조각품

Sculpture
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죽어가는 갈리아, 또는 로마 카피톨린[1] 갈리아는 기원전 3세기 후반 카피톨린 박물관의 헬레니즘 작품의 로마 대리석 사본이다.
코르사바드에서 온 아시리아라마수 문지기, 기원전 800년 경-721년
교황 율리우스 2세의 무덤을 위한 로마 빈콜리의 산 피에트로 미켈란젤로의 모세(1513년 경-1515년)
19세기 중반의 일본, 조개 상감, 두 마리의 새끼를 가진 호랑이의 네츠케
Anthony Gormley의 The Angel of North, 1998

조각은 입체적으로 작동하는 시각 예술의 한 분야이다.조각은 높이, 폭, 깊이의 치수로 물리적으로 표현되는 입체 예술 작품이다.그것은 조형 예술 중 하나입니다.내구성이 뛰어난 조각 공정은 원래 석재, 금속, 도자기, 나무 및 기타 재료에 조각(재료의 제거)과 모델링(점토와 같은 재료의 추가)을 사용했지만, 모더니즘 이후 재료와 공정의 거의 완전한 자유가 생겼습니다.조각, 용접 또는 모델링 또는 성형 또는 주조와 같은 제거 작업을 통해 다양한 재료를 가공할 수 있습니다.

돌로 된 조각은 부패하기 쉬운 재료의 예술 작품보다 훨씬 더 잘 살아남고, 비록 반대로 나무로 된 조각의 전통이 거의 사라졌을지라도 종종 고대 문화에서 살아남은 작품의 대부분을 대표한다.하지만, 대부분의 고대 조각은 밝게 칠해졌고,[2] 이것은 없어졌다.

조각은 많은 문화에서 종교적 헌신의 중심이었고, 최근 몇 세기까지 개인들이 만들기에는 너무 비싼 큰 조각들은 보통 종교나 정치의 표현이었다.조각이 많이 남아 있는 문화로는 고대 지중해, 인도, 중국뿐만 아니라 중남미, 아프리카의 많은 문화들이 있다.

서양의 조각 전통은 고대 그리스에서 시작되었고, 그리스는 고전 시대에 위대한 걸작을 만들어내는 것으로 널리 알려져 있다.중세 동안, 고딕 조각은 기독교 신앙의 고통과 열정을 표현했다.르네상스 시대의 고전적 모델들의 부활은 미켈란젤로의 다비드 조각상과 같은 유명한 조각품들을 만들어냈다.모더니즘 조각은 전통적인 과정과 인체의 묘사에 중점을 두던 것에서 벗어나 건축 조형물을 만들고 발견한 물건을 완성된 예술 작품으로 전시했다.

종류들

기본적인 구분은 "원형" 조각, 다른 표면에 부착되지 않은 조각상(아마도 바닥에서 제외)과 같은 독립형 조각과 적어도 부분적으로 배경 표면에 부착되는 다양한 부조물 사이의 차이입니다.릴리프는 종종 벽으로부터의 돌출 정도에 따라 낮은 부조, 낮은 부조, 높은 부조, 그리고 때로는 중간 부조로 분류된다.Sunk-Relief는 고대 이집트에 국한된 기술이다.릴리프는 라운드에서 달성하기 어려운 대형 인물 그룹이나 서사 주제에 대한 일반적인 조각 매체이며, 많은 도자기, 금속 세공품, 보석과 같이 건물에 부착된 건축 조각과 다른 물체를 장식하는 작은 조각 모두에 사용되는 전형적인 기술입니다.부조상은 또한 석상, 직립 석판, 보통 돌로 장식할 수 있으며, 종종 비문을 포함하고 있다.

또 다른 기본적인 차이는 기존 블록이나 덩어리(예: 돌이나 나무)에서 재료를 제거하는 감산 조각 기술과 재료에서 작품을 형성하거나 만드는 모델링 기술 사이의 차이이다.주조, 스탬프 및 몰딩과 같은 기술은 디자인을 포함하는 중간 매트릭스를 사용하여 작품을 제작합니다. 이들 중 많은 부분이 여러 개의 복사본을 제작할 수 있습니다.

중국 룽먼 동굴의 야외 불교 암각화

"조각"이라는 용어는 종종 큰 작품들을 묘사하는데 주로 사용되며, 이것은 때때로 기념비적인 조각이라고 불리기도 하는데, 이것은 큰 조각들 혹은 건물에 붙어 있는 조각들 중 하나 또는 둘 모두를 의미한다.그러나 이 용어는 동전과 메달, 단단한 돌 조각, 세밀한 작업을 필요로 하는 작은 돌 조각의 용어를 포함하여 많은 종류의 작은 작품들을 3차원으로 적절히 다루고 있다.

매우 크거나 "콜로살"인 이 조각상은 고대부터 지속적인 매력을 가지고 있습니다; 기록된 가장 큰 조각상은 182m(597피트)로 2018년 인도 통일 여신상입니다.또 다른 웅장한 형태의 초상화는 최근 수십 년 동안 보기 드문 승마상이다.실물 크기의 초상화 조각의 가장 작은 형태는 "머리"로, 바로 그것 또는 가슴에서 위로 인물을 표현한 흉상입니다.작은 형태의 조형물은 조각상, 보통 높이가 18인치(46cm) 이하인 조각상, 그리고 판, 메달 또는 동전을 포함한다.

현대 미술은 소리 조각, 빛 조각, 환경 예술, 환경 조각, 거리 예술, 운동 조각, 랜드 아트, 그리고 현장 고유의 예술을 포함한 많은 비전통적인 형태의 조각품을 추가했습니다.조각은 공공 미술의 중요한 형태이다.정원에서의 조형물 컬렉션은 조형물 정원이라고 할 수 있다.

사람이 사는 조각

An example of Inhabited Sculpture 거주형 조각은 사람이 거주하는 특징을 가진 3차원 공간에서 작동하는 응용형 조각의 한 종류입니다.Brancusi에 따르면, "건축은 사람이 사는 조각이다."

목적과 주제

이스터섬에서 온 모아이섬에서는 대규모 조각품에 자원이 집중되면서 심각한 정치적 영향을 미쳤을 수 있다.

조각의 가장 일반적인 목적 중 하나는 종교와 어떤 형태로든 연관되는 것이다.컬트 이미지는 올림피아의 제우스상처럼 고대 그리스 예술을 특징짓는 거대한 신상들이 아니지만 많은 문화권에서 흔하다.이집트 신전의 가장 안쪽 성지에 있는 실제 컬트 이미지는 가장 큰 신전에서도 상당히 작았다.힌두교에서도 종종 마찬가지인데, 힌두교에서는 매우 단순하고 오래된 형태의 언어가 가장 흔하다.불교는 동아시아에 종교인의 조각상을 가져왔는데, 동아시아에는 이전의 동등한 전통이 없었던 것으로 보이지만, 다시 말해 비나 콩과 같은 단순한 모양은 아마도 종교적인 의미를 가지고 있었을 것이다.

개인 소유물로서의 작은 조각은 최초의 선사시대 예술로 거슬러 올라가며, 공공 예술로서 매우 큰 조각품을 사용한 것은, 특히 통치자의 힘으로 보는 사람에게 깊은 인상을 주기 위해서, 적어도 약 4,500년 전의 그레이트 스핑크스로 거슬러 올라간다.고고학과 미술사에서 문화에서 거대하거나 기념비적인 조각의 출현과 때로는 사라짐은 매우 중요한 것으로 간주되지만, 그 출현을 추적하는 것은 종종 기록이 [3]남아 있지 않은 나무나 부패하기 쉬운 재료에 조각이 존재한다고 추정되기 때문에 복잡하다.

토템폴은 고고학의 흔적을 남기지 않는 나무로 된 기념비적인 조각의 전통 사례이다.통상 매우 무거운 재료를 운반하고 전임 조각가로 간주되는 것에 대한 지불을 준비함으로써 기념비적인 조각품을 만들기 위한 자원을 소환하는 능력은 사회 조직 면에서 상대적으로 발달된 문화의 표시로 여겨진다.인간 크기의 두 배가 넘는 싼싱두이(三興都)에서 최근 예상치 못한 중국 청동기 시대의 인물들이 발견되면서 이전에는 훨씬 더 작은 청동만이 [4]알려져 있었기 때문에 초기 중국 문명에 대한 많은 생각들이 뒤숭숭해졌다.

인더스 밸리 문명과 같은 의심할 여지 없이 진보된 몇몇 문화들은 매우 정교한 피규어와 인장을 만들었지만 기념비적인 조각이 전혀 없었던 것으로 보인다.미시시피 문화는 무너졌을 때 작은 돌 조각과 함께 그 사용을 향해 나아간 것으로 보인다.고대 이집트와 이스터 섬 문화 같은 다른 문화들은 아주 초기 단계부터 매우 큰 규모의 기념비 조각에 막대한 자원을 쏟아 부은 것으로 보인다.

1435년경 피사넬로의 요한 8세 팔레올로구스 훈장, 최초의 초상화 훈장, 수집을 위해 기본적으로 만들어진 매체.

그리스, 중국, 메소아메리카에서 전기를 포함한 조각품 수집은 약 2,000년 전으로 거슬러 올라가며, 현대 박물관이 발명되기 훨씬 전에 많은 소장품들이 반공개 전시되었다.20세기부터, 큰 조각에서 발견되는 상대적으로 제한된 소재의 범위는 추상적인 소재와 모든 소재의 사용 또는 표현으로 크게 확장되었다.오늘날 많은 조각품들이 갤러리나 박물관에 간헐적으로 전시될 수 있도록 만들어지고 있으며, 점점 더 큰 작품들을 운반하고 보관할 수 있는 능력은 그 건축의 한 요소이다.도자기에서 가장 많이 볼 수 있는 작은 장식용 조각상들은 오늘날 로코코나 타나그라 조각상이 주요 산업이었던 고대 그리스, 동아시아와 콜럼버스 이전의 예술에서와 같이 인기가 있다.님루드 이보리, 베그람 이보리, 투탕카멘 무덤에서 발견된 것과 같이 가구와 다른 물건들을 위한 작은 조각 부속품들은 고대로 거슬러 올라간다.

초상화 조각은 나르메르 팔레트가 기원전 32세기 통치자를 보여주는 이집트와 기원전 2144-2124년 라가시를 지배했던 27개의 구데아 조각상이 남아 있는 메소포타미아에서 시작되었다.고대 그리스와 로마에서 초상화를 공공장소에 세우는 것은 거의 최고의 영예이자 동전에 그려진 [5]엘리트들의 야망이었다.이집트와 근동과 같은 다른 문화권에서는 공공 동상이 거의 지배자의 전유물이었고, 다른 부유한 사람들은 그들의 무덤에서만 묘사되었다.통치자들은 약 3,000년 전 올멕의 거대한 머리들을 시작으로 콜럼버스 이전 문화에서 초상화를 받은 유일한 사람들이다.동아시아의 초상화 조각은 전적으로 종교적이며, 특히 수도원의 설립자, 통치자나 조상이 아닌 주요 성직자들이 조각상으로 기념된다.지중해 전통은 처음에는 무덤 인형과 동전만을 위한 것이었지만, 개인 초상 메달과 같은 새로운 형태를 발명한 르네상스 시대에 크게 확장되었다.

동물은, 인간의 모습과 함께, 조각의 가장 초기의 소재이며, 항상 인기 있고, 때로는 현실적이지만 종종 상상 속의 괴물이었다; 중국에서 동물과 괴물은 무덤과 사원 밖에서 돌 조각의 거의 유일한 전통적인 소재이다.식물의 왕국은 보석과 장식용 부조물에서만 중요하지만, 그것들은 거의 모든 비잔틴 미술과 이슬람 미술의 큰 조각을 형성하고, 팔메트와 포도나무 두루마리와 같은 모티브가 2천 년 이상 동서로 전해져 온 대부분의 유라시아 전통에서 매우 중요합니다.

전 세계의 많은 선사 문화에서 발견된 조각의 한 가지 형태는 의례적인 사용, 전시 또는 제물로써 실용적이지 않은 귀한 재료로 만들어진 일반적인 도구, 무기 또는 그릇의 특별히 확대된 버전이다.중국, 올멕 멕시코, 신석기 유럽 등에서는 옥이나 다른 종류의 녹석이 사용되었고, 초기 메소포타미아에서는 돌로 큰 도자기 모양이 만들어졌다.청동은 유럽과 중국에서 옥스버러 더크처럼 큰 도끼와 칼날에 사용되었다.

재료 및 기술

수메르 남성 숭배자, 조개눈을 가진 알라보스터, 기원전 2750년-2600년

조각에 사용되는 재료들은 다양하며, 역사를 통해 변화하고 있습니다.내구성이 뛰어난 클래식 소재는 금속, 특히 청동, 돌, 도자기이며 목재, 뼈, 녹용 등은 내구성은 떨어지지만 가격은 저렴합니다.금, 은, 옥, 상아 같은 귀한 재료는 종종 작은 사치품에 사용되며, 때로는 크리셀레판틴 조각상처럼 큰 작품에도 사용됩니다.경목(참나무, 박스/박스우드, 라임/린덴 등), 테라코타 및 기타 도자기, 왁스(주조를 위한 매우 일반적인 재료), 그리고 실린더 씰과 조각된 보석의 인상을 받는 주조 금속(스펠)을 포함한 더 흔하고 저렴한 재료들이 폭넓게 소비되는 조각에 사용되었습니다.하지만 다른 많은 재료들이 현대 작품만큼이나 민족학이나 고대 작품에서도 조각의 일부로 사용되어 왔다.

조각품들은 종종 칠해지지만, 흔히 시간이나 복원가들에게 페인트를 잃는다.템페라, 유화, 금도금, 하우스 페인트, 에어로졸, 에나멜, 샌드 [2][6]블라스팅 등 많은 다른 그림 기법이 조각 제작에 사용되어 왔다.

많은 조각가들이 예술을 만들기 위한 새로운 방법과 재료를 찾는다.파블로 피카소의 가장 유명한 조각품 중 하나는 자전거 부품을 포함했다.알렉산더 칼더와 다른 근대주의자들은 페인트칠된 강철을 화려하게 사용했다.1960년대부터 아크릴과 다른 플라스틱도 사용되었다.Andy Goldsworthy는 그의 특이한 순간적인 조각품들을 거의 완전히 자연 그대로의 재료로 만듭니다.얼음 조각, 모래 조각, 가스 조각과 같은 일부 조각은 의도적으로 수명이 짧습니다.최근 조각가들은 스테인드 글라스, 공구, 기계 부품, 철물 및 소비자 포장을 사용하여 작품을 디자인하고 있다.조각가들은 종종 발견된 물건을 사용하기도 하며, 중국 학자의 바위는 수세기 동안 인정받아 왔다.

스톤

안료 [7]흔적 분석을 바탕으로 기원전 500년경 아하이아 신전의 후기 고대 그리스 대리석 형상의 원래 페인팅된 모습을 현대적으로 재구성한 것

돌 조각은 거친 자연석 조각이 돌을 절제하여 모양을 만드는 고대 활동입니다.비록 세계의 모든 지역이 이집트, 그리스, 인도 그리고 대부분의 유럽처럼 조각하기에 좋은 돌을 풍부하게 가지고 있지는 않지만, 이 재료의 영속성 때문에, 초기 사회들조차 어떤 형태의 석공에 탐닉했다는 증거를 발견할 수 있다.암각화는 아마도 가장 초기의 형태일 것이다: 조각, 쪼아먹기, 조각, 그리고 연마로 제자리에 남아 있는 바위 표면의 일부를 제거함으로써 만들어진 이미지이다.기념비적인 조형물은 대형 작품을 덮고 건축물은 건물에 붙어 있다.단단한 돌 조각은 옥, 아가테, 오닉스, 암석, 정어리, 카르넬리안 등 예술적인 목적을 위한 조각으로, 이렇게 만들어진 물건을 총칭한다.알라바스터 또는 미네랄 석고는 작은 작업에도 쉽게 조각할 수 있고 비교적 내구성이 뛰어난 부드러운 광물입니다.조각된 보석은 원래 물개반지로 사용되었던 카메오를 포함한 작은 조각 보석입니다.

거의 모든 것이 사본으로 알려진 고대 그리스 조각상들에게 매우 중요했던, 돌로 된 원본 조각상의 복제는 전통적으로 더 자유로운 방법과 함께 "지시하기"에 의해 이루어졌다.포인팅에는 원본을 둘러싼 나무 프레임에 스트링 정사각형의 그리드를 설정하고 그리드상의 위치와 일련의 개별 포인트의 그리드와 조각상 사이의 거리를 측정한 후 이 정보를 사용하여 복사가 [8]이루어지는 블록에 조각하는 작업이 포함됩니다.

메탈

루드비히 기즈, 주철판, 8x9.8cm, 난민, 1915년

청동과 관련된 구리 합금은 주조 금속 조각에서 가장 오래되고 여전히 가장 인기 있는 금속입니다; 주조 청동 조각은 종종 단순히 "청동"이라고 불립니다.일반적인 청동 합금은 굳기 직전에 약간 팽창하여 금형의 가장 미세한 부분을 채우는 특이하고 바람직한 특성을 가지고 있습니다.특히 다양한 세라믹 또는 석재(예: 대리석 조각 참조)와 비교했을 때, 동작 중인 피규어가 만들어질 때 강도와 메짐성(연성)의 결여가 장점입니다.금은 가장 부드럽고 귀한 금속이며 보석에서 매우 중요합니다. 은은 망치나 다른 도구와 주물로도 충분히 연약합니다. 금과 은세공에 사용되는 기술 중 하나는 레푸스(repouse)와 추적입니다.

주조란 액체 재료(청동, 구리, 유리, 알루미늄, 철)를 원하는 모양의 중공 공동을 포함하는 주형에 주입한 후 고화하는 제조 공정 그룹입니다.완성된 주조물에 대해 "냉간 작업"의 마지막 단계가 뒤따를 수 있지만,[9] 솔리드 주물을 배출하거나 분해하여 공정을 완료합니다.주조물을 사용하여 뜨거운 액체 금속 또는 구성 요소(에폭시, 콘크리트, 석고 및 점토 등)를 혼합한 후 차갑게 굳힌 다양한 재료를 만들 수 있습니다.주물은 다른 방법으로는 만들기 어렵거나 비경제적인 복잡한 형상을 만드는 데 가장 많이 사용됩니다.현존하는 가장 오래된 주물은 기원전 [10]3200년의 구리 메소포타미아 개구리다.특정 기술에는 로스트 왁스 주조, 석고 주형 주조 및 모래 주조가 포함됩니다.

용접은 서로 다른 금속 조각들이 서로 융합되어 서로 다른 모양과 디자인을 만드는 공정입니다.용접에는 옥시 연료 용접, 스틱 용접, MIG 용접, TIG 용접 등 다양한 형태가 있습니다.옥시 연료는 강철 조형물을 만드는 데 있어 아마도 가장 일반적인 용접 방법일 것입니다. 왜냐하면 옥시 연료는 강철의 깨끗하고 눈에 잘 띄지 않는 접합을 만드는 데 가장 쉽게 사용되기 때문입니다.옥시 연료 용접의 핵심은 금속 조각이 모두 빨갛고 광택이 날 때까지 균일하게 접합되도록 가열하는 것입니다.각 조각에 광택이 나면 그 광택은 곧 금속이 액화되는 '풀'이 되고 용접공은 풀과 결합하여 금속을 융합해야 합니다.일단 온도가 내려가면, 수영장이 연결된 위치는 이제 하나의 연속된 금속 조각이 됩니다.옥시 연료 조형물 제작에도 많이 쓰인다.단조란 금속을 특정 지점까지 가열하여 다른 형태로 만들 수 있을 정도로 부드럽게 만드는 과정입니다.가장 일반적인 예로는 강철 막대의 끝을 가열하고 앤빌 위에 있는 동안 해머로 빨간색 가열된 팁을 쳐서 점을 형성하는 것입니다.해머 스윙 사이에 단조는 로드를 회전시켜 강철봉의 둔단에서 서서히 뾰족한 점을 형성한다.

유리

Dale Chihuly, 2006 (블라드 글라스)

유리는 다양한 작업 기술을 통해 조각에 사용될 수 있지만, 대형 작품에 사용되는 것은 최근의 발전이다.그것은 꽤 어렵지만 조각할 수 있다; 로마 리쿠르고스 컵은 거의 [11]독특하다.유리를 성형하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 핫 주조는 모래, 조각된 흑연 또는 상세 석고/실리카 몰드에 형상을 압착하여 만든 몰드에 용융 유리를 래딩하여 만들 수 있습니다.가마 주조 유리는 유리 덩어리가 액체가 될 때까지 가마에서 가열하여 가마에서 그 아래 주형으로 흘러들어갑니다.뜨거운 유리는 고체 덩어리 또는 폭파 물체의 일부로 수공구를 사용하여 송풍 및/또는 고온 조각할 수도 있습니다.보다 최근의 기술은 폴리머 규산염과 UV 빛으로 [12]판유리를 끌로 만들고 접합하는 것입니다.

중국 송나라 960~1279년 조각된 목조보살, 상하이박물관

도예

상세 정보:도예 ② 성형 방법

도자기는 조각의 가장 오래된 재료 중 하나이며, 점토는 금속으로 주조된 많은 조각품들이 원래 주조를 위해 모델링된 매체이다.조각가들은 종종 파리의 회반죽, 왁스, 불순 점토 또는 플라스틱과 [13]같은 덧없는 재료로 작은 초기 작품들을 만든다.그릇으로서의 기능과 조각의 형태를 겸비한 도자기가 많은 문화권에서 만들어졌고, 서양 현대 문화에서 작은 조각상이 인기를 끌었다.우표와 틀은 고대 로마와 메소포타미아에서 [14]중국에 이르는 대부분의 고대 문명에서 사용되었다.

목각

예수 그리스도의 십자가에 대한 세부사항, 스페인어, 나무와 다색소, 1793년.

목각은 매우 널리 행해져 왔지만, 다른 주요 재료들보다 훨씬 덜 살아남아 부패, 곤충 피해, 화재에 취약하다.그러므로 그것은 많은 [3]문화권의 미술사에서 중요한 숨겨진 요소를 형성한다.야외 목조 조각은 세계 대부분의 지역에서 오래가지 못하기 때문에 토템폴 전통이 어떻게 발전했는지 우리는 거의 모른다.특히 중국과 일본의 많은 중요한 조각품들이 나무로 되어 있고, 아프리카 조각품들과 오세아니아와 다른 지역의 조각품들이 대부분이다.

나무는 가볍기 때문에 휴대하기 위한 마스크나 다른 조각에 적합하고 매우 섬세한 디테일이 가능합니다.그것은 또한 돌보다 일하는 것이 훨씬 쉽다.조각한 후에 자주 그려졌지만, 페인트는 목재에 비해 잘 지워지지 않고 남아 있는 조각에서도 종종 사라집니다.페인트칠된 목재는 종종 "나무와 폴리크롬"으로 기술된다.일반적으로 나무에 게소나 석고를 한 층 도포하고, 그 위에 페인트를 칠합니다.

조각가의 사회적 지위

뉘른베르크 조각가 아담 크래프트, 1490년대 성 로렌츠 교회의 자화상.

전세계적으로, 조각가들은 보통 서명되지 않은 작품을 파는 상인들이었다; 예를 들어, 조각이 문인 회화의 명성을 공유하지 않았던 중국 같은 전통에서, 이것은 조각 자체의 [15]지위에 영향을 미쳤다.심지어 피디아스와 같은 조각가들이 유명해진 고대 그리스에서도, 그들은 다른 장인들과 같은 사회적 지위를 유지한 것으로 보이며, 몇몇 사람들은 그들의 [16]작품에 서명했지만 아마도 더 큰 경제적 보상을 받지 못한 것으로 보인다.중세 시대에는 12세기 지젤베르투스와 같은 예술가들이 그들의 작품에 서명하기도 했고, 특히 아르놀포 디 캄비오, 니콜라 피사노와 그의 아들 조반니와 같은 인물들과 함께 이탈리아의 트레센토 이후부터 다른 도시들에 의해 인기를 끌었다.귀한 재료를 취급하고 종종 은행가로서 두 배나 되는 금세공인과 보석상들은 강력한 길드에 속해 있었고 종종 시민 직책을 가지고 있었다.안드레아 델 베로키오도 그림을 그렸고 조반니 피사노, 미켈란젤로, 그리고 자코포 산소비노는 건축가였다.몇몇 조각가들은 큰 작업장을 유지했습니다.르네상스 시대에도 레오나르도 다빈치와 다른 사람들은 작품의 물리적 특성을 예술에서 조각의 지위를 끌어내리는 것으로 인식했지만, 미켈란젤로의 명성은 아마도 이 오랜 생각을 잠재울 것이다.

미켈란젤로와 같은 르네상스 시대 예술가들은 조각과 [17]회화의 상대적 지위를 놓고 첨예한 논쟁을 벌인 후 부유해지고 귀족이 되어 왕자의 서클에 들어갈 수 있었다.건물에 장식적인 조각이 많이 남아 있었지만, 개별 작품을 제작하는 조각가들은 화가들과 같은 수준으로 인정받았다.18세기 이전부터 조각은 그림보다 느리지만 중산층 학생들도 끌어들였다.여성 조각가들은 여성 화가들보다 등장하는데 시간이 더 걸렸고 20세기까지는 덜 유명했다.

스크래치 방지 운동

아니코니즘은 19세기까지 [18]조형물을 받아들이지 않던 유대교에서 시작돼 처음에는 대형 조형물을 받아들였던 기독교로 확대됐다.기독교와 불교에서 조각은 매우 중요해졌다.기독교 동방 정교회는 기념비적인 조각품을 받아 들인 적이 없고, 이슬람은 부조된 아주 작은 조각상과 알함브라 궁전의 분수대를 지탱하는 유명한 사자처럼 유용한 기능을 수행하는 몇몇 동물상을 제외하고는 거의 모든 조형물을 지속적으로 거부해왔다.개신교의 많은 형태들 또한 종교적 조각에 찬성하지 않는다.초기 기독교도와 개신교 개혁의 벌든스톰에서부터 2001년 탈레반에 의한 바미안 불상 파괴에 이르기까지 종교적 동기에 대한 조각의 많은 아이콘클래즘이 있었다.

이력

선사 시대

유럽

홀레펠스의 비너스(일명 셸클링겐의 비너스)는 2008년 독일 셸클링겐 근처에서 발견된 매머드투스크의 상아로 만든 상부 구석기 시대의 금형 조각품이다.그것은 35,000년에서 40,000년 전으로 거슬러 올라가며, 후기 구석기 시대의 초기 오리그나시인에 속하며, 이것은 유럽에서 호모 사피엔스가 가장 먼저 존재했다고 추정되는 것과 관련이 있다.뢰벤멘쉬와 함께, 이것은 후기 구석기 미술과 일반적인 비유 선사 미술의 가장 오래된 사례이다.

가장 초기의 조각품들은 유럽과 서남아시아에 위치했고 구석기 시대 초기에 활동했던 오리그나시 문화이다.이 문화의 사람들은 최초로 알려진 동굴 미술을 만들었을 뿐만 아니라, 정교하게 만들어진 석기, 펜던트, 팔찌, 상아 구슬, 그리고 뼈의 플룻, 그리고 입체적인 [19][20]피규어를 개발했습니다.

독일 홀렌슈타인 스타델 지역에서 발견된 키 30cm의 뢰벤멘쉬는 털로 된 매머드 상아로 조각된 의인화된 사자-인간상이다.그것은 약 35-40,000 BP로 추정되며, 논란의 여지가 없는 가장 오래된 [21]조각품인 홀레 펠스의 비너스와 함께 만들어졌다.

남아 있는 많은 선사시대 예술은 작은 휴대용 조각들로, 중앙 [22]유럽 전역에서 발견된 빌렌도르프의 비너스와 같은 작은 여성 금성 조각상 무리입니다.약 13,000년 전의 수영 순록은 후기 구석기 미술에서 동물의 뼈나 뿔에 새겨진 수많은 막달레니아 조각들 중 가장 훌륭한 조각들 중 하나이지만,[23] 조각으로 분류되기도 하는 조각들은 수적으로 우세하다.가장 큰 선사시대 조각상 중 두 개가 프랑스의 투싼 도베르 동굴에서 발견될 수 있는데, 약 12,000년에서 17,000년 전에 한 거장 조각가가 주걱 같은 석기와 손가락을 사용하여 석회암 [24]바위에 맞닿은 점토로 큰 들소를 모형으로 만들었다.

유럽의 중석기 시대의 시작과 함께, 상징 조각은 크게 [25]줄어들었고, 유럽 철기 시대의 군데스트럽 가마솥과 청동기 시대의 태양 [26]전차와 같은 일부 작품에도 불구하고, 로마 시대까지 실용적인 물건의 부조 장식보다 덜 흔한 예술 요소로 남아있었다.

고대 근동

고대 근동으로부터, 현대 터키에서 온 실물 크기의 돌 우르파 인은 약 기원전 9,000년, '아인 가잘 동상'은 기원전 7200년과 6500년경에 만들어졌다.이것들은 현대의 요르단에서 온 석고와 갈대로 만들어진 것으로 실물 크기의 절반 정도이며, 15개의 조각상이 있으며, 일부는 두 개의 머리가 나란히 있고, 15개의 흉상이 있다.화분기 이전 신석기 시대부터 근동 지역의 많은 지역에서 사람과 동물의 작은 점토 조각상이 발견되며, 이 지역에서 어느 정도 지속적인 전통이 시작된 것을 상징한다.

고대 근동

주요 기사:메소포타미아 미술, 아시리아 조각, 페르시아 미술
점토에 새겨진 실린더 물개; 우르크 시대, 기원전 4100~3000년 경의 서포퍼드와 독수리

우루크가 지배한 메소포타미아의 프로토리테이트 시대에는 와르카 화병과 실린더 물개 같은 정교한 작품들이 생산되었다.게놀 사자상은 기원전 3000~2800년 엘람에서 발견된 뛰어난 작은 석회암 조각상으로, 부분적으로 인간이고 일부는 [27]암사자입니다.잠시 후, 신전의 신상에 참석한 눈이 큰 신부와 신도들이 대부분 석고탑을 두르고 1피트 높이까지 올라갔지만,[28] 이들 중 살아남은 사람은 거의 없다.수메르와 아카드 시대의 조각품들은 일반적으로 크고 날카로운 눈과 긴 수염을 가지고 있었다.수풀 속의 숫양의 두 형상과 구리 황소, 그리고 [29]우르의 리레스 중 한 마리에 있는 황소의 머리를 포함한 많은 걸작들이 우르의 왕실 묘지 (기원전 2650년경.

기원전 10세기 네오아시리아 제국의 전성기 이전의 많은 후속 시기부터, 메소포타미아 미술은 많은 형태로 남아 있다: 원통형 도장, 비교적 작은 원형, 그리고 가정용, 종교적, 그리고 명백히 아닌 [30]것 같은 값싼 주형 도자기의 판을 포함한 다양한 크기의 부조.버니 릴리프는 맹금류의 발을 가진 나체의 날개 달린 여신과 동반자 올빼미와 사자의 특이한 정교하고 비교적 큰(20x15인치, 50x37cm) 테라코타 명판이다.그것은 기원전 18세기 또는 19세기에서 유래되었으며,[31] 틀에 박힌 것일 수도 있다.스톤,, 또한 보다 공식적인 들쥐들과 달리 그들이 설명이 된 비문이 부족한 사찰에서 찾아볼 수 있고 잇는 새겨지type,[33]고 아시리아의 검은 오벨 리스트 샬만에세르 3세의고 큰 그렇게의 단편적인 석 비는 Vultures의[32]은 초기 예를 들어 봉헌물, 또는 아마도고 잔치를 보여 주고 승리 기념하는 stelae.리드 1라트 은화e1.[34]

아시리아인에 의한 메소포타미아 전체와 주변 영토의 정복은 그 지역이 이전에 알고 있던 것보다 더 크고 부유한 국가를 만들었고, 궁궐과 공공장소에 매우 웅장한 예술품을 만들어 냈는데, 이는 의심할 여지 없이 부분적으로 이웃 이집트 제국의 예술에 걸맞게 의도된 것이었다.이전의 국가들과는 달리, 아시리아인들은 이라크 북부에서 가져온 쉽게 조각된 돌을 사용할 수 있었고, 많은 양의 돌을 사용했다.아시리아인들은 전쟁이나 사냥 장면과 함께 궁전을 위해 매우 세밀한 서사적인 낮은 부조들의 매우 큰 계획을 개발했습니다; 대영박물관은 캠페인을 보여주는 아슈르바니팔의 사자 사냥과 라치쉬 부조를 포함한 뛰어난 수집품을 가지고 있습니다.원형으로 만든 조각은 직사각형 블록의 양쪽에 높은 부조로 조각된 사람 머리 라마수의 거대한 수호신상을 제외하면 거의 없다(두 개의 다리가 모두 완성되어 보인다).이 지역을 지배하기 전부터 그들은 종종 유난히 활기차고 [35]세련된 디자인으로 실린더 씰의 전통을 이어왔다.

고대 이집트

투트모세, 네페르티티 흉상, 기원전 1345년 베를린 이집트 박물관
다음 항목도 참조하십시오.고대 이집트의 미술과 아마르나 미술

고대 이집트의 기념비적인 조각은 세계적으로 유명하지만, 세련되고 섬세한 작은 작품들이 훨씬 더 많이 존재한다.이집트인들은 매우 밝은 햇빛에 잘 어울리는 독특한 가라앉은 구조 기술을 사용했다.부조의 주요 인물들은 그림에서와 같은 인물의 관습을 고수하며, 가르마를 (앉지 않은 경우) 옆구리에서 머리를 보여주지만, 몸통은 앞쪽에서 보이고, 18개의 "피스트"를 사용하여 [36]인물을 구성하는 표준적인 비율 세트를 가지고 있다.이것은 다이너스티 I의 나르머 팔레트부터 표시됩니다.그러나 다른 곳과 마찬가지로 인질이나 [37]시신과 같은 일부 활동에 관여한 것으로 보이는 소수 인사들에게는 이 협약이 사용되지 않는다.다른 관습은 남성의 동상을 여성 동상보다 어둡게 만든다.매우 관습화된 초상화 조각상은 기원전 [38]2,780년 이전인 제2왕조부터 나타나며, 아케나텐의 [39]아마르나 시대 미술과 제12왕조와 같은 다른 시기를 제외하고는, 다른 이집트 예술 관습과 같이 통치자들의 이상화된 특징들은 그리스 [40]정복 이후까지 거의 변하지 않았다.

이집트 파라오는 항상 신으로 여겨졌지만, 다른 신들은 파라오를 다른 신으로 나타낼 때를 제외하고, 큰 조각상에서는 훨씬 덜 흔하다; 그러나 다른 신들은 종종 그림과 부조물에 나타난다.아부 심벨의 주요 사원 밖에 있는 유명한 네 개의 거대한 조각상들은 각각 이곳에서는 유난히 [41]크지만 전형적인 그림인 라메세스 2세를 보여준다.작은 신상이나 그들의 동물의 의인화는 매우 흔하며 도자기 같은 인기 있는 재료에서 발견됩니다.대부분의 더 큰 조각품들은 이집트 신전이나 무덤에서 살아남는다; 늦어도 4왕조 (기원전 2680–2565) 무렵에는 Ka 조각상에 대한 생각이 확고해졌다.이것들은 영혼의 카 부분을 위한 휴식처로서 무덤에 안치되었습니다. 그래서 우리는 잘사는 행정가들과 그들의 아내들의 많은 전통화되지 않은 조각상들을 가지고 있습니다. 이집트는 기후가 수천 년 이상 생존할 수 있는 세계 몇 안 되는 곳 중 하나이기 때문입니다.소위 예비군 머리, 털이 없는 평범한 머리는 특히 자연스럽다.초기 무덤에는 노비, 동물, 건물, 배와 같은 사물의 작은 모형과 후세의 우샤브티 [42]인물도 있었다.

유럽

고대 그리스

기원전 5세기 고대 그리스 청동 조각상 델파이의 마부, 머리 세부 사항 클로즈업
주요 기사:고대 그리스 조각

고대 그리스 조각의 첫 번째 독특한 스타일은 초기 청동기 시대 사이클라딕 시대(기원전 제3천년)에 개발되었으며, 대리석 조각은 보통 여성이고 작은 것으로 우아하게 단순화된 기하학적 스타일로 표현된다.가장 전형적인 것은 앞에 서서 팔짱을 낀 자세이지만,[43] 의자에 앉아 있는 하피스트의 복잡한 모습을 포함한 다른 모습들은 다른 포즈로 보여진다.

이후의 미노아 문화와 미케네 문화는 시리아 등의 영향을 받아 조각품을 더욱 발전시켰지만, 쿠로족이 발달한 것은 기원전 650년경부터의 후기 고대 시대이다.이것들은 절과 무덤에서 발견된 벌거벗은 젊은이들의 커다란 입상이며, 코레와 같은 옷을 입은 여성으로, 정교하게 차려입은 머리를 하고 있으며, 둘 다 "고대적 미소"를 띠고 있다.그들은 크로이소스 쿠로스처럼 때로는 신들을 상징하고 때로는 무덤에 묻힌 사람을 나타내는 많은 기능을 한 것으로 보인다.그들은 분명히 이집트와 시리아 스타일에 의해 영향을 받았지만, 그리스 예술가들은 그 스타일 안에서 훨씬 더 실험할 준비가 되어 있었다.

6세기 동안 그리스 조각은 빠르게 발전했고, 더 자연스러워졌고, 이야기 장면에서 훨씬 더 활동적이고 다양한 인물 포즈를 취했지만, 여전히 이상화된 관습 안에 있었다.조각된 페디멘트는 아테네 파르테논 신전을 비롯한 신전에 추가되었는데, 이 신전은 기원전 480년 페르시아 포대 이후 운 좋게도 520여 개의 페디멘트를 새 건물의 인필로 사용했으며 1880년대부터 신선한 풍화되지 않은 상태로 복원되었다.건축 조각의 다른 중요한 유적들은 이탈리아의 파이스툼, 코르푸, 델피, 그리고 아이기나의 아하이아 신전으로부터 온다.[44]대부분의 그리스 조각품들은 원래 최소한 어떤 색을 포함하고 있었다; 덴마크 코펜하겐에 있는 Ny Carlsberg Gliptotek 박물관은 원래의 색들에 [45][46]대한 광범위한 연구와 레크리에이션을 해왔다.

고전적인
엘긴 대리석 조각의 고전적인 높은 부조, 파르테논 신전을 원래 장식한 기원전 447년-433년

종종 중서양식이라고 불리는 고전기 첫 단계부터의 원본 유적은 거의 없다; 독립형 조각상들은 이제 거의 청동으로 만들어졌고, 이것은 항상 고철처럼 가치가 있었다.Severe 스타일은 부조물 500여 개에서 곧이어 조각상 480여 개에서 약 450여 개로 계속되었다.비교적 경직된 자세의 피규어가 이완되고 비대칭적인 회전 위치와 비스듬한 뷰가 일반화되어 의도적으로 추구되었다.이것은 해부학에 대한 더 나은 이해와 조형물의 조화로운 구조, 그리고 이전에는 없었던 자연주의적 표현을 목표로 하는 것과 결합되었다.1829년 이후 올림피아 제우스 신전에서 발굴을 통해 약 460여 점의 가장 큰 유적이 발견되었으며, 그 중 많은 유적이 [47]루브르 박물관에 있다.

"고전주의" 기간은 약 450개에서 400개로 불과 수십 년 동안 지속되었지만, 예술에 중대한 영향을 미쳤고, 매우 제한된 수의 원본 유품에도 불구하고 특별한 명성을 유지하고 있습니다.가장 잘 알려진 작품은 파르테논 대리석 신전으로, 전통적으로 (플루타르코 이후) 가장 유명한 고대 그리스 조각가 피디아스가 이끄는 팀이 제작한 것으로, 약 465-425년에 활동했으며, 피디아스는 그의 고대 아테나의 7대 불가사의 중 하나인 올림피아에 있는 거대한 제우스 조각상으로 더 유명했다.파르테논 신전의 컬트 이미지인 nos (438)와 파르테논 신전 옆에 서 있던 거대한 청동상인 아테나 프로마초스; 이 모든 것들은 사라졌지만 많은 표현들로부터 알려져 있다.그는 또한 루도비시 [48]에르메스를 포함하여 신원이 논란이 되고 있는 후기 사본에서만 알려진 실물 크기의 청동상을 만든 것으로 알려져 있다.

하이클래식 스타일은 인간의 모습에서 리얼리즘과 세련미를 계속 발전시켰고, 옷의 묘사를 개선하여 활동적인 포즈의 충격을 더했다.전투 장면에서조차, 얼굴 표정은 보통 매우 절제되어 있었다.부조물이나 페디션의 여러 인물들의 구성은 서양 미술에 영구적인 영향을 미치는 방식으로 복잡성과 조화를 결합했다.파르테논 신전의 그림처럼, 부조는 실제로 매우 높을 수 있는데, 이 그림에서는 사라진 부분처럼 전사의 다리 대부분이 배경으로부터 완전히 떨어져 있습니다; 이 높은 부분은 조각상들을 [49]더 손상되기 쉽게 만듭니다.후기 고전주의 양식은 프락시텔레스의 혁신으로 추정되는 독립적인 여성 누드상을 발전시켰고, 여러 각도에서 볼 때 흥미로웠던 점점 더 복잡하고 미묘한 자세를 발전시켰다; 두 가지 경향은 헬레니즘 [50]시대에 훨씬 더 멀리 가져가야 했다.

헬레니즘의
2세기 초 페르가몬 제단에서 나온 헬레니즘 시대의 페르가메네 양식

그 헬레니즘 기간 전통적으로 알렉산더 대왕 기원전 323년의 죽음에서, 그리고 로마가 146년에 그리스 사람의 중심부의 최종 정복 또는 알렉산더 대왕의 제국에 악티움해전 31년에 또한 공화당 로마의 마지막을 장식하는 후 마지막 남은 successor-state의 최종 패배로 끝나는 것이다.[51]따라서 그것은 이전 시기보다 훨씬 더 길고, 적어도 두 가지 주요한 단계를 포함합니다: "페르가메네" 스타일의 실험, 풍부함, 그리고 약간의 감상성과 천박함, 그리고 기원전 2세기에는 보다 엄격한 단순함과 우아함으로 고전적인 회귀; 그러한 일반화를 넘어서는 일반적으로 매우 불확실합니다, 특히.암탉은 보통 그렇듯이 나중에만 알려져 있다.초기 페르가멘 양식은 그것의 이름을 따온 페르가몬과 특별히 연관되지 않았지만, 그 주의 매우 부유한 왕들은 고전 조각품들을 수집하고 또한 복제한 최초의 왕들 중 하나였고, 또한 조각품이 현재 대부분 베를린에 있고 그 예를 보여주는 유명한 페르가몬 제단을 포함한 많은 새로운 작품들을 위탁하였습니다.새로운 스타일, 할리카르나수스의 묘소 (7대 불가사의의 또 다른 것), 바티칸 박물관의 유명한 라오콘과 그의 아들들, 늦은 예, 그리고 우리가 알고 있는 The Dying Gaul (위쪽에 있는 그림)의 청동 원본과 같은 새로운 스타일, 또한 루도비시로부터 페르가몬을 위해 실제로 의뢰받은 그룹의 일부였다.파르네세 황소라고 불리는 이 무리는 아마도 2세기 대리석 원본일 수도 있지만, 여전히 더 크고 [52]복잡하다.

그리스의 작은 테라코타 조각상은 가정에서 장식으로 매우 인기가 있었다

헬레니즘 조각은 부분적으로 더 큰 일반적인 번영의 결과로서 표현되는 주제의 범위를 크게 확장하였습니다, 그리고 비록 우리가 알고 있지만, 조각으로 장식된 큰 집을 가진 매우 부유한 계층의 출현으로, 우리는 동물을 가진 아이들과 같이 집에 가장 적합해 보이는 주제의 몇 가지 예가 실제로 놓여졌습니다.사원이나 다른 공공장소.훨씬 더 인기 있는 가정 장식 시장에는 타나그라 피규어들이 있었고, 작은 도자기 피규어들이 산업 규모로 생산되는 다른 중심지에서 온 피규어들이 있었다. 어떤 것은 종교적이지만 다른 것은 동물들과 우아한 옷차림을 한 숙녀들을 보여준다.조각가들은 다양한 감정과 개인의 초상화를 전달하는 얼굴표현과 다양한 나이와 인종을 표현하는 데 기술적으로 더 능숙해졌다.묘지로부터의 부조는 그 점에서 다소 이례적이다.대부분의 작품은 독립적이고, 라오쿤이나 페르가몬 그룹처럼 라운드에서 여러 인물과 함께 볼 수 있는 그룹 구성은 이전에는 드물었지만 인기를 끌었다.술 마신 후 잠든 사티르를 보여주는 바베리니 칸은 그 시대의 도덕적 여유와 [53]영웅에 미치지 못하는 크고 값비싼 소재의 조각품을 만들 준비가 되어 있는 한 예이다.

알렉산더 헬레니즘 문화가 정복된 후, 대부분의 근동과 일부 중앙아시아의 궁정에서 지배적이었고, 특히 그리스 식민지가 처음에 남쪽의 대부분을 지배했던 이탈리아에서 유럽 엘리트들에 의해 점점 더 많이 채택되었다.헬레니즘 예술과 예술가들은 매우 널리 퍼져 나갔고, 특히 로마 공화국이 팽창하고 헬레니즘 지역의 가장 동쪽 지역에서 불교를 접했을 때 영향을 미쳤다.현대 레바논의 시돈에서 발견된 소위 알렉산더 사코파거스라고 불리는 거대한 이 작품은 아마도 그리스 망명 예술가들이 [54]헬레니즘화된 페르시아 총독을 위해 그 기간 초에 만든 것으로 보인다.그 시대의 풍요로움은 조각된 보석과 카메오, 보석류, 금과 은 식기류를 포함한 호화로운 형태의 작은 조각품의 생산을 크게 증가시켰다.

그리스 이후의 유럽

로마 조각
주요 기사: 로마 조각
다키아 전쟁 장면과 함께 CE 113의 트라야누스 기둥 부분

초기 로마 미술은 그리스 미술과 이웃 에트루리아인들의 미술에 의해 영향을 받았고, 그들은 그리스 무역 상대국들에 의해 큰 영향을 받았다.에트루리아 특산품은 테라코타 차림의 실제 크기의 무덤 인형에 가까웠으며, 보통 그 시기에 식당의 포즈로 한쪽 팔꿈치를 받친 석관 뚜껑 위에 놓여 있었다.팽창하는 로마 공화국이 처음에는 남부 이탈리아와 파르티아 극동을 제외한 헬레니즘 세계 전체에서 그리스 영토를 정복하기 시작하면서, 공식적이고 귀족적인 조각은 주로 헬레니즘 양식의 확장이 되었고, 특히 많은 그리스 조각들처럼 특히 로마 요소들이 혼란스러워지기 어려웠다.투레는 로마 [55]시대의 사본에서만 살아남는다.기원전 2세기까지, "로마에서 일하는 조각가들"의 대부분은 [56]그리스인이었고, 종종 코린트 (기원전 146년)와 같은 정복의 노예가 되었고, 조각가들은 계속해서 그리스인, 종종 매우 드물게 이름이 기록되는 노예들이었다.많은 그리스 조각상들이 로마로 수입되었고, 신전은 종종 재사용된 그리스 [57]작품으로 장식되었다.

이탈리아 토속적인 양식은 매우 자주 초상화 흉상을 특징으로 하는 로마의 부유한 중산층의 무덤 기념물에서 볼 수 있으며, 초상화는 거의 틀림없이 로마 조각의 주요 강점입니다.대가족의 장례식에서 행렬에 따라 착용하거나 다른 방법으로 집에 전시된 조상 탈의 전통은 남아 있지 않지만, 남아있는 흉상들 중 상당수는 아마도 스키피오스의 무덤이나 도시 외곽의 무덤과 같은 대가족 무덤에서 나온 조상 탈의 형태를 나타내야 한다.루시우스 주니우스 브루투스의 것으로 추정되는 유명한 청동 머리는 매우 다양한 연대를 가지고 있지만, 공화국 하의 매우 드문 이탈리아 양식의 생존으로 받아들여지고 있으며,[58] 선호하는 청동 매체입니다.마찬가지로 엄하고 힘찬 머리들은 후기 공화국의 동전들에 보여지고, 제국 시대에는 지방 도시의 바실리카에 놓이기 위해 제국 주위로 보내진 동전과 흉상이 제국 선전의 주요 시각적 형태였다; 론디니움조차도 30미터 높이의 콜로수보다 훨씬 작았지만, 네로의 거의 콜로사상이었다.로마에 있는 네로의 시,[59] 지금은 잃어버렸다.

기원전 13년 아라파시스의 아우구스탄 주 그레코로만 양식

로마인들은 일반적으로 역사나 신화에서 영웅적 업적을 이룬 그리스의 독립적인 작품들과 경쟁하려 하지 않고, 초기에 부조된 역사 작품들을 제작하여, 트라야누스 (CE 113)와 마르쿠스 아우렐리우스 (Marcus Aurelius)를 추모하는 연속적인 이야기 부조들과 함께 로마의 위대한 개선기둥으로 절정을 이뤘다.아라파시스("평화의 알타르")는 가장 고전적이고 세련된 공식 그레코로만 양식을 대표하는 로마에서 살아남았다.다른 주요 예들 중 하나는 콘스탄티누스 궁전과 안토니누스 피우스 기둥의 기초(161년)[60]에서 재사용된 부조물이며 캄파나 부조는 대리석 부조의 값싼 도자기 버전이었고 부조의 맛은 제국 시대부터 석관에까지 확장되었다.은색 워렌 컵, 유리 리쿠르구스 컵, 젬마 아우구스테아, 곤차가 카메오, [61]"프랑스의 대 카메오"와 같은 대형 카메오처럼 모든 형태의 호화로운 작은 조각품들이 계속해서 애용되었고, 품질은 매우 높을 수 있었다.훨씬 더 넓은 인구층을 위해, 도자기 그릇과 작은 조각상들의 형틀 부조 장식이 대량으로 그리고 종종 상당한 [62]질로 생산되었다.

2세기 후반의 "바로크"[63] 단계를 거친 후, 3세기에 로마 예술은 고전적인 전통에서 조각품을 대부분 포기하거나 단순히 제작할 수 없게 되었는데, 그 이유는 여전히 많이 논의되고 있는 변화이다.오늘날 가장 중요한 황실 기념비들조차도 거친 정면 스타일로, 우아함을 희생하면서 권력을 강조하는 단순한 구성으로 뭉툭하고 큰 눈을 가진 인물들을 보여주고 있다.이 대비는 로마의 315년 콘스탄티누스 궁전에서 잘 나타나는데, 이 궁전은 다른 곳에서 가져온 이전의 완전한 그리스-로마 양식의 원형과 함께 새로운 양식의 부분과 현재 베니스에 있는 콘스탄티노플의 새로운 수도에서 온 4개의 테트라르크 (305년경)를 결합한 것이다.Ernst Kitzinger는 두 기념물 모두에서 동일한 비율, 각도 이동, 대칭과 반복을 통한 부품의 순서, 모델링이 아닌 절개를 통한 특징과 휘장 주름의 렌더링을 발견했다.그 문체의 특징은 어느 곳에서나 강조되는 경직성, 묵직함, 각진성으로 구성되어 있는데, 간단히 말해서 고전적인 전통을 거의 완전히 거부하는 것이다."[64]

이 스타일의 혁명은 기독교가 로마 국가와 대다수의 사람들에 의해 채택된 시기 바로 전에, 큰 종교 조각의 종말을 이끌어 냈고, 현재는 황제에게만 사용되었습니다.하지만, 부유한 기독교인들은 주니우스 바수스의 석관처럼 석관을 위한 부조를 계속 의뢰했고, 특히 상아에 있는 매우 작은 조각은 기독교인들에 의해 영사 다이프틱의 [65]양식을 바탕으로 계속되었다.

초기 중세 및 비잔틴
성 니니안 섬 보물 800년 경 스코틀랜드 또는 앵글로색슨에 은색 괴물?
게로 십자가, 965-970년, 독일, 쾰른.대형 조각의 부활의 첫 번째 훌륭한 예

초기 기독교인들은 초상 흉상이나 석관 부조에 대한 로마 전통이 지속되고 있지만 영사 조각과 같은 작은 물건에 반대했다.이러한 물건들은 종종 귀중한 재료에 포함되며, 6세기 서튼 후 매장 보물과 스키타이 미술의 보석과 인솔 미술의 기독교와 동물 스타일의 잡종 작품에서 볼 수 있듯이 이주 시기의 야만 문명의 주요 조각 전통이기도 했다.계속되는 비잔틴 전통에 따라, 카롤링거 미술은 종종 거대한 조명 원고의 보물 장정을 위한 판넬과 크로지어 머리 그리고 다른 작은 부속품들을 되살렸다.

비잔틴 미술은 뛰어난 상아 부조와 건축 장식 조각품을 만들어냈지만 기념비적인 조각품이나 심지어 라운드 [66]내의 작은 조각품으로도 돌아가지 않았다.하지만, 카롤링거 시대와 오토니안 시대 동안 서양에서는 법정과 주요 교회에서 기념비적인 조각상의 제작이 시작되었다.이것은 점차 퍼져나갔다; 10세기 후반과 11세기 무렵에는 에센의 골든 마돈나와 같은 나무 틀 주위에 귀금속을 두른 앵글로 색슨 교회에 실물 크기의 조각품들이 몇 개 있다는 기록이 있다.앵글로색슨족의 사례는 아직 [67]남아 있지 않으며, 1,000년 이전의 대형 비건축 조각품들은 유난히 드물다.가장 훌륭한 것은 965년에서 970년의 게로 십자가인데, 이것은 분명히 가장 흔한 형태의 조각품이었다; 샤를마뉴는 800년경 아헨의 팔라틴 예배당에 십자가를 세웠다.이것들은 특히 독일과 이탈리아에서 인기가 계속 증가했다.북유럽 세계의 룬 돌, 스코틀랜드의 픽트 돌 그리고 아마도 기독교 대영제국의 높은 십자 부조들은 기독교화 시대를 잇는 북부 조각 전통이었다.

로마네스크
주요 기사: 로마네스크 아트
브런즈윅 라이온, 1166년, 고대 이래 최초의 큰 중공 주조물, 높이 1.78m, 길이 2.79m

약 1000년부터는 생산과 상업의 일반적인 경제 성장에 의해 모든 유럽에서 예술적 생산의 전반적인 재탄생이 있었고, 새로운 로마네스크 예술 양식은 서유럽 전체에서 사용된 최초의 중세 양식이었다.새로운 성당들과 순례자들의 교회들은 점점 더 건축적인 석조들로 장식되었고, 12세기에는 교회 문 위의 고막, 인물과 종종 이야기 장면으로 사람이 사는 수도와 같은 조각에 대한 새로운 초점이 개발되었다.조각이 있는 뛰어난 수도원 교회로는 프랑스 베젤레이와 모아삭, 스페인 [68]사일로 등이 있습니다.

로마네스크 미술은 조각과 그림 모두에서 매우 활발한 스타일로 특징지어졌습니다.기둥의 대문자 모양은 종종 여러 개의 [69]그림으로 완전한 장면으로 조각된 이 시기만큼 흥미로웠던 적이 없었다.커다란 나무 십자가상은 왕위에 오른 마돈나의 독립형 조각상들과 마찬가지로 그 시대의 시작과 동시에 독일의 혁신이었지만, 높은 부조는 그 시대의 모든 조각 양식 위에 있었다.작곡은 보통 깊이가 거의 없고, 수도와 교회 활자 모양에 그들 자신을 짜넣기 위해 유연성이 필요했다; 작곡이 때때로 빠져나가는 촘촘히 둘러싸인 틀 사이의 긴장은 로마네스크 예술에서 반복되는 주제이다.인물들은 여전히 중요 인물상과 관련하여 크기가 다양하여 거의 존재하지 않았다.

쾰른 대성당에 있는 세 왕의 성지.

상아나 금속과 같은 귀중한 소재의 물건들은 그 시기에 기념비적인 조각품보다 훨씬 더 높은 지위를 가지고 있었습니다. 우리는 화가, 조명가, 건축가보다 더 많은 이들의 이름을 알고 있습니다.에나멜 장식을 포함한 금속 세공은 매우 정교해졌고, 유물을 보관하기 위해 만들어진 많은 화려한 성지들이 남아 있는데, 그 중 가장 잘 알려진 것은 베르뎅의 니콜라스의 쾰른 성당에 있는 세 왕의 신전이다.현재 리에주에 있는 1108-17의 청동 글로스터 촛대와 놋쇠 글꼴은 매우 다른 스타일의 금속 주물이며, 이전의 매우 복잡하고 에너지가 넘치는 원고 그림을 그리고 있는 반면, 글꼴은 가장 고전적이고 장엄한 모산 스타일을 보여준다.힐데스하임 대성당, 그니에즈노 문, 베로나의 산제노 성당의 문에는 청동문, 개선기둥과 다른 부속품들이 또 다른 실질적인 유물이다.물을 씻기 위한 용기인 아쿠아마닐레는 11세기에 유럽에 소개된 것으로 보이며 종종 환상적인 동물형태의 형태를 취했다; 남아있는 예들은 대부분 놋쇠로 되어 있다.로마네스크 동전은 일반적으로 큰 미학적 [70]관심이 없지만 인상적인 인장의 많은 밀랍인형은 헌장과 문서에 남아 있다.

클로이스터 십자가는 많은 예언가들과 다른 인물들을 포함한 복잡한 조각이 있는 이례적으로 큰 상아 십자가상인데, 이것은 이름이 알려진 비교적 몇 안 되는 예술가들 중 한 명인 휴고 사부에게 기인한다.많은 작품들처럼 그것은 원래 부분적으로 색칠되어 있었다.루이스 체스맨은 잘 보존된 작은 이보리의 예로서 크로지어, 플라크, 가슴 십자가 그리고 이와 유사한 물체에서 많은 조각이나 조각이 남아 있다.

고딕 양식
주요 기사:고딕 미술
프랑스 상아 버진 앤 차일드, 13세기 말, 높이 25cm, 상아 송곳니 모양에 맞게 구부러짐

고딕 시대는 본질적으로 고딕 건축에 의해 정의되며, 시작과 끝 모두에서 조각 양식의 발전과 완전히 일치하지는 않습니다.큰 교회, 특히 문 주변에는 계속해서 큰 타이포넘이 있었지만, 그 주변에는 조각상들이 줄지어 놓여 있었다.샤르트르 대성당의 서쪽 (로열) 입구에 있는 조각상들은 우아하지만 과장된 원기둥 모양의 연장을 보여주지만, 남쪽 익스트림 입구에 있는 조각상들은 1215년부터 1220년까지 보다 자연주의적인 스타일과 벽 뒤의 벽으로부터의 고립을 증가시키고, 그리고 전통적인 전통에 대한 인식을 보여준다.이러한 경향은 몇 년 후 랭스 대성당의 서쪽 입구에서 계속되었는데, 고딕 양식이 [71]유럽 전역에 퍼지면서 그 형상이 거의 원형으로 형성되었다.

이탈리아에서 니콜라 피사노(1258–1278)와 그의 아들 조반니는 종종 프로토 르네상스라고 불리는 스타일을 개발했고, 로마의 석관으로부터 명백한 영향을 받았고, 나체의 동정적인 취급을 포함한 정교하고 혼잡한 구성을 페루자에 있는 시에나 대성당의 그들의 설교단에 있는 판넬(1265–68)에서 발전시켰다.d 1301년 [72]피스토이아에 있는 조반니의 설교단.클래식 스타일의 [73]또 다른 부활은 1400년경 부르고뉴와 플랑드르에서 Claus Sluter와 그의 추종자들의 국제 고딕 작품에서 볼 수 있다.고딕 양식의 후기 조각은 북부에서 계속되었고, 점점 더 명석한 조각과 많은 수의 표현적인 인물들이 동요하는 매우 큰 나무 조각 제단 조각의 패션이 있었다; 대부분의 남아있는 예는 다른 곳에서 많은 우상 숭배 후에 독일에 있다.틸만 리멘슈나이더, 베이트 스토스 등은 이탈리아 르네상스의 [74]영향을 점차 흡수하면서 16세기까지 이 스타일을 이어갔다.

석조나 석고로 된 실물 크기의 무덤 인형은 부유층에게 인기를 끌었고, 베로나의 스칼리거 무덤이 너무 커서 교회 밖으로 옮겨야 하는 등 웅장한 다층 무덤이 진화했다.15세기에 이르러서는 석재 [75]재테크를 살 여유가 없는 경제적인 교구들을 위해 유럽 전역에 걸쳐 패널로 구성된 노팅엄 알라바스터 제단 부조를 수출하는 산업이 있었다.작은 조각품들은, 주로 평지이고 종종 여성 시장을 위한 것이었고, 파리와 몇몇 다른 중심지에서 상당한 산업이 되었다.이보리의 종류에는 작은 헌신적인 폴립티크, 특히 성모 마리아, 거울 상자, 빗, 약혼 [76]선물로 사용되는 로맨틱스의 장면이 담긴 정교한 관이 있었다.매우 부유한 사람들은 돈이 부족해질 때까지 세속적이든 종교적이든 보석과 에나멜을 화려하게 칠한 금속 세공품을 수집했다.[77]

르네상스

미켈란젤로, 피에타, 1499년
미켈란젤로, 교황 율리우스 2세의 무덤, 1545년경, 그의 모세의 좌우에 라헬과 레아의 조각상이 있다.
주요 기사:르네상스 시대 조각과 이탈리아 르네상스 조각

르네상스 시대의 조각은 1403년 피렌체 세례당의 문을 차지하기 위한 유명한 경쟁으로 종종 시작되는데, 여기서 우승자인 로렌조 기베르티와 필리포 브루넬레스키가 제출한 시험 모델들이 살아남는다.기베르티의 문은 여전히 제자리에 있지만, 1425년부터 1452년까지 그를 데려간 소위 '낙원의 문'이라고 불리는 그의 두 번째 출입구에 의해 확실히 가려졌고, 광범위한 배경을 [78]가진 다양한 깊이의 부조물로 눈부시게 자신만만하게 작곡을 하고 있다.그 사이에 기베르티의 초기 조수 도나텔로는 대리석과 청동(1440년대)의 데이비드와 그의 승마상인 가타멜라타와 [79]부조물들을 포함한 반석 조각상들과 함께 발전하는 것을 보았다.후기에는 중진 안드리아 델 베로키오, 가장 잘 바르톨로메오 Colleoni는 베니스에서 그의 기마 상으로 잘 알려 져, 1482년 말에 밀란에 대한 말의 조각을 디자인했다 그의 수제자 레오나르도 다빈치는[80]으나, 오직 프랑스인의 양궁 선수들에 의해 1499년 미칼 란젤로 가 파괴된24-foot(7.3m)진흙 모형,, 그의 다른 ambiti에 성공했다ous조각 계획은 [81]결코 완성되지 않았다.

이 시기는 공공 예술에 대한 국가와 그들의 집을 위한 부유층의 조각 후원이 크게 증가한 것으로 특징지어졌습니다; 특히 이탈리아에서 공공 조각은 역사적인 도시의 외관에 중요한 요소로 남아 있습니다.교회 조형물은 외부 공공기념물이 일반화된 것처럼 대부분 내부로 이동했다.보통 흉상을 입은 초상화 조각은 1450년경 이탈리아에서 인기를 끌었는데, 나폴리 출신의 프란체스코 로라나는 명상적인 자세를 취하는 젊은 여성들을 전문으로 하는 반면, 안토니오 로셀리노와 다른 사람들은 종종 노블한 얼굴의 남자들뿐만 아니라 어린 [82]아이들도 묘사했다.피사넬로에 의해 발명된 초상 메달 또한 종종 여성을 묘사했다; 부조 연판은 주물 금속으로 된 또 다른 새로운 작은 조각 형태였다.

미켈란젤로는 1500년부터 1520년까지 활발한 조각가였고 그의 다윗, 피에타, 모세와 교황 율리우스 2세의 무덤과 메디치 예배당을 위한 작품들을 포함한 그의 위대한 걸작들은 후속 조각가들에 의해 무시될 수 없었다.그의 상징인 다비드(1504)는 고전 조각에서 차용한 상반된 포즈를 취하고 있다.다윗은 거인의 패배가 아니라 골리앗과의 전투 전에 묘사된다는 점에서 이 주제에 대한 이전의 묘사와는 다르다.도나텔로와 베로키오가 했던 것처럼 승리를 보여주는 대신, 데이비드는 긴장하고 전투 준비가 [83]된 것처럼 보인다.

매너리스트

1593년 신성 로마 황제 루돌프 2세를 위해 만들어진 아드리앙 드 브리스, 머큐리, 프시케 북방 매너리즘의 실물 크기 청동.
주요 기사 : 매너리즘

그림에서와 같이, 초기 이탈리아 매너리즘 조각은 본질적으로 미켈란젤로를 의미했던 르네상스 전성기의 성취를 능가하는 독창적인 스타일을 찾기 위한 시도였고, 이것을 성취하기 위한 투쟁의 대부분은 다음 피렌체의 광장에 있는 다른 장소들을 채우기 위한 위탁으로 이루어졌다.미켈란젤로의 다비드에게요바치오 반디넬리는 헤라클레스와 카쿠스의 프로젝트를 직접 이어받았지만, 지금보다 조금 인기가 있었고, 벤베누토 셀리니에 의해 '멜론 한 포대'에 악의적으로 비유되어 처음으로 조각상의 받침대 위에 릴리프 패널을 도입하는 데 오랜 효과가 있었던 것으로 보인다.그의 다른 작품들과 다른 매너리스트들의 작품들처럼, 그것은 미켈란젤로가 [84]했을 것보다 훨씬 더 많은 원래의 블록을 제거한다.메두사의 머리를 가진 셀리니의 청동 페르세우스는 8개의 시야각을 가진 또 다른 매너리즘의 특징을 가진 걸작이지만 미켈란젤로나 [85]도나텔로의 다비드들에 비하면 매너 있는 작품입니다.원래 금세공장이였던 그의 유명한 금과 에나멜 소금 저장고 (1543년)는 그의 첫 번째 조각품이었고 그의 재능을 가장 [86]잘 보여준다.이러한 사례에서 알 수 있듯이, 그 시기는 특히 신화적인 인물들과 함께 큰 작품의 세속적인 소재의 범위를 확대했다; 이전에는 주로 작은 작품에서 발견되었었다.

수집가 캐비닛의 작은 청동 조각상, 종종 나체로 된 신화적인 소재는 원래 플랑드르지만 플로렌스에 기반을 둔 잠볼로그나가 세기의 후반에 탁월했던 유명한 르네상스 형태였고, 또한 실물 크기의 조각상 두 개가 시뇨리아 광장에 전시되었다.그와 그의 추종자들은 종종 두 개의 얽힌 형상이 있는 우아하고 길쭉한 피구라 뱀의 예를 모든 [87]각도에서 흥미로웠다.

바로크와 로코코

주요 기사 : 바로크 조각
지안 로렌조 베르니니, 아폴로, 다프네, 1622년–1625년 갤러리아 보르헤세의

바로크 조각에서, 인물들의 그룹은 새로운 중요성을 띠었고, 인간 형태의 역동적인 움직임과 에너지가 있었다. 그들은 텅 빈 중심 소용돌이 주위를 빙빙 돌거나 주변 공간으로 손을 뻗었다.바로크 조각은 종종 이상적인 시야각을 여러 개 가지고 있었으며, 부조로부터 원형으로 만들어진 조각으로 르네상스 시대의 일반적인 움직임을 반영하여 넓은 공간 중앙에 배치되도록 설계되었다 - 베르니니의 퐁타나 데이 콰트로 피우미 (롬, 1651년) 또는 베르사유 정원에 있는 것과 같은 우아한 분수.바로크 양식의 명물이었습니다.바로크 양식은 성 테레사의 황홀경 (1647–1652)[88]과 같은 작품에서 지안 로렌조 베르니니가 그 시대의 지배적인 인물이었던 것과 같이 조각에 완벽하게 어울렸다.많은 바로크 조각은 조명이나 분수, 또는 조형물과 건축물을 융합시켜 보는 사람들을 위한 변혁적인 경험을 창조하는 등 추가적인 조각적 요소들을 추가했다.예술가들은 스스로를 고전적인 전통에 있는 것으로 보았지만,[89] 오늘날 보여지는 보다 고전적인 시기의 조각보다는 헬레니즘적이고 이후의 로마 조각에 감탄했다.

개신교 종교 개혁은 북유럽의 많은 지역에서 종교 조각에 거의 모든 것을 중단시켰고, 세속적인 조각, 특히 초상 흉상과 무덤 기념물 조각이 계속되었지만, 네덜란드 황금기는 금세공 [90]이외에는 이렇다 할 조각 요소가 없습니다.부분적으로 직접적인 반작용으로, 조각은 중세 후기처럼 로마 가톨릭에서 두드러졌다.통치자와 귀족의 동상이 점점 인기를 끌게 되었다.18세기에 많은 조각품들이 바로크 선으로 계속되었다. 트레비 분수는 1762년에야 완성되었다.로코코 양식은 작은 작품에 더 적합했고, 그 이상적인 조형 형태는 초기 유럽 도자기와 프랑스 국내 인테리어와 오스트리아와 바이에른 순례 [91]교회와 같은 나무나 회반죽에서 찾을 수 있었다.

네오클래식

주요 기사:신고전주의 조각
안토니오 카노바: 사랑의 키스로 부활한 프시케, 1787년

18세기 후반에 도래한 신고전주의 양식은 조각에 큰 중점을 두었다.장 앙투아느 후동은 그 스타일이 만들어 낼 수 있는 날카로운 초상화의 예를 보여주고 안토니오 카노바의 작품은 운동의 이상주의적 측면을 암시한다.신고전주의 시대는 공공 조각의 위대한 시대 중 하나였지만, 그것의 "고전적인" 원형은 헬레니즘 조각의 로마 모조품일 가능성이 더 높았습니다.조각에서 가장 친숙한 대표들은 이탈리아 안토니오 카노바, 영국인 존 플락스만, 그리고 데인 베르텔 토르발센이다.유럽의 신고전주의 방식은 미국에서도 통용되었는데, 그 정점은 다소 후에 생겨났고 히람 파워스의 조각에 잘 나타나 있다.

아시아

그리스 불교 조각과 아시아

간다라 불상 1세기~2세기 불상의 첫 묘사 중 하나
주요 기사:그리스 불교 미술

그리스 불교 미술은 기원전 4세기 알렉산더 대왕의 정복과 7세기 이슬람 정복 사이에 중앙아시아에서 약 1000년 동안 발달한 고대 그리스 문화와 불교 사이의 문화적 융합인 그리스-불교의 예술적 표현이다.그리스 불교 미술은 헬레니즘 미술의 강한 이상주의적 사실주의와 인간 형태의 부처의 첫 번째 표현으로 특징지어지는데, 이것은 아시아 대륙에서 현재까지 불교 미술의 예술적 (특히 조각적) 규범을 정의하는 데 도움을 주었다.연대는 불확실하지만, 강한 헬레니즘 양식은 5세기 후반까지 지중해 주변에서 쇠퇴한 후 몇 세기 동안 동양에 남아 있었던 것으로 보인다.그리스 미술의 어떤 측면은 채택된 반면 다른 측면은 그리스 불교 지역을 넘어 확산되지 않았다; 특히 서 있는 모습, 종종 느긋한 자세와 한쪽 다리를 구부린 모습, 하늘을 나는 큐피드 혹은 승리들이 아시아 전역에서 압사라로 인기를 끌었다.코린트식 수도의 인도식 [92]단풍 장식도 영향을 미쳤다.

그리스 불교 미술의 기원은 오늘날 아프가니스탄에 위치한 헬레니즘 그리스-박트리아 왕국 (기원전 250–130년)에서 찾을 수 있으며, 이 왕국에서 작은 인도-그리스 왕국 (기원전 180–10년)의 설립과 함께 헬레니즘 문화가 인도 아대륙으로 전파되었다.인도-그리스와 쿠샨 시대에는 오늘날의 파키스탄 북부 간다라 지역에서 그리스와 불교 문화의 교류가 번성했고, 그 후 인도까지 확산되어 마투라의 예술에 영향을 미쳤고, 동남아시아의 나머지 지역까지 확장되는 굽타 제국의 힌두교 예술에 영향을 미쳤다.그리스-불교 미술의 영향도 중앙아시아로 북상하면서 타림분지와 둔황동굴의 미술에 큰 영향을 미쳤고, 궁극적으로는 중국, 한국,[93] 일본의 조각상에도 영향을 미쳤다.

중국

주요 기사:중국미술, 중국도자기, 칠기, 중국옥
11세기 북송시대 관음보살좌상.

중국 상나라와 서주 시대의 청동은 기원전 1500년경부터 천 년이 넘는 기간 동안 중국 미술에 지속적인 영향을 미쳤다.그것들은 복잡한 무늬와 줌모픽 장식으로 주조되었지만, 최근에 삼싱두이에서 [94]발견된 거대한 인물들과는 달리 인간의 형상은 피한다.화려한 테라코타 군대는 기원전 221년부터 210년까지 통일된 중국의 초대 황제 진시황의 무덤을 위해 모여졌으며, 죽은 사람들이 사후세계에서 살아있을 때와 같은 생활을 즐길 수 있도록 오랫동안 무덤에 놓여진 거대한 황실 버전으로, 매우 초기의 실제 희생을 대체했다.도자기나 나무로 만든 작은 조각상들은 이후 수 세기 동안 무덤에 안치되었고, 당나라 무덤 [95]조각상들의 질은 최고조에 달했습니다.중국에서는 당삼채(唐三c) 고분부터 이현(ix gl) 유약 도자기 뤄한(oh gl)과 같은 후대의 불상, 사찰과 무덤의 후대 불상까지 비정상적으로 큰 도자기 조각의 전통이 지속되었다.이것들은 목재로 된 이전의 것을 대체하기 위해 왔다.

중국의 토착 종교는 보통 신을 숭배하는 이미지를 사용하지 않으며 심지어 그들을 상징하지도 않으며, 큰 종교 조각은 대부분 4세기부터 14세기까지 거슬러 올라가며, 처음에는 실크로드를 통해 도착한 그리스-불교 모형을 사용했다.불교는 또한 모든 큰 초상화 조각의 맥락이다; 다른 지역과는 완전히 대조적으로, 중세 중국에서는 황제의 그림을 그리는 것조차 사적인 것으로 간주되었다.황실 무덤에는 이집트에 걸맞은 규모의 실제 동물과 신화 속의 동물들이 즐비한 화려한 접근로가 있으며, 작은 형태의 무덤들이 사원과 [96]궁전을 장식하고 있다.

특히 금속 세공과 [98]옥에 있는 모든 종류의 물건들에 대한 부조 장식과 같이, 다양한 [97]매체에서 작은 불교 인물들과 단체들이 매우 고품질로 제작되었다.초기엔 순례동굴 단지와 외부 암반 부조물로 살아있는 암반에서 많은 양의 조각이 잘려나갔습니다.이것들은 대부분 원래 그려진 것이다.문인화가와는 대조적으로, 모든 종류의 조각가들은 장인으로 간주되었고,[99] 매우 적은 수의 이름만이 기록되었다.명나라 때부터 종교와 세속적인 인물들의 조각상이 중국 도자기와 다른 매체로 제작되어 중요한 수출품이 되었다.

일본.

참고 항목 : 일본 미술품, 조각품, 국보 일람표
나라 다이부츠, 752년 경, 일본 나라

긴 신석기 시대 말기에 이르러서는 테두리를 [102]조각이라고 할 수 밖에 없는 호화로운 확장으로 '불꽃테'를 두르고, 매우 양식화된 도구상이 만들어졌으며, 많은 도기들은 '눈곱슬'의 눈을 가지고 있었다.서기 3~6세기 고분군에는 중요한 무덤 밖에 사람과 동물의 소박한 모습을 한 하니와 테라코타상이 세워졌습니다.6세기에 불교가 들어오면서 조각과 중국 양식이 한국을 통해 전파되었다.7세기 호류지와 그 내용물은 청동으로 된 623의 샤카 삼위일체를 포함한 두 개의 보살과 [103]사방수호왕을 곁들인 역사적 불상을 보여주는 작품들로 그 시대의 어떤 동아시아 불교 사찰보다 더 온전하게 남아 있다.

조초는 헤이안 시대뿐만 아니라 일본 불상 역사상 가장 위대한 불교 조각가 중 한 명으로 알려져 있다.조초는 여러 나무를 조합한 '요세기 주쿠리' 기술을 완성함으로써 불상의 체형을 재정립했다.그가 만든 불상의 평화로운 표정과 우아한 자태는 '조초요'라는 일본식 불상의 조형물을 완성시켜 후기의 일본 불상의 양식을 결정지었다.그의 업적은 일본에서 [104]부시의 사회적 지위를 극적으로 높였다.

가마쿠라 시대에 미나모토 가문이 가마쿠라 막부를 세우고 사무라이 계급이 사실상 일본을 지배했다.계파 불상 조각가인 조초의 후계자들은 사무라이의 취향에 맞게 사실적이고 역동적인 불상을 만들어냈고, 일본 불상은 절정에 달했다.운케이, 카이케이, 탄케이는 유명했고, 전쟁이나 [105]화재로 많은 불상이 소실된 고후쿠지 등 많은 절에서 새로운 불상을 많이 만들었다.

이후 일본에서 중요한 대형 조각은 거의 모두 불교로 신도에 상당하는 것이었으며, 15세기 일본에서 불교가 쇠퇴한 후 기념비적인 조각은 주로 건축적인 장식이 되어 의미가 [106]없어졌다.그러나 장식예술의 조각작업은 많은 재료의 인로, 네츠케, 금속 토소구, 일본식 칼꽂이 등 작은 물건에 있어서 현저한 기술적 성과와 정교함으로 발전했다.19세기에는 뛰어난 기교를 가진 작은 청동 조각품, 상아, 도자기 조각품, 그리고 다른 종류의 작은 조각품들의 수출 산업이 생겨나면서 기술적인 성취를 점점 더 강조했습니다.

인도 아대륙

다음 항목도 참조하십시오.남아시아 조각, 인도의 암각 사원 목록, 방글라데시 조각
5세기 말 악마 케시를 죽이는 크리슈나의 힌두교 굽타테라코타 릴리프

인도 아대륙에서 처음으로 알려진 조각상은 인더스 문명 (기원전 3300–1700)에서 온 것으로, 현대 파키스탄의 모헨조 다로와 하라파 유적지에서 발견되었다.여기에는 유명한 청동 여성 무용수와 소위 프리스트 킹이 포함됩니다.그러나, 이러한 청동과 돌의 인물은 드물고, 종종 매우 정교하게 묘사된 동물이나 신들의 토기 조각상이나 돌 봉인보다 훨씬 수가 많다.인더스 계곡 문명이 멸망한 후 불교 시대까지는 다이마바드에서 기원전 1500년 경의 구리 조각상이 보관된 것 외에는 조각에 대한 기록이 거의 없다.[107]따라서 돌로 된 인도의 기념비 조각의 위대한 전통은 다른 문화에 비해 시작된 것으로 보이며, 비교적 늦은 기원전 270년부터 232년까지의 아소카 통치와 그가 칙령을 들고 인도 주변에 세운 아소카의 기둥과 함께 인도 문명의 발달은 주로 사자, 유명한 동물 조각에 의해 꼭대기에 세워졌다.6명이 [108]살아남습니다.대부분 부조된 많은 조형물들이 초기 불교 순례 부도에서 살아남는다; 그것들은 아마 [109]힌두교를 받아들인 나무를 사용한 전통에서 발전했을 것이다.

기원후 1세기부터 3세기까지 마투라의 분홍색 사암인 힌두교, 자인교, 불교 조각은 인도의 전통과 간다라의 그리스 불교 미술을 통해 받은 서양의 영향을 반영하여 이후의 인도 [109]종교 조각의 기초를 효과적으로 확립하였다.이 양식은 엘레판타 동굴이 아마도 조금 [111]더 늦게나마 초기 엘로라 [110]동굴을 덮고 있는 인도 조각의 "고전적인" 기간으로 남아 있는 굽타 제국 (320–550년) 하에서 인도 대부분에 개발되고 확산되었다.나중에 나온 대형 조각품들은 거의 전적으로 종교적이고, 일반적으로 다소 보수적이며, 종종 신을 위한 단순한 정면 입상 포즈로 돌아간다. 그러나 압사라나 약시 같은 수행 영혼들은 종종 감각적으로 굽은 자세를 취한다.조각은 종종 매우 세밀하고, 주요 인물 뒤에 높은 부조로 복잡한 뒷부분을 가지고 있다.인도 남부에서 온 촐라 왕조 (850–1250년 경)의 유명한 청동들은, 많은 것들이 행렬로 운반되도록 디자인되었으며, 이전 팔라바 [113]왕조로 거슬러 올라가는 마하발리푸람의 거대한 화강암 조각과 함께 나타라자로서의 [112]상징적인 형태를 포함합니다.

동남아시아

9세기 크메르 린텔

The sculpture of the region tends to be characterised by a high degree of ornamentation, as seen in the great monuments of Hindu and Buddhist Khmer sculpture (9th to 13th centuries) at Angkor Wat and elsewhere, the enormous 9th-century Buddhist complex at Borobudur in Java, and the Hindu monuments of Bali.[114] Both of these include many reliefs as well as figures in the round; Borobudur has 2,672 relief panels, 504 Buddha statues, many semi-concealed in openwork stupas, and many large guardian figures.

In Thailand and Laos, sculpture was mainly of Buddha images, often gilded, both large for temples and monasteries, and small figurines for private homes. Traditional sculpture in Myanmar emerged before the Bagan period. As elsewhere in the region, most of the wood sculptures of the Bagan and Ava periods have been lost.

Traditional Anitist sculptures from the Philippines are dominated by Anitist designs mirroring the medium used and the culture involved, while being highlighted by the environments where such sculptures are usually placed on. Christian and Islamic sculptures from the Philippines have different motifs compared to other Christian and Islamic sculptures elsewhere. In later periods Chinese influence predominated in Vietnam, Laos and Cambodia, and more wooden sculpture survives from across the region.

Islam

Ivory with traces of paint, 11th–12th century, Egypt

Islam is famously aniconic, so the vast majority of sculpture is arabesque decoration in relief or openwork, based on vegetable motifs, but tending to geometrical abstract forms. In the very early Mshatta Facade (740s), now mostly in Berlin, there are animals within the dense arabesques in high relief, and figures of animals and men in mostly low relief are found in conjunction with decoration on many later pieces in various materials, including metalwork, ivory and ceramics.[115]

Figures of animals in the round were often acceptable for works used in private contexts if the object was clearly practical, so medieval Islamic art contains many metal animals that are aquamaniles, incense burners or supporters for fountains, as in the stone lions supporting the famous one in the Alhambra, culminating in the largest medieval Islamic animal figure known, the Pisa Griffin. In the same way, luxury hardstone carvings such as dagger hilts and cups may be formed as animals, especially in Mughal art. The degree of acceptability of such relaxations of strict Islamic rules varies between periods and regions, with Islamic Spain, Persia and India often leading relaxation, and is typically highest in courtly contexts.[116]

Africa

Mask from Gabon
Two Chiwara c. late 19th early 20th centuries, Art Institute of Chicago. Female (left) and male Vertical styles

Historically, with the exception of some monumental Egyptian sculpture, most African sculpture was created in wood and other organic materials that have not survived from earlier than a few centuries ago; older pottery figures are found from a number of areas. Masks are important elements in the art of many peoples, along with human figures, often highly stylized. There is a vast variety of styles, often varying within the same context of origin depending on the use of the object, but wide regional trends are apparent; sculpture is most common among "groups of settled cultivators in the areas drained by the Niger and Congo rivers" in West Africa.[117] Direct images of deities are relatively infrequent, but masks in particular are or were often made for religious ceremonies; today many are made for tourists as "airport art".[118] African masks were an influence on European Modernist art, which was inspired by their lack of concern for naturalistic depiction.

The Nubian Kingdom of Kush in modern Sudan was in close and often hostile contact with Egypt, and produced monumental sculpture mostly derivative of styles to the north. In West Africa, the earliest known sculptures are from the Nok culture which thrived between 500 BCE and 500 CE in modern Nigeria, with clay figures typically with elongated bodies and angular shapes. Later West African cultures developed bronze casting for reliefs to decorate palaces like the famous Benin Bronzes, and very fine naturalistic royal heads from around the Yoruba town of Ife in terracotta and metal from the 12th–14th centuries. Akan goldweights are a form of small metal sculptures produced over the period 1400–1900, some apparently representing proverbs and so with a narrative element rare in African sculpture, and royal regalia included impressive gold sculptured elements.[119]

Many West African figures are used in religious rituals and are often coated with materials placed on them for ceremonial offerings. The Mande-speaking peoples of the same region make pieces of wood with broad, flat surfaces and arms and legs are shaped like cylinders. In Central Africa, however, the main distinguishing characteristics include heart-shaped faces that are curved inward and display patterns of circles and dots.

Populations in the African Great Lakes are not known for their sculpture.[117] However, one style from the region is pole sculptures, carved in human shapes and decorated with geometric forms, while the tops are carved with figures of animals, people, and various objects. These poles are, then, placed next to graves and are associated with death and the ancestral world. The culture known from Great Zimbabwe left more impressive buildings than sculpture but the eight soapstone Zimbabwe Birds appear to have had a special significance and were mounted on monoliths. Modern Zimbabwean sculptors in soapstone have achieved considerable international success. Southern Africa's oldest known clay figures date from 400 to 600 CE and have cylindrical heads with a mixture of human and animal features.

  • Nok terracotta, 6th century BCE–6th century CE

    Nok terracotta, 6th century BCE–6th century CE

  • Ife head, terracotta, probably 12–14th centuries CE

    Ife head, terracotta, probably 12–14th centuries CE

  • Yoruba bronze head sculpture, Ife, Nigeria c. 12th century

    Yoruba bronze head sculpture, Ife, Nigeria c. 12th century

  • Sculpture of a 'Queen Mother' from Benin, 16th century.

    Sculpture of a 'Queen Mother' from Benin, 16th century.

  • 16th-century ivory mask from Benin

    16th-century ivory mask from Benin

  • One of the Benin Bronzes, 16th–18th century, Nigeria.

    One of the Benin Bronzes, 16th–18th century, Nigeria.

  • Mask from Burkina Faso, 19th century

    Mask from Burkina Faso, 19th century

  • Mambila figure, Nigeria

    Mambila figure, Nigeria

Ethiopia and Eritrea

Further information: Ethiopian art and Lalibela Cross

The creation of sculptures in Ethiopia and Eritrea can be traced back to its ancient past with the kingdoms of Dʿmt and Aksum. Christian art was established in Ethiopia with the conversion from paganism to Christianity in the 4th century CE, during the reign of king Ezana of Axum.[120] Christian imagery decorated churches during the Asksumite period and later eras.[121] For instance, at Lalibela, life-size saints were carved into the Church of Bet Golgotha; by tradition these were made during the reign of the Zagwe ruler Gebre Mesqel Lalibela in the 12th century, but they were more likely crafted in the 15th century during the Solomonic dynasty.[122] However, the Church of Saint George, Lalibela, one of several examples of rock cut architecture at Lalibela containing intricate carvings, was built in the 10th–13th centuries as proven by archaeology.[123]

Sudan

Further information: Nubian pyramids

In ancient Sudan, the development of sculpture stretches from the simple pottery of the Kerma culture beginning around 2500 BCE to the monumental statuary and architecture of the Kingdom of Kush, its last phase—the Meroitic period—ending around 350 CE (with its conquest by Ethiopia's Aksum).[124][125] Beyond pottery items, the Kerma culture also made furniture that contained sculptures, such as gold cattle hoofs as the legs of beds.[124] Sculpture during the Kingdom of Kush included full-sized statues (especially of kings and queens), smaller figurines (most commonly depicting royal servants), and reliefs in stone, which were influenced by the contemporary ancient Egyptian sculptural tradition.[126][127]

The Americas

See also: Sculpture of the United States, Visual arts by indigenous peoples of the Americas, Pre-Columbian art, Northwest Coast art, and Inuit art

Sculpture in what is now Latin America developed in two separate and distinct areas, Mesoamerica in the north and Peru in the south. In both areas, sculpture was initially of stone, and later of terracotta and metal as the civilizations in these areas became more technologically proficient.[128] The Mesoamerican region produced more monumental sculpture, from the massive block-like works of the Olmec and Toltec cultures, to the superb low reliefs that characterize the Mayan and Aztec cultures. In the Andean region, sculptures were typically small, but often show superb skill.

Pre-Columbian

North America

St. James panel, from reredos in Cristo Rey Church, Santa Fe, New Mexico, c. 1760

In North America, wood was sculpted for totem poles, masks, utensils, War canoes and a variety of other uses, with distinct variation between different cultures and regions. The most developed styles are those of the Pacific Northwest Coast, where a group of elaborate and highly stylized formal styles developed forming the basis of a tradition that continues today. In addition to the famous totem poles, painted and carved house fronts were complemented by carved posts inside and out, as well as mortuary figures and other items. Among the Inuit of the far north, traditional carving styles in ivory and soapstone are still continued.[129]

The arrival of European Catholic culture readily adapted local skills to the prevailing Baroque style, producing enormously elaborate retablos and other mostly church sculptures in a variety of hybrid styles.[130] The most famous of such examples in Canada is the altar area of the Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, which was carved by peasant habitant labourers. Later, artists trained in the Western academic tradition followed European styles until in the late 19th century they began to draw again on indigenous influences, notably in the Mexican baroque grotesque style known as Churrigueresque. Aboriginal peoples also adapted church sculpture in variations on Carpenter Gothic; one famous example is the Church of the Holy Cross in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.

The history of sculpture in the United States after Europeans' arrival reflects the country's 18th-century foundation in Roman republican civic values and Protestant Christianity. Compared to areas colonized by the Spanish, sculpture got off to an extremely slow start in the British colonies, with next to no place in churches, and was only given impetus by the need to assert nationality after independence. American sculpture of the mid- to late-19th century was often classical, often romantic, but showed a bent for a dramatic, narrative, almost journalistic realism. Public buildings during the last quarter of the 19th century and the first half of the 20th century often provided an architectural setting for sculpture, especially in relief. By the 1930s the International Style of architecture and design and art deco characterized by the work of Paul Manship and Lee Lawrie and others became popular. By the 1950s, traditional sculpture education would almost be completely replaced by a Bauhaus-influenced concern for abstract design. Minimalist sculpture replaced the figure in public settings and architects almost completely stopped using sculpture in or on their designs. Modern sculptors (21st century) use both classical and abstract inspired designs. Beginning in the 1980s, there was a swing back toward figurative public sculpture; by 2000, many of the new public pieces in the United States were figurative in design.

Moving toward modern art

19th–early 20th century, early Modernism and continuing realism

Edgar Degas, Little Dancer of Fourteen Years, cast in 1922 from a mixed-media sculpture modeled c. 1879–80, Bronze, partly tinted, with cotton

Modern classicism contrasted in many ways with the classical sculpture of the 19th century which was characterized by commitments to naturalism (Antoine-Louis Barye)—the melodramatic (François Rude) sentimentality (Jean-Baptiste Carpeaux)—or a kind of stately grandiosity (Lord Leighton). Several different directions in the classical tradition were taken as the century turned, but the study of the live model and the post-Renaissance tradition was still fundamental to them. Auguste Rodin was the most renowned European sculptor of the early 20th century.[131][132] He is often considered a sculptural Impressionist, as are his students including Camille Claudel, and Hugo Rheinhold, attempting to model of a fleeting moment of ordinary life. Modern classicism showed a lesser interest in naturalism and a greater interest in formal stylization. Greater attention was paid to the rhythms of volumes and spaces—as well as greater attention to the contrasting qualities of surface (open, closed, planar, broken etc.) while less attention was paid to story-telling and convincing details of anatomy or costume. Greater attention was given to psychological effect than to physical realism, and influences from earlier styles worldwide were used.

Early masters of modern classicism included: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. As the century progressed, modern classicism was adopted as the national style of the two great European totalitarian empires: Nazi Germany and Soviet Russia, who co-opted the work of earlier artists such as Kolbe and Wilhelm Lehmbruck in Germany[133] and Matveyev in Russia. Over the 70 years of the USSR, new generations of sculptors were trained and chosen within their system, and a distinct style, socialist realism, developed, that returned to the 19th century's emphasis on melodrama and naturalism.

Classical training was rooted out of art education in Western Europe (and the Americas) by 1970 and the classical variants of the 20th century were marginalized in the history of modernism. But classicism continued as the foundation of art education in the Soviet academies until 1990, providing a foundation for expressive figurative art throughout eastern Europe and parts of the Middle East. By 2000, the European classical tradition retains a wide appeal to the public but awaits an educational tradition to revive its contemporary development.

Some of the modern classical became either more decorative/art deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) or more abstractly stylized or more expressive (and Gothic) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini)—or turned more to the Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) or stayed the same (Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modernism

Gaston Lachaise, Floating Figure 1927, bronze, no. 5 from an edition of 7, National Gallery of Australia
Main article: Modern sculpture

Modernist sculpture movements include Cubism, Geometric abstraction, De Stijl, Suprematism, Constructivism, Dadaism, Surrealism, Futurism, Formalism, Abstract expressionism, Pop-Art, Minimalism, Land art, and Installation art among others.

Henry Moore, Large Reclining Figure, 1984 (based on a smaller model of 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith, CUBI VI, (1963), Israel Museum, Jerusalem.

In the early days of the 20th century, Pablo Picasso revolutionized the art of sculpture when he began creating his constructions fashioned by combining disparate objects and materials into one constructed piece of sculpture; the sculptural equivalent of the collage in two-dimensional art. The advent of Surrealism led to things occasionally being described as "sculpture" that would not have been so previously, such as "involuntary sculpture" in several senses, including coulage. In later years Picasso became a prolific potter, leading, with interest in historic pottery from around the world, to a revival of ceramic art, with figures such as George E. Ohr and subsequently Peter Voulkos, Kenneth Price, and Robert Arneson. Marcel Duchamp originated the use of the "found object" (French: objet trouvé) or readymade with pieces such as Fountain (1917).

Similarly, the work of Constantin Brâncuși at the beginning of the century paved the way for later abstract sculpture. In revolt against the naturalism of Rodin and his late-19th-century contemporaries, Brâncuși distilled subjects down to their essences as illustrated by the elegantly refined forms of his Bird in Space series (1924).[134]

Brâncuși's impact, with his vocabulary of reduction and abstraction, is seen throughout the 1930s and 1940s, and exemplified by artists such as Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz[135] and by the 1940s abstract sculpture was impacted and expanded by Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely, and Frederick Kiesler who were pioneers of Kinetic art.

Modernist sculptors largely missed out on the huge boom in public art resulting from the demand for war memorials for the two World Wars, but from the 1950s the public and commissioning bodies became more comfortable with Modernist sculpture and large public commissions both abstract and figurative became common. Picasso was commissioned to make a maquette for a huge 50-foot (15 m)-high public sculpture, the so-called Chicago Picasso (1967). His design was ambiguous and somewhat controversial, and what the figure represents is not clear; it could be a bird, a horse, a woman or a totally abstract shape.

During the late 1950s and the 1960s abstract sculptors began experimenting with a wide array of new materials and different approaches to creating their work. Surrealist imagery, anthropomorphic abstraction, new materials and combinations of new energy sources and varied surfaces and objects became characteristic of much new modernist sculpture. Collaborative projects with landscape designers, architects, and landscape architects expanded the outdoor site and contextual integration. Artists such as Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, Philip Pavia and Louise Nevelson came to characterize the look of modern sculpture.

By the 1960s Abstract expressionism, Geometric abstraction and Minimalism, which reduces sculpture to its most essential and fundamental features, predominated. Some works of the period are: the Cubi works of David Smith, and the welded steel works of Sir Anthony Caro, as well as welded sculpture by a large variety of sculptors, the large-scale work of John Chamberlain, and environmental installation scale works by Mark di Suvero. Other Minimalists include Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, and John Safer who added motion and monumentality to the theme of purity of line.[136]

During the 1960s and 1970s figurative sculpture by modernist artists in stylized forms was made by artists such as Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham in a classic articulated style, and Fernando Botero bringing his painting's 'oversized figures' into monumental sculptures.

Gallery of modernist sculpture

Contemporary movements

Christo and Jeanne-Claude, Umbrellas 1991, Japan[137]
Device to Root Out Evil (1997) sculpture by Dennis Oppenheim at
Palma de Mallorca, Plaça de la Porta de Santa Catalina

Site specific and environmental art works are represented by artists: Andy Goldsworthy, Walter De Maria,[138] Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin,[139] George Rickey and Christo and Jeanne-Claude led contemporary abstract sculpture in new directions. Artists created environmental sculpture on expansive sites in the 'land art in the American West' group of projects. These land art or 'earth art' environmental scale sculpture works exemplified by artists such as Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman and Dennis Oppenheim among others were pioneers of Postminimalist sculpture.

Also during the 1960s and 1970s artists as diverse as Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson, and John DeAndrea explored abstraction, imagery and figuration through video art, environment, light sculpture, and installation art in new ways.

Conceptual art is art in which the concept(s) or idea(s) involved in the work take precedence over traditional aesthetic and material concerns. Works include One and Three Chairs, 1965, is by Joseph Kosuth, and An Oak Tree by Michael Craig-Martin, and those of Joseph Beuys, James Turrell and Jacek Tylicki.

Minimalism

Postminimalism

Contemporary genres

Spiral Jetty by Robert Smithson, in 2005

Some modern sculpture forms are now practiced outdoors, as environmental art and environmental sculpture, often in full view of spectators. Light sculpture, street art sculpture and site-specific art also often make use of the environment. Ice sculpture is a form of ephemeral sculpture that uses ice as the raw material. It is popular in China, Japan, Canada, Sweden, and Russia. Ice sculptures feature decoratively in some cuisines, especially in Asia. Kinetic sculptures are sculptures that are designed to move, which include mobiles. Snow sculptures are usually carved out of a single block of snow about 6 to 15 feet (1.8 to 4.6 m) on each side and weighing about 20–30 tons. The snow is densely packed into a form after having been produced by artificial means or collected from the ground after a snowfall. Sound sculptures take the form of indoor sound installations, outdoor installations such as aeolian harps, automatons, or be more or less near conventional musical instruments. Sound sculpture is often site-specific. Art toys have become another format for contemporary artists since the late 1990s, such as those produced by Takashi Murakami and Kid Robot, designed by Michael Lau, or hand-made by Michael Leavitt (artist).[140]

Conservation

Visible damage due to acid rain on a sculpture

Sculptures are sensitive to environmental conditions such as temperature, humidity and exposure to light and ultraviolet light. Acid rain can also cause damage to certain building materials and historical monuments. This results when sulfuric acid in the rain chemically reacts with the calcium compounds in the stones (limestone, sandstone, marble and granite) to create gypsum, which then flakes off.

At any time many contemporary sculptures have usually been on display in public places; theft was not a problem as pieces were instantly recognisable. In the early 21st century the value of metal rose to such an extent that theft of massive bronze sculpture for the value of the metal became a problem; sculpture worth millions being stolen and melted down for the relatively low value of the metal, a tiny fraction of the value of the artwork.[141]

Form

Cultural

Method

Application

See also

Notes

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