일렉트로닉 뮤직

Electronic music
그 외의 용도는, 전자 음악(동음이의)을 참조해 주세요.
"전자 음악가"는 여기서 리다이렉트됩니다.잡지는 Electronic Musician을 참조하십시오.
일렉트로닉 뮤직
기타 이름일렉트로니카[1]
문체적 기원
파생 형식
기타 토픽
일렉트로닉 뮤직
실험 형태
인기 있는 스타일
기타 토픽

일렉트로닉 뮤직은 전자 악기, 디지털 악기 또는 회로 기반의 음악 기술을 사용하는 음악 장르입니다.전자음악과 전기기계음악(전기음향음악)을 모두 포함한다.순수 전자 악기는 전자 오실레이터, 테르민 또는 신시사이저와 같은 장치를 사용하는 등 전적으로 회로 기반 사운드 생성에 의존했습니다.전기 기계 기기에는 현, 망치, 자기 픽업, 파워 앰프, 확성기 등의 전기 부품이 포함될 수 있습니다.이러한 전기 기계 장치에는 텔하모늄, 해먼드 오르간, 전기 피아노, 전기 [2][3]기타 등이 있다.

최초의 전자 음악 기기는 19세기 말에 개발되었다.1920년대와 1930년대에 몇몇 전자악기가 도입되었고 그것들을 특징으로 하는 첫 번째 작곡이 쓰여졌다.1940년대까지, 마그네틱 오디오 테이프는 음악가들이 테이프 소리를 녹음한 후 테이프 속도와 방향을 변경함으로써 소리를 수정할 수 있게 했고, 1940년대 이집트와 프랑스에서 전기 음향 테이프 음악의 발전을 이끌었다.1948년 파리에서 만들어진 콩크르테는 녹음된 자연음과 산업음의 파편을 함께 편집하는 것을 바탕으로 만들어졌다.전자 발전기로만 만들어진 음악은 1953년 독일에서 처음 생산되었다.일렉트로닉 음악도 1950년대부터 일본과 미국에서 만들어졌고 컴퓨터를 이용한 알고리즘 구성이 같은 10년 만에 처음으로 시연되었다.

1960년대 디지털 컴퓨터 음악이 개척되고 라이브 일렉트로닉스의 혁신이 일어났으며 일본의 전자 악기가 음악 산업에 영향을 미치기 시작했다.1970년대 초, Moog 신시사이저와 일본의 드럼 기계는 합성 전자 음악의 대중화를 도왔다.1970년대는 디스코, 크라우트록, 뉴웨이브, 신스팝, 힙합, EDM 등의 장르의 등장으로 전자음악이 대중음악에 큰 영향을 미치기 시작했다.1980년대 초 야마하 DX7과 같은 디지털 신시사이저가 보급되어 MIDI(Musical Instrument Digital Interface)가 개발되었습니다.같은 10년 동안 신시사이저에 대한 의존도가 높아지고 프로그램 가능한 드럼 머신의 채택으로 전자 대중음악이 주목을 받게 되었다.1990년대에 점점 더 저렴한 음악 기술의 확산과 함께, 전자 음악 생산은 대중 [4]문화의 확립된 부분이 되었다.현대 일렉트로닉 음악은 실험적인 예술 음악에서부터 일렉트로닉 댄스 음악 같은 인기 있는 형태에 이르기까지 다양합니다.팝 일렉트로닉 음악은 틈새 [5]시장에서 인기를 끌었던 이전 형태보다 4/4 형태에서 가장 인지도가 높고 주류와 더 연결되어 있다.

기원 : 19세기 후반~20세기 초반

1907년 사이언티픽 아메리칸 1면, 텔하모늄의 크기, 작동 및 인기를 실증.

20세기 초에 새로운 전자제품으로 실험하면서 최초의 전자악기가 [6]탄생했다.이러한 초기 발명품들은 판매되지 않고 대신 데모와 공공 공연에서 사용되었다.관객들은 [7]악기에 대한 새로운 작곡 대신 기존 음악의 복제품을 제공받았다.어떤 것들은 참신하고 단순한 음색을 내는 반면, 텔하모늄은 여러 관현악기의 소리를 합리적인 정밀도로 합성했다.그것은 대중의 관심을 끌었고 전화망을 [8]통한 음악 스트리밍으로 상업적으로 발전했다.

당시 음악 관습에 대한 비평가들은 이러한 발전에서 가능성을 보았다.Ferruccio Busoni는 전자 악기가 허용하는 마이크로톤 음악의 구성을 장려했습니다.그는 영향력 있는 Sketch of a New Estemetic of Music (1907)[9][10]을 쓰면서 미래 음악에서 기계의 사용을 예측했다.프란체스코 발리야 프라텔라와 루이지 루솔로 같은 미래학자들은 기계 소리를 떠올리기 위해 음향 소음으로 음악을 작곡하기 시작했다.그들은 영향력 있는 성명서 The Art of Noise (1913)[11][12]에서 전자제품에 의해 허용된 음색의 확장을 예측했다.

초기 구성

1927년에 테레민을 시연하는 레온 테레민

진공관의 발달로 인해 더 작고, 증폭되고,[13] 성능을 위해 더 실용적인 전자 계측기가 탄생했습니다.특히 테르민, 온데스 마르테노, 트라우토늄은 1930년대 [14][15]초에 상업적으로 생산되었다.

1920년대 후반부터 전자악기의 실용성이 높아지면서 조지프 실링거와 같은 작곡가들이 전자악기를 채택하게 되었다.그것들은 전형적으로 오케스트라 내에서 사용되었고, 대부분의 작곡가들은 [14]현악기로 연주될 수 있는 테르민을 위한 부분을 썼다.

아방가르드 작곡가들은 전통적인 목적으로 전자악기를 사용하는 [14]것을 비판했습니다.이 악기는 찰스 이브, 디미트리오스 레비디스, 올리비에 메시앙,[17][18][19] 그리고 에드가르드 바레즈와 같은 마이크로톤 음악의 옹호자들에 의해 이용된 음높이[16] 자원의 확장을 제공했다.게다가, 퍼시 그레인저는 고정 톤을 완전히 [20]포기하기 위해 테르민을 사용한 반면, 가브리일 포포브와 같은 러시아 작곡가들은 그것을 다른 음향 소음 [21]음악에서 소음의 원천으로 취급했다.

실험 기록

초기 녹음 기술의 발달은 전자 악기의 발달과 비슷했다.음성을 녹음하고 재생하는 최초의 수단은 19세기 말에 기계 [22]축음기로 발명되었다.레코드 플레이어는 일반적인 가정용품이 되었고 1920년대에 작곡가들은 연주에서 [23]짧은 음반을 연주하기 위해 그것들을 사용했다.

1925년 전기 레코딩의 도입에 뒤이어 레코드 플레이어에 대한 실험이 증가했다.1930년 폴 힌데미스와 에른스트 토흐는 조정된 속도로 악기와 보컬의 녹음을 적층하여 여러 곡을 작곡했다.이러한 기술의 영향을 받은 존 케이지가 1939년 녹음된 [24]음색의 속도를 조절하여 상상 속의 풍경 1번을 작곡했다.

동시에 작곡가들은 새롭게 개발된 사운드 온 필름 기술로 실험을 시작했다.Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Philippo Tomaso Marinetti, Walter Ruttmann 및 Dziga Vertov의 녹음과 같은 사운드 콜라주를 만들기 위해 함께 결합할 수 있습니다.게다가, 그 기술은 소리를 그래픽으로 만들고 수정할 수 있게 했다.이 기술들은 유명한 Dr. 외에 독일과 러시아의 몇몇 영화들의 사운드트랙을 작곡하는데 사용되었다. 미국에 있는 지킬과 하이드 씨.1930년대 [25]후반부터 Norman McLaren에 의해 그래픽 사운드에 대한 실험이 계속되었다.

개발: 1940~1950년대

전기 음향 테이프 음악

상세 정보:전기 음향 음악 및 녹음 및 재생

최초의 실용적인 오디오 테이프 레코더는 [26]1935년에 공개되었습니다.AC 바이어스 기술을 사용하여 기술이 개선되었으며, [27][28]기록 충실도가 크게 향상되었습니다.1942년 초, 테스트 [29]녹음이 스테레오로 만들어지고 있었다.이러한 개발은 처음에는 독일에만 국한되었지만, 녹음기와 테이프는 [30]제2차 세계대전이 끝난 후 미국으로 반입되었다.이것들은 1948년에 [31]상업적으로 생산된 최초의 테이프 레코더의 기초가 되었다.

작곡 목적으로 자기 테이프를 사용하기 전인 1944년 이집트 작곡가 할림 엘 다브는 카이로에서 아직 학생이었을 때 고대 자르의식의 소리를 녹음하기 위해 거추장스러운 와이어 레코더를 사용했다.중동 라디오 스튜디오의 설비를 사용하여 반향, 에코, 전압 제어 및 재녹음을 사용하여 녹음된 자료를 처리했습니다.그 결과는 최초의 테이프 음악 [32]작곡으로 여겨진다.그 결과 나온 작품은 The Expression of Zaar라는 제목으로 1944년 카이로의 한 미술관 행사에서 전시되었다.테이프 기반 작곡에 대한 그의 초기 실험은 이집트 밖에서는 널리 알려지지 않았지만, 엘-다브는 [33]1950년대 후반 콜롬비아 프린스턴 전자 음악 센터에서 전자 음악에 대한 그의 후기 작업으로도 알려져 있다.

콩크르테

주요 기사:콩크르테
다음 항목도 참조하십시오.아쿠아매틱스 음악
Phonogen(1953)은 GRMC의 Pierre Schaeffer 등에 의해 개발된 사운드 구조를 수정하기 위한 테이프 기계이다.
GRM에서 80개의 테이프 재생용 확성기로 구성된 Acousmonium(1974년)을 발표하는 피에르 쉐퍼 씨

1940년대 초 Radiodiffusion Francaise에서 Studio d'Essai와 함께 작업한 후, Pierre Schaeffer는 음악 콩클레르의 이론과 실천을 창안한 것으로 인정받고 있습니다.1940년대 후반, 셸락 레코드 플레이어를 사용한 사운드 기반 작곡 실험이 셰퍼에 의해 처음 수행되었다.1950년, 자기 테이프 기계가 속도 변화(피치 시프트)와 테이프 [34][35]스플라이싱과 같은 소리 조작 관행을 탐구하기 위해 사용되면서 뮤지크 콘크리트의 기술이 확장되었다.

1948년 10월 5일, RDF는 셰퍼의 에뛰드 보조 셰민스를 방송했다.이것은 Cinq études de bruits의 첫 번째 "운동"이었고, 스튜디오[36] 실현과 음악 콩크레트(또는 악랄한 예술)의 시작을 알렸다.Shaeffer는 디스크 절단 선반, 4개의 턴테이블, 4채널 믹서, 필터, 에코 챔버 및 이동식 기록 장치를 사용했습니다.그 후 얼마 지나지 않아 피에르 앙리는 셰퍼와 협력하기 시작했는데, 셰퍼는 일렉트로닉 음악의 방향에 심오하고 지속적인 영향을 미칠 것이다.셰퍼의 또 다른 동료인 에드가드 바레스는 실내악단과 테이프를 위한 작품인 데제르트에 대한 작업을 시작했다.테이프 부분은 Pierre Schaeffer의 스튜디오에서 만들어졌고 나중에 콜롬비아 대학에서 수정되었다.

1950년, 쉐퍼는 파리의 에콜 노르말 드 뮤지크에서 첫 대중음악회(비방송)를 열었다."셰퍼는 PA 시스템, 여러 턴테이블 및 믹서를 사용했습니다.같은 [37]해 피에르 앙리는 셰퍼와 함께 음악 콘크리트 최초의 대표작인 심포니 푸룬 옴므 슬(1950년)을 협연했다.1951년 파리에서 RTF는 중요한 세계적인 트렌드가 되었고, 전자음악 제작을 위한 최초의 스튜디오를 설립하였다.또한 1951년에 셰퍼와 헨리는 구체적인 소리와 목소리를 위한 오페라 오르페우스를 제작했다.

1951년까지 셰퍼, 작곡가 겸 타악기 연주자 피에르 앙리, 음향 엔지니어 자크 푸앵의 작품은 공식적인 인정을 받았고 The Grope de Recherches de Musique Concréte, Club d 'd la Radiodiffusion-Télévision Franceeze'는 ORTF의 조상인 RTF에 설립되었습니다.

엘렉트로니슈 뮤식

1991년 쾰른 WDR 일렉트로닉 뮤직 스튜디오의 Karlheinz Stockhausen씨

Karlheinz Stockhausen은 1952년에 Shaeffer의 스튜디오에서 잠시 일했고, 그 후 수년 동안 WDR 쾰른의 Electronic Music 스튜디오에서 일했다.

1954년에는 조작되거나 전자적으로 생성된 음성의 녹음에 의해 증강/보완되는 진정한 전기 및 음향 구성이라고 할 수 있는 것이 등장했습니다.그 해에 3개의 주요 작품이 초연되었다: 실내 앙상블과 테이프 사운드를 위한 Varése의 Déserts와 Otto Luening과 Vladimir Usachevsky의 두 작품:루이빌 교향곡을 위한 랩소드 변주곡과 사이클과 벨의 시, 오케스트라와 테이프 모두.그는 셰퍼의 스튜디오에서 일해왔기 때문에 베리즈 작품의 테이프 부분은 전자보다 훨씬 더 구체적인 소리를 포함하고 있다.관악기, 타악기, 피아노로 구성된 그룹이 두 개의 [39]확성기에서 들려오는 공장 소음과 배의 사이렌과 모터의 돌연변이와 함께 번갈아 들려온다.

브루노 마데르나가 지휘한 독일 함부르크에서 열린 데저츠 초연에서 테이프 컨트롤은 카를하인츠 스톡하우젠이 [39]맡았다.Déserts라는 제목은 Varése에게 "모든 물리적 사막(모래, 바다, 눈, 우주 공간, 텅 빈 거리)뿐만 아니라 인간의 마음 속에 있는 사막들, 즉 허망함, 초연함, 시대를 초월한 자연의 벗겨진 측면들뿐만 아니라 멀리 떨어진 내부 공간, 인간이 혼자 있는 곳, 나의 세계"을 제안했습니다.명랑하고 본질적인 외로움"[40]

세계에서 가장 유명한 일렉트로닉 뮤직 스튜디오가 될 쾰른에서는 1950년부터 기획 단계에 있었고 [41]1951년에 초기 작곡이 만들어져 방송되었지만 1953년에 NWDR의 라디오 스튜디오에 공식적으로 문을 열었다.베르너 마이어-에플러, 로버트 베이어, 그리고 헤르베르트 에이메르트의 아이디어로, 곧 칼하인츠 스톡하우젠과 고트프리드 미하엘 코에니그가 스튜디오에 합류했다.1949년 논문 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler는 전자적으로 생성된 신호로부터 음악을 합성하는 아이디어를 구상했다. 이렇게 해서, Elektronische Musike는 음향 [42][43]소스에서 녹음된 소리를 사용한 프랑스 음악 콩크레트와 확연히 차별화되었다.

1953년, 스톡하우젠은 그의 스터디 I을 작곡했고 1954년 악보로 출판된 최초의 전자 작품인 Electronische Studie II가 그 뒤를 이었다.1955년에 더 실험적이고 전자적인 스튜디오가 등장하기 시작했다.주목할 만한 것은 마유즈미 도시로가 설립한 도쿄 NHK의 스튜디오인 'Studio di fonologia musicale di Radio Milano'와 1960년 위트레흐트 대학으로 옮긴 네덜란드 아인트호벤의 필립스 스튜디오가 탄생한 것이다.

"스톡하우젠과 마우리시오 카겔이 거주하면서,[44] 그곳은 전자적으로 생성된 소리와 비교적 전통적인 오케스트라를 결합한 카리스마 넘치는 아반떼 가든즘의 산지가 되었습니다." Mixtur(1964년)와 Dritte Region Mit Orchestrster(1967년)[45]에서.스톡하우젠은 청취자들이 자신의 전자음악이 그들에게 "외부 공간", "비행감각" 또는 "환상의 꿈의 세계"[46]에 있는 경험을 주었다고 말했다.최근 슈톡하우젠은 쿠르텐에 있는 자신의 스튜디오에서 일렉트로닉 음악을 제작하기 시작했고, 매체의 마지막 작품은 코스믹 펄스(2007)였다.

일본 전자 음악

야마하 마그나 오르간과 지정 톤 캐비닛(1935년)[47]

일본 최초의 전자악기 그룹인 야마하 마그나 오르간은 [47]1935년에 만들어졌다.그러나 2차 세계대전 이후 시바타 미나오와 같은 일본 작곡가들은 전자악기의 발달에 대해 알고 있었다.1940년대 후반, 일본 작곡가들은 전자음악을 실험하기 시작했고, 기관의 협찬으로 그들은 첨단 장비를 실험할 수 있었다.그들이 아시아 음악을 신흥 장르에 주입하는 것은 결국 수십 년 [48]후 음악 기술의 발전에서 일본의 인기를 뒷받침할 것이다.

1946년 전자회사 소니의 설립에 이어 작곡가 토루 타케미쓰와 미나오 시바타는 독자적으로 음악 제작에 전자 기술의 [49]사용 가능성을 조사했다.타케미츠는 자신이 몰랐던 콩크레트와 비슷한 아이디어를 가지고 있었고, 시바타는 신시사이저의 발전을 예견하며 [50]음악의 급격한 변화를 예견했다.소니는 정부와 공공용으로 [48][51]인기 있는 자기 테이프 레코더를 생산하기 시작했다.

1950년에 설립된 아방가르드 집단 직켄 코보(Experimental Workshop)는 소니에 의해 새로운 오디오 기술에 대한 접근을 제공받았다.동사는, 전자 테이프 [52]음악의 작곡과 퍼포먼스로 테이프 레코더를 시연하기 위해서, 타케미츠 토루를 고용했다.그룹 최초의 전자 테이프 곡은 1951년 [53]아키야마 쿠니하루(秋山i一)가 작곡한 「Toraware no Onna」와「Piece B」이다.그들이 제작한 많은 전기 음향 테이프 작품들은 라디오, 영화, 연극의 부수적인 음악으로 사용되었다.그들은 또한 녹음된 사운드트랙과 [54]동기화된 슬라이드 쇼를 사용하여 콘서트를 열었다.아쿠타가와 야스시, 토미나가 사부로, 후카이 시로 등 직켄 고보 이외의 작곡가들도 1952년부터 [51]1953년까지 라디오폰 테이프 음악을 실험하고 있었다.

피에르 쉐퍼 콘서트의 영향을 받은 마유즈미 토시로에 의해 일본에 콩크레가 소개되었다.1952년부터 그는 코미디 영화, 라디오 방송, 라디오 드라마를 [53][55]위한 테이프 음악을 작곡했다.그러나 인간 [56]연주의 한계를 극복하는 데 주로 관심이 있었던 일본 작곡가들 사이에서 샤퍼의 음향 객체 개념은 영향을 미치지 않았다.이로 인해 몇몇 일본 전기음향 음악가들은 이리노 요시로의 1951년 도데카포닉 곡 "협주곡"[55]에서 볼 수 있듯이 연속성과 [56]12음 기법을 마유즈미의 "X, Y, Z for Musique Concréte"에서 전자음을 구성하였고, 이후 1956년 [57]샤타 일렉트로닉에서 전자음을 사용했다.

NHK는 1955년 쾰른의 NWDR 스튜디오를 모델로 도쿄에 일렉트로닉 뮤직 스튜디오를 설립해 세계 유수의 일렉트로닉 뮤직 시설 중 하나가 됐다.NHK 스튜디오에는 음색 발생 및 오디오 처리 장치, 녹음 및 무선 전화 장치, 온데스 마르테노, 모노코드, 멜로코드, 사인파 발진기, 테이프 레코더, 링 변조기, 밴드 패스 필터, 4채널과 8채널 믹서 등의 기술이 갖추어져 있었다.이 스튜디오와 관련된 뮤지션에는 마유즈미 토시로, 시바타 미나오, 유아사 죠지, 이치야나기 토시, 타케미츠 토루가 있었다.1955년 마유즈미의 5분짜리 작품 '스튜디 I: 소수의 비율에 의한 사인파 음악', '소수의 비율에 의한 변조파 음악', '스퀘어파 및 톱니파의 발명' 등 다양한 음색을 이용한 전자 작곡이 완성되었다.이바타의 20분짜리 스테레오곡 '입체방송용 콩크레트'[58][59]

미국 전자 음악

미국에서는 1939년 존 케이지가 두 개의 가변속 턴테이블, 주파수 녹음, 음소거 피아노, 심벌을 사용하여 상상 속의 풍경 1번을 출판했을 때 전자음악이 만들어졌지만 전자음악의 제작수단은 없었다.케이지는 1942년부터 1952년 사이에 타악기 합주용으로 5곡의 '상상의 풍경'을 더 작곡했는데, 4번은 12개의 라디오를 위한 것이고 5번은 1952년에 쓰여진 42개의 녹음을 사용하여 자기 테이프로 구현될 것이다.오토 루닝에 따르면 케이지 씨는 1954년 도나우싱겐에서 [clarification needed]8개의 확성기를 사용해 윌리엄 믹스를 공연하기도 했다.Williams Mix는 Donaueschingen Festival에서 성공을 거두어 "강력한 인상"[60]을 남겼다.

Music for Magnetic Tape Project는 뉴욕 학교의 멤버들에 의해 결성되었고 1954년까지 [61]3년간 지속되었다.케이지는 이 협업에 대해 썼다: "따라서, 이 사회의 어둠 속에서, 얼 브라운, 모튼 펠드먼, 그리고 크리스찬 울프의 작품은 계속해서 빛나는 빛을 보여주고 있다. 왜냐하면 기보법, 공연, 그리고 오디션의 여러 지점에서,[62] 액션은 도발적이기 때문이다."

Cage는 Music for Magnetic Tape [63]Project와 함께 일하면서 1953년에 Williams Mix를 완성했다.이 그룹은 영구적인 시설이 없었고 루이스와 베베 바론의 스튜디오를 포함한 상업적인 사운드 스튜디오에서 빌린 시간에 의존해야 했다.

컬럼비아 프린스턴 센터

상세 정보:컬럼비아 프린스턴 일렉트로닉 뮤직 센터
참고 항목: Vladimir Usachevsky 및 RCA Mark II 사운드 신시사이저

같은 해 컬럼비아 대학교는 콘서트를 녹음하기 위해 최초의 테이프 레코더인 전문 앰펙스 기계를 구입했습니다.콜롬비아 대학의 음악 교수였던 블라디미르 우사체프스키가 이 장치를 담당하게 되었고, 거의 즉시 이 장치를 실험하기 시작했다.

허버트 러스콜은 이렇게 쓰고 있다.곧 그는 악기를 녹음하고 그것을 [64]서로 겹쳐 사용함으로써 얻을 수 있는 새로운 음성에 흥미를 느꼈다.우사체프스키는 나중에 "테이프 레코더가 소리 변환의 도구로 [64]취급될 수 있다는 것을 문득 깨달았다"고 말했다.1952년 5월 8일 목요일, 우사체프스키는 콜롬비아 대학의 맥밀린 극장에서 열린 작곡가 포럼에서 자신이 만든 테이프 음악/효과에 대한 몇 가지 시연회를 열었다.여기에는 전치, 잔향, 실험, 구성, 수중 발세가 포함됩니다.인터뷰에서 그는 이렇게 말했다: "나는 뉴욕의 공개 콘서트에서 내가 전통 악기를 위해 [64]썼던 다른 작곡과 함께 나의 발견의 몇 가지 예를 제시했다."이 콘서트에 참석한 오토 루닝은 다음과 같이 말했습니다. "그가 마음대로 사용할 수 있는 장비는 암펙스 테이프 레코더...와 뛰어난 젊은 엔지니어 피터 모제이가 디자인한 단순한 상자 같은 장치로 구성되어 있어 기계적 반향의 한 형태인 피드백을 만들어 냅니다.다른 장비는 개인 [65]자금으로 빌렸거나 구입했습니다."

불과 3개월 뒤인 1952년 8월, 우사체프스키는 루닝의 초청으로 버몬트주 베닝턴으로 여행을 떠났다.그곳에서 두 사람은 다양한 작품을 공동 작업했다.루닝은 이 행사에 대해 다음과 같이 설명했다. 이어폰과 플루트를 장착한 나는 나의 첫 테이프 레코더 작곡을 개발하기 시작했다.둘 다 유창한 즉흥 연주자였고, 미디어는 우리의 [65]상상력을 자극했습니다.그들은 파티에서 비공식적으로 초기 곡들을 연주했는데, "많은 작곡가들이 거의 엄숙하게 '이것이 바로 미래 음악이다'라고 말하며 축하했다."[65]

그 소식은 뉴욕시에 빠르게 전해졌다.올리버 대니얼은 전화를 걸어 뉴욕 현대미술관에서 레오폴드 스토코프스키의 지휘 아래 미국 작곡가 협회와 브로드캐스트 뮤직사가 후원하는 10월 콘서트를 위한 단편 작곡 그룹을 제작해 달라고 두 사람을 초대했다.망설임 끝에 우리는 동의했다... 헨리 코웰은 뉴욕 우드스톡에 있는 그의 집과 스튜디오를 우리 마음대로 사용할 수 있도록 했다.빌린 장비를 우샤체프스키의 차 뒷좌석에 싣고 우리는 베닝턴을 떠나 우드스톡으로 2주 동안 머물렀다.… 1952년 9월 말, 여행 중인 실험실은 뉴욕에 있는 우샤체프스키의 거실에 도착했고,[65] 그곳에서 우리는 결국 작곡을 완성했다."

두 달 뒤인 10월 28일 블라디미르 우사체프스키와 오토 루닝은 미국에서 첫 테이프 뮤직 콘서트를 열었다.이 콘서트에는 플루트의 조작된 녹음을 사용한 "인상적인 거장"[65]인 루닝의 판타지 인 스페이스 (1952)와 "플루트를 자연 [65]음역보다 훨씬 낮게 만든 독특한 작곡"인 저속 (1952)이 포함되었다.두 작품 모두 뉴욕 우드스톡에 있는 헨리 코웰의 집에서 만들어졌다.뉴욕에서 몇 번의 콘서트가 센세이션을 일으킨 후, Usachevsky와 Luening은 NBC의 Today Show의 생방송에 초대되어 첫 텔레비전 전기 음향 공연인 인터뷰 시연에 참여했습니다.루닝은 이 사건에 대해 다음과 같이 설명했다. "나는 테이프 레코더를 위해 즉석에서 몇 개의 [플루트]시퀀스를 만들었다.Usachevsky는 거기서 그들을 [66]전자변환시켰다."

루이와 베베 [67]배런이 1956년에 작곡한 자금성 악보는 전적으로 맞춤형 전자 회로와 테이프 레코더를 사용하여 구성되었습니다(그러나 현대적 [clarification needed]의미의 신시사이저는 없습니다).

호주.

멜버른 박물관에 전시된 호주 최초의 디지털 컴퓨터 CSIRAC

세계 최초로 음악을 재생한 컴퓨터는 CSIRAC로, Trevor Pearcey와 Maston Beard가 디자인하고 만들었다.수학자 Geoff Hill은 CSIRAC를 매우 이른 1950년대부터 인기 있는 음악 멜로디를 연주하도록 프로그래밍했다.1951년에는 Colonel Vogy March를 공개적으로 연주했는데, 그 중 알려진 녹음은 없고 정확한 재구성만 [68]존재한다.그러나 CSIRAC은 표준 레퍼토리를 연주했고 음악적 사고나 작곡 연습을 확장하기 위해 사용되지 않았다.CSIRAC은 녹음되지 않았지만 연주된 음악은 정확하게 재구성되었다.컴퓨터로 만들어진 음악의 가장 오래된 녹음은 1951년 [69]가을 맨체스터 대학의 베이비 머신의 상업 버전인 페란티 마크 1 컴퓨터에 의해 재생되었다.그 음악 프로그램은 크리스토퍼 스트레이시에 의해 쓰여졌다.

1950년대 중후반

컴퓨터의 영향은 1956년에도 계속되었다.Lejaren Hiller와 Leonard Isaacson은 현악 4중주를 위해 Illiac Suite를 작곡했는데, 이것은 알고리즘 구성을 사용한 컴퓨터 보조 작곡의 첫 번째 완결 작품입니다.Hiller는 컴퓨터가 특정 스타일의 규칙을 배울 수 있다고 가정하고 그에 [70]따라 작곡을 할 것을 요구했습니다.이후 개발에는 벨 연구소의 Max Mathews의 작업이 포함되었는데, 그는 1957년에 전자 음악을 재생하는 최초의 컴퓨터 프로그램 중 하나인 영향력 있는 MUSIC I 프로그램을 개발했다.보코더 기술 또한 이 초기 시대의 큰 발전이었다.1956년 슈톡하우젠은 다니엘서의 원문을 바탕으로 쾰른 스튜디오의 첫 번째 주요 작품인 Gesang der Jünglinge를 작곡했다.그 해의 중요한 기술적 발전은 Raymond Scott과 Robert Moog의 서브어셈블리에 의한 Clavivox 신시사이저의 발명이었다.

1957년,[71] 키드 발탄과 톰 디세벨트는 네덜란드의 필립스 스튜디오에서 그들의 데뷔 앨범인 Song Of The Second Moon을 발매했다.1958년 브뤼셀 세계 박람회 필립스 파빌리온에서 400개가 넘는 확성기가 연주된 Varése의 Poéme electronique를 포함함으로써 추측할 수 있듯이, 대중은 전 세계에서 만들어지고 있는 새로운 소리에 여전히 관심을 가지고 있었다.같은 해 아르헨티나 작곡가 마우리시오 카겔이 트랜스시온 2세를 작곡했다.이 작업은 쾰른의 WDR 스튜디오에서 실현되었습니다.두 명의 음악가가 피아노를 연주했는데, 한 명은 전통적인 방식으로 연주했고, 다른 한 명은 현악기, 액자, 그리고 케이스로 연주했습니다.다른 두 명의 연주자는 테이프를 사용하여 라이브 사운드의 프레젠테이션을 나중에 미리 녹음된 소재의 미래와 공연 초기에 녹음된 과거의 녹음과 통합했습니다.

RCA Mark II 사운드 신시사이저

1958년 컬럼비아 프린스턴은 최초의 프로그램 가능한 신시사이저인 [72]RCA Mark II 사운드 신시사이저를 개발했습니다.Vladimir Usachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El-Dabh, Bülent Arel, Mario Davidovsky와 같은 저명한 작곡가들은 다양한 [73]작곡에서 RCA 신시사이저를 광범위하게 사용했다.1944,[32]에 더 Leiyla과 시인, 전자 구성은 몰입 교육과 전자 의 이음매 없는 융합한 이유는 1959년 시리즈로 유명해 졌다 가장 오래된 것으로 알려진 전기 테이프 음악을 현상하고 있은 후 어느 가장 영향력 있는 작곡가들은 스튜디오의 초기와 관련된 이집트의 할림 El-Dabh who,[74].dfolk 음악은, 배빗과 같은 그 시대의 연속 작곡가들이 사용한 보다 수학적인 접근법과는 대조적이다.1961년 앨범 컬럼비아 프린스턴 일렉트로닉 뮤직 센터의 일부로 발매된 엘다브의 레이일라와 시인은 닐 롤닉, 찰스 아미르카니안, 앨리스 쉴즈부터 록 뮤지션 프랭크 자파, 웨스트 코스트 [75]팝 아트까지 많은 음악가들에 의해 강력한 영향을 받았다.

GRMC(Grope de Recherche de Musique Concréte) 내의 이견의 출현에 따라, Pierre Henry, Philippe Arthuys 및 그 동료 몇 명이 1958년 4월에 사임했습니다.셰퍼는 GRM(Groupe de Recherches Musicales)이라는 새로운 컬렉션을 만들고 뤽 페라리, 베아트리즈 페레이라, 프랑수아 베르나르 마슈, 이안니스 제나키스, 베르나르 파르메기아니, 미릴 샤마스키루 등 새로운 멤버를 영입하기 시작했다.나중에 도착한 사람들은 이보 말렉, 필립 카슨, 로무알드 반델, 에가르도 칸톤, 프랑수아 [76]베일이었다.

확장: 1960년대

다음 항목도 참조하십시오.신시사이저, Harald Bode, 모듈러 신시사이저, Buckla, Moog Music

신시사이저 기술의 접근성이 높아짐에 따라 학계뿐만 아니라 독립 아티스트에게도 전자 음악이 풍요로운 시기였습니다.이 무렵에는 새로운 소리와 악기로 작업하는 작곡가들과 음악가들로 이루어진 강력한 공동체가 설립되고 성장하였다.1960년에는 루닝의 바이올린과 테이프용 가르고일 작곡과 전자음향, 피아노, 타악기용 스톡하우젠의 콘탁테 초연을 목격했다.이 작품은 4채널 테이프용과 연주자가 있는 테이프용 두 가지 버전으로 구성되어 있습니다."콘탁테에서 스톡하우젠은 직선적 전개와 극적인 절정에 기초한 전통적인 음악 형식을 버렸습니다.그가 '순간의 형태'라고 부른 이 새로운 접근법은 20세기 [77]초 영화의 '시네마틱 스플라이스' 기법과 유사합니다."

테르민은 1920년대부터 사용되었지만 1950년대 공상과학 영화 사운드트랙 음악에서 사용함으로써 어느 정도 대중적 인지도를 얻었다.[78]

이 시기 영국에서는 BBC의 공상과학 시리즈 닥터 후에서의 작업 덕분에 1958년에 설립된 BBC 라디오폰 워크샵이 유명해졌다.이 시기에[79] 가장 영향력 있는 영국 전자 아티스트 중 한 명은 워크샵 직원 Delia Derbyshire로, 현재 론 그레인저가 작곡한 상징적인 닥터 후 테마를 전자적으로 구현한 것으로 유명하다.

이스라엘 작곡가 요제프 탈로 예루살렘 일렉트로닉 뮤직 스튜디오(1965년경)에서 휴 르 케인의 크리에이티브 테이프 레코더(사운드 신시사이저)로 '멀티 트랙'으로 불린다.

유네스코 일렉트로닉 음악 연구 펠로우쉽 기간(1958) 동안 요제프 탈은 미국과 [80]캐나다로 유학 여행을 떠났다.그는 유네스코에 [81]제출한 두 개의 기사로 자신의 결론을 요약했다.1961년 그는 예루살렘 히브리 대학에 이스라엘 전자 음악 센터를 설립했습니다.1962년,[82] Hugh Le Caine은 센터에 그의 크리에이티브 테이프 레코더를 설치하기 위해 예루살렘에 도착했다.1990년대에 Tal은 Dr.와 함께 지휘했다.Shlomo Markel은 테크니온 이스라엘 공과대학 및 폭스바겐 재단(Talmark)과 협력하여 일렉트로닉 [83]음악의 새로운 악보 시스템 개발을 목표로 한 연구 프로젝트('Talmark')를 실시했습니다.

밀턴 배빗은 콜롬비아 프린스턴 전자 음악 센터의 RCA 신시사이저를 사용하여 만든 신시사이저를 사용하여 그의 첫 전자 작품을 작곡했습니다.

바빗에게 RCA 신시사이저는 세 가지 이유로 실현된 꿈이었다.첫째, 모든 음악적 요소를 정확하게 파악하고 제어하는 능력입니다.둘째, 그의 정교한 연재 구조를 깨닫는 데 필요한 시간이 실제적인 범위로 다가왔다.셋째, "인간 연주자의 한계는 무엇인가?"가 아니라 "인간 청력의 한계는 무엇인가?"가 문제였다.[84]

그 협력은 또한 바다와 대륙을 가로질러 일어났다.1961년, Usachevsky는 Varése를 Columbia-Princeton Studio(CPEMC)에 초대했다.도착하자마자 바레즈는 데세르트의 수정 작업에 착수했다.그는 마리오 다비도프스키와 뮐렌트 [85]아렐의 도움을 받았다.

CPEMC와 다른 곳에서 일어난 격렬한 활동은 1963년 Morton Subotnick에 의해 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터를 설립하는 데 영감을 주었습니다. 그리고 추가적인 멤버 Pauline Oliveros, Ramon Sender, Anthony Martin 및 Terry [86]Riley가 있습니다.

그 후, 센터는 폴린 올리버로스가 지휘하는 밀스 칼리지로 이전했는데, 그곳은 오늘날 현대 음악의 [87]센터로 알려져 있다.

샌프란시스코에서 동시에 작곡가 스탠 샤프와 장비 디자이너 더그 맥허른은 샌프란시스코 주립 대학에서 첫 번째 "오디움" 콘서트를 선보였고, 그 후 샌프란시스코 현대 미술관에서 작업한 (1963년)은 시간적으로 생각되어 우주에서의 소리의 움직임을 통제했다.12개의 스피커가 청중들을 에워쌌고,[88] 4개의 스피커가 회전하는 모바일 구조 위에 설치되었다.이듬해(1964년) SFMOMA 공연에서 샌프란시스코 크로니클 음악 평론가 알프레드 프랑켄슈타인은 "우주-음향 연속체의 가능성은 그렇게 광범위하게 탐구된 적이 거의 없다"[88]고 말했다.1967년, "음향-공간 연속체"인 첫 번째 오디오움이 열렸고 1970년까지 매주 공연을 열었다.1975년 국립예술기금의 종자금으로 가능해진 새로운 Audium은 공간 음향 구성과 [89]퍼포먼스를 위해 바닥에서 천장까지 설계되었다.반면 연주공간 내 여러 위치에 여러 스피커를 배치해 음원을 전환하거나 이동시키는 방식으로 음공간을 조작한 작곡가가 있습니다.이 접근법에서 공간 조작의 구성은 스피커의 위치에 따라 달라지며 일반적으로 인클로저의 음향 특성을 이용한다.예를 들어 바레스의 포에 일렉트로닉(1958년 브뤼셀 세계박람회 필립스관에서 연주된 테이프 음악), 현재 샌프란시스코에서 [90]활동 중인 스탠리 샤프의 [sic]오디움 설치 등이 있습니다.주간 프로그램(40년 동안 4,500개 이상)을 통해 샤프는 176개의 [91]스피커를 통해 디지털화된 공간 작업을 라이브로 수행하며 소리를 "삭제"합니다.

모그의 풀사이즈 모그 모듈러 신시사이저를 사용한 잘 알려진 예는 1968년 웬디 카를로스의 Switched-On Bach 앨범으로 신시사이저 음악 열풍을 일으켰다.

1969년 David Tudor는 Sarabhai 가족의 지원으로 Moog 모듈러 신시사이저와 Ampex 테이프 머신을 Ahmedabad에 있는 국립 디자인 연구소에 인도 최초의 전자 음악 스튜디오의 기반을 형성했습니다.작곡가 진라즈 조시푸라, 기타 사라바이, SC 샤르마, IS 마투르, 아툴 데사이 등이 1969년부터 1973년까지[92] 실험적인 사운드 작곡을 개발했다.

Moog 모듈러 신시사이저와 함께, 이 시기의 다른 제조사에는 ARP와 Buckla가 있었다.

피에트로 그로시는 60년대 초에 처음으로 전자 기술을 실험한 이탈리아 컴퓨터 작곡과 테이프 음악의 선구자였다.그로시는 1917년 베니스에서 태어난 첼리스트이자 작곡가이다.그는 1963년 전자음향과 작곡을 실험하기 위해 S 2F M(Studio de Fonologia Musicale di Firenze)을 설립했다.

컴퓨터 음악

주요 기사:컴퓨터 음악
다음 항목도 참조하십시오.Music-N 및 알고리즘 구성

음악 멜로디는 1950년 호주의 컴퓨터 CSIRAC에 의해 처음 만들어졌다.미국과 영국(초기와 최근)에서 컴퓨터가 음악을 더 일찍 재생했을 수 있다는 신문 보도가 있었지만, 신문 보도를 뒷받침할 증거가 없기 때문에 철저한 조사로 이러한 이야기가 밝혀졌습니다(그 중 일부는 명백히 추측적이었습니다.연구 결과에 따르면, 사람들은 컴퓨터가 음악을 재생하는 것에 대해 추측을 했지만,[93] 컴퓨터가 실제로 음악을 [94][95]재생했다는 증거는 없다.

세계 최초의 음악 재생 컴퓨터는 CSIRAC로, 1950년대에 Trevor Pearcey와 Maston Beard가 설계하고 만들었다.수학자 Geoff Hill은 CSIRAC를 매우 이른 1950년대부터 인기 있는 음악 멜로디를 연주하도록 프로그래밍했다.1951년에는 알려진 레코드가 없는 "대령 보기 행진곡"[96]을 공개적으로 연주했다.그러나 CSIRAC은 표준 레퍼토리를 연주했고 현재의 컴퓨터 음악 연습인 음악적 사고나 작곡 연습을 확장하는 데 사용되지 않았다.

영국에서 처음 연주된 음악은 1951년 말 크리스토퍼 스트레이시가 페란티 마크 1호에 프로그래밍한 영국 국가 연주였다.그 해 말, BBC 사외 방송국에 의해 3곡의 짧은 발췌가 녹음되었고, 이는 음악을 재생하는 최초의 컴퓨터 녹음으로 인정받고 있다.이 녹음은 이 맨체스터 대학 사이트에서 들을 수 있다.크라이스트처치 캔터베리대 연구진은 2016년 이 녹음을 삭제해 복원했으며 그 결과는 사운드클라우드에서 [97][98][69]들을 수 있을 것이다.

1950년대 후반, 1960년대 및 1970년대에도 대형 메인프레임 컴퓨터 통합이 발달했습니다.1957년부터 Bell Labs의 Max Mathews는 직접 디지털 합성 언어인 [99]MUSIC V를 통해 MUSIC 프로그램을 개발했습니다.

로리 슈피겔은 매킨토시, 아미가 및 아타리 컴퓨터를 위한 알고리즘 음악 작곡 소프트웨어 "뮤직 마우스"(1986)를 개발했습니다.

확률 음악

중요한 새로운 발전은 소리를 조작하거나 만드는 것과는 반대로 음악을 작곡하기 위한 컴퓨터의 출현이었다.이아니스 제나키스는 수학적인 확률 체계를 사용하는 작곡 방법인 뮤지크 확률 음악, 즉 확률 음악이라고 불리는 것을 시작했다.여러 가지 확률 알고리즘을 사용하여 일련의 매개 변수 아래에 조각을 만들었습니다.크세나키스는 컴퓨터를 사용하여 현악 사중주곡 ST/4와 오케스트라곡 ST/48 (둘 [100]다 1962), 모르시마-아모르시마, ST/10, 그리고 아트레즈와 같은 곡들을 작곡했습니다.그는 그래픽 이미지를 음악적인 결과로 변환하는 컴퓨터 시스템 UPIC를 개발하고 그것으로 Mycénes Alpha(1978)를 작곡했다.

라이브 일렉트로닉스

주요 기사 : 라이브 일렉트로닉 음악

1964년 유럽에서 Karlheinz Stockhausen은 탐탐, 휴대용 마이크, 필터, 전위차계를 위한 Mikrophonie I과 오케스트라용 Mixtur, 사인파 발생기 4개, 링 변조기 4개를 작곡했다.1965년 그는 합창단, 해먼드 오르간, 반지 [101]변조기를 위한 미크로포니 2세를 작곡했다.

1966–67에서 리드 Ghazala고, 실험적인 전자 악기들을 창조하기, 음색은 주로의 소닉 요소를 탐구하고 적은 점이나 운율을 던지기 위해, 존 케이지의aleatoric 음악[원문대로]개념에 의해서 영향을 받는 창의적인 단편 회로를 단락의 과정의"회로 휨"—the 응용 프로그램을 가르치기 시작했다 발견했다.[102]

코시 파니 투티의 공연 예술과 음악 경력은 '받아들일 수 있는' 음악의 개념을 탐구했고 그녀는 욕망이나 [103][failed verification]불편함의 수단으로 소리를 사용하는 것을 계속해서 탐구했다.

웬디 카를로스는 세인트루이스 신시사이저로 무대에서 자신의 앨범 Switched-On Bach의 선곡을 연주했다. 루이스 심포니 오케스트라는 1997년 [104]커즈와일 바로크 앙상블과 함께 '바흐 앳 더 비콘'을 공연한 바 있다.

2018년 6월 수잔 치아니 씨는 40년 만에 부클라 신시사이저로 솔로 공연을 기록한 라이브 앨범인 라이브 쿼드라포닉을 발매했습니다.그것은 30년 [105]만에 발매된 최초의 4자음 비닐 중 하나였다.

일본 악기

초기 전자 오르간:야마하 일렉톤 D-1(1959)

1950년대에 [106][107]일본의 전자 악기가 국제 음악 [108][109]산업에 영향을 미치기 시작했다.1960년 에이스톤을 창업한 카케하시 이쿠타로 씨는 이미 해외 [110]전자 오르간에서 인기를 끌었던 자신만의 전자 타악기를 개발했다.그는 1964년 NAMM에서 사용자가 버튼을 누르면 전자 드럼 소리가 수동으로 나는 수동 타악기 R-1 리듬 에이스로 현대 전자 [110][111][112]드럼 패드와 비슷한 방식으로 공개했습니다.

초기 드럼 머신 : Korg Donca Matic DA-20 (1963년)

1963년 Korg는 전자 기계식 드럼 [113]기계인 Donca-Matic DA-20을 출시했다.1965년, 닛폰 콜롬비아는 완전 전자 드럼 [114]기계를 특허 취득했다.Korg는 1966년에 Donca-Matic DC-11 전자 드럼 기계를 출시했으며, 그 뒤를 이어 Korg Mini Pops가 야마하 일렉톤 전기 [113]오르간 옵션으로 개발되었습니다.Korg의 Stageman과 Mini Pops 시리즈는 "내추럴 메탈릭 타악기" 소리와 드럼 "브레이크 앤 필인"[109]을 위한 컨트롤을 포함하는 것으로 유명했다.

1967년 에이스톤의 창업자 카케하시 이쿠타로( in橋一太郞)는 1964년 제버그의 이전 미국 특허 335만8068과 유사한 다이오드 매트릭스[115] 회로를 이용한 사전 리듬 패턴 발생기를 특허했다(드럼 머신 번호 참조).그는 같은 [110]해 FR-1 리듬 에이스 드럼 머신으로 발매했다.16개의 사전 설정 패턴과 각 악기 소리(심벌, 클랩, 카우벨, 베이스 드럼)를 수동으로 연주할 수 있는 4개의 버튼을 제공했습니다.리듬 패턴은 여러 개의 리듬 버튼을 동시에 눌러 함께 캐스케이드할 수도 있으며, 가능한 [110]조합은 100개 이상이었다.에이스 톤의 리듬 에이스 드럼 기계는 1960년대 후반부터 대중음악에 침투했고, 1970년대에는 [109]코그 드럼 기계가 그 뒤를 이었다.카케하시 씨는 이후 에이스톤을 떠나 1972년 롤랜드 주식회사를 설립했고,[110] 이후 수십 년간 롤랜드 신시사이저와 드럼 머신이 큰 영향력을 갖게 됐다.그 회사는 계속해서 대중음악에 큰 영향을 미칠 것이고,[112] 다른 어떤 회사보다 대중 전자음악을 형성하기 위해 더 많은 일을 할 것이다.

다이렉트 드라이브 턴테이블:테크놀로지 SL-1200(1972년 도입)

턴테이블리즘은 다이렉트 드라이브 턴테이블의 발명에 기원을 두고 있다.초기 벨트 구동 턴테이블은 시동 시간이 느리고 벨트가 백스핀이나 [116]긁힘으로 인해 파손되기 쉬웠기 때문에 턴테이블리즘에 적합하지 않았습니다.최초의 다이렉트 드라이브 턴테이블은 일본 오사카에 있는 마쓰시타(현 파나소닉)[117]의 엔지니어 오바타 슈이치에 의해 발명되었다.벨트를 없애고 대신 비닐 레코드가 [118]놓여 있는 플래터를 직접 구동하기 위해 모터를 사용했습니다.1969년 마쓰시타는 SP-10으로 [118]출시했으며,[119] 이는 시장 최초의 다이렉트 드라이브 턴테이블이자 영향력 있는 테크닉스 시리즈 [118]턴테이블 중 첫 번째입니다.1970년대 초 테크닉스 SL-1100과 SL-1200이 뒤를 이었고, 수십 [120]년 동안 DJ 문화에서 가장 널리 사용되는 턴테이블로 남아 있는 등 힙합 [118]뮤지션들에 의해 널리 채택되었다.

자메이카 더브 음악

주요 기사:더브 음악
다음 항목도 참조하십시오.사운드 시스템(자메이칸)

자메이카에서는 1960년대에 대중 전자음악의 한 형태가 등장했는데, 사운드 시스템 문화에 뿌리를 둔 더빙 음악이다.더브 음악은 실반 모리스, 킹 터비, 에롤 톰슨, 리 "스크래치" 페리, 그리고 사이언티스트와 같은 스튜디오 엔지니어들에 의해 개척되었고, 전자 사운드 기술로 레게의 영향을 받은 실험 음악을 녹음 스튜디오와 사운드 시스템 [121]파티에서 제작했습니다.그들의 실험에는 음악 콩크르테의 측면에 필적하는 테이프 기반의 구성 형태, 미니멀리즘에 필적하는 반복적인 리듬 구조에 대한 강조, 공간성의 전자 조작, 매스 미디어에서 미리 녹음된 음악 재료의 음파 전자 조작, dee가 포함되었다.라이브 일렉트로닉 [121]뮤직에 버금가는 사전 녹음된 음악에 건배, 리믹스 음악,[122] 턴테이블리즘,[123] [124]비닐의 믹싱과 스크래칭.

King Tubby와 Lee "Scratch" Perry와 같은 선구자들을 더빙할 수 있는 제한된 전자 장비에도 불구하고, 리믹스 문화에 대한 그들의 실험은 음악적으로 [122]최첨단이었다.예를 들어 King Tubby는 사운드 시스템 소유자이자 전자 기술자였습니다. Kingston 서부의 Waterhouse Ghetto에 있는 작은 앞방 스튜디오는 Dub 음악 [125]창작의 핵심 장소였습니다.

1960년대 후반에서 1980년대 초반

인기 일렉트로닉 음악의 부상

주요 기사:일렉트로락, 신스팝, 일렉트로팝, 일렉트로음악, 하우스음악
참고 항목: 프로그레시브 록, 크라우트 록, 스페이스 록, 컨템포러리 일렉트로닉 음악

1960년대 후반, 비치 보이즈와 비틀즈를 포함한 팝과 록 음악가들은 그들의 소리를 보완하고 정의하기 위해 테르민과 멜로트론과 같은 전자 악기를 사용하기 시작했다.톰 홈즈는 그의 저서 Electronic and Experimental Music에서 비틀즈가 1966년에 녹음한 "Tomorrow Never Knows"를 "록과 팝 음악에서 일렉트로닉 음악의 사용의 새로운 시대를 열었던" 곡으로 인식하고 있는데, 이는 비틀즈가 테이프 루프와 반전되고 속도 [126]조작된 사운드를 통합했기 때문이다.

또한 1960년대 후반, 음악 듀오 실버 애플과 화이트 노이즈와 미국 같은 실험적인 록 밴드들은 사이키델릭 록을 발진기와 [127][128][129]신시사이저와 혼합한 업적으로 일렉트로니카 장르의 선구자로 여겨진다.프랑스 일렉트로닉 뮤지션 장자크 [130]페리와 함께 두 장의 앨범을 낸 독일계 미국인 작곡가 거손 킹슬리가 작곡한 1969년 기악곡 팝콘은 1972년 핫버터 [131]버전으로 세계적인 인기를 끌었다.

2008년 상트페테르부르크에서 공연한 키스 에머슨

1960년대 말까지, Moog 신시사이저는 핑크 플로이드, 예스, 에머슨, 레이크 & 파머, 그리고 제네시스를 포함한 밴드들이 그들의 사운드의 일부로 만들면서 떠오르는 프로그레시브 록 사운드에서 선두 자리를 차지했다.인스트루멘탈 프로그 록은 유럽 대륙에서 특히 중요했는데, 크래프트웨르크, 탠저린 드림, 캔, 노이, 파우스트와 같은 밴드들이 언어의 [132]장벽을 우회할 수 있게 해주었다.그들의 신시사이저 중심의 "크라우트록"은 Brian Eno(한때 록시 뮤직의 키보드 플레이어)의 작업과 함께 후속 일렉트로닉 [133]록에 큰 영향을 미칠 것이다.

앰비언트 더브는 킹 터비와 다른 자메이카 사운드 아티스트에 의해 개발되었으며, DJ에서 영감을 받은 앰비언트 일렉트로닉스를 사용하여 드롭아웃, 에코, 이퀄라이제이션 및 사이키델 일렉트로닉 효과로 완성되었습니다.그것은 레이어드 기술을 특징으로 하고 월드 뮤직, 깊은 베이스라인, 그리고 [134]하모닉 사운드의 요소들을 통합했다.긴 에코 지연 등의 기술도 [135]사용되었습니다.이 장르에서 다른 주목할 만한 아티스트로는 드레드존, 고등정보국, 더 오브, 오트, 루프 구루, 우브, 트랜스글로벌 언더그라운드가 [136]있다.

1970년대 초 자메이카 이민자 DJ 쿨 허크가 자메이카의 사운드 시스템 문화와 더브 음악 기법을 미국에 소개하면서 힙합 음악에 채택된 전자 음악 기술에 영향을 미쳤다.힙합 문화에서 인기를 끌게 된 그러한 기술 중 하나는 두 개의 턴테이블에서 같은 레코드를 번갈아 두 개씩 연주하는 것으로, 비 댄서들이 가장 좋아하는 [137]섹션을 확장했다.턴테이블은 결국 1980년대와 [123]1990년대에 가장 눈에 띄는 전자악기가 되었고, 때로는 가장 뛰어난 전자악기가 되었다.

일렉트로닉 록은 토미타 이사오의 일렉트릭 사무라이를 포함한 몇몇 일본 음악가들에 의해 제작되었습니다. 모그 신시사이저로 컨템포러리 팝송과 [138]록송을 연주한 록(1972년)과 기타지마 오사무의 프로그레시브 록 앨범 벤자이텐([139]1974년)을 켰다.1970년대 중반에는 뉴에이지 [134]음악 발전에 큰 영향을 준 장 미셸 자레, 반젤리스, 토미타, 클라우스 슐제 같은 일렉트로닉 아트 음악가들이 부상했다.이 작품들의 하이테크 매력은 수년간 앨범 소매에 채용된 전자악기들을 독특한 특징으로 나열하는 트렌드를 만들어냈다.1977년 싱글 Magic [140]Fly로 프랑스 밴드 Space처럼 전자음악이 라디오 프로그램 및 베스트셀러 차트에 정기적으로 진입하기 시작했다.

이 시대에는 마이크 올드필드와 앨런 파슨스 프로젝트와 같은 록 뮤지션들의 사운드가 편곡되어 전자 효과와/또는 음악과 어우러지곤 했는데, 1980년대 중반에 훨씬 더 두드러지게 되었다.제프 웨인은 1978년 그의 일렉트로닉 록 뮤지컬 버전의 The War of the Worlds로 오랫동안 성공을[141] 거두었다.

필름 사운드트랙 또한 전자음향의 혜택을 받는다.1977년, 진 페이지는 스티븐 스필버그의 영화 Close Encounters of the Third Kind의 존 윌리엄스의 히트 테마의 디스코 버전을 녹음했다.페이지의 버전은 1978년 R&B 차트에서 30위로 정점을 찍었다.이탈리아 신스 개척자 조르지오 모로더가 작곡한 1978년 영화 미드나잇 익스프레스의 악보는 1979년 아카데미 음악상을 수상했고 1981년 반젤리스가 작곡한 영화 '불의 병거'와 마찬가지로 아카데미 음악상을 수상했다.

펑크 록의 등장 이후, 기본적인 일렉트로닉 록의 형태가 등장하여 다른 악기들을 대체하기 위해 새로운 디지털 기술을 점점 더 많이 사용하고 있다.뉴욕의 펑크 장면에서 생겨난 아메리칸 듀오 수세프는 1977년 [142]앨범에서 드럼 기계와 신시사이저를 전자와 펑크의 혼합물로 사용했다.

,[143]옐로 매직 오케스트라들의 셀프 타이틀 앨범(1978년), 그 Buggles 그들의 두드러진 1979년 데뷔 싱글 비디오와 함께 그의 솔로 데뷔 앨범 The쾌락 원리의 가족과 함께 라디오 Star,[144]게리 Numan을 죽였어는 몇년간 성공을 거두Synth-pop 선구적인 밴드!울트라 복스 하에 그들의 1977년 트랙"히로시마 월요일 아무르"과 함께!-Ha!-Ha 포함되어 있었다.칼슘 단일Rs1979,[145]오케스트라 Manoeuvres 어둠 속에서 그들의 1979년 단일 전기는으로 그들의 동명의 데뷔 앨범, 디페쉬 모드에 나의 첫 싱글 음반 단계로 다가가고 1980년 1981년 앨범에서 풀려난 기록 및 말하다에 참가한 Spell,[146]A 몰려들다 갈매기들이 그들의 1981년 단일 Talking,[147]뉴 오더 Ceremony[148]과 1981년에서 그. 인간 리그 그들의로1981년 그들의 세 번째 [149]앨범 데어의 Don't You Want Me를 히트시켰다.

2019년 칠레 뉴오더 공연

MIDI의 정의와 디지털 오디오의 개발은 오디오 엔지니어, 제작자 및 작곡가가 제조업체가 출시한 거의 모든 전자 음향 기기의 가능성을 자주 탐색하면서 순수 전자 사운드의 개발을 [150]훨씬 쉽게 만들었습니다.신스팝은 다른 모든 악기를 대체하기 위해 신시사이저를 사용하기도 했지만, 밴드에는 기타 연주자, 베이스 연주자, 드럼 연주자와 함께 한 명 이상의 키보드 연주자가 있는 것이 더 일반적이었다.이러한 발전은 신스팝의 성장을 이끌었고, 신스팝은 뉴로맨틱 운동에 의해 채택된 후 신시사이저가 1980년대 초반의 팝과 록 음악을 지배할 수 있게 되었다.[149]앞서 언급한 성공적 선구자들과 함께, 주요 공연에는 야주, 듀란듀란, 스판다우 발레단, 문화 클럽, 토크 토크, 일본, 유리스믹스가 포함되었다.

신스팝은 전 세계적으로 인기를 끌었으며, 캐나다 출신의 남성, 트랜스 엑스 앤 라임, 벨기에 출신의 텔렉스, 피터 실링, 산드라, 모던 토킹, 선전, 알파빌, 스위스 출신의 옐로, 스페인 출신의 아줄 니그로 등 세계적인 인기를 끌었다.또한 신스 사운드는 이탈리아 디스코의 주요 특징입니다.

미국인 Devo와 스페인인 Aviador Dro처럼, 일부 신스팝 밴드들은 일렉트로닉 사운드의 아이디어를 강화하기 위해 그들 스스로 미래적인 비주얼 스타일을 창조했다.

키보드 신시사이저서 심지어 헤비 메탈 록 밴드, 장르는 종종 반대로 미학, 소리 그리고 그런 전자 팝 아티스트들은 양측의 팬들에 의해 생활 방식에서 높이 평가되고, 1983년 Jump[151]밴 헤일런에 의해 1986년 마지막 Countdown[152]유럽, 그것에 synths prominen이 특징으로 짜여져으며 세계적인 성공을 거뒀다 일상이 되었다.tly.

일렉트로닉 음악 연구기관의 급증

Electronmusikstudion [sv](EMS)은 스웨덴에서 일렉트로 어쿠스틱 뮤직으로 알려진 전자 음악과 사운드 아트를 위한 국립 센터입니다.이 연구 기관은 1964년에 시작되었으며 스톡홀름에 본부를 두고 있습니다.

파리 이고르 스트라빈스키 광장의 IRCAM

STEIM은 네덜란드 암스테르담에 위치한 전자 공연 예술의 새로운 악기 연구 개발 센터입니다.STEIM은 1969년부터 존재해왔다.그것은 미샤 멘겔버그, 루이 안드리센, 피터 샤트, 딕 레이메이커스, 얀 반 블라이멘 [nl], 라인베르트 드 리우, 콘라드 보머에 의해 설립되었다.이 네덜란드 작곡가 그룹은 암스테르담의 봉건 음악 구조의 개혁을 위해 싸웠습니다; 그들은 브루노 마데르나의 Concertgebouw 오케스트라 음악 감독 임명을 주장했고 네덜란드에서 실험적이고 즉흥적인 전자 음악을 위한 최초의 공적 기금을 시행했습니다.

파리의 IRCAM은 당시 혁신적인 실시간 디지털 신호 처리를 특징으로 하는 Sogitec 4X [153]컴퓨터 시스템의 컴퓨터 음악 연구 및 실현과 개발을 위한 주요 센터가 되었습니다.24명의 음악가와 6명의 솔리스트를 위한 Pierre Boulez의 Répons(1981)는 4X를 사용하여 솔리스트를 확성기 시스템으로 변환하고 라우팅했습니다.

Barry Vercoe는 초기 컴퓨터 사운드에 대한 자신의 경험 중 하나를 다음과 같이 설명합니다.

1989년 IRCAM 기계실에서 Sogitec 4X (c.[154] 1983년)

1982년 파리에서 열린 IRCAM에서 플루트 연주자 래리 보레가드는 자신의 플루트를 디지우그노의 4X 오디오 프로세서에 연결하여 실시간 피치 팔로잉을 가능하게 했습니다.당시 구겐하임에서 저는 이 개념을 실시간 악보까지 확장했습니다.그리고 2년 동안 래리와 저는 실내악사로서 컴퓨터를 여러 번 시연했습니다.Handel 플루트 소나타, Boulez's Sonatine for Flut and Piano, 1984년에는 나만의 Synapse II 플루트를 연주했습니다.자궁—이러한 구성을 위해 특별히 작곡된 최초의 곡입니다.가장 큰 과제는 매우 민감하고 응답성이 뛰어난 반주를 지원하는 적절한 소프트웨어 구조를 찾는 것이었습니다.이 모든 것은 MIDI 이전이었지만, 템포 루바토를 대량으로 투여하면 합성 연주자가 계속 놀라지만 결과는 인상적이었습니다.1985년에 우리는 리허설에서 배운 것을 포함시킴으로써 템포 루바토 문제를 해결했습니다(이렇게 연주할 때마다 기계는 더 좋아집니다).우리는 바이올린을 추적하고 있었다.우리의 뛰어난 젊은 플루티스트가 치명적인 암에 걸렸기 때문이다.게다가 이 버전은 MIDI라고 불리는 새로운 표준을 사용했고, 여기서 저는 이전 학생이었던 Miller Puckette의 도움을 받았고, 그의 초기 컨셉은 나중에 [155]MAX라고 불리는 프로그램으로 확장되었습니다.

키보드 신시사이저

미니 무그 신시사이저
다음 항목도 참조하십시오.모듈러 신시사이저, Buckla, Electronic Music Studios 및 Korg

1970년 Moog Music에 의해 출시된 Mini-Moog는 널리 이용 가능하고 휴대성이 뛰어나며 비교적 저렴한 신시사이저 중 하나였다.그것은 한때 대중 예술과 전자 예술 [156]음악 모두에서 가장 널리 사용되는 신시사이저가 되었다.1970년대 초에 허비 핸콕과 라이브로 연주했던 패트릭 글리슨은 투어링 컨텍스트에서 신시사이저의 사용을 개척했는데, 초기 기계가 [157][158]설계되지 않은 스트레스를 받게 되었다.

1974년 쾰른에 있는 WDR 스튜디오는 EMS 신시사이저 100을 구입했습니다.이 신시사이저는 롤프 겔하르의 Fünf 도이치 탠제(1975–76), 카를하인츠 스톡하우젠의 시리우스(1975–76), 존 맥과이어의 펄스 음악(1978년)을 포함한 많은 작곡가들이 주목할 만한 전자 작품을 만들곤 했습니다.

1970년대 전자제품의 소형화 덕분에, 1980년대 키보드 신시사이저가 시작될 때쯤에는, 부피가 큰 기계와 1960년대에 채용된 "케이블 스페이티"와 대조적으로, 필요한 모든 오디오 합성 전자제품과 피아노 스타일의 키보드 자체를 하나의 슬림한 유닛에 통합하면서, 가볍고 저렴해졌다.1970년대첫째, 아날로그 신시사이저에서는 디지털 신시사이저와 샘플러(아래 참조)도 트렌드를 따랐다.

디지털 신시사이저

다음 항목도 참조하십시오.디지털 신시사이저, 디지털 제어 발진기, 가법 합성 » 구현, 감산 합성, 위상 왜곡 합성 및 Bell Labs 디지털 신시사이저

1975년 일본 기업 야마하는 [160][161]1971년부터 스탠퍼드 대학에서 주파수 변조 합성(FM 합성) 알고리즘을 실험한 John Chowning으로부터 허가를 받았습니다.야마하의 엔지니어들은 디지털 신시사이저에 사용하기 위해 Chowning의 알고리즘을 적용하기 시작했고, 주파수 [162]변조 중에 아날로그 시스템에서 일반적으로 발생하는 왜곡을 방지하기 위해 "키 스케일링" 방법 등의 개선 사항을 추가했습니다.

1980년, 야마하는 마침내 최초의 FM 디지털 신시사이저인 야마하 GS-1을 비싸게 [163]출시했다.1983년 야마하는 최초의 독립형 디지털 신시사이저인 DX7을 선보였는데, 이 신시사이저는 FM 합성을 사용했으며 역대 [160]가장 많이 팔린 신시사이저 중 하나가 되었다.DX7은 57kHz의 [164]과도한 샘플링 속도 때문에 인식 가능한 밝은 톤으로 알려져 있습니다.

야마하 DX7, 1980년대 디지털 신시사이저 다수 모델

Korg Poly-800은 Korg가 1983년에 출시한 신시사이저입니다.795달러의 초기 정가로 인해 1000달러 미만으로 판매된 최초의 완전 프로그램 가능한 신시사이저가 되었다.음성마다 1개의 Digital Controlled Orculator(DCO; 디지털 제어 발진기)가 있는 8개의 음성 폴리포니를 갖추고 있었습니다.

Casio CZ-101은 Casio CZ 라인에서 가장 많이 팔린 위상 왜곡 신시사이저입니다.1984년 11월에 출시된 이 제품은 500달러 미만으로 구입할 수 있는 최초의 완전 프로그램 가능한 폴리폰 신시사이저 중 하나이다.

롤랜드 D-50은 롤랜드사가 생산하고 1987년 4월에 출시된 디지털 신시사이저이다.감산 합성, 온보드 효과, 데이터 조작을 위한 조이스틱, 아날로그 합성 스타일의 레이아웃 디자인이 특징입니다.외부 Roland PG-1000(1987–1990) 프로그래머는 더 복잡한 소리 조작을 위해 D-50에 연결할 수도 있다.

샘플러

참고 항목: 샘플링(음악), Fairlight CMI 및 Synclavier

샘플러는 실제 악기 소리(예: 피아노, 바이올린 또는 트럼펫)의 녹음, 녹음된 노래(예: 펑크 노래의 5초 베이스 기타 리프) 또는 찾은 소리(예: 사이렌 및 파도)의 녹음(또는 "샘플")을 사용하는 전자 또는 디지털 악기이다.샘플은 사용자 또는 제조업체에 의해 로드 또는 기록됩니다.그런 다음 이러한 소리는 선플라 프로그램 자체, MIDI 키보드, 시퀀서 또는 다른 트리거 장치(예: 전자 드럼)를 사용하여 재생됩니다.이러한 샘플은 보통 디지털 메모리에 저장되기 때문에 정보에 빠르게 액세스할 수 있습니다.단일 샘플은 종종 음계와 코드를 생성하기 위해 다른 음으로 음정을 바꿀 수 있습니다.

페어라이트 CMI(1979–)

컴퓨터 메모리 기반의 샘플러 이전에는 음악가들이 아날로그 테이프에 녹음을 저장하는 테이프 재생 키보드를 사용했다.키를 누르면 테이프 헤드가 움직이는 테이프에 접촉하여 소리를 재생합니다.Mellotron은 1960년대 후반과 1970년대에 많은 그룹에 의해 사용된 가장 주목할 만한 모델이었지만, 그러한 시스템은 관련된 여러 테이프 메커니즘으로 인해 비싸고 무거웠고, 악기의 음역은 최대 3 옥타브로 제한되었습니다.소리를 바꾸려면 새 테이프 세트를 계측기에 설치해야 했습니다.디지털 샘플러의 등장으로 샘플링은 훨씬 더 실용적이 되었습니다.

최초의 디지털 샘플링은 1969년 런던(Putney) Studio에서 Peter Grogono(소프트웨어), David Cockerell(하드웨어 및 인터페이스), Peter Zinovieff(시스템 설계 및 운영)가 개발한 EMS Musys 시스템에서 수행되었습니다.

상업적으로 이용 가능한 최초의 샘플 신시사이저는 해리 멘델의 컴퓨터 음악 멜로디안이었다.

첫째 1977–78,[165]의 싱클러 비어 I, Yamaha,[166]에서 거의 대학에 판매된 작품 re-licensed, 아주 전자 음악 작곡가와 음악 제작자들 사이에서, 마이크는 쏜, 상업계의 얼리 어답터 등, 그것의 융통성, 최첨단의 기술, 경멸하다 때문에 영향력 있는 것으로 판명되었다 FM합성을 사용하여 발표했다.stinctive할 수 있습니다.

최초의 폴리폰 디지털 샘플링 신시사이저는 1979년에 처음 출시된 호주에서 생산된 Fairlight CMI였다.이러한 초기 샘플링 신시사이저는 웨이브 테이블 샘플 기반 [167]합성을 사용했다.

MIDI의 탄생

주요 기사 : MIDI

1980년, 음악가와 음악 상인들이 새로운 악기가 다른 악기와 컴퓨터와의 제어 명령을 전달하기 위해 사용할 수 있는 인터페이스를 표준화하기 위해 모임을 가졌습니다.이 표준은 MIDI(Musical Instrument Digital Interface)로 명명되었으며 처음에는 Sequential Circuits, Oberheim, Roland 등 주요 제조업체와 나중에는 Yamaha, Korg 및 Kawai [168]등 다른 참여업체 간의 협업을 통해 만들어졌습니다.논문은 시퀀셜 서킷의 Dave Smith에 의해 작성되어 1981년에 오디오 엔지니어링 협회에 제안되었습니다.그 후 1983년 8월에 MIDI 사양 1.0이 확정되었습니다.

MIDI 테크놀로지에서는, 키 스트로크, 컨트롤 휠 모션, 페달 동작, 또는 마이크로 컴퓨터의 커맨드를 1개만 사용하고, 스튜디오내의 모든 디바이스를 리모트로 기동해 동기화할 수 있습니다.각 디바이스는 작곡자가 사전에 설정한 조건에 따라 응답합니다.

MIDI 기기와 소프트웨어는 많은 스튜디오와 개인들이 쉽게 쉽게 정교한 기기를 제어할 수 있도록 했습니다.음향 사운드는 샘플링 및 샘플 ROM 기반 악기를 통해 스튜디오로 다시 통합되었습니다.

Miller Puckette는 Max(Max Mathews의 이름을 딴)라는 4배속 그래픽 신호 처리 소프트웨어를 개발했으며 나중에 실시간 MIDI 제어를 위해 Macintosh(Dave Zicarelli가 Opcode를 [169]위해 확장)로 포팅하여 컴퓨터 프로그래밍 경험이 적은 대부분의 작곡가가 알고리즘 구성을 사용할 수 있도록 했습니다.

시퀀서 및 드럼 머신

주요 기사:음악 시퀀서 및 드럼 머신

1980년대 초반에는 베이스 신시사이저가 등장했는데, 가장 영향력 있는 것은 롤랜드 TB-303으로 1981년 말에 출시된 베이스 신시사이저와 시퀀서는 후에 일렉트로닉 댄스 음악,[170] 특히 산성 [171]하우스에서 고정 장치가 되었다.1982년 Charanjit Singh가 처음 사용했지만 1987년 [171]Puture의 "Acid Tracks"가 나올 때까지는 대중화되지 않았다.20세기 중반 무렵부터 음악 시퀀서가 사용되기 시작했고, 1970년대 중반의 토미타의 앨범이 그 후의 [138]예다.1978년 Yellow Magic Orchestra는 컴퓨터 기반 기술을 신시사이저와 함께 사용하여 대중음악을 [172]제작했으며, 마이크로프로세서 기반의 Roland MC-8 Microcomposer [173][174][failed verification]시퀀서를 초기에 사용했습니다.

리듬머신이라고도 불리는 드럼머신도 1950년대 후반부터 사용되기 시작했는데, 후에 기타지마 오사무의 프로그레시브 록 앨범 벤자이텐(1974년)이 전자 드럼과 신시사이저와 [139]함께 리듬머신을 사용했다.1977년 울트라복스의 '히로시마 몬 아무르'는 롤랜드 TR-77 드럼 [143]머신의 메트로놈 같은 타악기를 사용한 최초의 싱글 중 하나였다.1980년 Roland Corporation은 TR-808을 출시했는데, TR-808은 가장 인기 있는 프로그램 가능한 드럼 기계 중 하나입니다.1980년 옐로우 매직 오케스트라가 처음 사용되었고, 1982년 [175]마빈 게이의 "Sexual Healing"과 아프리카 밤바타아의 "Planet Rock"이 발표되면서 널리 인기를 끌었다.TR-808은 1980년대 후반 디트로이트 테크노 장면의 기본 도구였으며 데릭 메이와 후안 [176]앳킨스가 선택한 드럼 머신이었다.

Chiptunes

Main article: Chiptune
See also: Video game music

The characteristic lo-fi sound of chip music was initially the result of early computer's sound chips and sound cards' technical limitations; however, the sound has since become sought after in its own right.

Common cheap popular sound chips of the firsts home computers of the 1980s include the SID of the Commodore 64 and General Instrument AY series and clones (as the Yamaha YM2149) used in ZX Spectrum, Amstrad CPC, MSX compatibles and Atari ST models, among others.

Late 1980s to 1990s

Rise of dance music

Main article: Electronic dance music

Synth-pop continued into the late 1980s, with a format that moved closer to dance music, including the work of acts such as British duos Pet Shop Boys, Erasure and The Communards, achieving success along much of the 1990s.

The trend has continued to the present day with modern nightclubs worldwide regularly playing electronic dance music (EDM). Today, electronic dance music has radio stations,[177] websites,[178] and publications like Mixmag dedicated solely to the genre. Despite the industry's attempt to create a specific EDM brand, the initialism remains in use as an umbrella term for multiple genres, including dance-pop, house, techno, electro, and trance, as well as their respective subgenres.[179][180][181] Moreover, the genre has found commercial and cultural significance in the United States and North America, thanks to the wildly popular big room house/EDM sound that has been incorporated into the U.S. pop music[182] and the rise of large-scale commercial raves such as Electric Daisy Carnival, Tomorrowland and Ultra Music Festival.

Electronica

On the other hand, a broad group of electronic-based music styles intended for listening rather than strictly for dancing became known under the "electronica" umbrella[183][184] which was also a music scene in the early 1990s in the United Kingdom.[184] According to a 1997 Billboard article, "the union of the club community and independent labels" provided the experimental and trend-setting environment in which electronica acts developed and eventually reached the mainstream, citing American labels such as Astralwerks (The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Future Sound of London, Fluke), Moonshine (DJ Keoki), Sims, and City of Angels (The Crystal Method) for popularizing the latest version of electronic music.[citation needed]

2000s and 2010s

Weekend Festival, an electronic music event in Pärnu, Estonia, in 2016

As computer technology has become more accessible and music software has advanced, interacting with music production technology is now possible using means that bear no relationship to traditional musical performance practices:[185] for instance, laptop performance (laptronica),[186] live coding[187][188] and Algorave. In general, the term Live PA refers to any live performance of electronic music, whether with laptops, synthesizers, or other devices.

Beginning around the year 2000, some software-based virtual studio environments emerged, with products such as Propellerhead's Reason and Ableton Live finding popular appeal.[189] Such tools provide viable and cost-effective alternatives to typical hardware-based production studios, and thanks to advances in microprocessor technology, it is now possible to create high-quality music using little more than a single laptop computer. Such advances have democratized music creation,[190] leading to a massive increase in the amount of home-produced electronic music available to the general public via the internet. Software-based instruments and effect units (so-called "plugins") can be incorporated in a computer-based studio using the VST platform. Some of these instruments are more or less exact replicas of existing hardware (such as the Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7, or Korg M1). In many cases, these software-based instruments are sonically indistinguishable from their physical counterpart.[clarification needed][citation needed]

Circuit bending

Circuit bending is the modification of battery-powered toys and synthesizers to create new unintended sound effects. It was pioneered by Reed Ghazala in the 1960s and Reed coined the name "circuit bending" in 1992.[191]

Modular synth revival

Following the circuit bending culture, musicians also began to build their own modular synthesizers, causing a renewed interest in the early 1960s designs. Eurorack became a popular system.

See also

Live electronic music

Footnotes

  1. ^ Campbell, Michael (2012). "Electronica and Rap". Popular Music in America: The Beat Goes On (4th ed.). Cengage Learning. ISBN 978-0840029768.
  2. ^ "The stuff of electronic music is electrically produced or modified sounds. ... two basic definitions will help put some of the historical discussion in its place: purely electronic music versus electroacoustic music" (Holmes 2002, p. 6)
  3. ^ Electroacoustic music may also use electronic effect units to change sounds from the natural world, such as the sound of waves on a beach or bird calls. All types of sounds can be used as source material for this music. Electroacoustic performers and composers use microphones, tape recorders, and digital samplers to make live or recorded music. During live performances, natural sounds are modified in real-time using electronic effects and audio consoles. The source of the sound can be anything from ambient noise (traffic, people talking) and nature sounds to live musicians playing conventional acoustic or electro-acoustic instruments (Holmes 2002, p. 8)
  4. ^ "Electronically produced music is part of the mainstream of popular culture. Musical concepts that were once considered radical—the use of environmental sounds, ambient music, turntable music, digital sampling, computer music, the electronic modification of acoustic sounds, and music made from fragments of speech-have now been subsumed by many kinds of popular music. Record store genres including new age, rap, hip-hop, electronica, techno, jazz, and popular song all rely heavily on production values and techniques that originated with classic electronic music" (Holmes 2002, p. 1). "By the 1990s, electronic music had penetrated every corner of musical life. It extended from ethereal sound-waves played by esoteric experimenters to the thumping syncopation that accompanies every pop record" (Lebrecht 1996, p. 106).
  5. ^ Neill, Ben (2002). "Pleasure Beats: Rhythm and the Aesthetics of Current Electronic Music". Leonardo Music Journal. 12: 3–6. doi:10.1162/096112102762295052. S2CID 57562349.
  6. ^ Holmes 2002, p. 41
  7. ^ Swezey, Kenneth M. (1995). The Encyclopedia Americana – International Edition Vol. 13. Danbury, Connecticut: Grolier Incorporated. p. 211.; Weidenaar 1995, p. 82
  8. ^ Holmes 2002, p. 47
  9. ^ Busoni 1962, p. 95.
  10. ^ Russcol 1972, pp. 35–36.
  11. ^ "To present the musical soul of the masses, of the great factories, of the railways, of the transatlantic liners, of the battleships, of the automobiles and airplanes. To add to the great central themes of the musical poem the domain of the machine and the victorious kingdom of Electricity." Quoted in Russcol 1972, p. 40.
  12. ^ Russcol 1972, p. 68.
  13. ^ Holmes 2012, p. 18
  14. ^ a b c Holmes 2012, p. 21
  15. ^ Holmes 2012, p. 33; Lee De Forest (1950), Father of radio: the autobiography of Lee de Forest, Wilcox & Follett, pp. 306–307
  16. ^ Roads 2015, p. 204
  17. ^ Holmes 2012, p. 24
  18. ^ Holmes 2012, p. 26
  19. ^ Holmes 2012, p. 28
  20. ^ Toop 2016, "Free lines"
  21. ^ Smirnov 2014, "Russian Electroacoustic Music from the 1930s–2000s"
  22. ^ Holmes 2012, p. 34
  23. ^ Holmes 2012, p. 45
  24. ^ Holmes 2012, p. 46
  25. ^ Jones, Barrie (3 June 2014). The Hutchinson Concise Dictionary of Music. Routledge. ISBN 978-1-135-95018-7.
  26. ^ Anonymous 2006.
  27. ^ Engel 2006, pp. 4 and 7
  28. ^ Krause 2002 abstract.
  29. ^ Engel & Hammar 2006, p. 6.
  30. ^ Snell 2006, scu.edu
  31. ^ Angus 1984.
  32. ^ a b Young 2007, p. 24
  33. ^ Holmes 2008, pp. 156–157.
  34. ^ Palombini 1993, 14.
  35. ^ "Musique Concrete was created in Paris in 1948 from edited collages of everyday noise" (Lebrecht 1996, p. 107).
  36. ^ NB: To the pioneers, an electronic work did not exist until it was "realized" in a real-time performance (Holmes 2008, p. 122).
  37. ^ Snyder 1998.
  38. ^ Lange 2009, p. 173.
  39. ^ a b Kurtz 1992, pp. 75–76.
  40. ^ Anonymous 1972.
  41. ^ Eimert 1972, p. 349.
  42. ^ Eimert 1958, p. 2.
  43. ^ Ungeheuer 1992, p. 117.
  44. ^ (Lebrecht 1996, p. 75): "... at Northwest German Radio in Cologne (1953), where the term 'electronic music' was coined to distinguish their pure experiments from musique concrete..."
  45. ^ Stockhausen 1978, pp. 73–76, 78–79.
  46. ^ "In 1967, just following the world premiere of Hymnen, Stockhausen said about the electronic music experience: '... Many listeners have projected that strange new music which they experienced—especially in the realm of electronic music—into extraterrestrial space. Even though they are not familiar with it through human experience, they identify it with the fantastic dream world. Several have commented that my electronic music sounds "like on a different star", or "like in outer space." Many have said that when hearing this music, they have sensations as if flying at an infinitely high speed, and then again, as if immobile in an immense space. Thus, extreme words are employed to describe such experience, which is not "objectively" communicable in the sense of an object description, but rather which exist in the subjective fantasy and which are projected into the extraterrestrial space'" (Holmes 2002, p. 145).
  47. ^ a b Before the Second World War in Japan, several "electrical" instruments seem already to have been developed (see ja:電子音楽#黎明期), and in 1935 a kind of "electronic" musical instrument, the Yamaha Magna Organ, was developed. It seems to be a multi-timbral keyboard instrument based on electrically blown free reeds with pickups, possibly similar to the electrostatic reed organs developed by Frederick Albert Hoschke in 1934 then manufactured by Everett and Wurlitzer until 1961.
  48. ^ a b Holmes 2008, p. 106.
  49. ^ Holmes 2008, pp. 106, 115.
  50. ^ Fujii 2004, pp. 64–66.
  51. ^ a b Fujii 2004, p. 66.
  52. ^ Holmes 2008, pp. 106–107.
  53. ^ a b Holmes 2008, p. 107.
  54. ^ Fujii 2004, pp. 66–67.
  55. ^ a b Fujii 2004, p. 64.
  56. ^ a b Fujii 2004, p. 65.
  57. ^ Holmes 2008, p. 108.
  58. ^ Holmes 2008, pp. 108, 114–115.
  59. ^ Loubet 1997, p. 11
  60. ^ Luening 1968, p. 136.
  61. ^ Johnson 2002, p. 2.
  62. ^ Johnson 2002, p. 4.
  63. ^ "Carolyn Brown [Earle Brown's wife] was to dance in Cunningham's company, while Brown himself was to participate in Cage's 'Project for Music for Magnetic Tape.'... funded by Paul Williams (dedicatee of the 1953 Williams Mix), who—like Robert Rauschenberg—was a former student of Black Mountain College, which Cage and Cunnigham had first visited in the summer of 1948" (Johnson 2002, p. 20).
  64. ^ a b c Russcol 1972, p. 92.
  65. ^ a b c d e f Luening 1968, p. 48.
  66. ^ Luening 1968, p. 49.
  67. ^ "From at least Louis and Bebbe Barron's soundtrack for The Forbidden Planet onwards, electronic music—in particular synthetic timbre—has impersonated alien worlds in film" (Norman 2004, p. 32).
  68. ^ Doornbusch 2005, p. 25.
  69. ^ a b Fildes 2008
  70. ^ Schwartz 1975, p. 347.
  71. ^ Harris 2018.
  72. ^ Holmes 2008, pp. 145–146.
  73. ^ Rhea 1980, p. 64.
  74. ^ Holmes 2008, p. 153.
  75. ^ Holmes 2008, pp. 153–154, 157.
  76. ^ Gayou 2007a, p. 207.
  77. ^ Kurtz 1992, p. 1.
  78. ^ Glinsky 2000, p. 286.
  79. ^ "Delia Derbyshire Audiological Chronology".
  80. ^ "Improved scans – Israel State Archives" (PDF).
  81. ^ "Improved scans – Israel State Archives" (PDF).
  82. ^ Gluck 2005, pp. 164–165.
  83. ^ Tal & Markel 2002, pp. 55–62.
  84. ^ Schwartz 1975, p. 124.
  85. ^ Bayly 1982–1983, p. 150.
  86. ^ "Electronic music". didierdanse.net. Retrieved 10 June 2019.
  87. ^ "A central figure in post-war electronic art music, Pauline Oliveros [b. 1932] is one of the original members of the San Francisco Tape Music Center (along with Morton Subotnick, Ramon Sender, Terry Riley, and Anthony Martin), which was the resource on the U.S. west coast for electronic music during the 1960s. The Center later moved to Mills College, where she was its first director, and is now called the Center for Contemporary Music." from CD liner notes, "Accordion & Voice", Pauline Oliveros, Record Label: Important, Catalog number IMPREC140: 793447514024.
  88. ^ a b Frankenstein 1964.
  89. ^ Loy 1985, pp. 41–48.
  90. ^ Begault 1994, p. 208, online reprint Archived 10 August 2012 at the Wayback Machine.
  91. ^ Hertelendy 2008.
  92. ^ "Electronic India 1969–73 revisited – The Wire". The Wire Magazine – Adventures In Modern Music.
  93. ^ "Algorhythmic Listening 1949–1962 Auditory Practices of Early Mainframe Computing". AISB/IACAP World Congress 2012. Archived from the original on 7 November 2017. Retrieved 18 October 2017.
  94. ^ Doornbusch, Paul (9 July 2017). "MuSA 2017 – Early Computer Music Experiments in Australia, England and the USA". MuSA Conference. Retrieved 18 October 2017.
  95. ^ Doornbusch, Paul (2017). "Early Computer Music Experiments in Australia and England". Organised Sound. Cambridge University Press. 22 (2): 297–307 [11]. doi:10.1017/S1355771817000206.
  96. ^ Doornbusch, Paul. "The Music of CSIRAC". Melbourne School of Engineering, Department of Computer Science and Software Engineering. Archived from the original on 18 January 2012.
  97. ^ "First recording of computer-generated music – created by Alan Turing – restored". The Guardian. 26 September 2016. Retrieved 28 August 2017.
  98. ^ "Restoring the first recording of computer music – Sound and vision blog". British Library. 13 September 2016. Retrieved 28 August 2017.
  99. ^ Mattis 2001.
  100. ^ Xenakis 1992, p. [page needed].
  101. ^ Stockhausen 1971, pp. 51, 57, 66.
  102. ^ "This element of embracing errors is at the centre of Circuit Bending, it is about creating sounds that are not supposed to happen and not supposed to be heard (Gard 2004). In terms of musicality, as with electronic art music, it is primarily concerned with timbre and takes little regard for pitch and rhythm in a classical sense. ... . In a similar vein to Cage's aleatoric music, the art of Bending is dependent on chance, when a person prepares to bend they have no idea of the outcome" (Yabsley 2007).
  103. ^ Cosey Fanni Tutti. "Throbbing Gristle Personnel: Cosey Fanni Tutti" (extract from Throbbing Gristle's 1986 album CD1. Brainwashed.com. Retrieved 21 April 2021.
  104. ^ Sewell, Amanda (2020). Wendy Carlos: A Biography. Oxford University Press. p. 172. ISBN 9780190053475.
  105. ^ Rancic, Michael (29 August 2018). "Analog synth pioneer Suzanne Ciani reflects on her life in waves". NOW Magazine. Toronto. Retrieved 21 April 2021.
  106. ^ "クロダオルガン修理" [Croda Organ Repair]. CrodaOrganService.com (in Japanese). May 2017. クロダオルガン株式会社（昭和３０年 [1955] 創業、２００７年に解散）は約５０年の歴史のあいだに自社製造のクロダトーン...の販売、設置をおこなってきましたが、[2007]クロダオルガン株式会社廃業... [Kuroda Organ Co., Ltd. (founded in 1955, dissolved in 2007) has been selling and installing its own manufactured Kurodatone ... during about 50 years of history, but [in 2007] the Croda Organ closed business...]
  107. ^ "Vicotor Company of Japan, Ltd.". Diamond's Japan Business Directory (in Japanese). Diamond Lead Company. 1993. p. 752. ISBN 978-4-924360-01-3. [JVC] Developed Japan's first electronic organ, 1958. Note: the first model by JVC was "EO-4420" in 1958. See also the Japanese Wikipedia article: "w:ja:ビクトロン#機種".
  108. ^ Palmieri, Robert (2004). The Piano: An Encyclopedia. Encyclopedia of keyboard instruments (2nd ed.). Routledge. p. 406. ISBN 978-1-135-94963-1. the development [and release] in 1959 of an all-transistor Electone electronic organ, first in a successful series of Yamaha electronic instruments. It was a milestone for Japan's music industry.. Note: the first model by Yamaha was "D-1" in 1959."
  109. ^ a b c Russell Hartenberger (2016), The Cambridge Companion to Percussion, p. 84, Cambridge University Press
  110. ^ a b c d e Reid, Gordon (2004), "The History Of Roland Part 1: 1930–1978", Sound on Sound (November), retrieved 19 June 2011
  111. ^ Matt Dean (2011), The Drum: A History, page 390, Scarecrow Press
  112. ^ a b "The 14 drum machines that shaped modern music". 22 September 2016.
  113. ^ a b "Donca-Matic (1963)". Korg Museum. Korg.
  114. ^ "Automatic rhythm instrument".
  115. ^ US patent 3651241, Ikutaro Kakehashi (Ace Electronics Industries, Inc.), "Automatic Rhythm Performance Device", issued 1972-03-21
  116. ^ The World of DJs and the Turntable Culture, page 43, Hal Leonard Corporation, 2003
  117. ^ Billboard, 21 May 1977, page 140
  118. ^ a b c d Trevor Pinch, Karin Bijsterveld, The Oxford Handbook of Sound Studies, page 515, Oxford University Press
  119. ^ "History of the Record Player Part II: The Rise and Fall". Reverb.com. October 2015. Retrieved 5 June 2016.
  120. ^ Six Machines That Changed The Music World, Wired, May 2002
  121. ^ a b Veal, Michael (2013). "Electronic Music in Jamaica". Dub: Soundscapes and Shattered Songs in Jamaican Reggae. Wesleyan University Press. pp. 26–44. ISBN 978-0-8195-7442-8.
  122. ^ a b Nicholas Collins, Margaret Schedel, Scott Wilson (2013), Electronic Music: Cambridge Introductions to Music, page 20, Cambridge University Press
  123. ^ a b Nicholas Collins, Julio d' Escrivan Rincón (2007), The Cambridge Companion to Electronic Music, page 49, Cambridge University Press
  124. ^ Andrew Brown (2012), Computers in Music Education: Amplifying Musicality, page 127, Routledge
  125. ^ Dubbing Is A Must: A Beginner's Guide To Jamaica's Most Influential Genre, Fact.
  126. ^ Holmes 2012, p. 468.
  127. ^ Tom Doyle (October 2010). "Silver Apples: Early Electronica". Sound on Sound. SOS Publications Group. Retrieved 5 October 2020.
  128. ^ Theodore Stone (2 May 2018). "The United States of America and the Start of an Electronic Revolution". PopMatters. Retrieved 5 October 2020.
  129. ^ Alexis Petridis (9 September 2020). "Silver Apples' Simeon Coxe: visionary who saw music's electronic future". The Guardian. Retrieved 5 October 2020.
  130. ^ Friedmann, Jonathan L. (2018). Musical Aesthetics: An Introduction to Concepts, Theories, and Functions. Cambridge Scholars Publishing. p. 112. ISBN 978-1-5275-0940-5. Retrieved 17 February 2022.
  131. ^ Licht, Alan; Oldham, Will (3 April 2012). Will Oldham on Bonnie 'Prince' Billy. Faber & Faber. ISBN 978-0-571-27191-7. Retrieved 17 February 2022.
  132. ^ Bussy 2004, pp. 15–17.
  133. ^ Unterberger 2002, pp. 1330–1.
  134. ^ a b Holmes 2008, p. 403.
  135. ^ Toop, David (1995). Ocean of Sound. Serpent's Tail. p. 115. ISBN 978-1-85242-382-7.
  136. ^ Mattingly, Rick (2002). The Techno Primer: The Essential Reference for Loop-based Music Styles. Hal Leonard Corporation. p. 38. ISBN 0-634-01788-8. Retrieved 1 April 2013.
  137. ^ Nicholas Collins, Margaret Schedel, Scott Wilson (2013), Electronic Music: Cambridge Introductions to Music, page 105, Cambridge University Press
  138. ^ a b Jenkins 2007, pp. 133–34
  139. ^ a b Osamu Kitajima – Benzaiten at Discogs
  140. ^ Roberts, David, ed. (2005). Guinness World Records – British Hit Singles & Albums (18 ed.). Guinness World Records Ltd. p. 472. ISBN 1-904994-00-8.
  141. ^ "The Top 40 Best-Selling Studio Albums of All Time". BBC. 2018. Retrieved 29 May 2019.
  142. ^ D. Nobakht (2004), Suicide: No Compromise, p. 136, ISBN 978-0-946719-71-6
  143. ^ a b Maginnis 2011
  144. ^ "'The Buggles' by Geoffrey Downes" (liner notes). The Age of Plastic 1999 reissue.
  145. ^ "Item Display – RPM – Library and Archives Canada". Collectionscanada.gc.ca. Archived from the original on 13 January 2012. Retrieved 8 August 2011.
  146. ^ Paige, Betty (31 January 1981). "This Year's Mode(L)". Sounds. Archived from the original on 24 July 2011.
  147. ^ "BBC – Radio 1 – Keeping It Peel – 06/05/1980 A Flock of Seagulls". BBC Radio 1. Retrieved 12 June 2018.
  148. ^ "Movement 'Definitive Edition'". New Order. 19 December 2018. Archived from the original on 13 September 2019. Retrieved 26 January 2020.
  149. ^ a b Anonymous 2010.
  150. ^ Russ 2009, p. 66.
  151. ^ Beato, Rick (28 April 2019), What Makes This Song Great? Ep. 61 Van Halen (#2), archived from the original on 11 December 2021, retrieved 24 June 2019
  152. ^ Tengner, Anders; Michael Johansson (1987). Europe – den stora rockdrömmen (in Swedish). Wiken. ISBN 91-7024-408-1.
  153. ^ Schutterhoef 2007 "Sogitec 4X". Archived from the original on 4 November 2013. Retrieved 13 January 2010..
  154. ^ Nicolas Schöffer (December 1983). "Variations sur 600 Structures Sonores – Une nouvelle méthode de composition musicale sur l'ordinateur 4X". Leonardo On-Line (in French). Leonardo/International Society for the Arts, Sciences and Technology (ISAST). Archived from the original on 17 April 2012. L'ordinateur nous permet de franchir une nouvelle étape quant à la définition et au codage des sons, et permet de créer des partitions qui dépassent en complexité et en précision les possibilités d'antan. La methode de composition que je propose comporte plusieurs phases et nécessite l'emploi d'une terminologie simple que nous définirons au fur et à mesure : Trames, paves, briques et modules.
  155. ^ Vercoe 2000, pp. xxviii–xxix.
  156. ^ "In 1969, a portable version of the studio Moog called the Minimoog Model D, became the most widely used synthesizer in both popular music and electronic art music" Montanaro 2004, p. 8.
  157. ^ Zussman 1982, pp. 1, 5.
  158. ^ Sofer & Lynner 1977, p. 23 "Yes, I used [ Moog modular equipment ] until I went with Herbie (Hancock) in 1970. Then I used a [ ARP ] 2600 because I couldn't use the Moog on stage. It was too big and cranky; every time we transported it, we would have to pull a module out, and I knew I couldn't do that on the road, so I started using ARP's."
  159. ^ Morawska-Büngeler 1988, pp. 52, 55, 107–108.
  160. ^ a b Holmes 2008, p. 257.
  161. ^ Chowning 1973.
  162. ^ Holmes 2008, pp. 257–258.
  163. ^ Roads 1996, p. 226.
  164. ^ Holmes 2008, pp. 258–259.
  165. ^ "History of Masters Program in Digital Musics". Dartmouth College. Archived from the original on 12 October 2009.
  166. ^ Eric Grunwald (Summer 1994). "Bell Tolls for FM Patent, but Yamaha Sees "New Beginning"" (PDF). Stanford Technology Brainstorm. Vol. 3, no. 2. Office of Technology Licensing (OTL), Stanford University. Archived from the original (PDF) on 5 May 2017. Retrieved 6 October 2017. The technique for synthesizing electronic music, invented by Music Professor John Chowning, brought in over $20 million through an exclusive license to Yamaha Corporation of Japan, which used the technology in its DX-7 synthesizer, enormously popular in the 1980s.
  167. ^ Martin Russ, Sound Synthesis and Sampling, page 29 Archived 21 October 2017 at the Wayback Machine, CRC Press
  168. ^ Holmes 2008, p. 227.
  169. ^ Ozab 2000 [1].
  170. ^ Vine 2011.
  171. ^ a b Aitken 2011.
  172. ^ Anonymous 1979.
  173. ^ Yellow Magic Orchestra – Yellow Magic Orchestra at Discogs
  174. ^ "Sound International". Sound International (33–40): 147. 1981. Retrieved 21 June 2011.
  175. ^ Anderson 2008.
  176. ^ Blashill 2002, p. [page needed]
  177. ^ "Electric Area". SiriusXM.
  178. ^ "Dancing Astronaut – EDM, trap, techno, deep house, dubstep". Dancing Astronaut.
  179. ^ Kembrew McLeod (2001). "Genres, Subgenres, Sub-Subgenres and More: Musical and Social Difference Within Electronic/Dance Music Communities" (PDF). Journal of Popular Music Studies. 13: 59–75. doi:10.1111/j.1533-1598.2001.tb00013.x.
  180. ^ Richard James Burgess (2014), The History of Music Production, page 115, Oxford University Press
  181. ^ EDM – Electronic Dance Music, Armada Music
  182. ^ "House Music: How It Sneaked Its Way Into Mainstream Pop" by Kia Makarechi, The Huffington Post, 11 August 2011
  183. ^ Campbell, Michael (2012). "Electronica and Rap". Popular Music in America: The Beat Goes On (4th ed.). Cengage Learning. ISBN 978-0840029768.
  184. ^ a b Vladimir Bogdanov; Jason Ankeny (2001). All Music Guide to Electronica: The Definitive Guide to Electronic Music (4th ed.). Backbeat Books. p. 634. ISBN 0-87930-628-9.
  185. ^ Emmerson 2007, pp. 111–113.
  186. ^ Emmerson 2007, pp. 80–81.
  187. ^ Emmerson 2007, p. 115.
  188. ^ Collins 2003.
  189. ^ Anonymous 2009—Best Audio Editing Software of the Year—1st Abelton Live, 4th Reason. Best Audio DJ Software of the Year—Abelton Live.
  190. ^ Chadabe 2004, pp. 5–6.
  191. ^ Deahl, Dani (14 September 2018). "Hacking a Furby in the name of music". The Verge. Retrieved 11 July 2020.

Sources

Further reading

External links

Library resources about
Electronic music
Wikiquote has quotations related to Electronic music.