적인 의미로 사용됩니다."일반적인" 주변 산업 작품(이러한 것이 있는 경우)은 금속 드론과 공명, 극저주파수의 요란한 소리와 기계 소음의 조화 진화로 구성될 수 있으며, 징, 타악 리듬, 불러, 왜곡된 목소리 또는 예술가가 표본으로 삼아야 할 다른 것으로 보완될 수 있습니다(대부분 p에 가공됨).원래 샘플을 더 이상 식별할 [78]수 없는 연고)전체 작업은 전파 망원경 녹음, 신생아의 옹알이 또는 전신선의 [78]접촉 마이크를 통해 녹음된 소리를 기반으로 할 수 있다.

팝

앰비언트 팝은 드림 팝 운동의 연장선상에서 1980년대에 발전한 음악 장르이다.그것은 전통적인 팝 음악에서 흔한 구조와 "주변 음악의 [79]최면적이고 명상적인 특성을 반영하는 전자적 질감과 분위기"를 결합시킨다.앰비언트 팝은 크라우트록의 록 그루브 멜로디를 영향력으로 사용한다.드림 팝 운동의 연장선상에 있음에도 불구하고, 그것은 "대부분 살아있는 악기가 [79]소리를 계속 정의하지만, 샘플링을 포함한 현대 전자 숙어를 채택한 것"으로 구별된다.

데이비드 보위는 환경음악을 실험한 최초의 록과 팝 아티스트 중 하나이며, 특히 환경음악의 선구자인 브라이언 [80]에노와 함께 베를린 트릴로지를 작업했다.3부작의 세 번째 앨범인 Lodger의 트랙 "Red Sails"는 "Motorik [81]비트가 있는 앰비언트 팝의 한 곡"으로 묘사되었다.올뮤직 평론가 스튜어트 메이슨은 영국 아트 록 밴드 일본의 젠틀맨 테이크 폴라로이드(1980년)의 노래 테이킹 아일랜드 인 아프리카를 "일본(그리고 리더 데이비드 실비언)이 남은 경력 동안 취할 주변 팝 방향"의 예측으로 간주한다.옐로우 매직 오케스트라 리더인 사카모토 류이치가 피처링한 이 트랙은 "매우 논록 아프리카 토킹 드럼 리듬으로, 심장 박동 이하의 크롤로 감속하고, 분위기 있는 키보드와 최소한의 [82]베이스로 덧씌워졌다.

드림 팝 밴드 슬로우디브의 1995년 피그말리온 앨범은 주변 [83]일렉트로니카의 요소를 많이 포함하고 있으며, [84]이 장르의 많은 밴드들에게 영향을 끼쳤다.피치포크 비평가인 니츠 아베베는 이 앨범의 트랙을 "라이드와 같은 슈게이저보다 디스코 인페르노와 같은 포스트 록과 더 공통점이 있는 주변 팝 드림"[85][86]이라고 묘사했다.

환경 ★★★★★

주요 기사:어두운 환경
다음 항목도 참조하십시오.다크 앰비언트 아티스트 목록

Brian Eno는 환경 음악을 방해받지 않는 음악 벽지로서, 나중에 따뜻한 하우스 리듬과 융합되어 1990년대에 Orb에 의해 장난기 있는 특성을 부여받았던 원래 비전은 어두운 환경이라고 알려진 스타일에서 그 반대임을 발견했다.고령의 산업 및 금속 실험가(Scorn's Mick Harris, Current 93's David Tibet, Nurrent's Steven Stapleton 간호사)부터 전자 보핀(Kim Cascone/PGR, Psychick Warriors Ov Gaia, Mern, Null)까지 다양한 인재가 모여 있습니다.osis) – 어두운 주변 특징의 톤 다운 또는 전혀 비트가 없는 키보드, 섬뜩한 샘플, 처리한 기타 효과.90년대의 일렉트로닉/댄스 음악과 관련된 대부분의 스타일과 마찬가지로, 그것은 매우 애매한 용어입니다. 많은 아티스트들이 연이어 [87]출시될 때마다 그 스타일을 입문하거나 탈퇴합니다.관련 스타일에는 환경 산업용(아래 참조)과 고립주의용(isolationist) 환경이 포함됩니다.

주요 기사 : 우주 음악
타마키 " 「 Interstellar 」
실험 및 포스트 록 요소와 결합된 자체 설명 환경 음악의 예
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"Space music"이라고도 불리는 우주 음악에는 주변 장르의 음악뿐만 아니라 사색적인 [88][89][90]넓은 공간을 경험할 수 있도록 특정한 특징을 가진 다양한 장르의 음악이 포함됩니다.

우주음악은 단순한 것에서부터 때로는 전통적인 멜로디, 리듬, 또는 보컬 컴포넌트가 [91][92]결여된 복잡한 소닉 텍스처까지 다양하며, 일반적으로 "공간 이미지와 감정의 연속성",[93] 유익한 자기성찰, 깊은[94] 경청 및 부유, 순항 또는 [95][96]비행의 감각을 불러일으킨다.

우주 음악은 배경 개선과 전경 청취를 위해 사용되며, 종종 헤드폰을 사용하여 휴식을 취하고, 사색하고, 영감을 주며, 일반적으로 평화롭게 확장되는[97] 분위기와 사운드스케이프를 자극합니다.우주 음악은 또한 많은 영화 사운드트랙의 구성 요소이며, 플라네타리움, 휴식 보조 기구 [98]및 명상 용도로 흔히 사용됩니다.

위성을 주목할 만한 음악 – The – Over The Air

  • Sirius XM Chill은 환경, 냉각 및 다운템포 일렉트로니카 재생을 합니다.
  • Sirius XM Spa는 채널 XM 68에서 앰비언트 음악과 뉴에이지 인스트루멘털 음악을 혼합합니다.
  • 에코(Echoes)는 John Diliberto가 진행하는 매일 2시간 분량의 음악 라디오 프로그램으로, 환경, 우주 음악, 일렉트로니카, 새로운 어쿠스틱 및 새로운 음악 방향의 사운드스케이프를 특징으로 합니다.이 프로그램은 1989년에 설립되어 미국 130개 라디오 방송국에 동시 방송되었습니다.
  • 1973년부터 [99][100]미국 NPR에서 방송되고 Stephen Hill이 진행하는 프로그램인 Hearts of Space.
  • Musical Starstreams는 1981년부터 Forest가 제작, 프로그래밍 및 진행하는 미국 상업 라디오 방송국과 인터넷 프로그램입니다.
  • 펜실베니아 필라델피아에 있는 88.5 WXPN 라디오 프로그램 스타즈 엔드.1976년에 설립된 이 프로그램은 세계에서 [101]두 번째로 긴 환경 음악 라디오 쇼이다.
  • Ultima Thule Ambient Music은 1989년부터 호주 전역의 커뮤니티 라디오에서 매주 90분간 방송되고 있습니다.
  • "우주 잔해"라는 뜻의 아바루스로무아는 핀란드의 공영 방송 YLE의 다양한 [102]방송국에서 1990년부터 방송되고 있는 60분 분량의 주변 및 아방가르드 라디오 프로그램이다.

「」도 .

  1. ^ 한 가지 주목할 만한 예외는 2022년 8월 1일 현재 2,200만 건 이상의 조회수를 기록한 주변 앨범 시리즈인 The Manager's Everywhere at the End of Time이다.그것은 알츠하이머병을 [56][57][58]음악적으로 표현하기 때문에 강한 부정적인 감정을 불러일으킨다고 널리 알려져 있다.

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  88. ^ "... 원래 1970년대에 주변 전자제품의 결합과 우주 공간에 대한 우리의 확대된 비전에 대한 언급..."사실 느린 속도와 공간을 창조하는 사운드 이미지를 가진 거의 모든 음악은 우주 음악이라고 불릴 수 있습니다."Hearts of Space 공동창업자 Stephen Hill, 우주음악이란 무엇인가?2006-03-25 Wayback Machine에서의 아카이브
  89. ^ "일반적으로 느리고 느긋한 속도와 공간을 창조하는 이미지나 분위기를 가진 모든 음악은 전통적인 리듬 요소 없이, 전통적인, 민족적, 또는 현대적인 스타일로부터 이끌어내면서, 우주 음악으로 간주될 수 있습니다."Loyde Barde, 2004년 7월/8월, Wayback Machine에 2007-09-27 아카이브된 신음악의 과거 20년의 의미
  90. ^ 우주와 주변 음악을 들을 때 당신은 고대로부터 시작된 다양한 사색적 사운드 체험의 전통과 연결된다.그 장르는 역사적, 민족적, 그리고 현대적 스타일에 걸쳐 있다.사실 느린 속도와 공간을 창조하는 사운드 이미지를 가진 거의 모든 음악은 우주 음악이라고 불릴 수 있습니다."Hearts of Space 공동창업자 Stephen Hill, 우주음악이란 무엇인가?2006-03-25 Wayback Machine에서의 아카이브
  91. ^ "단순한 대나무 피리의 메아리처럼 오래되거나 최신 주변 일렉트로니카처럼 현대적인 경험을 영원히 할 수 있습니다.일반적으로 느린 속도와 공간을 창조하는 사운드 이미지를 가진 모든 음악은 우주 음악이라고 불릴 수 있다.일반적으로 조용하고, 조화롭고, 우아하며, 종종 전통적인 리듬과 역동적인 대조 없이 우주 음악은 많은 역사적, 민족적, 그리고 현대적 장르에서 발견됩니다.Hearts of Space 공동창업자 Stephen Hill은 Wayback Machine에서 에세이 '사색음악'의 사이드바 '우주음악이란 무엇인가'를 발표하였습니다.
  92. ^ "전자 "우주 음악"의 초기 혁신가들은 대부분 베를린 주변에 있었습니다.이 용어는 클라우스 슐제, 귤 드림, 애쉬 라 템펠, 포폴 부흐 등의 1970년대 초중반 작품 스타일의 음악을 지칭하게 되었다.이 음악은 긴 작곡, 루프 시퀀서 패턴, 즉흥적인 리드 멜로디 라인으로 특징지어집니다.– John Dilaberto, Berlin School, Echoes Radio 온라인 음악 용어집 Archived 2007-06-14 at the Wayback Machine
  93. ^ "이 음악은 주로 주제적인 음악 관계, 구성 아이디어 또는 연주 가치보다는 공간 이미지와 감정의 연속체로 경험됩니다."Hearts of Space, New Age Music Made Simple Archived 2010-04-05 Wayback Machine 공동창업자 Stephen Hill의 에세이
  94. ^ "내적, 명상적, 초월적...이 음악은 내면의 심리적 움직임을 촉진합니다.Hearts of Space 공동창업자 Stephen Hill은 New Age Music Made Simple Archived 2010-04-05라는 제목의 에세이를 Wayback Machine에서 작성했습니다.
  95. ^ "...우주 음악...외부 "공간" 또는 "내부 공간"을 떠올리게 합니다.– Hyperreal Music Archive 2007-09-29 at the Wayback Machine, Hyperreal Music Archive 2007-09-29, Backroads Music Notes on Ambient Music의 설립자 Lloyde Barde씨.
  96. ^ "공간과 여행 음악:천상, 우주, 지구...이 뉴에이지 서브카테고리는 심리적 외형적 팽창의 효과가 있다.천체음악 또는 우주음악은 광활하고 사실상 차원이 없는 공간환경의 스테레오 사운드 이미지를 생성함으로써 청취자를 일반적인 음향환경에서 배제합니다.한마디로 스페이스입니다.리드미컬한 움직임이나 톤의 움직임은 청각적 공간 내에서 비행, 부유, 순항, 활공 또는 맴도는 경험을 활기차게 합니다."Hearts of Space 공동창업자 Stephen Hill은 New Age Music Made Simple Archived 2010-04-05 at the Wayback Machine"이라는 제목의 에세이를 통해
  97. ^ "회복력은 종종 그것에 대해 주장되며, 최상의 경우 일상생활의 스트레스, 소음 및 복잡성의 균형을 맞추기 위한 효과적인 환경을 조성할 수 있습니다." – Stephen Hill, Music from the Harts of Space" Space Music이란 무엇입니까?2006-03-25 Wayback Machine에서의 아카이브
  98. ^ "이것은 수많은 플라네타리움 쇼, 마사지 테이블, 그리고 많은 비디오와 영화의 사운드 트랙이었습니다." - Lloyd Barde Notes on Ambient Music, Hyperreal Music Archive 2007-09-29 at the Wayback Machine
  99. ^ 「이 프로그램은, 환경, 일렉트로닉, 월드, 뉴에이지, 클래식, 및 실험 음악의 혼재라고 하는, 독자적인 틈새를 정의하고 있습니다.고대 종 명상, 클래식 아다지오, 크리에이티브 스페이스 재즈, 최신 일렉트로닉 및 어쿠스틱 앰비언트 음악이 사운드, 감성 및 공간 이미지로 통합된 매끄러운 시퀀스로 짜여져 있습니다."Hearts of Space 공동창업자 Stephen Hill은 Wayback Machine에서 "사색 음악, 광범위하게 정의된 아카이브 2010-12-25"라는 에세이
  100. ^ "Hill's Hearts of Space 웹사이트는 환경, 전자, 세계, 뉴에이지 및 클래식 음악을 결합한 한 시간짜리 프로그램에 예술적으로 혼합된 수백 시간의 우주 음악 아카이브에 스트리밍 액세스를 제공합니다."Steve Sande, The Sky's the Limit with Ambient Music, SF Chronicle, 2004년 1월 11일 일요일 2007년 8월 11일 Wayback Machine에서 아카이브
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외부 링크