더브 음악

Dub music
오디오 자료를 전송 또는 복사하는 과정은 더빙(음악)을 참조하십시오.영국 차고 서브장르에 대해서는 Dubstep을 참조하십시오.
더빙하다.
문체적 기원
문화적 기원1960년대 후반, 자메이카
파생 형식
서브장르
시를 더빙하다
퓨전 장르
기타 토픽
더브 아티스트 목록

두브는 1960년대 후반과 1970년대 초에 레게에서 발전한 음악 스타일로, 레게의 [1]범위를 넘어서 발전했지만, 일반적으로 일렉트로닉 음악 장르뿐만 아니라 레게의 하위 장르로 여겨진다.레게의 문맥에서는, 그 스타일 압도적으로 기존 recordings[2]의 부분적으로 또는 완전히 연주와 리믹스를 만들고 크게 재구성하고 일부 또는 전부가 보컬의 리듬 섹션의 강조하는 해체된 drum-and-bass 트랙 가끔ref의 제거 보통을 통해 녹취록을 조작해서 달성하다.음.정말red to as ledddim)는 에코와 리버브와 같은 스튜디오 효과의 적용과 원곡 또는 다른 [3]작품에서 보컬 또는 기악 스니펫의 때때로 더빙을 적용한다.

더브는 1960년대 후반부터 오스본 "킹 터비" 러독, 리 "스크래치" 페리, 에롤 톰슨 등 녹음[1] 엔지니어들과 프로듀서들에 의해 개척되었다.많은 프로듀서들과 함께 작업한 아우구스투스 파블로는 뚜렷한 음색의 멜로디카를 더빙한 것으로 인정받고 있으며, 또한 이 장르의 선구자이자 창시자이기도 하다.댄스홀 장면 밖의 믹싱 데스크에서 녹음에 대한 유사한 실험도 프로듀서 클라이브 친과 허먼 친 [4]로이에 의해 이루어졌다.이 프로듀서들, 특히 러독과 페리는 믹싱 콘솔을 악기로 간주했고, 새롭고 다른 무언가를 만들기 위해 트랙을 조작했다.롤랜드 스페이스 에코(Roland Space Echo)는 1970년대 더브 제작자들에 의해 에코와 [5]지연 효과를 내기 위해 널리 사용되었다.

Dub은 록을 포함한 많은 장르의 음악에 영향을 끼쳤으며, 특히 포스트 펑크와 [6]다른 종류의 [7]펑크,[6] 팝, 힙합, 포스트 디스코, 그리고 나중에는 하우스,[8] 테크노,[8] [8]앰비언트, 일렉트로닉 댄스 음악,[9] 그리고 트립 [8]홉의 하위 장르에 영향을 끼쳤다.Dub은 저음을 중심으로 한 장르와 오디오 [10][11][12]효과의 활용으로 정글과 드럼, 베이스 장르의 기반이 되었다.전통적인 더브는 살아남았고, Mad Professor와 같은 몇몇 창작자들은 계속해서 새로운 소재를 제작하고 있다.

이름.

녹음 환경에서 더브라는 단어는 1920년대 후반 "말하는 그림"의 출현으로 시작되었고 영화에 사운드트랙을 추가하는 것을 언급했습니다; 그것은 더블이라는 단어의 비공식적인 약자입니다.이후 약 40년 동안 이 용어는 일반적으로 오디오 레코딩에 사용되었으며, 종종 다른 테이프나 디스크에 녹음을 복사하는 맥락에서 사용되었습니다.

이 말이 이 그 용어가 처음 자메이카 녹음 산업에 사용됬다: 새로운 음반은 종종 처음에는 일회성 아세테이트 디스크, 구어체에서는 부드러운 wax[13]또는 녹음과 나중에 dubplates로, 음향 시스템 사업자가 단독으로 사용하고 건전한 제도에 관한 독점적인 녹음으로 pr을 위한 좋은 방법은 곡 재생으로 알려지에 베꼈다.oducer 소매 판매를 위해 수백 또는 수천 장의 싱글 앨범을 인쇄하기 전에 레코드의 잠재적인 인기를 테스트합니다.처음에는 이러한 아세테이트가 싱글로 아직 발매되지 않은 곡의 표준 녹음일 뿐이었지만, 1968-69년 경에는 프로듀서 Bunny Lee에 의해 설명되었듯이 보컬의 일부 또는 전부가 혼합된 독점적인 믹스가 되기 시작했습니다.

"네...그때는 정말 VERSION이었어요.아직은 더빙이 아니었어요.왜냐하면 더빙이 아니었기 때문이죠.어느 날 사고: Ruddy's(사운드 시스템 운영자 Ruddy Redwood)가 두부를 자르고 있었고, 시작할 때 Smithy(녹음 엔지니어 Byron Smith)는 목소리를 내기 시작했고 Ruddy는 말했다. "아니, 멕, 뛰어서 모든 뒷부분을 제거했다."'알겠습니다, 다시 한 번 실행해 주세요, 그리고 목소리를 들려주세요.'임수정은 아직 그렇게 하지 않았다.

레드우드가 처음에 어떻게 디제이에게 보컬 버전을 연주하게 했는지, 그리고 댄스파티에서 인스트루멘탈 버전을 연주하게 했는지, 그리고 이 참신함이 얼마나 인기가 있었는지 설명한 후, 리는 계속해서 말했다.

"다음 날, 나는 그것을 시작하고, 그냥 leddim을 데려와."아니면, 음정에 맞춰서, 작은 목소리를 내다가 다시 꺼버리던가...네, 그 부분을 직접 다루곤 했었죠 목소리를 내다가 흘려버렸죠스미시가 하는 일은 헛소리만 하는 거야."[13]

자메이카 사운드 시스템은 1940년대 후반부터 독점적인 레코드를 추구해 왔지만, 1950년대 대부분 미국 리듬 앤 블루스 레코드를 재생했을 때, 이것들은 경쟁 사운드 시스템 운영자들이 가지고 있지 않고 식별할 수 없는 단순한 레코드였다.이것은 1950년대 후반부터 지역 음악가들이 특정 사운드 시스템에서 연주만을 위한 노래를 녹음하는 것을 통해 발전했고, 이는 자메이카에서 멀티트랙 레코딩이 등장하면서 가능해졌다.보컬의 일부 또는 전부를 아세테이트로 더빙한 버전의 개념에서, 참신함에 굶주린 사운드 시스템 장면은 1970년대 처음 몇 년 동안 점점 더 창조적인 믹스의 진화를 가속화했고, 몇 년 안에 두브라는 용어는 그들이 독점 아세테이트에 있든 "듀블"에 있든 상관없이 그들에게 붙게 되었다.밥 말리와 더 웨일러스는 라이브 콘서트에서 베이스와 드럼에 중점을 두라는 의미로 "dub this one!"이라는 명령을 사용했다.드러머 슬리 던바는 드럼과 [14]베이스만을 사용하는 것을 의미하는 관련 용어의 사용법을 비슷하게 지적한다.

음악의 기원이 된 시기에 자메이카에서 두브라는 단어를 다른 의미로 사용한 것이 음악적 맥락에서 두브의 사용을 확고히 하는 데 도움을 줬을 수도 있다.가장 빈번한 의미는 에로틱 댄스나 성관계 [15]중 하나를 가리킨다; 그러한 용법은 실버톤의 "품품" (여기서 품 품은 여성 성기를 뜻하는 자메이카 속어), 빅 조와 페이의 "품" (딸은 자메이카) 등의 레게 노래의 이름에 자주 나타난다.I-Roy의 "Sister Maggie Breast"는 섹스에 대한 몇 가지 언급을 특징으로 합니다.

나는 그것을 부업으로 한다.

여동생에게 도망칠 수는 있지만 숨을 수는 없다고 말해
미끄러져라 미끄러져라 사타구니를 활짝 벌려라

평화와 사랑은 영원하다.

그러나 이 세 곡 모두 이미 리믹스 스타일에 더브를 사용한 후에 녹음되었다.

특성.

다음 항목도 참조하십시오.자메이카의 음악

Dub music은 기존 곡의 "버전"[16] 또는 "더블"로 특징지어지며, 초기에는 거의 항상 45RPM 레코드의 B면을 누르고 일반적으로 로컬 사운드 시스템에서 인기 있는 사운드를 위해 드럼과 베이스를 강조합니다."버전"은 DJ가 (자메이카 랩의 한 형태로) "건배"하기 위해 만든 곡의 대체 컷으로, 보통 원래 보컬의 일부 또는 전부를 제거한다.이 "버전"들은 새로운 [17]요소들로 그것들을 재녹음함으로써 신곡의 기초로 사용되었다.악기 트랙은 일반적으로 에코, 리버브와 같은 음향 효과로 처리되며, 악기와 보컬이 믹스를 드나든다.보컬 및 기타 악기의 부분적 또는 완전 삭제는 베이스 기타를 강조하는 경향이 있습니다.이 음악에는 때때로 새들이 노래하고, 천둥과 번개가 치고, 물이 흐르고, 프로듀서가 음악가들에게 지시를 외치는 것과 같은 다른 소음들이 있습니다.라이브 DJ에 의해 한층 더 강화될 수 있습니다.다양한 울림과 음량을 가진 여러 층의 소리는 종종 소리 풍경, 즉 소리 조각을 만들어 내는 것으로 알려져 소리 그 자체뿐만 아니라 소리 사이의 공간의 형태와 깊이에 관심을 끌고 있다.효과들이 전자적으로 [16][18]만들어지기는 하지만, 음악에는 대개 뚜렷한 유기적인 느낌이 있다.

종종 이 트랙들은 "토스터" 랩의 리듬이 강하고 두운적인 가사에 사용된다.이것을 「DJ Versions」라고 부릅니다.사운드 시스템 기반 레게의 형태에서, 마이크를 사용하는 연주자는 "DJ" 또는 "Deejay"라고 불리고(다른 장르에서는 이 연주자는 "MC"라고 불릴 수 있습니다), 나중에 개발된 속어 용어인 "마이크 커맨더" 또는 "마이크 컨트롤"을 의미하며, 그 사람이 음악을 선택하고 작동시킵니다.e 턴테이블은 셀렉터(다른 장르에서는 DJ라고도 함)라고 불립니다.

여러 버전을 제작하는 주된 이유는 경제적이기 때문입니다. 음반 제작자는 자신이 소유하고 있는 음반을 사용하여 단일 스튜디오 세션에서 여러 버전을 제작할 수 있습니다.버전은 프로듀서나 리믹스 엔지니어에게 더 창의적인 면을 실험하고 표현할 수 있는 기회이기도 했습니다.이 버전은 보통 싱글의 B면이었고 DJ들이 대화할 수 있는 무언가를 실험하고 제공하는 데 사용되었고, 반면 A면은 원래 보컬 지향적인 트랙에 더 자주 사용되었다.1970년대에 더브 트랙의 LP가 생산되기 시작했다.이것들은 다양할 수 있다:대개 한 명의 프로듀서에 의해 이전에 여러 싱글에서 사용되었던 리딤의 새로운 더브 믹스 모음, 기존의 보컬 LP의 더브 버전, 또는 적어도 일반적으로는, 이전에 발매되지 않은 오리지널 리딤이 더브 믹스된 더브 버전이다.스타일.[citation needed]

역사

리 "스크래치" 페리는 이 장르의 초기 개척자였다.

더브 음악과 건배는 레게 음악의 새로운 창조의 시대를 열었다.처음부터 건배와 더빙 음악은 함께 발전했고 서로에게 영향을 끼쳤다.사운드 시스템 문화의 발달은 [19]자메이카의 스튜디오 기술의 발전에 영향을 미쳤고, 듀크 리드, 프린스 버스터를 포함한 초기 DJ들은 레게의 악기 버전을 위해 건배하고 악기 레게 음악을 [20]개발했습니다.

'버전'과 스튜디오 믹싱 실험(1960년대 후반)

1968년 자메이카 킹스턴의 사운드 시스템 운영자 루돌프 "루디" 레드우드는 듀크 리드의 트레저 아일랜드 스튜디오로 가서 파라곤 부부가 히트한 "On The Beach"의 일회성 더빙판을 잘라냈다.엔지니어 Byron Smith는 실수로 보컬 트랙을 빼버렸지만, 레드우드는 결과를 간직하고 그의 [21]디제이 Wassy와 함께 리듬에 건배하며 다음 춤에서 그것을 연주했다.이 기악 앨범은 사운드 시스템에 있는 사람들을 흥분시켰고 그들은 기악기 위에서 보컬 트랙의 가사를 부르기 시작했다.그 발명은 성공적이었고, 루디는 [22]그날 30분에서 1시간 동안 계속해서 악기를 연주해야 했다.다음날 목격자였던 버니 리는 킹 터비에게 "그들이 사랑하는" 만큼 더 많은 인스트루멘털 트랙을 만들어야 한다고 말했고, 그들은 슬림 스미스의 "Ain't Too Proud To Beg"에서 보컬을 불렀다.King Tubby의 혁신적인 접근법 덕분에, 그 결과 만들어진 인스트루멘탈 트랙은 단순히 목소리가 없는 트랙이 아니었다. King Tubby는 보컬과 인스트루멘탈을 교환하여, 먼저 보컬을 연주하고, 그 다음에 riddim을 연주하고, 그것들을 혼합했다.이때부터 그들은 그러한 트랙을 "버전"[22]이라고 부르기 시작했다.또 다른 소식통은 1968년이 아닌 1967년을 레게 트랙의 악기 버전을 기록의 [23]B면에 넣는 관행의 원년으로 보고 있다.

스튜디오 원에서 인스트루멘탈 트랙과 스튜디오 믹싱을 실험한 첫 번째 동기는 "느낌"이 날 때까지 리딤을 수정하는 것이었고, 그래서 예를 들어, 가수는 그것을 [22]통해 편안하게 노래할 수 있었다.

믹싱을 실험한 또 다른 이유는 사운드 시스템 간의 경쟁이었습니다.사운드 시스템의 사운드맨은 춤에서 연주하는 트랙이 매번 조금씩 달라지기를 원했고, 그래서 그들은 스튜디오에서 같은 음반의 많은 카피를 각각 다른 [24]믹스로 주문했다.

하위 장르로서의 두브의 진화(1970년대)

1973년까지 여러 독립적이고 경쟁력 있는 혁신가, 엔지니어 및 제작자의 노력으로 다양한 스튜디오의 악기 레게 "버전"은 레게의 하위 장르로서 "더브"로 진화했다.

에릭 톰슨이 엔지니어링하고 데릭 해리엇이 "사운드 이펙트"를 인정받은 데릭 해리엇의 혁신적인 앨범 The Undertaker and the Crystalites는 1970년 발매된 최초의 엄밀한 악기용 레게 앨범 중 하나였다.

1973년, 적어도 세 명의 프로듀서, 리 "스크래치" 페리와 허먼 친 로이와 에롤 톰슨의 아쿠아리우스 스튜디오 엔지니어/프로듀서 팀은 동시에 이 새로운 "더브" 사운드에 대한 활발한 시장이 있다는 것을 인식했고 결과적으로 그들은 엄밀하게 더브로 구성된 첫 번째 앨범을 발매하기 시작했다.1973년 봄, 리 "스크래치" 페리는 킹 터비와 함께 "블랙보드 정글 더브"로 알려진 어퍼터스 14 더브 블랙보드 정글을 발매했다.그것은 [25]이 장르의 획기적인 음반으로 여겨진다.

1974년 키스 허드슨은 LP에 함께 수록할 목적으로 특별히 더빙 스타일로 믹스된 최초의 고의적인 주제 더빙 앨범으로 널리 알려진 그의 클래식 Pick a Dub을 발매했고, 킹 터비는 내셔널 아레나에서 두 개의 데뷔 앨범을 발매했다.

더브 이력(1980년대 초반~현재)

두브는 음악 패션의 변화와 함께 인기가 높아지고 시들해지면서 계속 진화하고 있다.대부분의 레게 싱글들은 여전히 B면에 인스트루멘털 버전을 가지고 있으며, 사운드 시스템에 의해 여전히 라이브 가수와 DJ를 위한 빈 캔버스로 사용되고 있다.

1986년 일본 밴드 뮤트 비트는 스튜디오 장비가 아닌 트럼펫 등 라이브 악기를 이용해 더브 음악을 만들어 클럽 [26]음악의 선구자가 됐다.

1980년대에 영국은 Mikey Dread, Mad Professor, Jah Shaka가 가장 유명하여 새로운 덥 제작의 중심지가 되었다.또한 UB40의 마이키 드레드, 더 클래시, 아드리안 셔우드, On-U Sound 레이블의 아티스트 명단과 같은 실험적인 프로듀서들의 작업에 더브가 영향을 미쳤던 시기이기도 하다.포스트펑크로 특징지어지는 많은 밴드들이 더브의 영향을 많이 받았다.더 폴리스, 더 클래시, 그리고 UB40과 같은 더 잘 알려진 밴드들은 UB40의 Present Arms In Dub 앨범이 영국 탑 40에 진입한 첫 번째 더브 앨범으로 Dub의 대중화를 도왔다.

이 시기(1980년대 초반)에는 B사이드 더브 믹스를 운영하는 레게와 나란히 저명한 DJ와 협력하여 12인치 싱글을 대체 더브 믹스로 공급하기로 결정한 미국 포스트 디스코 음반 제작자들이 많아져 리믹스 시대가 도래했다.Peech Boys의 "Don't Make Me Wait," Toney Lee의 "Reach Up," 그리고 대부분 뉴욕시의 아티스트들은 Prefred 또는 West End라고 부른다.앞서 언급한 믹스에서는 음반의 비트가 강조되고, "불필요한" 보컬 파트가 떨어졌으며, 다른 음반에 비해 재생할 주요 섹션을 고르는 등 DJ 친화적인 기능들이 작업하기 쉽게 되어 댄스 플로어 효과를 높였다.

현대의 예들은 "dubtronica", "dub-techno", "steppers" 또는 더브 [27]음악의 영향을 받은 일렉트로닉 음악으로도 불린다.

음악적 영향

두브의 영향

예일대 교수 마이클 빌은 두브를 "사회가 스스로 갈기갈기 찢어지는 소리"라고 묘사했다.그의 책인 "스타쉽 아프리카"는 아프리카 디아스포라가 "반향/지연 장치의 광범위한 사용과 노래 표면의 파편화"에 의해 더브에 반영된다고 말한다.- 그는 더브의 리버브를 "디아스포라의 상태에 대한 음속적인 은유"로 간주한다.빌은 더브 제작자들이 아프리카 문화에 대한 기억을 [28]청취자들에게 이끌어내기 위해 에코와 리버트를 사용했다고 썼다.King Tubby, Lee Perry, Eroll Thompson, Mad 교수, Jah Shaka, Denis Bovell, Lynton Kwesi Johnson은 록 음악가들에게 영향을 주었다.1980년대 이후 더브는 테크노, 더브로니카/더브 테크노, 정글, 드럼 앤 베이스, 덥스텝, 하우스 뮤직, 펑크 앤 포스트 펑크, 트립홉, 앰비언트 뮤직, 힙합의 영향을 받아 왔다.컬처 클럽,[29] 빌 라스웰, 자 워블, 뉴에이지 스테퍼스,[30] PiL, 더 팝 그룹, 더 폴리스, 매시브 어택, 더 클래시, 에이드리언 셔우드, 킬링 [31]조크, 바우하우스 등의 뮤지션들이 각각의 장르에서 분명한 더빙 영향을 미쳤고, 그들의 혁신은 주류로 전환되는 더브에 영향을 미쳤다.

1987년 미국 그룬지 록 밴드 사운드가든은 오하이오 플레이어의 곡 "팝"의 더빙 버전을 이 [32]곡의 전통적인 록 커버와 함께 발매했다.DJ는 1990년대 말에 등장하여 영국의 Unity Dub과 같은 뮤지션들의 음악을 전문적으로 연주하였다.영국, 유럽 및 미국에서는 독립 음반 제작사가 계속해서 더브를 제작하고 있습니다.The Mars Volta를 결성하기 전, Cedric Bixler, Omar Rodriguez와 다른 멤버들은 1999년부터 Defacto라는 이름으로 일련의 더빙 앨범을 녹음했다.

펑크와 록 음악에 대한 더브의 영향

1960년대 후반 더브의 시작 이후, 그 역사는 영국의 펑크 록 장면과 얽혀있다.클래시는 리 "스크래치" 페리 (주니어 머빈과 공동 작곡한 "Police & Trives")와 마이키 드레드 (샌디니스타! 앨범에 수록)와 같은 자메이카 더빙 레게 크리에이터들이 참여한 공동 작업을 했다.또한, 전설적인 레게에 영향을 준 펑크 그룹 더 러츠(The Ruts)의 포스트 말콤 오웬 화신인 영국 그룹 러츠 DC는 매드 교수의 전문지식을 바탕으로 리듬 충돌 더브 1권 (Roir 세션)을 발매했다.미국의 많은 펑크 록 밴드들이 워싱턴 D.C.의 라스타 펑크 밴드 Bad Brains를 통해 더빙에 노출되었는데, 이 밴드는 80년대에 설립되어 가장 영향력 있는 음악을 발표했다.Blind Deach God는 더 빠르고 강렬한 노이즈 록 트랙과 함께 더빙 음악을 배치했다.더브는 Rancid와 NOFX와 같은 밴드들이 더브 스타일로 오리지널 곡을 [33][34]쓰면서 90년대의 몇몇 펑크 록 그룹에 채택되었다.종종, 스카 펑크 플레이 더브로 간주되는 밴드들이 노래에 영향을 끼쳤다; 그러한 밴드들 중 가장 먼저 인기를 끈 것은 서브라임으로, 그들의 앨범에는 더브 오리지널과 리믹스가 모두 포함되어 있었다.그들은 Rx Bandits와 The Long Beach Dub Allstars와 같은 최근 미국 밴드들에게 영향을 끼쳤다.게다가, 더브는 노 다웃과 같은 밴드를 포함한 몇몇 종류의 팝에 영향을 끼쳤다.No Doubt의 5집 Rock Steady [ 1 ]는, 리버브나 에코등의 인기 있는 더브 사운드를 풍부하게 갖추고 있다.밴드 스스로도 지적했듯이, 노 다웃은 자메이카 킹스턴에서 그들의 록 스테디[2] 앨범을 녹음하고 그들의 Everything in Time B-sides 앨범에 더빙 영향을 주는 B-sides를 제작하는 등 자메이카의 음악 미학과 제작 기술에 큰 영향을 받고 있다.노 다웃과 같은 팝스카 밴드들이 자신들을 더브 계통의 일부로 간주할 수 있는지에 대한 논란은 여전히 존재한다.Save Ferris와 Vincent와 같은 다른 밴드들은 팝스카와 더브의 영향을 융합하면서 No Doubt의 전철을 따랐다.

영국 펑크 밴드도 더브 음악을 만들고 있다.캡다운은 "Dub No.1"이라는 트랙을 담은 Civil Inliodients 앨범을 발매했고, 소닉 붐 식스와 킹 블루스는 이 장르를 독창적인 펑크 윤리와 태도와 혼합하면서 더브에서 큰 영향을 받았다.Sex Pistols의 존 라이든이 대표로 있는 포스트 펑크 밴드 Public Image Ltd는 그들의 음악, 특히 그룹의 멤버였던 다양한 베이시스트들을 통해 초기 음악에서 더브와 레게의 영향을 받은 베이스 라인을 자주 사용한다.1986년 영국 차트 11위에 오른 그들의 트랙 "Rise"는 더브/레게 영향을 받은 베이스 라인을 사용한다.

영국의 포스트펑크 밴드 바우하우스는 더브 음악의 영향을 많이 받았고, 지금까지 바우하우스의 베이스 연주자인 데이비드 J는 그들의 대표곡인 벨라 루고시의 죽음을 "우리의 [35][36][37]더브 해석"이라고 언급했다.

"King Bulth"와 "Time Machine"의 도입부와 같은 신발가제 밴드들이 더빙을 연구하고 실험했다.슬로우디브는 또한 "Souvlaki Space Station"과 그들의 악기 "Mousaka Chaos"를 더브 영향의 증거로 썼고, "Kitchen of Distribution"은 "Anvil Dub"을 발매했다.

영국 록 밴드 마릴리온의 가수 스티브 호가스는 2001년 앨범 아노락노포비아에 [38]더브의 영향을 인정했다.

21세기 더브

전통적인 더브는 살아남았고, 리 "스크래치" 페리, 매드 교수와 같은 더브의 원조들 중 일부는 계속해서 새로운 소재를 제작하고 있다.새로운 아티스트들은 기존의 두브 사운드를 계속 보존하고 있으며, 일부는 약간의 수정이 있지만 주로 라이브 환경에서 사운드의 원래 특성을 재현하는 데 중점을 두고 있습니다.이러한 예술가들의 Dubblestandart가 오스트리아 비엔나(누구랑에서 살아 있는 리"스크래치"는 페리와 공연을 하는 행성 더빙하다에서 앨범 리턴을 기록했다)에서, 액체 모르는 사람 스웨덴에서;Ticklah(또한 빅터 액설 로드, 얼 맥스턴. 미국, Calbert 워커와 더글러스 및 역할을 하지 않고 Degraw 알려진)을 포함한 뉴욕 작가들은, 빅터 R을 포함한다얼음, Easy Star All-Stars 및 Dub Trio(마이크 패튼과 라이브로 공연하고 현재 마티샤후의 백밴드로 투어 중), 서브아토믹 사운드 시스템(Lee "Scratch" Perry와 Ari Up이 리믹스한 소재), Dub is weapon, King Django, Guriant Israel. 이스라엘.샌프란시스코와 콜로라도 출신의 ht Dub 챔피언 Gaudi, 트위스트 레코드, 붐 원 사운드 시스템, 붐 원 레코드 레이블의 Dubsmith를 통해 여러 장의 영향력 있는 앨범을 발매한 영국의 Ott, 로스앤젤레스의 Future Pigon, Jahtari 레이블의 Disrupt와 Rootah와 같은 독일 아티스트, 네덜란드 트와일라잇 레이블의 Rootah.코스타리카에서는 ght dub 실험, 프랑스에서는 고순찰 대기.쿠바의 빅 밴드와 더브 기법을 혼합한 Bud Nubac의 작품에서 더 다양한 더브 기법의 사용이 명백하다.현대판 더브 프로듀서 라이언 무어는 트와일라잇 서커스 프로젝트로 평단의 갈채를 받았다.2022년에 Slie & Robbie vs.아르헨티나의 아티스트이자 더빙 엔지니어인 에르난 돈 카멜 소르지니가 제작한 루츠 라딕스 더브 배틀은 2019년 그래미 후보에 오른 '더 파이널 배틀' 앨범 전체를 더빙한 첫 앨범이다.이 앨범에는 리 "스크래치" 페리와 버니 "스트라이커" 리의 마지막 더빙과 킹 자미, 매드 교수, 데니스 보벨, 돈 카멜의 더빙 버전, 그리고 킹 터비의 [39]미공개 두 개의 더빙 버전이 포함되어 있다.

아프로퓨처리즘과 디아스포라

더브 음악은 아프로퓨처리즘의 문화적 미와 대화하고 있다.자메이카에서 생겨난 이 장르는 디아스포라 민족의 산물로 여겨지며, 그들의 문화는 혼란, 소외, 기억의 경험을 반영한다.공간을 채우는 사운드스케이프, 빛바랜 메아리, 음악 트랙 내의 반복을 통해 Dub 아티스트는 시간의 비선형성과 미지의 미래 공간에 대한 과거의 소리 투영과 같은 아프로퓨쳐리즘 개념을 활용할 수 있습니다.1982년 [40]에세이에서 Luke Ehrlich는 다음과 같은 특정 범위를 통해 Dub에 대해 설명합니다.

두브와 함께 자메이카 음악은 완전히 멍해졌다.만약 레게가 신대륙의 아프리카라면, 달나라의 아프리카가 틀림없습니다. 60년대에 듣기를 기대했지만 듣지 못한 사이키델릭 음악입니다.베이스와 드럼은 마치 빛나는 행성처럼 소리가 매달려 있거나 악기 조각들이 혜성이나 유성처럼 흔적을 남기며 어둡고 광활한 우주의 음악적인 초상화를 떠올리게 한다.'두브'는 원래 다른 편곡의 일부를 연결하는 것으로 의도된 소리를 취하여 원료로 사용하고, 그것들을 새롭고 다른 소리로 변환한 다음, 그 자체의 리듬과 형식으로, 이러한 새로운 소리를 계속해서 특이한 병렬 배치로 재구성하는 만화경 음악 몽타주이다.

동시에, 블랙 뮤지컬 캐논에서 더브 음악의 역할은 음악이 탄생한 디아스포라의 주제를 나타낸다.메아리와 반향의 소닉 구조 때문에,[41] 두브는 노예제도의 결과로 아프리카 디아스포라의 세대적 트라우마를 상징하는 꿈과 같은 세상을 만들 수 있다.이러한 두브에 대한 이해는 폭력을 포함한 디아스포라와 관련된 어두운 감정을 가질 수 있는 힘을 준다.킹 터비의 듀브 믹스에서는 타이어의 날카로운 소리, 총소리, 경찰 [42]사이렌 소리가 들립니다.아티스트 Arthur Jafa는 1994년 Organization of Black Designers [42]Conference 기조연설에서 더브 음악과 디아스포라에 대해 이렇게 말했다.

우리[아프리카계 미국인]가 공동체로서 누구인지 재구성하는 그러한 집단 경험.가장 중요한 원시 유적지 중 하나는 중간 통로일 것이다.만약 당신이 한 무리의 사람들을 향한 공포의 수준을 이해한다면, 당신은 아프리카계 미국인 공동체에 가해진 크기, 영향, 그리고 트라우마의 수준에 대해 어느 정도 이해하기 시작할 것이고, 그것이 "아프리카인 정신"을 아프리카계 미국인 심리학의 시초로 재형성시킨 가장 초기의 집단 경험들 중 하나였을 것이다.예를 들어 흑인 음악을 보면 이 모든 부재감, 상실감, 그리고 모르는 것을 되찾기 위한 구조적인 것들을 볼 수 있습니다.제가 생각하고 있는 것 중 하나는 더빙 음악입니다.그것은 결국 일반적인 경험에 대해 이야기하게 됩니다.왜냐하면 음악의 구조는 물건들이 떨어져 나갔다가 다시 들어오는 것에 대한 것이기 때문입니다.이 모든 상실감, 파열감, 복구감은 디아스포라 흑인들의 경험 전반에 걸쳐 매우 흔한 것입니다.

윌리엄 깁슨은 1984년 공상과학 소설 뉴로맨서에서 더브를 자주 언급한다.

그들이 작업하면서 케이스는 클러스터를 통해 끊임없이 진동하는 음악을 점차 인식하게 되었습니다.그것은 디지털화된 팝의 방대한 도서관에서 요리된 감각적인 모자이크인 두브라고 불렸고, 그것은 숭배와 공동체 의식이었다고 몰리는 말했다.가방은 노란색 시트 중 하나에 놓여 있었다; 그것은 가볍지만 여전히 어색했다.시온은 요리된 야채, 인간성, 그리고 간자 냄새가 났다.

"우리는 많은 주파수를 모니터링합니다.우리는 항상 듣는다.혀끝에서 우리에게 말하는 목소리가 들려왔다.그것은 우리에게 큰 반향을 불러일으켰다."

자메이카 사운드 시스템

자메이카 사운드 시스템에 대한 가장 직접적인 설명은 음악 증폭과 확산으로 구성된 기계 시스템을 다루는 개인일 것이다.여기에는 턴테이블, 스피커 및 PA 시스템이 포함됩니다.이 시스템에서 디제이는 녹음을 통해 말하는 사람이다.DJ라는 미국 용어와 혼동해서는 안 된다.DJ는 음악이 나오는 행사에서 선곡을 담당하는 사람을 말한다.이 역할은 사운드 시스템 더브 문화에서 셀렉터로 알려져 있으며, 시스템, 특히 자메이카 댄스 홀에서 중요한 역할을 합니다.

음향 시스템은 자메이카에서 50년 이상 음악 제작에 널리 사용되어 왔다.사운드 시스템과 더빙 음악 사이의 진정한 중요성과 관계는 더빙된 버전의 더빙된 사운드에서 찾을 수 있다.이 더빙된 버전의 노래들은 보컬이 없는 오리지널 트랙으로 구성되었다.레게 사운드스케이프와 자메이카 사운드 시스템을 통해, 더빙 아티스트들은 이 더빙된 버전의 노래나 리믹스를 창의적으로 조작할 수 있었다.이 더브 리믹스는 효과, 보컬 샘플의 영향을 많이 받았고 더브의 진행에 필수적이었다.종종 버전이라고 불리는 리믹스는 특정 레코드의 양면이었다.그 덥 뮤지션은 그 노래가 더빙의 영향과 느낌을 가지도록 하기 위해 버전에 극적인 일시중단과 붕괴를 추가할 것이다.사운드 시스템을 사용하여 더브 트랙을 만든 아티스트는 특정 레코드 버전 관리 리믹스를 만든 것을 언급할 것입니다.사운드 시스템의 설정에서는, 버전은 디제이의 더 많은 목소리의 즉흥 연주와 표현을 허용합니다.이러한 리믹스나 버전은 자메이카 사운드 시스템과 수년에 걸친 발전 없이는 불가능했을 것이다.

레게와 자메이카 문화의 중심에는 사운드 시스템이 있습니다.1950년대 초반 사운드 시스템은 턴테이블, 앰프, 스피커 한 쌍에 불과했다.이후 21세기에는 대규모 장비와 승무원을 포함한 대규모 제작이 되었고,[citation needed] 현재는 전 세계를 순회할 수 있는 능력을 갖추게 되었습니다.

자메이카 사운드 시스템은 더브 음악의 진화와 맞물려 자메이카 전역에 새로운 문화가 생겨나고 변화하고 있다.자메이카가 1962년 영국으로부터 독립했을 때, 그 문화는 위험에 처했고, 그 나라는 정체성 위기에 처해 있었다.영국으로부터의 독립과 함께, 자메이카는 음악에서 개성과 독창성의 부족을 경험하기 시작했고, 이것은 자메이카를 더 많은 문화적 혼란으로 몰아넣을 위기에 처했다.자메이카의 사운드 시스템과 더빙 음악은 자메이카가 그들만의 [43]음악이라고 주장할 수 있는 또 다른 장르의 음악을 가질 수 있게 해주었다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

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추가 정보

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외부 링크

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