록 음악에서의 일렉트로닉스

Electronics in rock music
이 기사는 록 음악에서 전자 악기를 사용하는 것에 관한 것이다.음악의 장르는 일렉트로닉 록을 참조해 주세요.
일렉트로닉 뮤직
실험 형태
인기 있는 스타일
기타 토픽
Mellotron은 음악 샘플러의 초기 형태로서 1960년대 후반과 1970년대 초반에 널리 사용되었다.

록 음악에서 전자 음악 기술의 사용은 전자 악기의 실용성과 독특한 스타일로 등장한 장르와 동시에 일어났다.록 음악은 특히 신시사이저의 발명과 개량, MIDI 디지털 형식과 컴퓨터 기술에 크게 의존해 왔다.

1960년대 후반, 록 음악가들은 그들의 사운드를 보완하고 정의하기 위해 테르민이나 멜로트론과 같은 전자 악기를 사용하기 시작했다.; 10년 말에 Moog 신시사이저는 1970년대 초반 록을 지배할 새로운 프로그레시브 록 밴드들의 사운드에서 선도적인 위치를 차지했다.1980년대에는 보다 상업적인 신스팝이 일렉트로닉 록을 지배했다.새 천년에 녹음 소프트웨어의 보급은 일렉트로클래시, 댄스펑크, 뉴레이브 등 새로운 장르의 발전을 이끌었다.

테크놀로지

주요 기사:전자 기기
1964년 뉴욕 알윈 니콜라이 댄스 시어터에서 의뢰한 최초의 상업용 무그 신시사이저

테이프 조작 또는 음악 콩크르테, 초기 컴퓨터 음악 및 초기 샘플링 및 소리 조작 기술에 대한 실험은 기술을 통해 새로운 소리를 조작하고 만들 수 있는 기반을 마련했습니다.세계 최초로 음악을 재생한 컴퓨터는 1950-1년에 CSIRAC로, Trevor Pearcey와 Maston Beard가 설계하고 제작했으며 수학자 Geoff [1][2]Hill이 프로그래밍했습니다.초기 전자악기에는 연주자의 손의 위치를 감지하고 한 손으로 발진기를 제어하는 두 개의 금속 안테나를 사용하는 테르민과 섬뜩하지만 소리를 조작하기 어려운 진폭(볼륨)이 있었다.그것은 20세기 초에 아방가르드나 클래식 음악가들이 사용했고 1940년대와 50년대 사이언스 영화나 [3]서스펜스에 많이 사용되었다.

1960년대 중반 록 음악이 독특한 [4]음악 장르로 떠오르기 시작하면서 레코딩 스튜디오에서 실제로 사용할 수 있는 전자 음악 신시사이저가 보급되었다.전자 기계식 폴리폰 샘플 재생 키보드인 Mellotron은 1960년대 [5]중반부터 다양한 소리를 내기 위해 병렬 선형 오디오 테이프 뱅크를 사용했습니다.멜로트론의 초기 인기는 1964년 로버트 무그가 만든 무그 신시사이저에 의해 추월될 것이다. 무그 신시사이저는 음정과 주파수로 조작될 수 있는 완전히 전자적으로 생성된 소리를 만들어 음표의 "곡선"과 상당한 다양성과 음악적 기교를 표현할 수 있게 했다.초기의 상업용 무그 신시사이저는 크고 조작이 어려웠지만, 1970년 무그는 훨씬 간단하고 사용하기 쉬우며 라이브 [6]퍼포먼스에 더 실용적인 휴대용 미니 무그를 출시함으로써 록과 팝 음악에서의 사용에 대응했다.초기 합성자들은 단음파였지만, 1970년대 중반부터 폴리포닉 버전이 만들어지기 시작했고,[7] 최초의 예언자-5가 되었다.

MIDI(Musical Instrument Digital Interface)는 1982년 전자 악기(싱테사이저, 드럼 머신), 컴퓨터 및 기타 전자 기기(MIDI 컨트롤러, 사운드 카드, 샘플러)가 서로 통신하고 동기할 수 있도록 하는 업계 표준 프로토콜로 만들어졌습니다.기존 아날로그 장치와 달리 MIDI는 오디오 신호를 전송하지 않고 음높이와 강도에 관한 이벤트 메시지, 볼륨, 비브라토, 패닝 등의 파라미터에 대한 제어 신호, 템포를 설정하기 위한 신호 및 클럭 신호를 전송하여 보다 복잡한 음악을 구축하고 다양한 [8]장치를 통합할 수 있습니다.

새천년기에 들어서면서 컴퓨터 테크놀로지에 대한 접근성이 높아지고 음악 소프트웨어가 발전함에 따라 노트북 퍼포먼스(랩트로니카)[10]나 라이브 코딩 [11]등 기존의 음악 연주 [9]관행과는 무관한 수단을 사용하여 음악 제작 기술과의 상호작용이 가능해졌습니다.지난 10년 동안 Proprohead's Reason, Ableton Live 및 Native Instruments Reaktor와 같은 제품이 널리 인기를 [12]끌면서 많은 소프트웨어 기반 가상 스튜디오 환경이 등장했습니다.이러한 툴은 일반적인 하드웨어 기반의 제작 스튜디오를 대체할 수 있는 실행 가능하고 비용 효율이 높은 대안을 제공합니다.마이크로프로세서 테크놀로지의 진보 덕분에 이제 노트북 한 대만으로 고품질의 음악을 만들 수 있게 되었습니다.이러한 발전은 음악 창작의 [13]민주화로 보여져 일반 대중이 인터넷을 [10]통해 이용할 수 있는 국내 전자 음악의 양이 크게 증가하게 되었다.

역사

1960년대

주요 기사:사이키델릭 록
1974년 일렉트로닉 록의 선구자 무디 블루스의 마이크 핀더

대중음악에서 전자악기를 사용한 최초의 작곡가 중 한 명은 I Hear A New World(1959년에 녹음되었지만 [14]1991년까지 완전히 발매되지 않음)와 1962년 The Tornados가 녹음한 곡 "Telstar"[15]의 조 미크였다.1960년대는 스튜디오 기술과 새로운 기술의 활용으로 특이하고 새로운 소리를 만들어냈다.일렉트릭 기타의 음질을 다양한 방식으로 [16]왜곡하거나 변형시키는 소형 기타 스탬프 박스와 다양한 기타 효과가 개발되었습니다.멜로트론은 1965년부터 여러[17] 악기 연주자 그레이엄 본드에 의해 사용되었고 곧 1966년부터 무디 블루스의 마이크 핀더에 의해 "Nights In White Satin"과 [18]"Strawberry Fields Forever"의 비틀즈에 의해 채택되었다.킹 크림슨의 이안 맥도널드, 예스의 릭 웨이크먼, 제네시스의 토니 뱅크스도 이 시기에 주요 멜로트론 사용자가 되어 바이올린, 첼로, 금관악기, 플루트, 합창 사운드를 [19]각각의 밴드의 음악에 주요 텍스처로 주입했다.

The Beach Boys의 트랙 "I Just Was Made Not These Times"는 록 앨범에서 일렉트로-테레민을 처음으로 사용한 음반이자 테레민과 비슷한 [20][21]악기를 사용한 최초의 록 앨범이다.60년대 후반에는 무그 신시사이저가 대중화되기도 했다.더 도어스의 1967년 앨범 Strange Days는 [22]폴 비버가 연주한 여러 트랙에 무그를 실었다.몽키스의 믹키 돌렌즈는 최초의 무그 신시사이저 중 하나를 구입했고 밴드는 1967년 미국 차트 [23]1위에 오른 피시스, 아쿠아리우스, 염소자리 & 존스사와 함께 (The Giodian: Cosmic Sounds and Strange Days에 이어) 앨범에서 3위를 차지했다.웬디 카를로스의 스위치 온 바흐(1968년)는 무그를 사용하여 그 시대의 수많은 음악가들에게 영향을 미쳤고 지금까지 [24]만들어진 클래식 음악 중 가장 인기 있는 음반 중 하나이다.무그의 소리는 1968년[25] 사이먼과 가펑클의 북엔드와 비틀즈의 애비 로드(1969년)[26]로 대중 시장에까지 퍼졌다.

1970년대

참고 항목: 프로그레시브 록, 크라우트록 및 신스팝
세인트 에머슨에서 공연하는 키스 에머슨2008년 페테르부르크

핑크 플로이드의 리차드 라이트와 예스의 릭 웨이크먼과 같은 진보적인 록 음악가들은 곧 새로운 휴대용 신시사이저를 광범위하게 사용하게 되었다.다른 초기 사용자들로는 에머슨, 레이크 & 파머의 키스 에머슨, 피트 타운센드, 일렉트릭 라이트 오케스트라, 제네시스, 리턴 투 포에버, 웨더 리포트가 있었다.인스트루멘탈 프로그 록은 유럽 대륙에서 특히 중요했는데, 크래프트베르크, 탠저린 드림, 캔, 파우스트, 클라우스 슐제와 같은 밴드들이 언어의 [27]장벽을 우회할 수 있게 해주었다.그들의 신시사이저 중심의 "Kraut rock"는 Brian Eno (한때 Roxy Music의 키보드 플레이어)의 작업과 함께 후속 일렉트로닉 [28]록에 큰 영향을 미칠 것이다.1972년 재즈 뮤지션 스탠 프리(Stan Free)는 핫 버터(Hot Butter)라는 필명으로 1969년 거손 킹슬리의 곡 "팝콘"을 커버해 미국과 영국에서 톱 10에 들었다.Moog 신시사이저의 [29]사용으로 인해 신스팝의 선구자로 여겨진다.같은 해, 일본의 음악가 토미타 이사오는 일렉트로닉 앨범 Electric Samilai를 발매했습니다. 모그 신시사이저로 컨템포러리 록 곡을 모은 'Switched on Rock'입니다.그것은 그가 나중에 1974년 히트 앨범 Snowflakes Are Dancing으로 이어지게 될 음성 합성과 신시사이저 프로그래밍을 특징으로 했다.그의 작업은 신시사이저 프로그래밍의 [30]혁명으로 여겨졌다.호소노 하루오미가 피처링한 기타지마 오사무의 1974년 프로그레시브 사이키델릭 록 앨범 벤자이텐은 신시사이저, 리듬 머신, 일렉트로닉 [31][importance of example(s)?]드럼을 사용했다.1970년대 중반에는 브라이언 에노와 함께 뉴에이지 [32]음악의 발전에 큰 영향을 준 장 미셸 자레, 반젤리스, 토미타 같은 일렉트로닉 아트 뮤지션들이 부상했다.

신시사이저는 1970년대 록 뮤지션들에게 보편적으로 환영받지 못했다.퀸을 포함한 일부 밴드는 앨범 라이너 노트에 합성기를 [33]사용하지 않았다고 밝혔다.마찬가지로, 초기 기타 기반의 펑크 록은 처음에는 신시사이저의 [34]"진짜" 사운드에 적대적이었지만, 이 무브먼트에서 등장한 많은 새로운 웨이브와 포스트 펑크 밴드들이 그것을 [35]그들의 사운드의 주요 부분으로 채택하기 시작했다.뉴욕의 포스트 펑크 장면에서 생겨난 아메리칸 듀오 수세우스는 1977년 [36]앨범에서 일렉트로닉스와 포스트 펑크 사이의 이상한 혼합물에 드럼 기계와 신시사이저를 사용했다.영국 밴드 Throughing Gristle과 Cabaret Voltaire와 함께 그들은 산업 음악을 [37]만들기 위해 산업 생산의 소리를 모방한 다양한 전자 및 샘플링 기술을 사용했다.

4월 1977년, 캣 스티븐스의 Izitso synthesizers,[38]의 광범위한 사용과 더synthpop 스타일 있는 음악 순서기의 조기 사용했다 특히[39]" 있었습니까 개는 도넛"는 일찍이techno-pop 융합 track,[40]그의 팝 락과 포크 락 스타일 알려 주었습니다.[41]1977년 또한 새해에는 울트라 복스 멤버 워렌 동류 전환은 롤랜드 TR-77 드럼을 구입했다. 1977년 10월의 싱글 발매 「히로시마 몬 아모어」에 첫 등장.발라드 편곡, 메트로놈 같은 타악기, ARP 오디세이 신시사이저의 과도한 사용은 전통적인 록을 새로운 음악 [42]기술과 융합하려는 초기 시도였다.일본 밴드 옐로우 매직 오케스트라는 그들의 셀프 타이틀 앨범(1978년)과 솔리드 스테이트 서바이버([43]1979년)로 신스팝을 개척했으며, 후자는 비틀즈의 "데이 트리퍼"(1965년)[44]의 기계화된 커버 버전과 같은 몇몇 초기 컴퓨터화된 록 [44][45]곡들을 포함하고 있다.또한 1978년 휴먼리그의 첫 번째 화신은 데뷔 싱글 "Being Boild"를 발표했고 데보는 좀 더 일렉트로닉한 [importance of example(s)?]사운드로 나아갔다.웨스트 런던 출신의 잘 알려지지 않은 단체인 튜브웨이 아미도 곧 뒤따랐다. 튜브웨이 아미는 펑크 록 이미지를 버리고 밴드 웨건에 올라 1979년 여름 싱글곡 "Are Friends Electric?"으로 영국 차트 1위를 차지했다.이로 인해 가수 게리 누만은 솔로 활동을 하게 되었고, 같은 해 크래프트워크에서 영감을 받은 앨범인 "The Fleasure Principle"을 발매하여 싱글 "Cars"[46][importance of example(s)?]로 두 번째로 차트 1위를 차지했다.

1980년대

주요 기사:신스팝
다음 항목도 참조하십시오.뉴웨이브 음악
2009년 런던 O 아레나에서2 디페쉬 모드 콘서트 개최

MIDI의 정의와 디지털 오디오의 발달로 순수 전자 사운드의 제작이 훨씬 [47]쉬워졌습니다.이것은 신스팝의 성장으로 이어졌고, 특히 뉴로맨틱 운동에 의해 신시사이저가 [48]80년대 초반의 팝과 록 음악을 지배하게 되었다.신스팝의 초기 사운드는 섬뜩하고, 무균하며, 막연하게 위협적이었지만 듀란 듀란과 같은 상업적인 지향의 밴드들은 댄스 비트를 채택하여 더욱 매력적이고 따뜻한 [48]사운드를 만들어냈다.그들은 곧 신시사이저를 사용하여 3분짜리 팝 싱글을 만든 많은 밴드들에 의해 차트에 올랐다.이 신낭만파는 그 바위, 과학 소설과 1920년 Berlin에 병합. 발레단, 몰려들다 갈매기들이, 컬처 클럽, ABC, 소프트 전지, 강연 강연만으로, B-Movie고 Eurythmics 같은 낭만적인 요소, 때때롤 때까지 스타일 fr는 떨어지기 시작했다,[49]모든 다른 악기들을 대체하기 위해 신시사이저를 사용하여 결합한 정교한 비주얼 스타일을 포함했다.om1980년대 [48]중반의 인기

1990년대

주요 기사:빅 비트와 인더스트리얼 록
A man sitting in front of a field of craggy rocks.
2008년 Nine Inch Nails의 Trent Reznor

90년대에 많은 일렉트로닉 액트는 빅 비트라고 알려진 장르에서 록 감성을 음악에 적용했다.올드스쿨 힙합을 연상시키는 방식으로 올드스쿨 파티 브레이크비트와 다양한 샘플을 융합했다.빅비트는 1990년대 후반의 일렉트로니카 파동을 하향 평준화시켰다는 비판을 받았다.이 소리는 팻보이 슬림, 프로디지, 케미컬 브라더스 같은 영국 배우들과 미국의 크리스탈 메서드, 위버존, 루나틱 차임 [50]같은 가수들에 의해 대중화 되었다.

이 시기에는 또한 산업용 록과 메탈을 결합한 예술가들이 부상했다.Ministry와 Nine Inch Nails는 모두 플래티넘 판매 앨범을 [51][52]기록했다.그들의 성공은 Foetus와 Coil을 포함한 다른 산업 음악가들의 주류 관심으로 이어졌다.90년대 중반은 KMFDM과 같은 1980년대부터 존재해 온 밴드 외에 그라비티 킬즈와 같은 새로운 밴드가 상업적인 [53]활동으로 떠오른 시기였다.

2000년대

주요 기사:인디트로니카, 댄스펑크, 신스팝 및 일렉트로닉코어
2007년 Gaspard Augé와 Justice의 Xavier de Rosnay

2000년대에는 컴퓨터 기술의 접근성과 음악 소프트웨어의 발달로 노트북 한 [10]대만으로 고품질의 음악을 만들 수 있게 되었다.이로 인해 인터넷 [54]보급을 통해 일반 대중이 접할 수 있는 국산 전자음악의 양이 크게 증가하였고 랩트로니카[10], 라이브 [11]코딩 등의 새로운 형태의 연주가 이루어졌다.인더스트리얼 록 배우 나인인치 네일스의 앨범 Year Zero(2007)[51]처럼 기존 밴드에서도 활용되기 시작했고 인디에트로니카 일렉트로클래시 댄스펑크 뉴레이브 등 디지털 기법과 사운드를 혼합한 장르를 개발하기도 했다.

90년대 초 스테레오랩, 디스코 인페르노 등의 밴드와 함께 시작된 인디에트로니카(Indietronica)는 영국의 브로드캐스트, 프랑스의 저스티스, 독일의 랄리 푸나(Lali Puna), 미국의 체신부와 라타트(Ratatatatat) 등 새로운 디지털 기술이 발달하면서 인디 일렉트로닉과 다양한 사운드를 혼합해 나갔다.주로 작은 독립 [55][56]라벨로 생산되는 유식.일렉트로클래시 서브장르는 1990년대 말 뉴욕에서 시작됐으며 신스팝, 테크노, 펑크, 퍼포먼스 아트를 결합했다.I-F가 그의 트랙 "Space Invaders Are Smoking Grass"(1998년)[57]로 개척했고, 펠릭스 다 [58]하우스캣, 복숭아, 칙스[59] 온 스피드,[60] 피셔스포너 등의 아티스트가 추구했다.처음에 레이디트론은 일부 [61]기자에 의해 전기충돌이라는 꼬리표를 달았지만, 그들은 이 [62][63]꼬리표를 거부했다.새천년 초에 국제적인 주목을 받았고 런던과 베를린의 장면으로 번졌지만, 눈에 띄는 [64]장르로 빠르게 사라졌습니다.포스트펑크 사운드와 디스코, 펑크를 혼합한 댄스펑크는 1980년대에 발전했지만, 새천년 초 차고록/포스트펑크 부활의 일부 밴드들, 특히 LCD 사운드시스템, 라이어스, 랩처, 라디오4와 같은 댄스 지향적인 사운드를 채택한 뉴욕 공연들 사이에서 부활했다.아웃허드처럼요[65]영국에서는 dance-punk과 인디의 조합 Klaxons을 위해 대대적인 홍보에 용어와 적용되는 NME에 의해 쓰레기 Fashion,[67]는 어린 포니 Club,[68]하도켄!등 오후 늦게 교각에 대한 시험 Icicles[69]과 Shitdisco,[66]초 레이브 음악과 비슷한 시각적 아름다움와 함께 하는 어떤 장면을 형성하는 bands[66]에 포착돼 새로운 파티로 불렸다.[66][70]

2008년 Ladytron은 원래 일렉트로클래시로 분류되어 신스팝에 대한 관심을 되살리는 데 도움을 주었다.

일렉트로닉 음악에 대한 새로운 관심과 1980년대에 대한 향수는 어덜트와 피셔스포너를 포함한 신스팝의 부활을 이끌었다.2003-4년에 레이디트론, 우정국, 컷 카피, 브레이브러, 킬러즈 모두 포스트그룬지와 누메탈의 지배적인 사운드와 대조되는 빈티지 신시사이저 사운드와 스타일을 통합한 음반을 제작하면서 주류로 옮겨가기 시작했다.특히 킬러스는 상당한 방송과 노출을 즐겼고 그들의 데뷔 앨범 Hot Puffs는 빌보드 탑 텐에 [71]올랐다.킬러, 용맹, 스틸즈 모두 데뷔 앨범 이후 신스팝 사운드를 뒤로하고 1970년대 클래식 [72]록을 탐구하기 시작했다.

포스트 하드코어, 메탈코어 등 메탈과 하드코어 펑크 서브장르에 종사하는 일부 현대인들은 일렉트로닉 음악의 [81]영향을 받았다.전형적인 메탈과 하드코어 특성 외에도 신시사이저, 전자적으로 생성되는 리듬과 비트, 자동 조율된 [73][79][82]보컬을 사용합니다.이러한 [80][83]그룹은 영국,[75][77] 미국,[73] 캐나다, 브라질[84], 홍콩, 체코에서 결성되었다.이러한 경향은 일렉트로닉코어,[79][82] 신스코어,[79][74] 트랜스코어 등의 용어를 사용하고 있습니다.최근 형성된 포스트 하드코어, 메탈코어 밴드 중 일부는 일렉트로니카 [75][76][77]특성을 활용한다.수메르 레코드는 "최근 '일렉트로니카/하드코어' 음악이 넘쳐나고 있다"[76]고 지적한다.하드코어 펑크 서브 장르와 일렉트로닉 댄스 음악의 융합을 보여주는 주목할 만한 밴드로는 [73][79]Attack Attack!,[79][85] Askandria,[79][80][83] All For A Vision,[86] Enter Shikari,[74][87] I See[75][76][79][82] Stars Breath Carolina, Ghost Town, Public [88]Relations 등이 있다.Horse the Band는 하드코어와 [78]비트팝 그리고 Nintenovocore라고 불리는 칩튠을 결합함으로써 다소 다른 방식으로 그렇게 행동했다.

레퍼런스

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