이탈리아 르네상스 시대의 조각상

Italian Renaissance sculpture
피렌체의 시뇨리아 광장과 로그아 데이 란지의 그림, 1830, 카를로 카넬라.왼쪽부터 해왕성의 분수, 지암볼로냐의 사비니 유채, 미켈란젤로의 다비드, 메디치 라이온스 중 하나, 벤베누토 첼리니의 메두사 수장 페르세우스, 헤라클레스와 바치오 반디넬리의 카쿠스.로그자 벽에서 떨어진 메디치 파스키노 그룹은 고대 로마의 주제를 모방합니다.

이탈리아 르네상스 조각은 이탈리아 르네상스 예술의 중요한 부분으로, 거의 틀림없이 가장 앞선 부분을 대표하는 초기 단계에 있었습니다.[1]고대 로마 조각의 예는 양식과 조각이 놓인 용도 모두에서 매우 무겁게 걸려 있었습니다.회화와는 완전히 대조적으로 이탈리아 주변, [2]무엇보다도 로마에 남아있는 로마 조각품들이 많이 있었고, 시종일관 새로운 조각품들이 발굴되고 있었고, 예리하게 수집되고 있었습니다.소수의 주요 인물들, 특히 미켈란젤로와 도나텔로를 제외하고, 그것은 오늘날 이탈리아 르네상스 회화보다 덜 알려져 있지만, 그 당시에는 그렇지 않았습니다.

이탈리아 르네상스 조각상은 무엇보다도 피렌체가 북부를 지배하고 있었습니다.[3]이것은 특히 콰트로센토(15세기)에서 그러했는데, 그 후 로마는 비록 조각가 자체를 거의 배출하지 못했지만,[4] 중심으로서 동등하거나 그것을 능가하게 되었습니다.돌로 만든 피렌체의 주요 조각가들로는 오르카냐 (1368년), 난니 디 방코 (1421년), 필리포 브루넬레스키 (1446년), 난니 디 바르톨로 (1451년), 로렌초 기베르티 (1455년), 도나텔로 (1466년), 베르나르도 (1464년)와 그의 형제 안토니오 로셀리노 (1479년), 안드레아 델 베로키오 (1488년), 안토니오 델 폴라이우올로 (1448년) 등이 있습니다.98), 미켈란젤로 (1564), 야코포 산소비노 (1570).다른 곳에는 롬바르디아 피에트로 롬바르도 (1515) 출신의 시에나 출신의 야코포 델라 케르시아 (1438)와 그의 아들들인 지오반니 안토니오 아마데오 (1522), 안드레아 산소비노 (1529), 빈센조 단티 (1576), 레오네 레오니 (1590), 지암볼로나 (1608,[5] 플랑드르 출생)가 있었습니다.

Francesco Laurana, 아라곤 왕가의 공주, c. 1475

교회 조각이 다른 어떤 출처보다 더 많은 수수료를 계속 제공하고 시민 기념물이 뒤따랐지만,[6] 그 기간 동안 많은 다른 조각 설정이 나타나거나 눈에 띄게 증가했습니다.세속적인 초상화들은 이전에는 대부분 장례 예술이었고, 큰 무덤 기념물들은 상당히 정교해졌습니다.릴리프 패널은 다양한 재료와 환경에서 사용되거나 때로는 그림과 같은 휴대용 물체로 취급되기도 했습니다.보통 세속적인 주제를 가진 작은 청동들은 15세기 후반부터 점점 더 중요해졌고, 반면 새로운 형태는 처음에는 사건보다는 주로 사람들을 보여주는 메달과 금속 부조의 작은 장면이 있는 상패를 포함했습니다.[7]

미켈란젤로의 피에타, 1499년 완성.
루카 델라 로비아, 부활, 유약 테라코타,[8] 1445

조각가라는 용어는 15세기에 겨우 사용되기 시작했는데, 그 이전에는 조각가들이 석각, 목각 등으로 알려져 있었습니다.스타투아(Statua)는 그림을 그리는 이미지에 사용되기도 하는 피구라, 시뮬라크룸, 이마고와 같은 중세 용어를 대체한 또 다른 이탈리아어 신조어였습니다.[9]

기간

퐁텐블로 님, 벤베누토 첼리니, 청동, c. 1543, 루브르 (H. 2.05 m; L. 4.09 m)[10]

고딕 건축과 일반적인 고딕 예술은 이탈리아에 제한적으로 침투하여 늦게 도착하고 특히 먼 북쪽, 베네치아와 롬바르디아에 주로 영향을 미쳤으며, 종종 국경과 수도에서만 장식적인 양식으로 사용되었습니다.[11]고전적인 전통은 알프스의 북쪽보다 더 뿌리 깊어서, 고전 양식의 의도적인 부활은 급격한 변화보다 덜했습니다.[12]트레센토(14세기) 시대에는 조각가들에게 일반적으로 고딕 양식의 건물이나 그렇지 않은 건물에 작업을 의뢰했을 수도 있습니다.어떤 조각가들은 자신들의 스타일을 어느 정도 맞출 수 있었지만, 다른 조각가들은 그렇지 않았습니다.[13]이런 복잡한 상황 때문에 르네상스 조형물의 명확한 시작 날짜를 제시하는 것은 불가능하지는 않더라도 어렵습니다.[14]

이탈리아 르네상스 회화와 마찬가지로, 조각은 전통적으로 초기 르네상스, 높은 르네상스, 매너리즘, 후기 르네상스 시대로 나뉩니다.편리하게도, 1400년과 1500년은 양식의 중요한 변화를 기념하기 위한 날짜뿐만 아니라 꽤 잘 작동하는데, 주요 전환점은 1400년 후반에 발표된 피렌체 세례당의 문들을 위한 디자인 경쟁이었고,[15] 1499년에 완성된 미켈란젤로의 피에타와 그의 다비드는 1501년에 시작되었습니다.[16]때때로 15세기는 1450년경(또는 그 이전)에 바사리를 따라 어느 정도 "제1의 르네상스"와 "제2의 르네상스"로 나뉘기도 합니다.

매너리즘 양식은 1520년경에 생겨나기 시작하지만, 주도적인 중심지가 되었던 것을 크게 흔들고 분산시킨 1527년의 로마의 자루는 높은 르네상스 시기에 일반적으로 받아들여지는 종말을 제공합니다. 메디치 가문은 같은 해 피렌체에서 추방되었고, 다른 예술가들을 대체했습니다.[17]비록 그의 작업장이 그의 스타일로 계속 작품을 만들어냈지만, 바로크 조각이 로마에 이미 잘 자리잡고 있던 1608년의 Giambologna의 죽음은 그 시기의 끝을 알리는 것으로 받아들여질 수 있습니다.[18]

자재

일반적으로, "어떤 품질의 조각도"는 그림에서 동등한 것보다 더 비쌌고, 청동으로 만들었을 때는 극적으로 그렇게 했습니다.안드레아 델 카스타뇨가 1456년에 그린 니콜 ò 다 톨렌티노의 승마 기념물은 단 24 플로린의 가격이 든 것으로 보이며, 몇 년 전 도나텔로의 가타멜라타의 승마 청동은 1,650 플로린으로 "보수적으로" 평가되었습니다.미켈란젤로는 시스티나 성당 천장에 페인트칠을 한 대가로 3,000 플로린을 받았고, 기베르티는 1세기 전 피렌체 세례당을 위한 그의 첫 문 세트는 재료비의 4분의 1을 나타내는 22,000원이 들었다고 말했습니다.[19]

당연히, 조각가들은 "가장 내구성이 강한 재료, 돌이나 금속으로 최고의 작품을 만드는" 경향이 있었습니다. 대부분 살아남지 못한 다른 재료들에서는 훨씬 더 빠르고 저렴한 작업이 많이 이루어졌습니다.[20]조각가들은 그림을 상당히 사용했고, 필요한 경우 철봉의 내부 틀을 갖춘 작고 때로는 실물 크기의 모형이나 점토로 만든 모형을 사용했습니다.[21]하지만 그런 모델들은 거의 해고되지 않았고, 거의 살아남지 못했습니다.레오나르도 다빈치의 스포르차 말 프로젝트가 그 예입니다.[22]

피에트라 세레나에 있는 소년의 구조 흉상, 알려지지 않음, c. 1500

많은 조각가들이 몇몇 재료들에서 작업을 했습니다. 예를 들어 Antonio del Pollaiuolo는 템페라, 오일, 프레스코화로 그림을 그리고 중요한 판화를 제작했을 뿐만 아니라 돌, 청동, 나무, 테라코타로 완성된 작품을 만들었습니다.도나텔로의 성 게오르기우스는 갑옷과 검장인 조합을 위해, 오르산미셸에 대리석으로 되어 있지만, 원래는 청동 헬멧을 쓰고 검을 들고 다녔습니다.[23]도나텔로는 또한 나무, 테라코타, 석고로 작업을 했습니다.특히 15세기에는 많은 건축가들이 훈련을 받아 조각가가 되었고, 몇몇 건축가들은 그들의 경력 대부분을 둘 다 수행했습니다.[24]

돌

토스카나 북쪽의 아푸안 알프스에서 온 카라라 대리석의 순백의 조각품 등급 무엇보다도 대리석은 훌륭한 조각품으로 가장 인기 있는 재료였습니다.많은 토스카나 조각가들은 큰 작품들을 완성하기 위해 채석장으로 갔고, 어떤 조각가들은 근처의 피사에서 마무리를 지어서 큰 블록들을 운반하는 비용을 절약했습니다.장거리 운송은 대개 배를 타고, 아니면 아르노 강을 따라 피렌체까지 이동했습니다.[25]

비록 이탈리아의 대부분의 지역들은 조각할 수 있는 돌을 가지고 있었지만,[26] 다른 가장 선호되는 돌은 아드리아해의 이스트리아에서부터 북쪽에 있었는데, 지금은 크로아티아에 있고 부분적으로는 슬로베니아에 있습니다.이스트리안 돌은 "마술과 같은 돌로, 광택있는 마감이 가능하지만 아푸안 흰 대리석보다 질감과 색상이 훨씬 다양합니다."[27]피에트라 세레나로 알려진 회색 토스카나 사암은 피렌체 대성당에서와 같이 종종 흰색 대리석과 대조되는 건축용 돌로 주로 사용되었습니다.그러나 그것은 때때로 조각, 특히 건물의 작은 부조나 조각된 장면에 사용되기도 했습니다.[28]

메탈

셀리니 소금 저장고, 금과 에나멜, 벤베누토 셀리니 지음

청동 조각은 대리석보다 약 10배나 비쌌고, 합금을 만들거나 만드는 것이 어려웠을 뿐만 아니라 주조의 밀랍 기법은 조각가와 그의 작업실에 의해 가장 자주 수행되었습니다.[29]이것은 밀랍 또는 점토 위에 밀랍으로 완성된 조형물을 만드는 것을 포함했는데, 이는 주조 과정에서 파괴됩니다. 말과 기수는 매우 희귀한 밀랍 조형물로, 주조되지 않은 것으로 추정되며, 현재까지 남아있는 것으로 추정됩니다. 대부분 소규모의 예비 연구를 포함한 소수의 다른 작품들이 있습니다.[30]

외부 전문가가 수행할 수 있는 기본적인 주조가 끝난 후 표면을 다듬고 다듬고 다듬는 작업을 하는 조각가의 작업이 상당량 있었습니다.어떤 경우에는 이 무대가 수년에 걸쳐 연장되었고, 다른 조각가들을 사용했습니다.[31]

그것의 비용과 어려움에도 불구하고, 플리니 대제와 같은 고대 문헌에서 알려진 고전적인 맛과 당시 알려진 아주 적은 고대의 예에 따라,[32] 청동은 작은 규모에서도 특별한 명성을 누렸습니다.[33]중세 후기 이탈리아에서 그것은 베네치아의 피사와 산마르코에서처럼 대성당의 문들에 주로 사용되었고, 초기 르네상스는 이것을 계속하였는데, 가장 유명한 것은 피렌체 세례당이었습니다.[34]로렌초 기베르티가 오르산미셸을 위한 실제 크기보다 약간 큰 청동 세례자 요한(1412)의 모습은 전례가 없는 것이었습니다.[35]

청동은 금박을 입힐 수도 있습니다.[36]다양한 금속들은 왕자 혹은 부유한 후원자들의 초상화 메달을 주조하는데 사용되었고, 때로는 접시에 사용되기도 했습니다.청동은 일반적인 금속이었지만, 몇 개는 금이나 은으로 주조되어, 같은 계급이거나 더 높은 계급의 사람들에게 선물하기도 하고, 일부는 납으로 만들기도 했습니다.[37]특히 왕자들의 궁정에서는, 무엇보다도 가장 부유한 밀라노, 작은 주조상과 잉크웰 같은 조각품들이 종종 금과 은으로 만들어지기도 했지만, 이들은 어느 순간 금괴의 가치를 위해 거의 모두 녹아내렸습니다.1543년에 벤베누토 셀리니에 의해 프랑스의 프란치스코 1세를 위해 만들어진 유명한 금으로 된 셀리니 소금 저장고는 지금은 비엔나에 있는 거의 유일한 금으로 남아있습니다.[38]알도브란디니 타즈제라고 불리는 12개의 은-길트 컵 세트는 1603년 이전에 이탈리아 가족을 위해 만들어졌지만, 아마도 이탈리아 사람들에 의해 만들어진 것은 아닐 것입니다.[39]1554년의 기시 방패는 부조의 작은 장면들의 또 다른 예입니다.[40]

나무

베니스의 프라리에 있는 합창단 가판대

알프스의 북쪽과는 달리, 나무는 명망 있는 재료는 아니었지만, 가벼운 무게 때문에 산타 마리아 노벨라의 브루넬레스키 십자가와 같은 교회의 공중이나 벽에 종종 걸려있는 십자가 형상에 계속 사용되었습니다.다른 예외들로는 도나텔로의 베네치아 프라리 교회의 제단화를 위한 여러 인물들, 그의 참회하는 막달레네, 그리고 1410년경 토스카나의 프란체스코 디 발담브리노의 작품들이 포함되었습니다.[41]나무가 사용될 때, 그것은 보통 화가나 조각가, 또는 그의 작업장에 의해서 그려집니다.나무의 장식적인 조각들은 가구, 판넬 그리고 다른 용도들을 위해 흔했습니다.큰 교회의 성가대 좌판은 종종 많은 조각상들을 포함했고, 때때로 이것들은 인물들과 이야기 장면들을 포함했습니다.15세기 초, 시에나의 도메니코 디 니콜 ò 데이 코리의 목각 인물들은 "동작과 표정에 있어서 새로운 웅변"을 향해 나아갔습니다.

테라코타

테라코타의 한탄 그룹, 니콜로 델 아르카, 산타 마리아 델라 비타, 볼로냐, c. 1460 이후

보통 불에 타지 않은 채로 방치된 모델리를 위한 점토의 광범위한 사용 이외에도, 플로렌스의 델라 로비아 가문의 3대는 주로 건물의 외부를 위한 종교적 구호품인 양철 유리와 밝게 칠해진 테라코타 조각상을 생산하는 큰 작업장을 운영했습니다.그 후 개인 예배당이나 침실을 위한 Madonnas와 같은 더 작은 작업들.다른 예술가들은 테라코타 머리와 가슴 초상화의 양식을 발전시켰습니다.(모형이나 연구보다는) 완성된 기념비적인 조각 작품들이 테라코타로 만들어졌고, 대부분은 그림으로 그려졌습니다.이들은 대부분 종교적인 것들이었습니다. 그리스도의 탄식 속에서 죽은 그리스도를 둘러싸고 있는 여섯 명 정도의 조문객들로 이루어진 대규모 집단들이었습니다.이것들은 대리석보다 훨씬 더 값이 쌌고, 볼로냐의 한 교회를 위한 니콜로 델 아르카의 가장 유명한 단체는 돌로 할 수 없었던 하늘을 나는 커튼의 효과를 얻기 위해 테라코타를 사용합니다.Guido Mazzoni는 대형 테라코타 그룹의 또 다른 전문가였습니다.[43]

기타재료

도나텔로, "Piot Madonna", 테라코타, 유리 밑에 색 왁스 메달과 금박 흔적이 있는, c. 1440.[44]

때때로 청동을 모방하기 위해 그려진 스투코는 주로 건물들을 장식하는데 사용되었고, 공방들은 유명한 조각품들의 작은 석고 복제품들을 팔았는데, 그 중 많은 것들이 남아있지 않습니다.[45]종이로 만든 기계나 접착제로 만든 천과 같이 빠르고 저렴한 다양한 재료로 만들어진 임시 조각품들은 축제나 결혼식과 같은 축하 행사 때 퍼레이드를 위한 장식품으로 호화롭게 제작되었습니다. 16세기에는 종종 인쇄물로 기록됩니다.[46]교황 레오 10세의 피렌체 입성(중세와 르네상스 시대의 미인대회 세트피스)을 위한 장식을 위한 야코포 산소비노의 부조 패널 한 개는 점토와 "크기로 [47]뻣뻣해진 리넨"에도 불구하고 살아남았는데, 이는 모두 나무판 위에 설치되어 있습니다. 이 작품은 최고 예술품입니다.Jacopo della Quercia (d. 1438)는 당연히 살아남지 못한 "나무, 오쿰 그리고 토우"를 사용하여 시에나의 한 교회를 위한 승마 무덤 기념비를 만들었습니다.[48]

설탕 조각은 웅장한 축제를 위한 새롭고 독특한 임시 조각의 장르였습니다.설탕은 마데이라 제도와 카나리아 제도가 유럽에서 정착한 15세기 중반에 유럽으로 정기적으로 수입되기 시작했고, 설탕은 이탈리아를 통해 대부분 수입되던 그곳에서 재배되었습니다.[49]이 후 설탕에 대한 모든 소비자들의 열정이 사회를 휩쓸었고, 처음에는 여전히 매우 비쌌지만 훨씬 더 쉽게 구할 수 있게 되었습니다.[50]유통의 중심지 중 하나인 제노바는 설탕에 절인 과일로 유명해진 반면, 베네치아는 페이스트리, 사탕, 설탕 조각을 전문으로 했습니다.당시 설탕은 의학적으로 유익한 것으로 여겨졌습니다.[51]

1587년 독일 왕자 결혼식을 위해 설탕 조각들이 놓여진 식탁.[52]

1457년 투르에서 열린 가스통 드 푸아(Gaston de Foix)의 축제에는 설탕 조각에 대한 최초의 상세한 언급이 포함되어 있는데, 마지막으로 가져온 음식은 "사자, 사슴, 원숭이 등 설탕으로 조각된 전령적인 메네저리"였기 때문입니다.각각의 발이나 부리로 헝가리 왕의 팔을 잡고"(축제는 헝가리 대사관을 기리기 위한 것이었다).[53]이후 수십 년간 결혼 연회와 같은 다른 기록된 대잔치에도 비슷한 작품들이 포함되어 있습니다.1473년 페라라 공작 에르콜레 1세 데스테의 결혼과 1491년 그의 딸 이사벨라 데스테의 결혼 모두 조각품을 운반하는 행렬로 끝이 났습니다.1491년 103명의 남자들이 호랑이, 유니콘, 부센타우르, 여우, 늑대, 사자... 산, 단봉우리, 성, 사라센...헤라클레스가 용을 죽이고 있습니다.." "만토바, 파도바, 베니스의 조각가들이 궁정 화가들의 디자인으로 제작하기 위해 들여왔습니다."[54]

원래 몇몇 조각품들은 식사에서 먹어왔던 것처럼 보이지만, 나중에 그것들은 단지 식탁 장식, 즉 트리옴피라고 불리는 가장 정교한 조각품이 됩니다.몇몇 중요한 조각가들이 그것들을 제작한 것으로 알려져 있습니다; 어떤 경우에는 그들의 예비 그림들이 남아있습니다.초기의 것들은 흑설탕으로 만들어졌고, 부분적으로 틀에 주조되었고, 마지막 조각들을 새겼습니다. 그리고 나서 금박을 입히거나 페인트를 칠할 수도 있었습니다.[55]마침내, 18세기에, 그 도자기 조각상은 설탕 조각상들의 영구적인 모방 형태로 발전했습니다; 처음에는 이것들도 식탁 위에 놓여졌습니다.[56]

유색조형물

페인트칠은 나무와 테라코타에서 흔히 볼 수 없는 것이었지만, 15세기에는 이미 돌과 금속에서 보기 드문 것이었습니다.이 재료에 사용될 때는 일반적으로 신중했습니다.[57]라리아나의 대리석 초상화 흉상 중 일부는 다색 마감을 유지하고 있고, 다른 것들은 다색 마감을 한 적이 없거나 철거한 적이 있습니다.1500년 이후의 색상은 점점 패션에서 떨어졌습니다. 발굴된 고전적인 조각들은 그것을 가지고 있지 않았지만, 그것들이 원래 색상이었는지는 또 다른 의문입니다."형식만으로 아이디어를 전달하기 위해 표면의 매력을 포기한" 미켈란젤로의 영향력도 작용했습니다.[58]

설정

도제 토마소 모체니고의 무덤, d. 1423, 베네치아 산티 지오바니 에 파올로, 피에로 디 니콜 ò 람베르티 (1393–1435)와 지오바니 디 마르티노 다 피에솔 [그것.

교회와 무덤

이탈리아에서 교회의 조각은 알프스 이북의 나라들과 대조적으로 항상 건물 안에 매우 많이 있었습니다.[59]이탈리아에서 드문 예외는 밀라노 대성당이었는데, 1368년에 지어졌으며 수백 개의 조각상들을 위한 많은 수의 틈새들과 피나클들을 지었는데, 이 성당은 전체 기간을 채우는 데에 시간이 걸렸습니다; 대부분은 너무 높아서 조각상이 잘 보이지 않았습니다.[60]또 다른 예외는 인근에 있는 세르토사 디 파비아 수도원으로, 알프스 북쪽의 다른 그러한 장소들을 모방하여 밀라노의 비스콘티 공작들의 왕조 매장지로 계획된 수도원으로,[61] 1396년에 시작되었지만 1세기가 훨씬 지나서야 완성되었습니다.[62]

피렌체 대성당의 주 정면에 있는 "포르타 델라 만돌라"(Porta della Mandorla) 주위의 조각상들은 난니 디 방코의 고부호 고부호 고부호 고부호 고부호 고부호 고부호 고부호 고부호 고부호에 있는 성모 마리아 주위의 아몬드 모양의 만돌라 또는 오리올에서 이름을 따온 것으로, 수많은 조각가들과 양식들을 포함하는 복잡한 역사를 가지고 있습니다.1391년에서 1422년 사이에 각각 몇 년씩 지속된 세 번의 캠페인이 있었고, 그 후에는 19세기에 조각을 더 높은 수준으로 확장하는 것을 포함한 몇 가지 변화가 있었습니다.(포티튜드의 미덕을 나타내는) 나체의 헤라클레스가 문 옆에 있는 장식용 나뭇잎 속에 있는 작은 부조는 "초기 르네상스 시대 나체 연구의 이정표로 오랫동안 알려져 왔습니다." 조각가는 확실하지 않습니다.[63]도나텔로의 첫번째 대리석과 미켈란젤로의 다비드상은 모두 원래 성당의 지붕선을 위한 것이었지만, 전자는 너무 작아서 제대로 볼 수 없는 것으로 인식되었고, 따라서 후자의 크기가 컸지만, 이것은 결국 그 자리에 비해 너무 무겁다고 완성되었을 때 인식되었고,그리고 시뇨리아 광장에 있는 도나텔로에 합류했습니다.[64]

교회 안에서, 부자들의 무덤 기념물들은 점점 커졌는데, 처음에는 대교황 요한 XX의 무덤에서와 같이, 고인의 초상화 주변에 크고 꽤 얕은 액자들이 있었습니다.피렌체의 3세, 그리고나서 16세기에, 미켈란젤로의 교황 율리오 2세의 무덤으로 절정에 이른, 때때로 매우 큰 조각군으로 확장되는, 1505년과 1545년 사이에 작업되었지만, 부분적으로만 실현되었습니다.새로운 성 베드로 대성전은 바로크 시대에만 증가했던 커다란 교황 무덤들로 채워지기 시작했습니다.베네치아의 산티 조반니 에 파올로에는 25명의 도제들의 무덤들이 있고,[65] 피렌체 공화국에서 산타 크로체 교회는 미켈란젤로와 갈릴레오를 포함한 지도자들을 위한 큰 무덤들이 주로 정부의 비용으로 만들어진 "궁극적으로 피렌체의 웨스트민스터 사원"이 되었습니다.[66]

처음에 무덤 위에 죽은 사람들의 모습은 눈을 감고 누워있는 "반복하는 상"의 일반적인 전통적인 패턴을 따랐지만, 15세기 말에 그들이 살아있는 것으로 보여지기 시작했습니다.교황들의 경우, 첫 번째 무덤은 교황 인노첸시오 8세의 무덤이었습니다. 안토니오 델 폴라이우올로는 아래에 누운 상과 축복 속에 팔을 올린 앉아있는 형상을 가지고 있었습니다.그 기념비가 성 베드로 성당으로 옮겨진 후에 지금은 그렇게 나타나지만, 원래는 이 위치들이 뒤바뀌었습니다.[67]다음으로 포함된 인물은 미켈란젤로의 교황 율리오 2세의 무덤으로, 그의 생전인 1505년에 시작되었습니다.이것은 교황이 고개를 들고 옆으로 누워있는 모습이었습니다.교황 레오 10세(1521년 서임)의 무덤 이후부터, 앉아있는 인물들은 어떤 인물이든 포함되었을 때 일상적인 것이 되었습니다.

시민의 자부심

Orsanmichelle, Florence; 복제품들은 외부의 틈새에 있고, 원본은 내부에 있습니다.

도시들은 공공 장소에 유명한 조각 앙상블을 가짐으로써 그들의 명성을 높이고 싶어했고, 종종 이것을 달성하기 위해 아낌없이 소비할 준비가 되어 있었습니다.가장 뛰어난 것은 의심할 여지 없이 공화국 정부의 소재지인 베키오 궁전 앞에 있는 피렌체 중심의 시뇨리아 광장에 있는 관련 없는 조각상들이었습니다.Loggia dei Lanzi는 Benvenuto Celini의 Medusa의 수장인 페르세우스와 Giambologna의 Sabine Women의 강간이 그 그룹에 합류했던 16세기에 주로 뛰어난 조각상들의 컬렉션을 만들었던 광장에 있는 개방형 오락실입니다.[68]

또 다른 피렌체 시민의 전시 조각품은 오르산미셸(Orsanmichelle)로 길드가 함께 소유하고 다양한 목적으로 사용된 건물입니다.내부는 아마도 1360년대 흑사병의 종식을 위한 봉헌물로서, 오카냐에 의해 큰 성막이 주어졌습니다.[69]1층은 원래 개방되어 있었고, 무역관과 회의 장소로 사용되었지만, 1380년에는 외부 기둥 사이의 공간이 벽으로 막혀 있었고, 1층은 길드 교회였습니다. (지금도 위에 사무실이 있는 이곳들은 원래의 조각상이 있는 박물관입니다)이미 각 길드들이 기둥 위에 동상을 놓는 계획이 있었지만, 그때까지 단 하나의 계획만 이루어졌습니다.세기말에 이 계획은 다시 부활했고, 현대에 복제품으로 대체되기 전까지의 가장 초기의 조각상은 가장 최근의 1601년인 1399년입니다.하지만 1411년에서 1429년 사이에 활동이 폭발적으로 이루어졌습니다.번화한 거리에 있는 틈새의 높이는 행인들보다 몇 피트 위에 있었습니다.이러한 지연은 길드의 확장으로 인해 발생한 것이지만, 당시 최고의 조각가들에 의해 피렌체 양식의 발전과 특히 1430년 이전의 여러 해 동안의 교차 전류를 탁월하게 보여주는 일련의 작품들이 탄생했습니다.대부분의 조각상들은 각 길드의 수호 성인들의 것입니다.14개의 조각상이나 단체가 있는데, 도나텔로의 조각상 2개, 기베르티의 조각상 2개, 그리고 베로키오의 그리스도와 성 토마스 조각상 (c. 1480)이 있습니다.기베르티의 성 요한 세례자 (1412년)는 청동으로 된 여섯 명 중 가장 초기의 인물로, 여전히 국제 고딕 양식으로 매우 많이 남아 있습니다.[70]

분수

시에나의 폰테 가이아, 자코포 델라 케르시아 (1419년, 부조품이 복제품으로 대체됨)

대다수의 인구가 가정용으로 물을 공급받는 공공분수는 지방행정의 핵심적인 부분이었고, 시 정부는 이를 판단했습니다.주 광장에 있는 사람들은 많은 사람들이 한 번에 물을 끌어 올 수 있도록 해야 했습니다. 분출하는 제트기는 16세기 후반까지 기대되지 않았지만, 좋은 물의 지속적인 공급에 쉽게 접근할 수 있었습니다.니콜로 피사노 등(대부분 1270년대)이 그린 페루자의 르네상스 시대의 폰타나 마조레 원형과 야코포 델라 케르시아(1419년, 지금은 부조가 복제품으로 대체됨)가 만든 시에나의 폰테 가이아와 같은 몇몇 큰 초기 분수들은 부조 패널로 둘러싸여 있었습니다.[71]

후기 르네상스의 예로는 잠볼로냐의 볼로냐 해왕성 분수, 피렌체 해왕성 분수 (바르톨로메오 암만나티 등, 1574년 완공) 등이 있습니다.이것들은 바로크 분수를 기대하고 있습니다;[72] 각각은 커다란 신의 조각상에 의해 올려져 있습니다.[73]그때까지 가장 부유한 개인 정원 분수들은 거의 사치스러운 건축물들이 주어졌습니다.[74]현재 런던에 있는 Giambologna의 Samson Slaying a Philitan은 메디치 정원 분수를 위해 만들어졌습니다.[75]

초상화

레온 바티스타 알베르티의 자화상 추정, c. 1435

조각된 초상화들은 대부분 무덤에 한정되어 있었지만, 그 시기 동안 그것들은 다양한 크기와 재료들로 나타났습니다.이탈리아인들은 자신의 공적인 조각상을 갖는 것이 지위와 명성의 가장 높은 표시라는 로마인들의 태도를 매우 잘 알게 되었고, 그러한 조각상들은, 바람직하게는 기둥 위에 있는 것이 이상적인 도시들의 그림들에서, 그들이 현실에서 그랬던 것보다 훨씬 더 자주 등장합니다.[76]동시대 개인들의 초상화상은 그 시기가 끝날 때까지 이탈리아에서 매우 희귀하게 남아 있었습니다.[77] (한 가지 예외는 메시나의 오스트리아의 요한, 1572년), 스페인 합스부르크 왕가의 궁정 예술가인 레오네 레오니와 그의 아들 폼페오가 그들을 위해 청동으로 여러 개를 만들었습니다.[78]

기마상

도나텔로의 파도바 가타멜라타 기마상 (1453)

로마의 마르쿠스 아우렐리우스의 기마상과 파비아의 레지졸(현재 파괴된)에서 로마의 사례들이 살아남아 통치자들과 장군들을 위한 평판의 궁극적인 표현은 실물 크기의 기마상이었습니다.베로나의 스칼리거 무덤과 보니노 다 캄피오네 (1363)가 밀라노의 베르나브 ò 비스콘티 중 하나에 대리석으로 된 딱딱한 고딕 전구체가 있었습니다.많은 임시 축제들이 축제를 위해 만들어졌지만,[80] 르네상스 시대 동안 청동으로 만든 것은 매우 적었습니다.그 형태의 매력은 피렌체 대성당의 프레스코화로 그려진 두 개의 허구적인 조각상들에 의해 보여집니다: John Hawkwood 경 (Paolo Uccello, 1436)의 조각상은 니콜 ò 다 톨렌티노 (Andrea del Castagno 1456)의 조각상 옆에 있습니다.

프레스코화 모방품들처럼, 처음 두 개의 진짜 청동은 모두 콘도티에르 또는 용병 장군들의 것이었습니다. 도나텔로(1453)[82]가 그린 파도바의 가타멜라타의 기마상과 1480년대 안드레아 델 베로키오에 의해 시작된 바르톨로메오 콜레오니의 기마상.메디치 가문이 토스카나 대공으로 변신하고 공화정의 정서가 충분히 가라앉았다고 생각된 지 한참 후, 잠볼로냐는 그들을 위해 델라 시뇨리아 광장에 코시모 1세 메디치(1598)와 1608년 페르디난트 1세의 것 두 개를 만들었습니다.[83]

르네상스 시대의 가장 큰 미완성 프로젝트 중 하나는 레오나르도 다 빈치의 스포르차 말로, 둘 다 밀라노의 공작이었던 그의 아들 루도비코 일 모로를 위한 프란체스코 1세 스포르차의 실물 크기의 승마 초상화입니다. 원래는 기르려고 했지만, 이것이 너무 야심적으로 밝혀지자, "걷는 걸음걸이"로 계획했습니다.레오나르도는 안드레아 델 베로키오의 작업장에서 훈련을 받았는데, 그 때 콜레오니 기념비를 위한 말이 만들어지고 있었습니다.그는 1489년에 프로젝트를 맡았고, 1492-93년 겨울까지 완전한 점토 모형을 완성했고, 밀라노 대성당에서 비앙카 마리아 스포르차와 신성 로마 황제 막시밀리안 1세의 결혼식을 위해 큰 찬사를 받으며 전시되었습니다.루도비코는 주형이나 그 일부를 만들었을 수도 있지만, 1494년 말에 그는 대포를 만들기 위해 조각상을 조립한 많은 양의 청동이 필요하다고 결정했습니다. 대신에 따라 제1차 이탈리아 전쟁이 시작되었습니다.1499년 마침내 프랑스가 밀라노를 점령했을 때, 점토 모형은 프랑스 뱃사공들이 그것을 표적으로 사용하여 심하게 손상되었습니다.불확실한 작위의 작은 밀랍 모형들과 도면들이 단지 다수 남아 있을 뿐입니다.[84]

어깨가슴

피에로 데 메디치의 미노다 피에솔이 그린 1453년 르네상스 시대 최초의 초상화 흉상

어깨 아래로 잘린 흉상 초상화가 등장했는데,[85] 이는 가족 궁전의 비교적 사적인 공간에 배치하기 위한 것으로 보입니다.이것은 몇몇 중세 유물과 일시적인 장례상의 형태, 그리고 아마도 푸블리우스 아이디우스의 1세기 무덤 부조와 같은 로마의 "창문" 부조 무덤 초상화들에 의해 영향을 받은 것으로 보입니다. 푸블리우스 아이디우스와 아이디아는 자유민과 사업가 계급을 위해 사용되는 "통통통한" 양식입니다.그것은 또한 초상화의 떠오르는 형태와 유사한 시각을 보여주었지만, 실물 크기와 입체적으로 보여주었습니다.도나텔로는 또한 1420년대에 청동 성인을 위한 형식을 사용했습니다.대리석으로 된 최초의 연대 측정 가능한 초상화 예는 피에로 디 코시모 데 메디치의 미노 다 피에솔의 1453년 흉상으로, 특히 피렌체 공화국의 실질적인 통치자에게 "낯선 일을 부탁받은 젊은 조각가를 기대할 수 있을 만큼 단단하고 긴장된" 것입니다.바사리 씨는 흉상이 메디치 궁전에 있는 피에로 씨의 방 문 너머에 놓여졌다가 아직도 공사 중이라고 말했습니다.그의 아내 루크레치아 토르나부오니의 초상화가 일치하고 있었는데, 지금은 행방이 묘연합니다.[86]

미노는 비슷한 흉상들을 많이 만들었고 안토니오 로셀리노와 베네데토 다 마이아노와 같은 예술가들이 그 형태를 취했고, 후자는 아마도 밀랍으로 된 "생명 마스크" 틀을 가지고 작업을 했습니다.초기의 과목들은 최고 엘리트 뿐만 아니라 의사와 약제사를 포함했습니다.은행가 필리포 스트로치 대제(Benedetto에게 Palazzo Strozzi)는 테라코타 모형과 더 이상적인 대리석 흉상이 남아있는 경우가 있습니다.[87]

베네데토는 또한 아마도 사후에 데스 마스크를 사용하여 만든 정치가 니콜 ò 다 우자노 (1431년 사망)의 도나텔로의 흉상에 사용되었던 완전한 다색 테라코타 형식을 사용했습니다.이렇게 하면 아주 일찍 도착할 것입니다.[90]다음 세기에 그려진 테라코타 흉상들은 로렌초 데 메디치로 만들어 졌는데, 아마도 그가 죽은 지 한참 지난 후였을 것입니다.그는 정치적인 발언으로 다소 구식이고 중산층인 카푸키오 헤드기어를 착용하고 있습니다.[91]

피에트로 토리기아노는 영국의 헨리 7세의 흉상을 만들었는데, 아마도 죽음의 가면으로부터 사후에 만들어졌을 것이고,[92] 그 또는 마조니는 영국에 머무는 동안 미래의 헨리 8세로 추정되는 명랑한 소년 중 한 명입니다.[93]또 다른 널리 여행한 조각가인 프란체스코 라우라나는 베네치아 달마티아에서 태어났지만, 그의 경력에서 불확실한 시기를 제외하고 주로 나폴리, 시칠리아, 그리고 남부 프랑스에서 일했습니다.경력이 비교적 늦은 1470년대에, 그는 대리석으로 된 다소 비슷하게 생겼고 다소 이상화된 여성들의 어깨 흉상을 제작하기 시작했고, 일부는 다색을 띠고 있습니다.[94]

하이 르네상스 시대에는 평평한 바닥의 어깨 흉상이 인기를 잃었고, 여전히 그러하듯 고전적인 스타일의 둥근 바닥이 선호되었습니다.[95]

메달

요한 8세 팔레올로고스 훈장, c. 1438, 피사넬로

몇 십 년 전의 전례와 함께,[96] 르네상스 초상화 메달은 피사넬로에 의해 효과적으로 발명되었습니다.이탈리아 궁정의 선두적인 화가인 이것들이 그의 유일한 조각품인 것 같습니다.가장 이른 것은 아마도 피사넬로가 1438년 이탈리아를 방문했을 때 보았던 비잔티움 황제 요한 8세 팔레올로고스의 훈장일 것입니다.청동으로 만든 양면, 가로 10.3cm 크기의 동전으로, 이것은 상당히 확대된 동전과 같고, 초상화의 직사각형과 세로의 다른 장면에서 보통 따르던 관습을 세웠습니다.[97]

좌우명으로 주제에 대한 인상이나 개인적인 상징을 갖는 것이 일반적인 일이 되었습니다.이것들은 통치자들뿐만 아니라 르네상스 인문주의자인 척하는 누구에게나 필수적인 것이 되었고, 그 단체들은 메달을 위임할 가능성이 가장 높습니다.모토는 받는 사람이 생각하기에 점점 더 난해한 퍼즐이 되었고, 이는 "시터의 정체성에 대한 의식적으로 박식한 진술"이었습니다.메달은 다양한 신분을 가진 사람들을 위해 소규모 판본으로 제작되었으며, 때로는 다양한 금속이 사용되기도 했습니다(위 참조).그것들은 새롭게 등장하는 호기심의 내각을 위해 예리하게 수집되었고, 후원을 원하는 지식인들에게 유용한 광고 형태가 되었습니다.피사넬로는 동료에 의해 자신이 만든 메달을 가지고 있었고,[98] 후에 메달리스트들은 종종 자화상으로 메달을 만들었습니다.

메달 모형의 우수한 품질은 동전의 예술적 품질, 특히 가장 권위 있는 금화에 대한 기준을 높였습니다.중세 이탈리아(영국과 달리)에서는 통치자의 초상화를 포함하는 것이 일반적이지 않았지만, 르네상스 시대의 옆모습 초상화는 제국 로마 양식을 부활시키면서 왕자 국가들에게 일반적인 것이 되었습니다.벤베누토 첼리니의 자서전에는 그가 피렌체 공작 알레산드로 데 메디치를 위해 모델로 한 작품이 언급되어 있는데, 이는 확인할 수 있습니다.[99]

개인보다는 사건을 기념하는 훈장들이 대부분 이 시기의 말기에 들어왔지만, 그 중 하나는 1478년 메디치 가문에 대한 파치족의 음모가 실패한 직후에 만들어진 것이었다.[100]탈출한 로렌초와 암살당한 줄리아노, 메디치 두 형제의 머리가 거울에 가까운 이미지입니다.그들은 미사 동안 암살자들이 공격했던 성당의 성가대 스크린 위로 올라갑니다.[101]

작은조각

Giambologna (작업장)의 말, 약 1590. 10 인치 (25 cm) 높이.

청동 조각상은 중세 시대에는 매우 드물었고, 사실상 왕족에게만 제한되어 있었지만, 약 1450년부터 부유한 수집가 시장을 위해 점점 인기가 많아졌습니다.세속적인 것을 수집하는 사람들은 대부분 남성이었고 실험대상들은 남성의 취향을 반영했습니다.말들은 전사, 신화적 인물 혹은 인물화와 함께 매우 인기가 많았습니다. 16세기에 들어 남녀 모두 나체가 더 흔해졌습니다.특히 16세기에는, 이 작품들의 주제들이 대다수의 큰 조각품들처럼 의뢰를 받기보다는, 판매를 위해 조각가에 의해 선정되었을 것입니다.하지만, 시장의 취향이 고려된 것임에 틀림없습니다.[102]

대부분은 축소된 버전의 대형 구성이었습니다.이 곡들은 수집가들과 그들의 친구들이 손을 잡고 돌림으로써 감상할 의도였는데, 이 때 최고의 사람들은 "가끔 음악을 듣는 것에서 오는 비자발적인 종류의 미적 자극을 준다"고 Giambologna의 작은 인물들에 대해 이야기하고 있는 John Shearman은 말합니다.현재 대부분의 사람들은 박물관에서 이러한 종류의 감상은 거의 불가능하며, "맛의 반전"은 이러한 "극도로 인공적인" 물건들을 널리 인기 있지 않게 만들었습니다.[103]

1566년 포르투갈의 공주이자 스페인의 섭정이었던 오스트리아의 요안나의 카메오, 마드리드에서 죽은 밀라노 사람 야코포 다 트레초.

명판에 그려진 주제들도 아마 예술가들의 선택이었을 것입니다.비록 매우 작지만, 그들은 커미션이 거의 필요하지 않고 후기 로마식 석관을 본 예술가들이 끌리는 복잡한 다중 인물 액션 구성을 허용했습니다.조각상과 명판 모두 여러 장의 작은 판본으로 제작된 것이 일반적이며, 일부 명판은 연작으로 제작되어 이야기와는 다른 에피소드를 보여주고 있습니다.[104]많은 것들이 칼자루와 다른 물건들의 꽂이로 사용되도록 모양이 만들어졌고, 어떤 것들은 판화에서 그들의 작품들을 빌렸습니다.몇몇 주요 예술가들, 혹은 그들의 작업장들이 플래켓을 만들었지만, 많은 예술가들은 더 큰 조각에 관여하지 않은 것 같습니다.[105]

이들 장르에서 피렌체는 더 큰 조각상이 지배적이지 않았고, 파도바는 1500년경 도나텔로가 그곳에 있을 때부터 강력한 청동 주조 전통을 가진 가장 큰 중심지였습니다.주요 파두안 예술가들은 도나텔로의 제자 바르톨로메오 벨라노와 제자 안드레아 리치오를 포함했습니다."Antico"로 알려진 Pier Jacopo Alari Bonacolsi는 Gonzaga 가문을 위해 종종 금으로 장식된 하이라이트와 함께 대부분 우아한 고전화 인물들을 만토바에 기반을 두고 있었습니다.[106]

단단한 돌 조각의 작은 형태인 새겨진 보석은 율리우스 카이사르를 포함한 고대 로마인들에게 인기 있는 수집품이었고, 많은 고대의 예들은 로타르의 십자가와 같은 중세 보석류에 포함되었습니다.특히 젬마 아우구스테아와 같은 황실 초상화 카메오는 엄청난 명성을 가지고 있었고, 르네상스 시대의 엘리트들은 그들만의 유사성을 형태로 갖추는 것에 매우 열망했습니다.어떤 명판들은 특히 메디치 컬렉션에서 나온 골동품 조각 보석들을 모방하거나 심지어 주조하기도 합니다.[107]

16세기에 베네치아의 조각가들은 귀족들의 궁전과 빌라를 위해 "청동으로 된 웅장한 규모의 가재도구 장르를 개발했다".여기에는 촛대, 문고리, 안다리미 등이 포함되었습니다.[108]안드레아 리치오와 후에 지롤라모 캄파냐의 작업장들이 이 지역에서 두드러졌지만, 많은 물건들의 제작자들은 불분명합니다.[109]

  • Hercules and the Nemean Lion, Galeazzo Mondella [it] (Moderno), c. 1500, gilt bronze plaquette

    헤라클레스와 네메안 사자, 갈레아초 몬델라 [it] (Moderno), c. 1500, 금동판

  • Paris with his apple, statuette by Antico, c. 1500–05, 14+5⁄8 inches (37 cm) high

    파리와 그의 사과, Antico의 조각상, c. 1500–05,14+⁄8인치(37cm)높이

  • Andrea Riccio, oil-lamp with putti, Padua, 1515–25

    안드레아 리치오, 푸티가 있는 오일 램프, 파도바, 1515-25

  • Andiron fronts with Venus and (?) Mars. Design by Girolamo Campagna, possibly made in 17th century. 44+1⁄2 inches (113 cm) high

    그리고 철은 금성과 화성과 함께 있습니다.디자인 지롤라모 캄파냐 17세기 제작 가능성. 높이 44+1 ⁄2인치(113cm)

워크샵

안드레아 피사노(아마도 지오토의 디자인으로), 작업중인 조각가.플로렌스 캄파닐, 1348–50.[110]

대부분의 조각가들은 종종 다른 가족 구성원들을 포함하는 꽤 작은 작업장(보테가)에서 훈련하고 작업했습니다. 그리고 그 장인의 거주지의 1층에 있었습니다.대규모 위원회는 종종 서로 다른 작업장 간의 협업을 필요로 하며, 오랜 기간 동안 작업 현장으로 이동해야 합니다.[111]15세기에 가장 큰 안정적인 작업장은 아마도 기베르티의 작업장이었을 것이지만, 도나텔로는 많은 수의 보조원들이 있었고, 그들 중 많은 수는 짧은 기간 동안 있었습니다."우리가 미켈란젤로를 생각하는 디자인뿐만 아니라 작품의 실행을 책임지는 고립된 단일 거장"의 모습은 15세기 후반이 되어서야 나타났습니다.[112]몇몇의 중요한 조각가들은 그들의 경력동안 다른 도시에서 일을 했습니다; 특히 로마와 베니스는 그들의 조각가들의 대부분을 수입했고, 때로는 단 하나의 작품을 위해 로마를 수입했습니다.[113]

조각비를 지불하는 일반적인 방법은 작업이 진행됨에 따라 일정 금액을 지불하되 최종 평가는 "작품의 품질을 선언하도록 요청받은 무관심한 제3자, 대개 예술가 자신"에게 맡기고 최종 가치를 찾는 것이었습니다.이것은, 몇몇 어려운 에피소드에도 불구하고, "꼼꼼한 솜씨에 대한 강력한 동기부여"였습니다.[114]

1472년 피렌체에는 54개의 돌을 조각하는 작업장과 44개의 금, 은 세공사가 있었는데, 둘 다 30개의 화가의 작업장보다 더 많았습니다.도시에는 도살자들보다 목각자들이 더 많았습니다.하지만 이 도시는 전형적이지 않았는데, 아마도 이탈리아에서 가장 높은 집중도를 가졌고, 그 때는 베네치아에 맞섰을 것입니다; 대조적으로, 나폴리와 이탈리아 남부는 전반적으로 예술가가 거의 없었습니다.[115]카스텔 누오보와 포르타 카푸아나로 가는 승리의 입구와 같은 나폴리의 큰 프로젝트들은 북부 출신의 예술가들에 의해, 또는 그의 고향 스페인인 1442년부터 1458년까지 나폴리의 왕이었던 아라곤의 알폰소 5세 치하에서 설계되고 실행되었습니다.[116]

많은 조각가들은 또한 명확하게 정의된 직업이나 화가가 아닌 건축가로서 일했고, 금세공에 대한 배경을 가진 사람들은 보석을 만들고 은행가로서 역할을 하면서 종종 그 직업의 다른 부분들을 계속 추구했습니다.조각가들은, 많은 사람들이 그랬던 것처럼, 예술가 집안 출신은 아닐지라도, 전형적으로 도시 중산층 출신이었습니다.특히 금세공업자로서 견습 기간을 갖기 위해서는 보통 임금이나 가족의 인맥이 필요했습니다.레오나르도 다빈치는 조각이 "먼지투성이, 더럽고 육체적으로 지치게" 했기 때문에 조각보다 덜 신사적인 직업으로 여겼던 사람들 중 한 명이었습니다.[117]하지만 재정적으로는 아마도 더 보람이 있었을 것입니다.안드레아 피사노의 부조에서 볼 수 있듯이 조각가가 앉아있는 동안 조각들은 대개 사선으로 지탱되는 작업을 했을 것입니다.그가 사용하고 있는 끌 외에도 나침반, 드릴, 책 등이 전시되어 있으며, 그가 작업하고 있는 작품은 고전 양식의 누드 조각상입니다.[118]

여성조각가

프로퍼치아 데 로시의 발표

화가들과 비교해도, 기록된 여성 조각가들은 점점 더 드물지만,[119] 아마도 많은 사람들이 기록되지 않은, 특히 밀랍으로 모형을 만든 사람들일 것입니다."르네상스 이탈리아의 유일한 대리석 여성 조각가"인 볼로냐 출신의 프로페치아 데 로시(1490–1530)는 여성으로 인해 신동으로 여겨졌고, 바사리 라이프스에서 전기를 받았습니다.여성 예술가로서는 이례적으로, 공증인의 딸로서 그녀는 예술계에 뚜렷한 가정 배경이 없었습니다.그녀는 과일 돌을 가지고 연습을 하며 독학을 했다고 전해졌지만, 후에 대리석을 조각하는 전문적인 직업을 추구했습니다.[120]만토바 출신의 다이애나 스컬토리(1547–1612)는 "16세기에 판화에 서명한 유일한 여성 판화가"[121]로 알려져 있지만, 판화가이자 조각가였던 아버지와 함께 훈련을 받았고, 그녀는 조각에서 일했을 것입니다.

길드

대부분의 도시에서 조각가들이 가입해야 하는 길드들은 종종 사용되는 재료에 따라 나뉘었는데,[122] 이는 때때로 예술의 발전을 방해하는 방법들이었습니다.석공, 금세공, 다른 금속의 일꾼들, 그리고 목공은 종종 다른 길드에 속했지만, 테라코타는 종종 길드가 없었습니다.길드는 피렌체에서 특히 강하고 정치적으로 강력한 반면, 로마, 베니스, 그리고 작은 도시들에서는 대부분 약했습니다.그들의 영향력은 시간이 지나면서 상당히 줄어들었습니다.피렌체에서, 돌과 나무를 조각한 사람들은 아르테 메디안 혹은 중간 계급의 길드 중 하나인 아르테 데이 마에스트리 디 피에트라에 레그나메 (돌과 나무의 주인들의 길드)를 공유했고,[123] 16세기에는 결국 1572년까지 그들의 산 루카 조합에서 화가들과 함께하는 것이 허용되었습니다.피렌체의 금속 노동자들은 아르테 델라 세타, 강력한 비단 길드, 아르티 마지오리 혹은 "주요 길드"의 일부였습니다.[124]강력하기는 했지만, 피렌체의 길드들은 다른 도시에서 온 수많은 "외국" 예술가들이 그곳에서 활동하는 작은 도시들보다 더 많은 수용을 하였는데,[125] 아마도 그렇게 많은 피렌체 거장들이 다른 곳에서 활동했기 때문일 것입니다.

후원자

1450년대 후반 아라곤의 새 왕 알폰소 5세의 입성을 보여주는 나폴리 누오보 성의 "승리의 아치"로부터의 안도감.[126]

피렌체의 길드는 적어도 15세기 후반까지는 매우 중요한 후원자였으며, 종종 피렌체 세례당 문들과 성당의 포르타 델라 만돌라와 같은 교회에서의 새로운 작업을 위해 돈을 지불했습니다(둘 다 아래 참조).가장 부유한 길드인 은행가들은 메디치 가문과 스트로치 가문을 포함하고 있었습니다.[127]은행가들에게는 종교 및 시민 기관에 아낌없이 기부함으로써 이용죄를 면제하는 것이 추가적인 동기였습니다.[128]

이탈리아의 많은 군주국들에서 통치자는 주요 후원자였고, 그들은 종종 자신들을 미화하기 위해 아낌없이 소비했습니다: 밀라노, 리미니, 페라라, 우르비노가 그 예이지만, 그들이 1531년에 토스카나 대공이 된 후 메디치 가문과 견줄 사람은 아무도 없었고, 그들의 새로운 지위를 증진시키기를 원했습니다.1376년 아비뇽 포로에서 돌아온 교황들은 무덤만을 위한 것이라면 항상 일정 수준의 교황 후원이 있었지만, 이는 교황 개인에 따라 상당한 차이가 있었습니다(제후들의 경우에도 마찬가지였습니다).스페인 보르자 가문의 두 명을 제외하고 (조각의 훌륭한 후원자들도 아님), 1431년부터 1503년의 교황들은 북부 이탈리아 가문 출신이었고, 의심할 여지 없이 현대 조각에 익숙했습니다.1450년의 율리야는 로마에서 도시 재생 계획을 시작하였는데, 이 계획은 교회의 조각을 포함한 교회들을 "도시 전체의 재건이 발달할 수 있는 씨앗 침대"로 사용하였다.[129]

16세기 교황 율리오 2세, 레오 10세, 클레멘스 7세 치하에서 궁전과 무덤을 위한 교황의 조각상은 엄청나게 증가했고, 마지막 두 개는 메디시스였습니다.반종교 개혁이 교황의 후원을 발전시킴에 따라 더욱 변화가 심해졌습니다.추기경들은 대개 로마와 그 주변에서 호화로운 후원자였습니다.[130]

르네상스 시대를 지나면서 귀족들, 귀족들, 부유한 은행가들, 그리고 최신 스타일의 예술을 위한 상인들의 취향과 주머니들이 발전했고, 사회적 규모 아래로 더 멀리 퍼져나갔습니다.1500년경에 어깨 흉상(아래 참조)은 때때로 "죽음의 가면으로 만든 테라코타로 만들어진 값비싼 기념물"이었으며, 가슴과 어깨에 조잡하게 디자인된 피난처를 더했습니다.[131]

스타일의 발전

1400까지

니콜라 피사노, 피사의 세례당 강단에서 본 그리스도 성탄화, 1260

특히 15세기에는 원형의 조각과 반대로 부조가 그 이후의 경우보다 훨씬 더 큰 비중을 차지했습니다.그러므로 현대 시청자들은 상대적으로 형식에 익숙하지 않고 간과하는 경향이 있습니다.1506년 라오콘 그룹이 로마 중심부에서 발굴되기 전까지, 알려진 로마 조각상에서 가장 극적이고 운동적인 포즈는 후기 로마 석관에 있는 사람들로 붐비는 부조들인 반면, 알려진 조각상들은 거의 모두 위엄이 있지만 다소 정적인 초상화들이었습니다.[132]

니콜라 피사노(Nicola Pisano, 1240년대 ~ 1278년)는 에르빈 파노프스키가 "고전화된 르네상스 원형"이라고 불렀던 것의 선두적인 조각가였습니다.그의 주요 작품들은 부조 작품들로, 특히 피사 (1260년 날짜)와 시에나 대성당에 있는 세례당의 거대한 펄핏에 관한 작품들이었습니다.그는 그의 아들 지오반니 피사노를 포함한 큰 작업장을 가졌고, 페루자의 대분수에 있는 많은 조각품들은 아마도 니콜라에 의해 디자인되었을 것이지만, 대부분 그것들에 의해 조각되었습니다.그의 대형 판넬들은 붐비는 장면들을 보여주는데, 때때로 하나의 구도로 장면들을 결합하기도 하는데, 예를 들어 피사 세례당의 그리스도 성탄화와 같은 것들입니다; 이 시기의 대부분의 묘사들은 다른 칸에 있는 두 장면들을 보여주었을 것입니다.이탈리아 남쪽 먼 곳에 있는 고향 아풀리아에서 피사노의 젊은 시절은 신성 로마 제국 황제 프리드리히 2세가 통치했을 때 지나갔고, 주로 그곳에서 살았고, 예술에 있어서 로마의 부흥을 촉진했습니다.피사노는 고대 로마의 석관 연구에 영향을 받은 것이 분명합니다.[133]

가정의 주요 부조, 포르타 디 만돌라, 피렌체 대성당, 난니 디 방코

니콜라의 아들 조반니 피사노는 1280년대에 아버지의 작업장을 맡았고, 아버지보다 고딕 스타일을 훨씬 더 수용적으로 받아들였습니다.[134]다음 세기에 걸쳐 고딕과 고전적인 영향이 많은 큰 작품에서 함께 발견되었으며, 때로는 논쟁이 되기도 했습니다.[135]1380년대까지 이탈리아의 여러 지역에서 다음 세기의 스타일을 위한 기반을 마련한 "강력한 운동"[136]이 나타났습니다.그러나 1390년대는 또한 국제 고딕 양식으로 "토스카나에서 고딕 물결의 정점을 시작했다";[137] 많은 조각가들이 기여한 아르테 델라 라나 양모 직공 조합의 후원을 받은 피렌체 대성당의 큰 "포르타 델라 만돌라"는 이 복잡한 그림을 보여줍니다.[138]

피렌체 세례당, 로렌초 기베르티와 작업장의 북쪽 문, 1401년부터 1415년 이후까지

1400부터

피렌체 세례당의 문

1400-1401년 겨울, 아르테 디 칼리말라 또는 천 상인 조합은 피렌체 세례당의 동쪽(현재 북쪽으로 옮겨진)을 위한 새로운 청동 문에 대한 디자인 경쟁이 있을 것이라고 발표했습니다.그 시기의 한 요인은 경쟁 길드에 의해 지불된 성당의 조각상에 대한 진전이었을지도 모릅니다.대회를 여는 것은 이례적인 일이었지만, 위원회는 매우 중요한 일이었습니다.수많은 지원서 중에서, 7명의 조각가들의 최종 명단이 선정되었는데, 모든 토스카나인들은 아니지만 모든 피렌체인들이었습니다.그 문들은 청동으로 된 28개의 형상적인 판넬로 된 전형적인 형식을 갖추도록 되어 있었고, 각 문에는 7개의 열로 되어 있었습니다.최종 후보자 명단에는 안드레아 피사노(Andrea Pisano, 1329년 시작)가 기존의 남쪽 문에 있는 모델과 일치하는 4중 포일 프레임 내에 릴리프 패널을 위한 모델을 제공하도록 요청되었습니다.주제는 이삭의 제물(프로그램이 신약성경 주제만 보여주는 것으로 변경되었기 때문에 실제로는 사용된 적이 없습니다)이었습니다.34명의 예술가들로 구성된 심사위원이 있었습니다.매우 예상 밖으로, 우승자는 당시 겨우 22살이었던 로렌초 기베르티로 발표되었습니다.[139]

재판 구호물자들 중 두 명은 살아남았는데, 기베르티와 차점자인 필리포 브루넬레스키도 20대 초반입니다.배심원들은 그들 사이에서 결정하는 것이 매우 어렵다는 것을 알았고, 두 사람이 협력할 것을 제안했지만, 브루넬레스키는 거절했고, 이 패배 이후 점점 건축 쪽으로 방향을 틀었습니다.그 결정은 신랄했고, 그 논쟁은 수년간 계속해서 나쁜 감정을 야기시켰습니다.두 작품 모두 최신 피렌체 양식, 고풍스러운 조각, 북부 국제 고딕 양식에 대한 인식을 반영했습니다. 새로운 양식과 오래된 양식 사이에 선택이 없었습니다.기베르티의 형상은 풍경 배경과 더 효과적으로 통합되어 있습니다.[140]기베르티에서 "분위기는 브루넬레스키의 "신중하고 냉정한 해석"보다 훨씬 온화합니다.기베르티의 이삭은 "설명할 수 없는 파멸에 직면하여 감동적으로 벙어리이고 아이 같은 영웅적 행위를 암시하는 이상화된 누드였으며,[141] 또한 "최초의 진정한 르네상스 누드 인물; 그 안에서 자연주의와 고전주의는 인간이 무엇이 될 수 있는지에 대한 새로운 비전에 의해 혼합되고 승화된다"고 묘사되었습니다.[142]

Ghiberti는 주조 공장을 설립하고 작업장을 확장해야 했습니다. 그 작업장은 Donatello, Michelozzo, Paolo Uccello, 그리고 Masolino를 [143]포함한 약 25명에 달했습니다.첫 번째 문은 1424년까지 열리지 않았고, 그 다음 해에 길드는 그에게서 "낙원의 문"이라고 불리는 추가 세트를 의뢰했습니다.이번에는 경쟁이 없었지만, 작업이 시작되기까지 몇 년의 공백이 있었습니다. 모든 주요 캐스팅은 1436년에 이루어졌던 것으로 보이지만, 1452년까지 완성되지 않았습니다.이번에는 단지 10개의 더 큰 메인 패널이 있고 각 문마다 5개씩 있습니다.그것들은 네모난 모양이며, 부분적으로 금박을 입히기 보다는 완전히 금박을 입혔습니다.수치는 더 크지 않고, 원근법 풍경이나 도시 풍경을 배경으로 합니다.다양한 수준의 안도감은 시청자의 시선을 가장 중요한 요소에 집중시키기 위해 능수능란하게 사용됩니다.[144]

  • The Sacrifice of Isaac, Brunelleschi's trial piece for the north doors of the Florence Baptistery competition, 1401

    1401년 브루넬레스키의 피렌체 세례당 대회 북문 시범 작품인 이삭의 제물

  • The Sacrifice of Isaac, Ghiberti's winning piece for the 1401 competition

    기베르티 1401년 대회 우승작 '이삭의 제물'

  • Gates of Paradise, Baptistery, Florence, the doors in situ are reproductions

    천국의 문, 세례당, 피렌체, 상황에 있는 문들은 복제품입니다.

  • Adam and Eve, from the Gates of Paradise

    아담과 이브, 낙원의 문에서

  • Angled view of a panel with the story of Abraham from the Gates of Paradise

    천국의 문에서 아브라함의 이야기를 담은 패널의 각진 모습

도나텔로

그리스도께서 성 키를 주신 승천 피터, 1428–1430,[145] 전형적으로 매우 낮은 구호.

"15세기의 가장 영향력 있는 개인 화가"였던 도나텔로는 1408년경부터 상당한 의뢰를 받기 시작했는데,[146] 대부분 대리석으로 되어 있었고, 1411년에는 그의 성 마르코가 오르산미셸을 의뢰받았습니다.그 후 반세기 동안 그는 르네상스 양식을 성숙하게 만든 이탈리아에서 가장 중요하고 창의적인 조각가였습니다.그의 작품은 항상 감정을 매우 잘 표현하고, 다양한 분위기로 표현했고, 그의 말년에는 종종 더 강렬한 전환을 합니다.[147]

그는 stiacciato라고 불리는 매우 얕고 섬세한 부조의 양식을 발전시켰으며, 도전적인 첫 번째 청동 승마를 포함한 조각상에도 뛰어났습니다([148]위 참조).그의 두 번째 동상인 청동 다비드는 이 시대의 가장 유명한 조각상 중 하나로 여겨질 만하며, 르네상스 시대 최초의 자유로운 누드 조각상입니다.[149]성서 속의 거인 킬러인 다비드는 피렌체의 상징이었고, 베로키오의 청동은 1470년대에 또 다른 메디치 가문이었고, 미켈란젤로의 유명한 대리석 조각상은 다음 세기 초에 이어졌습니다.[150]

도나텔로는 젊은 시절 필리포 브루넬레스키와 함께 로마에서 오랜 기간을 보냈고, 이후 1430-33년에는 당시 파트너였던 미켈로초와 함께 로마에서 지냈으며, 현재는 건축가로 더 잘 알려져 있습니다.이것은 고전 양식에 대한 그의 이해를 깊게 했습니다.[151]1443년 그는 피렌체를 떠나 파도바로 향했고, 그의 기마 가타멜라타(위의 그림 참조)로 향했고, 그곳에서 청동 주조 전통을 세웠습니다.그는 10년을 떠나 있었고, 그 동안 그의 더 가혹한 최종 스타일이 발전하기 시작했습니다.[152]

세기중엽

데이비드 바이 안드레아 델 베로키오, 1470년대

약 1430년부터 1480년대까지 기베르티, 도나텔로, 그리고 다른 사람들에 의해 만들어진 양식의 개인적인 변형들에서 작업하는 상당한 수의 조각가들이 있었습니다.찰스 에이버리(Charles Avery)는 "기베르티의 '달콤한 스타일'과 도나텔로(Donatello)의 잔혹한 표현주의라는 두 개의 세기 중반의 상이한 조각 양식"으로 묘사하며, 베로키오가 둘을 "혼합할 수 있었다"[153]고 언급합니다.

루카 델라 로비아의 첫 번째 문서화된 작품은 플로렌스 대성당(1431–38)의 노래하는 갤러리 또는 칸토리아로 어린이들을 위한 부조가 있습니다.도나텔로가 로마에서 돌아온 후, 그는 그에 어울리는 것을 하도록 위임 받았습니다.로버타 올슨(Roberta Olsen)에 따르면, "루카의 완벽하게 달콤하고 세련된 모습은 이상적인 분위기를 만들어내는 반면, 도나텔로(Donatello)의 자유롭게 표현하는 푸티(putti)는 리볼드(ribald)입니다.그들은 땅딸막한 특이한 천사들입니다...대조적으로 루카의 절제된 모습은 진짜 아이들의 초상화일 수도 있습니다고대에 대한 그의 암시는 은연중에 도나텔로의 암시는 명백합니다."[154]

도나텔로가 1443년부터 1453년까지 파도바에 없는 가운데, '달콤한 스타일'이 그 후 25년 동안 피렌체 조각상을 지배했고, 형 루카 델라 로비아, 베르나르도, 안토니오 로셀리노 형제가 나중에 안드레아 델 베로키오와 합류했습니다.[155]

이미 언급된 것들을 제외하고, 데시데리오 다 세티냐노(Desiderio da Settignano, 1464년 30대 중반)는 매우 젊은 나이에 사망했기 때문에 덜 일반적으로 알려져 있고, 그의 많은 작품들은 "섬세함"과 "극단적인 미묘함"으로 특징지어지는 비교적 작은 종교적 부조들입니다.그는 또한 몇몇 아이들의 초상화를 만들었습니다.[156]한 학생은 아마도 다음 세대에도 그의 스타일을 이어온 신원 미상의 대리석 마돈나스의 주인이었을 것입니다.

리미니에 있는 Tempio Malatestiano는 당시 최고의 예술 이론가였던 레오네 바티스타 알베르티에 의해 "교황에 의해 공개적으로 지옥에 위탁된 유일한 살아있는 사람"이 되기 전까지 교황 군대의 지휘관이기도 했던 시지스몬도 말라테스타를 위해 디자인되었습니다.[157]

그것은 계획대로 완성된 적은 없지만, 건축학적으로 매우 중요하게 남아있을 뿐만 아니라, "르네상스 건축물 중 가장 풍부한 조각 장식"을 가진 내부가 최초의 조각이 추가된 1449년까지 남아있습니다.내부와 외부 모두에서 조각상은 수직 또는 수평으로 여러 표면에서 띠 모양으로 달리며 상당히 낮은 부조로 되어 있습니다.그 주제는 때때로 혁신적이었고, 예배당은 현재 부조의 주제에서 "노는 아이들", "행성", "예술과 과학"의 이름을 따서 불렸습니다.주요 작업장은 아고스티노 디 뒤치오의 작업장이었고, 다른 작업장은 아마도 마테오 데 파스티의 작업장일 것입니다.[158]

1490년대 위기

아고스티노 부스티의 가스통 드 푸아 무덤 부조

15세기 말에는 조각, 특히 피렌체에서 뭔가 위기를 겪었습니다.약 1485년 이후, 대규모 수수료의 전통적인 원천들은 말라가고 있었습니다.조각 프로젝트들은 더 작아졌고, 종종 한 명의 개인들에 의해, 무엇보다도 메디치 가문에 의해 지불되었습니다.[159]

1494년 프랑스의 이탈리아 침공은 이탈리아를 불안정하게 만들었고 일련의 전쟁을 시작했고 1559년까지 스페인과 오스트리아의 합스부르크 왕가가 그 나라를 지배하게 만들었습니다.메디치 가문은 1494년에 피렌체에서 추방당했고, 나중에 돌아오게 되었고, 밀라노의 루도비코 공작 또한 1499년에 몰락했습니다.볼로냐에서 1년을 보낸 미켈란젤로를 포함해 많은 예술가들이 싸움을 피하기 위해 이동했습니다.[160]레오나르도의 스포르차 말은 이 몇 년 동안 버려졌던 대형 프로젝트 중 하나일 뿐입니다.아고스티노 부스티에 의해 만들어진 야심차고 양식적으로 진보된 프랑스 장군 푸아의 가스통의 무덤은 밀라노에서 프랑스인들이 추방당했을 때 버려졌습니다.완성된 그림들과 몇몇 부조들은 밀라노에 있고, 토리노에 있는 다른 부조들은 의도된 디자인의 그림과 대부분의 부분들의 깁스들과 함께 런던에 있습니다.[161]

16세기

미켈란젤로

교황 율리오 2세의 무덤을 위한 승리

1490년대에 미켈란젤로의 출현은 1498년에 시작된 그의 피에타에서 절정을 이루면서, 특출한 재능으로 나타났습니다.다음 세기가 시작될 무렵, 그는 다윗을 시작했습니다.이것은 "미켈란젤로의 명성을 이탈리아 전역에서 그리고 심지어 더 멀리까지 만들었다" 그리고 그의 가장 유명한 조각상으로 남아있습니다.이 후, 큰 작품들의 조각가들은 미켈란젤로의 인물들의 엄청난 힘에 반응해야만 했습니다.[162]1504년 미켈란젤로는 카시나 전투(완전히 완성되지 않은)를 위한 거대한 그림 의뢰 중 첫 번째를 받았는데, 이는 그의 경력의 대부분을 조각으로부터 빼앗고 많은 조각 프로젝트들을 미완성 상태로 남겨두었습니다.[163]하지만 이것이 의도적인 선호라고 하는 "잘못된 이론"이라면 흔한 일입니다. 그 대신에 그의 완벽주의, 조수들에게 위임하는 것을 거부하고 그의 강력한 후원자들의 다양한 요구에 대처하지 못하는 것이 원인이었습니다.[164]볼로냐를 위한 교황 율리오 2세의 커다란 청동상 또한 1511년에 도시에 의해 파괴되었습니다.[165]

미켈란젤로의 조각에 대한 독특한 기술은 다른 조각가들이 그랬던 것처럼, 보조자가 사방의 대략적인 치수에 접근하도록 하는 것이 아니라, 처음에는 블록의 한 면에만 조각하는 것이었습니다.그가 나아가고 옆모습이 드러나기 시작하자, 그는 블록의 측면을 조각하기 시작했습니다.이 기술은 그에게 아직 도달하지 못한 모든 부분의 윤곽과 위치를 지속적으로 변경하고 수정할 수 있는 범위를 제공했습니다.그러나 그것은 조각하는 과정 내내 그의 완전한 집중을 요구했고, 연마와 같은 마무리 단계를 제외하고는 사실상 조수의 사용을 배제했습니다.그의 몇몇 미완성 조각품들은 그 기술을 보여주기도 하지만, 그 기술이 그에게 가하는 과도한 요구를 보여주기도 합니다.[166]

미켈란젤로는 1505년 교황 율리오 2세의 무덤을 만들 것을 교황으로부터 처음 요청 받았고, 몇 달이 걸리면서 대리석을 선택하기 시작했습니다.그러나 1508년부터 1512년까지 그는 시스티나 성당 천장을 그리는 일에 몰두했습니다.원래 이 무덤은 많은 인물들이 서 있는 독립된 피라미드 구조물로 계획되었으나, 1513년 교황이 선종한 후, 벽에 기대어 서 있는 것으로 명시된 새로운 계약이 체결되었습니다.작업은 1545년까지 "원래 계획에 대한 그 비참한 조각"과 그에 의해 만들어진 모세와 두 개의 다른 조각상이 빈콜리의 산 피에트로에 설치될 때까지 "스파모디적으로" 계속되었습니다.다른 작품들은 다른 곳에 있습니다. 대부분 미완성입니다.플로렌스에 있는 그의 스튜디오에 남겨둔 비틀린 피구라 뱀 모양의 젊은 남성 누드 빅토리는 그곳의 젊은 조각가들에게 매우 영향력이 있었습니다.[167]이와는 대조적으로, 현재 루브르 박물관에 있는 그의 4명의 "미완성 노예들"은 "그들이 현재 잡혀있는 것에 대해 과장된 경외심으로 대우받지 못했지만," 보볼리 정원의 동굴에 놓였습니다.[168]

1520년에 처음 계획된 그의 메디치 성당은 약간 비슷한 역사를 가지고 있지만, 결국 (1545년에 트리볼로에 의해) 설치된 것은 훨씬 더 만족스러운 앙상블, "세계에서 가장 유명한 조각 단지들 중 하나"를 만듭니다.[169]

매너리즘과 후기 르네상스 조각

벤베누토 첼리니, 메두사의 수장 페르세우스, 1545–1554

바사리에 따르면 약간 나이가 많은 미켈란젤로와 약간 나이가 어린 첼리니 둘 다와 경쟁관계에 사로잡힌 바치오 반디넬리는 원래 미켈란젤로에게 할당된 대리석 조각을 사용하여 시뇨리아 광장에 있는 헤라클레스와 카쿠스를 위한 매우 정치화된 임무를 받았습니다.당시에는 미켈란젤로를 본받으려는 시도가 실패한 것으로 여겨졌고, 첼리니는 영웅의 체격이 "멜론 한 자루"와 비슷하다고 묘사했고, 적대적인 시를 쓴 작가들은 투옥되었습니다.그럼에도 불구하고, 메디치 가문은 미켈란젤로가 로마에 없을 때 그를 고수했고, 미켈란젤로처럼 작품을 완성한 기록이 좋지 않았음에도 불구하고, 그는 수십 년 동안 피렌체에서 대부분의 주요 의뢰를 받았습니다.[170]

미켈란젤로와 매너리즘의 영향을 조화시키고자 노력한 피렌체 조각가들은 니콜 ò 트리볼로와 그의 제자 피에리노 다 빈치(레오나르도의 조카)를 포함합니다.트리볼로의 경력은 도시의 상수도와 다른 공학 작업을 관리하는 데 전용되었고, 그의 후기 작품들 중 일부는 메디치 정원을 위한 분수입니다.피에리노는 매우 재능이 뛰어났지만, 24살에 세상을 떠났습니다.조각상뿐만 아니라, 그는 매우 효과적인 매너리즘 구원 스타일을 발전시켰는데, 셀리니를 피했고, 후계자가 없었던 것이었습니다.[171]

Benvenuto Cellini는 피렌체에서 금세공자로서 훈련을 받았고 대리석을 조각하는 방법을 매우 잘 배웠음에도 불구하고 주로 금속으로 일했습니다.[172]그의 자서전 덕분에 (18세기에만 발견된) 우리는 그 당시의 어떤 조각가보다도 그에 대해 더 많이 알고 있습니다.그의 의심할 여지가 없는 걸작은 메두사의 수장 페르세우스로, 1545년에서 1554년 사이이며, 아마도 항상 로그자 데이 란지에서 중요한 위치를 차지하기 위해 의도되었을 것입니다.[173]그것은 "매너리스트 예술의 특징이었던 우아하고 힘들이지 않는 침착함"을 가지고 있습니다.[174]

바르톨로메오 암만나티는 재능 있는 조각가로, 그의 가장 저명한 작품인 피렌체 해왕성 분수의 중심 인물로 가장 잘 대표되지는 않았지만, 대회 후에 반디넬리에 의해 시작된 블록을 인수했습니다.만년에 반종교 개혁의 영향으로 그는 공공조형물에서 나체에 등을 돌리고 작업을 중단했습니다.[175]해왕성 대회에도 참가했던 빈센조 단티는 잠볼로냐와 함께 피렌체에서 경쟁할 수 없다는 것을 알게 되었고, 그의 고향 페루자로 돌아와 도시 건축가와 새로운 아카데미의 교수가 되었습니다.[176]

플로렌타인 야코포 산소비노는 처음에는 조각가였습니다.그는 로마에서 일하고 있었지만, 1528년 사크 사건 이후 그는 베네치아로 떠났고, 그곳에 남아있었습니다.그는 주로 그곳에서 그 시기의 가장 중요한 건축가로 기억되며, 그가 그의 건물들에 얼마나 많은 조각을 직접 실행했는지는 확실하지 않습니다.그는 베네치아의 가장 중요한 조각가로 여겨지는 알렉산드로 비토리아와 긴밀히 협력했습니다.그의 다소 심한 초상화 흉상은 베네치아인들의 취향에 맞았습니다.[177]

잠볼로냐속

아페닌 콜로수스, 1580년대 빌라 디 프라톨리노

플랑드르의 두아이(현재 프랑스)에 있는 집에서 장 드 불로뉴(Jean de Boulogne)로 알려진, 잠볼로냐는 이탈리아에 다녀온 지역 조각가와 함께 훈련했습니다.21세에 그는 로마에서 2년을 보냈고, 1557년에 북쪽으로 돌아온 피렌체의 후원자를 발견했고, 그는 그를 궁정에 소개했습니다.1560년 피렌체 해왕성 대회에 참가한 그의 출품작은 성공적이지 못했지만, 아마도 볼로냐의 당국자들이 그를 볼로냐 해왕성 분수를 하도록 초대하게 했을 것입니다.1566년에 완성된 이것은 지금까지 그의 가장 큰 임무였습니다.[178]그는 메디치 결혼식을 위한 임시 장식품을 만들기 위해 1565년 볼로냐에서 잠시 소환되었습니다.그는 결혼식에서 전시되었던 피사를 피렌체가 승리하는 모습을 실물 크기의 모형으로 제작했습니다.대리석 판본은 나중에, 아마도 조수에 의해 이루어졌을 것입니다.이 작품은 이후 많은 작품들이 계속되는 "행동 그룹에서 두 인물을 하나로 묶는 문제"에 대한 그의 관심을 소개합니다.[179]

경력이 발전함에 따라, 그는 대규모 작업장의 유능한 관리자와 효율적인 커미션 관리자로 입증되었으며, 대부분 청동으로 제작된 자신의 큰 생산량을 허용했습니다.그는 항상 그의 작업장이 종종 다른 크기로 반복하는 모델리에서 작업했습니다.그의 우아한 비트는 그림은 그의 대리석 '사빈의 강간' (1579년–85년, 친구의 제안으로 그가 채택한 제목)에서 절정을 이루는데, 이것은 그의 초기 머큐리가 그랬던 [180]것처럼 어느 각도에서 보아도 똑같이 만족스럽게 보이도록 설계되었으며, 한 발로 균형을 잡았습니다 (4가지 버전이 있습니다).[181]

그의 많은 큰 조각상들은 원래 정원을 위한 것이었고, 종종 분수의 중심 조각이었습니다.[182]거대한 아펜니노 거상 (1580년대)은 방문객들에게 물을 내뿜는 정원을 포함하여 조각, 석굴, 오토마타로 가득한 고전적인 매너리즘 정원인 빌라 디 프라톨리노의 정원에 있습니다.바위 면에 부분적으로 조각되어 있어서 박물관으로 옮기기에는 너무 커서 제자리에 남아있습니다.[183]다른 예술가들에 의해, 대부분 환상적으로 조각된 바위의 자연적인 노두인 보마르조 괴물들과 라치오의 티볼리에 있는 빌라 데스테의 정원들은 모두 다른 빌라 디 프라톨리노보다 훨씬 더 잘 보존된 매너리즘 정원 조각의 다른 전시품들입니다.[184]

국외의 이탈리아인.

야곱 마담, 모세, 미켈란젤로, 1593년 재현 판화

그 시기가 끝날 무렵에 생식 인쇄 산업은 이탈리아 작품들의 인쇄 이미지들을 유럽 전역에 배포했습니다; 고대 유물들과 그림들이 가장 인기 있는 주제였지만, 많은 르네상스 조각들이 복제되었습니다.[185]그러나 약 1530년 이전에 이탈리아 르네상스 미술에 대한 외국인들의 주된 노출은 이탈리아 예술가들이나 해외 작품들의 신체적인 움직임, 또는 이탈리아를 방문한 외국인 방문객들이었습니다.많은 외국 예술가들, 특히 네덜란드 예술가들은, 대개 그들의 경력 초기에, 이탈리아를 방문했고, 그들이 배웠던 것을 그들의 모국으로 다시 가져갔습니다.예를 들어, Giambologna의 선생님 Jacques du Broeucq는 이탈리아에서 약 5년을 보낸 것으로 생각되며, 한때 앤트워프에서 이탈리아 양식을 채택했습니다.[186]1550년 이후 합스부르크 왕가의 유럽 대부분의 통합은 예술가들, 혹은 그들의 그림, 판화, 판화들이 유럽 전역에 디자인을 퍼뜨리는 "장식 양식의 놀라운 국제성"을 낳았고, 이탈리아는 통상적인 기원지였습니다.[187]

이탈리아인들이 해외에서 활동하던 시기는 현지 예술가들에게 모델을 제공하면서 방문한 나라의 미래 조각에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 특히 프랑스의 경우가 그러했습니다.비록 1494년에 시작된 이탈리아 전쟁은 이탈리아에게 재앙이었지만, 그들은 "이탈리아 문화의 유럽 지배"라는 결과를 낳았습니다."이탈리아의 정치적, 군사적 주체를 예술적으로 보상했습니다."[188]이탈리아 예술에 대한 관심에 의해 이끌어진 그 시기의 끝 무렵에, 특히 피렌체, 베니스, 로마에 대한 관광은 이미 경제적으로 중요해지고 있었습니다.

메달과 작은 청동과 같은 휴대용 물건들이 유럽의 나머지 지역에 도달했고, 지역의 모방품들에 영감을 주었습니다.그 시기 말에 Giambologna와 그의 작업장(및 그의 모방자)의 작은 청동들은 주로 수출을 위한 작은 산업이었습니다.[189]16세기 후반의 선두적인 조각가로서, Giambologna 자신은 외국의 궁정에서 일하기 위한 많은 초대를 받았고, 메디치 대공들은 그것을 허락하지 않았습니다.주요 예술가들은 때때로 외국의 초청을 받는 것을 경계했는데, 특히 합스부르크 왕가로부터 그들이 다시 떠나려면 대개 통치자의 동의가 필요했기 때문입니다.[190]

이탈리아 밖에서 일하는 Torrigiano와 Lariana의 연장된 기간은 위에서 언급했습니다.다른 이민자들과 마찬가지로, 외국에 있을 때 그들은 주로 고급 취미를 가진 법원에서 일했습니다.튜더 궁정의 예술가들은 대부분 네덜란드 출신이었지만, 몇몇은 최초의 영국 메달리스트인 Steven van Herwijk와 같은 사람들은 이탈리아에서 일했습니다.소수의 이탈리아 조각가들은 Torrigiano와 아마도 1495년 이후 프랑스에서 몇 년을 보낸 테라코타 전문가 Guido Mazzoni를 포함합니다.[191]영국 종교개혁 이후 방문객들은 거의 모두 초상화를 그리는 사람들이었지만, 영국의 메리 1세의 통치 기간 동안 합스부르크의 메달리스트이자 보석상인 자코포 다 트레초가 방문했습니다.[192]

Fontainebleau의 stucco overdoor, 아마도 타원형 인세트를 그린 Primaticcio에 의해 디자인되었을 것입니다.

First School of Fontainebleau는 프랑수아 1세가 프랑스로 오기 위해 프랑스로 초대한 화가 주도의 이탈리아인 집단으로, 그곳에서 그들은 1530년대에 숲에 가상의 예술가 집단을 형성하면서 거대한 새로운 성(Chateau de Fontainebleau를 장식하기 시작했습니다.케네스 클라크에 따르면 키가 크고 날씬한 나체의 여성들이 종종 "엄청나게 고전적이지 않은" 스투코를 입은 그들의 우아한 매너리즘 부조들은 프랑스 북부 매너리즘 스타일에 큰 영향을 미쳤고, 일부는 그룹이 제작한 에칭에서 보여졌습니다.[193]

베네베누토 첼리니는 1540년에서 1545년 사이에 프랑스에서 지냈고, 그곳에서 그는 "프랑스 스타일"로 알려지게 되는 그의 금염(위의 그림)과 퐁텐블로의 큰 청동 부조 님프(1542, 현재 루브르)를 생산했습니다.그는 아마도 퐁텐블로 스투코스의 영향을 받았을 것입니다.[194]

도메니코 판첼리 (1469–1519)는 스페인 왕족과 중요한 멘도사 가문을 위해 여러 무덤 모형을 제작했지만, 카라라에서 일하며 "그의 작품을 설치하고 새로운 계약을 체결하기 위해" 잠시 스페인을 방문했습니다.[195]비슷한 방식으로 레오네 레오니는 합스부르크 왕가의 제국 조폐국을 운영하도록 임명된 후 밀라노에 머물렀지만, 그의 아들 폼페오는 스페인으로 이주하여 아버지의 더 큰 작품을 완성하고 설치하여 자신의 작품을 제작했습니다.[196]

안드레아 산소비노는 포르투갈의 마누엘 1세를 위해 포르투갈에서 일하는데 1491년에서 1501년의 많은 시간을 보냈습니다.[197]금세공자로 훈련받은 것으로 추정되는 야코포 카라글리오는 로소 피오렌티노 등의 디자인에 로마 매너리즘이 시작되었을 때 중요한 판화가였습니다.1527년 사크 사건 이후 로마를 탈출한 많은 예술가들 중 한 명이었고, 베네치아에서 몇 년을 보낸 후, 그는 1539년까지 폴란드 궁정에 있었고, 그곳에서 그는 새겨진 보석 카메오 초상화를 조각하고 왕실의 메달을 모델링하는 등 궁정 금세공으로서의 남은 경력을 보냈습니다.[198]조반니 마리아 모스카도 폴란드에 정착했습니다.그레고리오 디 로렌초라는 다소 무명의 피렌체 조각가는 궁정을 위해 일하기 위해 15세기 후반에 헝가리로 여행을 갔습니다.마티아스 코르비누스 왕 (재위: 1464–1490)은 로렌초 데 메디치로부터 외교 선물로 베로키오에 의해 두 개의 부조품을 받았습니다.[199]조반니 달마타는 또한 1481년에 마티아스 왕을 위해 일을 하러 갔습니다.[200]

메모들

  1. ^ Frederick Hartt에 따르면: "르네상스 시대의 위대한 새로운 형상화 스타일이 조각에서 처음으로 보이고, 그림에서 나중에 보인다는 것은 놀라운 일입니다." – Ghiberti의 163세 Hartt
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참고문헌

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외부 링크

위키미디어 커먼즈(Wikimedia Commons)의 이탈리아 르네상스 조형물 관련 미디어