그림그리기

Drawing
1484년 13세의 자화상 알브레히트 뒤러

드로잉은 예술가가 종이나 다른 2차원 표면을 표시하기 위해 도구를 사용하는 시각 예술의 한 형태이다.그리기 도구는 흑연필, 펜과 잉크, 다양한 종류의 페인트, 잉크 붓, 색연필, 크레용, 목탄, 분필, 파스텔, 지우개, 마커, 스타일러스, 금속(실버포인트 등)을 포함합니다.디지털 드로잉은 컴퓨터그래픽 소프트웨어로 그리는 행위입니다.디지털 드로잉의 일반적인 방법에는 터치스크린 장치의 스타일러스 또는 손가락, 스타일러스 또는 손가락-투-터치패드, 경우에 따라서는 마우스 등이 있습니다.많은 디지털 아트 프로그램과 기기들이 있다.

그리기 도구는 소량의 재료를 표면에 방출하여 눈에 보이는 자국을 남깁니다.판지, 나무, 플라스틱, 가죽, 캔버스, 보드 같은 다른 재료들이 사용되었지만, 그림을 그리는 가장 일반적인 지지대는 종이이다.임시 도면은 칠판 또는 화이트보드에 작성할 수 있습니다.드로잉은 인류 역사를 통틀어 대중적 표현의 기본적 수단이었다.그것은 [1]아이디어를 전달하는 가장 간단하고 효율적인 수단 중 하나이다.드로잉 도구의 보급은 드로잉을 가장 흔한 예술 활동 중 하나로 만든다.

드로잉은 보다 예술적인 형태 외에도 상업적인 일러스트레이션, 애니메이션, 건축, 엔지니어링, 기술 드로잉에 자주 사용됩니다.보통 완성품으로 의도되지 않은 빠른 자유자재로 그린 그림을 스케치라고 부르기도 한다.기술 드로잉을 연습하거나 하는 예술가제도사, 제도사 또는 제도사라고 [2]불릴 수 있다.

개요

갈릴레오 갈릴레이, 달의 위상, 1609년 또는 1610년, 갈색 잉크와 종이에 세탁.208 × 142 mm국립중앙도서관(플로렌스), Gal. 48, fol. 28r

드로잉은 시각 예술에서 가장 오래된 형태의 인간 표현 중 하나이다.일반적으로 종이/기타 재료에 선과 색조 영역을 표시하고, 평면 표면에 시각 세계를 정확하게 [3]표현합니다.전통적인 그림들은 단색이거나 최소한 [4]색이 거의 없는 반면, 현대의 색연필 그림들은 그림과 그림 사이의 경계에 근접하거나 교차할 수 있다.서양 용어로 드로잉은 그림과는 다른데, 두 작업 모두 유사한 매체가 사용되는 경우가 많다.분필과 같이 일반적으로 그림과 관련된 건조 매체를 파스텔 회화에 사용할 수 있습니다.붓이나 펜을 사용하여 액체 매체를 사용하여 그릴 수 있습니다.비슷한 지지대 또한 두 가지 모두에 도움이 될 수 있습니다. 페인팅은 일반적으로 준비된 캔버스나 패널에 액체 페인트를 도포하는 것을 포함하지만, 때로는 같은 지지대에 언더 드로잉이 먼저 그려집니다.

드로잉은 관찰, 문제 해결 및 구성에 상당한 중점을 두고 탐색적인 경우가 많습니다.그림은 또한 그림을 그릴 때 정기적으로 사용되기 때문에 구별이 더욱 모호해진다.이러한 목적으로 작성된 도면을 스터디라고 합니다.

팔미어 부인이 개를 데리고 1897년앙리 드 툴루즈 로트렉

그림에는 인물 그리기, 만화 그리기, 낙서, 그리고 프리핸드를 포함한 몇 가지 범주가 있습니다.또한 선 그리기, 스티플링, 쉐이딩, 흡착성 그래포마니아의 초현실적 방법(백지 속의 불순물 부위에 점을 찍어 점 사이에 선을 그린다), 트레이스(트레이스 페이퍼 등 반투명지에 그림을 그리는 것), 프리렉스 셰이딩의 윤곽 주위에 그리는 것) 등 많은 그리기 방법이 있다.유인원).

빠르고 다듬지 않은 그림은 스케치라고 할 수 있다.

예술 이외의 분야에서는, 건물, 기계, 회로등의 기술적인 도면이나 도면을 인쇄에 의해서 다른 매체에 옮겨져도 「도면」이라고 부릅니다.

역사

커뮤니케이션 중

그림은 인간의 표현의 가장 오래된 형태 중 하나이며,[5] 그 존재에 대한 증거가 서면 커뮤니케이션보다 앞선다.약 3만 년 전(상기 [7]구석기 미술) 동굴과 암각화가 만들어지면서 문자가 [5][6]발명되기 전에는 그림이 특수한 의사소통 수단으로 사용되었다고 여겨진다.픽토그램으로 알려진 이 그림들은 사물들과 추상적인 [8]개념들을 묘사했다.신석기 시대의 스케치와 그림들은 결국 기호 체계(프로토 필체)로, 그리고 나중에는 초기 문자 체계로 양식화되고 단순화되었다.

원고로

종이가 널리 보급되기 전에, 유럽 수도원의 12세기 승려들은 복잡한 도면을 사용하여 그림으로 그려지고 빛이 비치는 원고를 벨룸과 양피지에 준비했습니다.드로잉은 과학 분야에서도 발견, 이해, 설명의 방법으로 널리 사용되어 왔다.

과학에서

관찰 도표를 그리는 것은 과학 연구의 중요한 부분이다.

1609년, 천문학자 갈릴레오 갈릴레이는 [9]관찰 망원경을 통해 금성과 태양 흑점의 변화상을 설명했다.1924년, 지구물리학자인 알프레드 웨그너는 [9]대륙의 기원을 시각적으로 설명하기 위해 삽화를 사용했다.

예술적 표현으로서

드로잉은 개인의 창의성을 표현하기 위해 사용되며, 따라서 미술계에서 두드러져 왔다.역사를 통틀어, 그림은 예술적 [10]실천의 토대라고 여겨졌다.처음에, 예술가들은 그들의 [11]그림을 그리기 위해 나무 판을 사용하고 재사용했다.14세기에 종이가 널리 보급된 이후, 미술에서 드로잉의 사용이 증가하였다.이때 드로잉은 일반적으로 생각과 조사 도구로 사용되며, 예술가들이 [12][13]마지막 작품을 준비하는 동안 학습 매개체 역할을 했다.르네상스는 미술가들이 [14]사물을 이전보다 더 사실적으로 표현할 수 있게 하고 기하학과 [15]철학에 대한 관심을 드러내면서 드로잉 기법에 있어 엄청난 정교함을 가져왔다.

최초로 널리 이용 가능한 형태의 사진술의 발명은 예술의 [16]계층적 변화를 이끌었다.사진은 시각 현상을 정확하게 표현하기 위한 방법으로서 그림의 대안을 제시했고, 전통적인 그림 연습은 특히 서구 [9]사회에서 예술가들에게 필수적인 기술로 덜 강조되었다.

저명한 예술가 및 제도사

드로잉은 15세기 후반 무렵 알브레히트 뒤러와 마르틴 숄가우어 같은 예술가들과 거장 조각가들이 이름을 부르며 미술 형태로서 중요해졌다.숀가우어는 알사스 출신이며 금세공 집안에서 태어났다.차세대 거장 알브레히트 뒤러도 금세공의 [17][18]아들이었다.

옛 명화는 종종 그것이 만들어진 나라의 역사와 그 당시 국가의 근본적인 특성을 반영합니다.개신교 국가였던 17세기 네덜란드에는 종교 예술품이 거의 없었고, 왕이나 궁정 없이는 대부분의 예술품이 개인적으로 구입되었다.풍경화나 장르화면은 스케치가 아니라 완성도가 높은 예술작품으로 보는 경우가 많았다.그러나 이탈리아 그림은 가톨릭과 교회의 영향을 잘 보여 예술적 후원에 큰 역할을 했다.비록 17세기에 프랑스[19] 고전주의의 규율은 그림이 더 자유로운 이탈리아의 그림보다 덜 바로크하다는 것을 의미했지만, 이것은 더 [20]큰 움직임의 감각을 전달했습니다.

20세기에 모더니즘은 "상상적 독창성"[21]을 장려했고 몇몇 예술가들은 그림에 대한 접근법이 문자 그대로 덜 추상적으로 변했습니다.파블로 피카소, 앤디 워홀, 장 미셸 바스키아 같은 세계적인 화가들은 그림을 그리는 데 많은 도움을 주었고 종종 전통 기법을 [22]재해석했다.

바스키아의 그림은 잉크, 연필, 펠트팁, 마커, 오일스틱 등 다양한 매체로 제작되었으며, 문, 옷, 냉장고, 벽, [23]야구 헬멧 등 손에 닿는 모든 표면에 그림을 그렸다.

수세기 동안 다음과 같은 독특한 그리기 언어를 가진 저명한 화가와 제도가의 규범이 만들어졌습니다.

자재

매체는 잉크, 안료 또는 색상을 도면 표면에 전달하는 수단입니다.대부분의 그리기 매체는 건조하거나(: 흑연, 목탄, 파스텔, 콩테, 실버포인트), 유체 용제 또는 캐리어(마커, 펜 및 잉크)를 사용합니다.수채화 연필은 일반 연필처럼 건조하게 사용한 후 젖은 붓으로 적셔 다양한 화사 효과를 얻을 수 있습니다.아주 드물게, 예술가들은 눈에 보이지 않는 잉크로 그림을 그린다.금속점 도면은 일반적으로 은 또는 [25]납의 두 가지 금속 중 하나를 사용합니다.더 드물게 사용되는 것은 금, 백금, 구리, 황동, 청동, 주석입니다.

종이는 신문 등급부터 개별 [26]용지로 판매되는 고품질 및 비교적 비싼 종이까지 다양한 크기와 품질이 있습니다.종이는 질감, 색조, 산도, 물에 젖었을 때의 강도에 따라 달라집니다.매끄러운 용지는 섬세한 디테일을 표현하는데 좋지만, "치아"가 많은 용지가 그리기 재료를 더 잘 잡아줍니다.따라서 거친 소재는 더 깊은 대비 효과를 내는 데 유용합니다.

신문 인쇄와 타이핑 용지는 연습이나 밑그림을 그릴 때 유용할 수 있다.트레이스 용지는, 반제품의 도면을 시험해, 한 장에서 다른 시트로 도안을 옮기기 위해서 사용됩니다.카트리지 용지는 패드로 판매되는 도화지의 기본 타입입니다.Bristol 보드 및 더 무거운 무산 보드는 종종 매끄러운 마무리로 세세한 부분까지 그리는 데 사용되며 젖은 매체(잉크, 세탁물)를 도포해도 뒤틀리지 않습니다.벨룸은 매우 매끄럽고 매우 섬세한 디테일에 적합합니다.냉간 압착 수채화지는 질감 때문에 잉크 그리기용으로 선호될 수 있다.

무산 보관 품질 종이는 신문 인쇄와 같은 목재 펄프 기반 종이보다 색상과 질감을 훨씬 오래 유지하며, 노란색으로 변하고 훨씬 빨리 부서지는 종이입니다.

기본 도구는 도판이나 테이블, 연필깎이, 지우개, 잉크 그리기, 얼룩종이입니다.사용되는 다른 도구로는 원 나침반, , 정사각형 집합 등이 있습니다.고정제는 연필과 크레용 자국이 번지는 것을 방지하기 위해 사용됩니다.제도 테이프는 용지를 서랍면에 고정하기 위해 사용되며, 스프레이나 튀긴 재료나 세탁물 등 실수로 인한 자국이 남지 않도록 영역을 가리기 위해 사용됩니다.이젤 또는 경사테이블을 사용하여 그리기면을 도색할 때 사용하는 위치보다 일반적으로 더 수평인 적절한 위치에 유지한다.

기술.

라파엘, 알바 마돈나가 된 걸 다른 스케치와 함께 공부해요
Antoine Watteau, 트로이 크레용 기술

입이나 [27]발로 그림을 그리는 일부 장애인을 제외하고 거의 모든 제도사들은 미디어를 적용하기 위해 손과 손가락을 사용한다.

이미지를 작업하기 전에 아티스트는 일반적으로 다양한 미디어가 어떻게 작동하는지 살펴봅니다.연습 시트에 다른 도면 도구를 사용하여 가치와 텍스처, 그리고 다양한 효과를 내기 위해 이 도구를 적용하는 방법을 결정할 수 있습니다.

화가의 그리기 강조 표시 선택에 따라 이미지의 모양이 달라집니다.펜과 잉크 도면은 종종 해칭(평행선 [28]그룹)을 사용합니다.크로스 해칭은 두 개 이상의 다른 방향으로 해칭을 사용하여 더 어두운 톤을 만듭니다.깨진 해칭 또는 간헐적인 파단이 있는 라인은 밝은 톤을 형성하며 파단의 밀도를 조절하면 톤의 그라데이션이 이루어집니다.스티플링은 톤, 텍스처, 음영을 만들기 위해 점을 사용합니다.[29]작성 방법에 따라 다른 텍스처를 얻을 수 있습니다.

건식 매체의 드로잉은 종종 유사한 기법을 사용하지만 연필과 드로잉 스틱은 톤의 지속적인 변화를 가져올 수 있습니다.일반적으로 그림은 화가가 어떤 손을 선호하느냐에 따라 작성됩니다.오른손잡이 화가는 이미지가 번지는 것을 피하기 위해 왼쪽에서 오른쪽으로 그림을 그립니다.지우개로 불필요한 선을 제거하고, 톤을 밝게 하며, 얼룩을 지울 수 있습니다.스케치나 아웃라인 그림에서 그려진 선은 종종 피사체의 윤곽을 따라 그려지며, 예술가의 위치에 있는 빛에서 드리워진 그림자처럼 보여 깊이를 만듭니다.

아티스트가 이미지의 일부를 그대로 두고 나머지 부분을 채우는 경우가 있습니다.보존할 영역의 모양은 마스킹 액체로 도장하거나 프리스켓에서 잘라내어 도면 표면에 도포할 수 있으며, 마스크가 제거될 때까지 표면을 표유 자국으로부터 보호할 수 있습니다.

이미지의 단면을 보존하는 또 다른 방법은 표면에 스프레이식 정착제를 도포하는 것입니다.이렇게 하면 느슨한 소재가 시트에 더 단단히 부착되어 얼룩을 방지할 수 있습니다.그러나 고정 스프레이는 일반적으로 호흡기를 해칠 수 있는 화학물질을 사용하므로 실외와 같이 환기가 잘 되는 장소에서 사용해야 한다.

또 다른 기술은 그림 표면을 흑연이나 숯으로 덮은 다음 이미지를 [30]만들기 위해 지우는 감산 드로잉이다.

헨리 맥베스-래번이 그린 부화와 음영을 가진 연필 초상화(1909)

쉐이딩은 재료의 음영과 그림자의 배치를 나타내기 위해 종이 위의 톤 값을 바꾸는 기술입니다.반사광, 그림자 및 하이라이트에 주의하여 이미지를 매우 사실적으로 표현할 수 있습니다.

블렌딩은 도구를 사용하여 원래 도면 스트로크를 부드럽게 하거나 펼칩니다.혼합은 흑연, 분필 또는 숯과 같이 즉시 고정되지 않는 매체로 가장 쉽게 이루어집니다. 그러나 일부 효과를 위해 새로 도포한 잉크는 번지거나 젖거나 건조할 수 있습니다.음영과 블렌딩은 블렌딩 그루터기, 티슈, 반죽 지우개, 손가락 끝 또는 이들의 조합을 사용할 수 있습니다.샤모아 한 조각은 부드러운 질감을 연출하고 소재를 제거하여 톤을 밝게 하는데 도움이 됩니다.혼합하지 않고 매끄러운 표면에 흑연으로 연속적인 톤을 얻을 수 있지만, 이 기술은 다소 둔탁한 점이 있는 작은 원형 또는 타원형의 스트로크를 수반하는 힘든 작업입니다.

도면에 텍스처를 도입하는 쉐이딩 기술에는 해칭과 스티플링있습니다.다른 많은 방법들이 텍스처를 만듭니다.종이의 선택과 더불어, 그리기 재료와 기술은 텍스처에 영향을 미칩니다.대조적인 텍스처 옆에 그릴 경우 텍스처를 보다 사실적으로 표시할 수 있습니다.또, 부드러운 블렌딩 영역 옆에 배치하면, 거친 텍스처를 보다 명확하게 할 수 있습니다.서로 다른 톤을 가깝게 그려도 비슷한 효과를 얻을 수 있습니다.어두운 배경 옆에 있는 밝은 가장자리가 눈에 띄어 마치 표면 위에 떠 있는 것처럼 보인다.

형태와 비율

인체의 비율

도면에서 블록하는 동안 피사체의 치수를 측정하는 것은 피사체의 사실적인 표현을 만드는 데 중요한 단계입니다.나침반과 같은 도구를 사용하여 다른 변의 각도를 측정할 수 있습니다.이러한 각도는 도면 표면에 재현한 후 다시 확인하여 정확한지 확인할 수 있습니다.또 다른 측정 방식은 피실험자의 다른 부분의 상대적 크기를 서로 비교하는 것입니다.그리기 도구를 따라 한 점에 배치된 손가락을 사용하여 해당 치수를 화상의 다른 부분과 비교할 수 있습니다.눈금자직선 모서리 및 비율을 계산하기 위한 장치로 사용할 수 있습니다.

연령에 따른 비율 변동

사람의 형상과 같은 복잡한 형체를 그리려고 할 때는 우선 원시적인 볼륨으로 형태를 표현하는 것이 도움이 됩니다.거의 모든 형태는 큐브, 구체, 실린더 및 원뿔의 조합으로 나타낼 수 있습니다.이러한 기본 볼륨을 유사하게 조립하면 도면을 보다 정확하고 광택이 나는 형태로 다듬을 수 있습니다.기본 볼륨의 선이 제거되고 최종 유사성으로 대체됩니다.기초구조를 그리는 것은 표현예술의 기본기술로 많은 책과 학교에서 가르치고 있다.정확한 적용으로 작은 세부 사항에 대한 불확실성이 대부분 해소되고 최종 이미지가 [31]일관되게 보입니다.

더 세련된 인물 묘사의 예술은 예술가가 해부학과 인간의 비율에 대한 깊은 이해를 가지고 있어야 한다.훈련을 받은 예술가는 골격 구조, 관절 위치, 근육 배치, 힘줄 운동, 그리고 움직이는 동안 다른 부분들이 어떻게 함께 작용하는지에 대해 잘 알고 있습니다.이를 통해 아티스트는 인위적으로 딱딱해 보이지 않는 자연스러운 포즈를 연출할 수 있습니다.화가는 특히 초상화를 그릴 때 대상의 연령에 따라 비율이 어떻게 달라지는지도 잘 알고 있다.

관점

지렁이으로 그림을 그리는 예술가

선형 원근법은 치수가 거리에 따라 줄어들도록 평평한 표면에 물체를 그리는 방법입니다.건물이든 테이블이든 상관없이 객체의 평행하고 직선적인 각 모서리 세트는 최종적으로 소실점에서 수렴되는 선을 따릅니다.일반적으로 이 수렴점은 건물이 평평한 표면과 수평을 이루므로 수평선을 따라 어딘가에 있습니다.거리를 따라 있는 건물과 같이 여러 구조물이 서로 정렬되면 구조물의 수평 상단과 하단은 일반적으로 소실점에서 수렴됩니다.

건물의 전면과 측면을 모두 그리면 측면을 형성하는 평행선이 수평선을 따라 두 번째 점(도면지에서 떨어져 있을 수 있음)으로 수렴됩니다.이것은 두 가지 [32]관점입니다.수직선을 수평선 위 또는 아래의 세 번째 점으로 수렴하면 3점 원근법이 생성됩니다.

깊이는 위의 원근법 외에도 몇 가지 기법으로 표현할 수 있습니다.비슷한 크기의 객체는 뷰어에서 멀리 떨어져 있을수록 더 작게 나타납니다.따라서 카트의 뒷바퀴는 앞바퀴보다 약간 작아 보입니다.텍스처를 사용하여 깊이를 표현할 수 있습니다.오브젝트의 텍스처가 멀어질수록 오브젝트는 더 압축되고 비지 상태가 되어 가까이 있을 때와 전혀 다른 특성을 갖게 됩니다.깊이는 또한 멀리 있는 물체의 대비를 줄이고 색상의 포화도를 낮춤으로써 나타낼 수 있습니다.이것은 대기 의 아지랑이의 영향을 재현하고, 눈이 주로 전경에 그려진 물체에 집중하게 합니다.

예술성

이미지의 구성예술적 가치가 있는 흥미로운 작품을 만드는 데 중요한 요소이다.예술가는 예술에서 요소 배치를 계획하여 시청자와 아이디어와 감정을 소통합니다.그 구성은 예술의 초점을 결정할 수 있고, 미적으로 매력적이고 자극적인 조화로운 전체를 만들어 낼 수 있다.

대상의 조명 또한 예술 작품을 만드는 데 중요한 요소이며, 과 그림자의 상호작용은 예술가의 도구함에서 귀중한 방법이다.광원의 배치에 따라 표시되는 메시지 유형이 크게 달라질 수 있습니다.예를 들어, 여러 개의 광원이 한 사람의 얼굴에 있는 주름살을 씻어내고 더 젊은 외모를 줄 수 있다.이와는 대조적으로, 혹독한 햇빛과 같은 단일 광원은 어떤 질감이나 흥미로운 특징을 강조하는데 도움이 될 수 있다.

사물이나 인물을 그릴 때, 숙련된 예술가는 실루엣 안의 영역과 바깥에 있는 것에 모두 주의를 기울인다.외관은 의 공간이라고 불리며 그림만큼 표현에 중요할 수 있습니다.그림의 배경에 배치된 물체는 볼 수 있는 모든 위치에 올바르게 배치되어 있어야 합니다.

스터디는 계획된 최종 영상을 준비하기 위해 만들어진 초안 도면입니다.스터디를 사용하여 완성된 이미지의 특정 부분의 외관을 확인하거나 최종 목표를 달성하기 위한 최선의 접근 방식을 실험할 수 있습니다.하지만 잘 만들어진 연구는 그 자체로 예술이 될 수 있고, 많은 시간의 세심한 작업이 연구를 완료하는 데 사용될 수 있습니다.

과정

뮌헨의 바르베리니 을 그리는 젊은 여성

시각적으로 정확한 그림을 [33]제작하는 능력에서 개인차가 나타납니다.시각적으로 정확한 도면은 "특정 시간 및 공간에서 특정 물체로 인식되며, 표현된 물체로 볼 수 없는 시각적 세부사항을 거의 추가하지 않거나 시각적 [34]세부사항을 거의 삭제하지 않고 렌더링된다"고 기술된다.

조사 연구는 어떤 사람들이 다른 사람들보다 그림을 더 잘 그리는 이유를 설명하는 것을 목표로 해 왔다.한 연구는 그림 그리기 과정에서 네 가지 주요 능력, 즉 마크를 만드는 데 필요한 운동 능력, 그림 그리는 사람 자신의 인식, 그리고 그림을 그리는 물체에 대한 인식, 그리고 훌륭한 표현적 [34]결정을 내리는 능력이라고 가정했습니다.이 가설에 따라 여러 연구들이 도면의 정확성에 영향을 미치는 가장 중요한 과정을 결론짓기 위해 노력했다.

Jean-Auguste-Dominique Ingres의 남성 몸통 학술 연구에서의 도면 과정(1801, 바르샤바 국립박물관)
모터 제어

모터 제어는 도면 [35]공정의 '생산 단계'에서 중요한 물리적 구성요소입니다.운동 제어는 비록 그 효과가 [34]크지 않지만 그리기 능력에서 역할을 한다는 것이 제안되었다.

인식

그리고 있는 사물을 인식하는 개인의 능력은 그림 [34]그리는 과정에서 가장 중요한 단계라고 제안되어 왔다.이 제안은 지각과 그리기 [36]능력 사이의 강력한 관계를 발견함으로써 뒷받침된다.

이 증거는 베티 에드워즈의 그림 그리기 책 "우뇌[37]그림 그리기"의 기초가 되었다.에드워즈는 독자의 지각 능력의 발달에 기초하여 독자들에게 그림 그리는 법을 가르치는 것을 목표로 했다.

게다가, 영향력 있는 예술가이자 미술 비평가인 존 러스킨은 그의 책 [38]드로잉의 요소에서 드로잉 과정에서 지각의 중요성을 강조했다.그는 "일단 우리가 예리하게 보게 되면 우리가 보는 것을 그리는 데 어려움이 거의 없다는 것을 거의 확신하기 때문이다"라고 말했다.

비주얼 메모리

이것은 또한 시각적으로 정확한 그림을 그리는 능력에 영향을 미치는 것으로 나타났다.그리는 대상과 그림 [39]그 자체 사이에서 시선이 이동할 때 단기 기억은 그림 그리는 데 중요한 역할을 한다.

의사결정

예술가와 비예술가를 비교한 몇몇 연구는 예술가들이 그림을 그리는 동안 전략적으로 생각하는 데 더 많은 시간을 보낸다는 것을 알아냈다.특히, 예술가들은 [40]그림으로 어떻게 진행될지에 대한 다른 가상의 계획들을 고려하는 것과 같은 '지각적' 활동에 더 많은 시간을 할애한다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

메모들

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