솔 르윗

Sol LeWitt
솔 르윗
Sol LeWitt.jpg
솔 르윗, c.1965
태어난
솔로몬 레윗

(802-09-09)1928년 9월 9일
하트포드 (코네티컷 주)
죽은2007년 4월 8일(2007-04-08)(78세)
뉴욕 시
국적.아메리칸
교육시러큐스 대학교 시각예술대학원
로 알려져 있다회화, 드로잉, 조각
움직임.개념예술, 미니멀리즘

솔로몬 "솔" 르윗 (Solon "Sol" LeWitt, 1928년 9월 9일 ~ 2007년 4월 8일)은 개념 예술과 미니멀리즘을 [1]포함한 다양한 운동과 연계된 미국의 예술가이다.

르윗은 1960년대 후반 벽화와 구조(조각 대신 그가 선호하는 용어)로 유명세를 탔지만 드로잉, 판화, 사진, 그림, 설치, 그리고 예술가들의 책을 포함한 다양한 매체에서 다작을 했다.그는 1965년부터 전 세계 박물관과 갤러리에서 수백 개의 개인전의 주제가 되었다.라리 블룸의 작가 솔 르윗의 첫 번째 전기인 라리 블룸은 2019년 [2]봄에 웨슬리안 대학 출판부에 의해 출판되었다.

인생

솔 르윗, 1992년 무제 석판화

르윗은 코네티컷주 하트포드의 러시아 출신 유대인 이민자 가정에서 태어났다.그의 아버지는 그가 [3]6살 때 죽었다.그의 어머니는 그를 하트포드에 [4]있는 워즈워스 아테뉴움 미술 수업에 데려갔다.1949년 시러큐스 대학에서 BFA를 받은 후, 르윗은 유럽으로 여행을 가서 올드 마스터 그림을 접했다.그 후 얼마 지나지 않아, 그는 한국 전쟁, 처음에는 캘리포니아, 그 다음에는 일본, 그리고 마침내 한국에서 복무했다.르윗은 1953년 뉴욕으로 이사하여 헤스터 거리의 옛 아슈케나지 유대인 정착촌에 로어 이스트 사이드에 스튜디오를 차렸다.이 기간 동안 그는 비주얼 아트 스쿨에서 공부하면서 세븐틴 잡지에서 디자인에 대한 관심을 추구하며 페이스트업, 기계, 포토스태트를 [5]했다.1955년, 그는 건축가 I.M.의 사무실에서 그래픽 디자이너였습니다. 페이는 1년 동안.그 무렵, LeWitt는 또한 19세기 후반의 사진작가 Eadweard Muybridge의 작품을 발견했는데, 그의 순차적 연구와 이동은 그에게 초기 영향을 미쳤다.이러한 경험들은 1960년 뉴욕의 현대미술관에서 야간 접수원과 점원으로서의 초급 직업과 결합되어 르윗의 후기 작품에 영향을 미칠 것이다.

MoMA에서 LeWitt의 동료들은 동료 예술가 Robert Ryman, Dan Flavin, Gene Beery, Robert Mangold와 미래의 미술 비평가이자 작가인 Lucy Lippard가 도서관에서 페이지를 담당했습니다.도로시 캐닝 밀러 큐레이터는 재스퍼 존스, 로버트 라우셴버그, 프랭크 스텔라의 작품으로 1960년 유명한 "식스틴 아메리칸" 전시회에서 르윗이 교제했던 예술가들 사이에서 흥분과 토론을 불러일으켰다.르윗은 또한 Hanne Darboven, Eva Hesse, 그리고 Robert Smithson과 친구가 되었다.

LeWitt은 1960년대 후반 뉴욕 대학교와 School of Visual Arts를 포함한 몇몇 뉴욕 학교에서 가르쳤다.1980년 르윗은 뉴욕을 떠나 이탈리아 스폴레토로 갔다.1980년대 후반에 미국으로 돌아온 후, LeWitt는 코네티컷 주 체스터를 그의 주요 [5]거주지로 삼았다.그는 뉴욕에서 암 [6]합병증으로 78세의 나이로 사망했다.

일하다.

LeWitt는 Minimal과 Conceptional [5]Art의 창시자로 여겨지고 있습니다.그의 다작인 2차원 및 3차원 작품은 벽화에서부터 탑, 피라미드, 기하학적 형태, 그리고 진행 형태의 구조물까지 수백 점의 종이 작품까지 다양하다.이 작품들은 책과 갤러리 크기의 설치물에서부터 기념비적인 야외 작품까지 크기가 다양하다.르윗의 첫 번째 연속 조각은 1960년대에 다양한 시각적 복잡성의 배열로 사각형의 모듈러 형태를 사용하여 만들어졌습니다.1979년, 르윗은 루신다 차일즈 댄스 컴퍼니의 작품 [7]댄스의 디자인에 참여했습니다.

조각품

LeWitt의 "모듈러 큐브" 구조의 대표적인 예입니다.빔 사이의 큰 간격은 재료의 폭과 8.5:1 비율입니다.

1960년대 초, 르윗은 그의 3차원 [8]작품을 묘사하기 위해 사용한 용어인 "구조물"을 처음 만들기 시작했다.그가 열린 모듈식 구조물을 자주 사용하는 것은 그가 처음 예술가가 되었을 때부터 예술가의 생각에 영향을 준 형태인 큐브에서 비롯되었다.그는 1960년대 중반 손으로 옻칠을 많이 한 폐쇄형 나무 물체로 만든 초기 작품을 만든 뒤 "피부를 완전히 제거하고 구조를 밝히기로 결심했다."이 골격 형태, 근본적으로 단순화된 오픈 큐브는 예술가의 3차원 작품의 기본 구성 요소가 되었습니다.1960년대 중반, 르윗은 오픈 큐브와 함께 일하기 시작했습니다: 골격 구조를 형성하기 위해 8개의 모서리에 12개의 동일한 선형 요소가 연결되어 있습니다.1969년부터 그는 많은 모듈식 구조물을 알루미늄 또는 강철로 산업 제작자들이 건설할 수 있도록 구상했다.르윗의 입방체 구조물 중 몇 개는 대략적인 눈 높이에 있었다.그 화가는 그의 기본 조각 단위에 신체 [9]비율을 이 스케일로 도입했다.

초기 실험 후 르윗은 1965년경 그의 모듈러 큐브의 표준 버전을 정했다: 빔 사이의 음의 공간은 조각 재료 자체의 양의 공간에 8.5:1 또는 비율로 서게 될 것이다[10][11]재료는 또한 검은색 대신 흰색으로 칠해져 이전의 유사한 작품들의 검은색의 "표현성"을 피할 수 있었다.비율과 색상은 모두 자의적인 미적 선택이었지만, 일단 찍히면 르윗의 "모듈러 큐브"[12] 작품을 대표하는 여러 작품에서 일관되게 사용되었다.르윗의 모듈러 큐브 작품 표본을 소장하고 있는 박물관들은 어린이들이 [13][14]미술작품의 수학적 특성을 조사하도록 장려하기 위해 초등교육에 대한 수업 제안을 발표했다.

1980년대 중반부터, 르윗은 쌓은 신더 블록으로 조각품 일부를 구성했고, 여전히 스스로 부과한 제한 안에서 변형을 만들어냈다.이때 그는 콘크리트 블록 작업을 시작했다.1985년,[15] 최초의 시멘트 큐브가 바젤의 공원에 세워졌다.1990년 이후 LeWitt는 콘크리트 [9]블록을 사용하여 건설될 타워에 여러 가지 변형을 고안했습니다.르윗이 1990년대 후반에 실현한 작품들은 그의 잘 알려진 기하학적 형태의 어휘에서 벗어나 다소 무작위적인 곡선 형태와 고도로 포화된 [16]색상에 대한 작가의 관심이 증가하고 있음을 생생하게 보여준다.

2007년 르윗은 각 면의 길이가 5미터인 1,000개 이상의 밝은 색의 벽돌로 만들어진 큐브인 9개의 타워를 구상했다.그것은 2014년 [17]스웨덴 리라 스텐슈부드에 있는 키빅 아트 센터에 설치되었다.

벽면도

1968년, 르윗은 벽에 직접 그려진 그의 2차원 작품을 위한 가이드라인이나 간단한 도표를 구상하기 시작했고, 처음에는 흑연으로, 그 다음에는 크레용으로, 나중에는 색연필로, 그리고 마지막으로 인도 잉크, 밝은 아크릴 페인트, 그리고 [18]다른 재료의 색채가 풍부한 물감으로 완성되었습니다.1968년 [19]폴라 쿠퍼 갤러리의 첫 전시회인 베트남 전쟁 종식을 위한 학생동원위원회(Student Mobilization Committee)를 위해 작품을 만든 이후 르윗의 그림 수천 점이 [20]벽면에 직접 설치됐다.1969년에서 1970년 사이에 그는 4개의 "드로잉 시리즈"를 만들었는데, 이것은 그의 초기 벽화들의 많은 부분을 지배했던 기본 요소들의 다른 조합을 보여준다.각 시리즈에서 그는 LeWitt가 사용한 네 가지 기본 유형의 선(수직, 수평, 대각선 왼쪽 및 대각선 오른쪽) 중 하나를 포함하는 4개의 동일한 부분으로 분할된 정사각형의 가능한 24개의 조합 각각에 다른 변화 체계를 적용했다.그 결과 24개의 원래 단위 각각에 대해 4개의 가능한 순열이 생성됩니다.드로잉 시리즈 I에 사용된 시스템은 LeWitt가 '회전'이라고 칭한 시스템이며, 드로잉 시리즈 II는 '거울'이라고 불리는 시스템을, 드로잉 시리즈 III는 '크로스 & 리버스 미러'를, 드로잉 시리즈 IV는 '크로스 리버스'를 사용합니다.[21]

1972년 캠브리지 소재 매사추세츠공과대학에 처음 설치된 벽면도면 #122에서 이 작품은 "직선과 파선이 아닌 직선이 아닌 모서리와 측면에서 호를 사용하여 무작위로 교차, 배치된 두 선의 모든 조합"을 포함하고 있으며, 이로 인해 150개의 독특한 조합이 갤러리 벽에 펼쳐집니다.LeWitt는 이 주제를 더욱 확장하여 뉴욕 현대 미술 박물관의 벽 그림 #260과 같은 변형을 만들어 냈습니다. 이 변형은 호와 [22]선의 가능한 모든 2부분 조합으로 체계적으로 이어집니다.1995년에 구상된 벽화 #792: 검은 직사각형과 사각형은 예술과 건축의 교차점에 대한 르윗의 초기 관심을 강조한다.브뤼셀의 Barbara Gladstone Gallery의 두 층에 걸친 이 작품은 다양한 검은색 직사각형 조합으로 구성되어 불규칙한 격자 모양의 패턴을 [23]형성한다.

1970년대 후반에 이탈리아 스폴레토로 이사한 르윗은 흑연필이나 크레용에서 선명한 잉크 물감으로 전환한 것이 지오토, 마사치오, 그리고 다른 초기 피렌체 [19]화가들의 프레스코화와의 만남 때문이라고 말했다.1990년대 후반과 2000년대 초반에 그는 포화도가 높은 형형색색의 아크릴 벽화를 그렸다.그들의 형태는 곡선적이고, 장난기 있고, 거의 무작위처럼 보이지만, 그들은 또한 정확한 가이드라인에 따라 그려집니다.예를 들어, 밴드는 표준 폭이며, 같은 색의 [24]다른 부분에 착색된 부분이 닿을 수 없습니다.

2005년에 LeWitt는 일련의 '스크라이브' 벽화를 그리기 시작했는데, 이는 제도사가 흑연으로 낙서를 해서 벽의 영역을 채워야 했기 때문에 그렇게 불리게 되었다.낙서는 6가지 밀도로 이루어지는데, 이는 예술가의 다이어그램에 표시된 다음 벽 표면에 끈으로 배열됩니다.낙서 밀도의 그라데이션은 3차원을 [25]암시하는 연속적인 음색을 만들어냅니다.가장 큰 낙서 벽화인 벽화 #1268은 올브라이트 녹스 미술관에서 전시 중이다.

르윗의 작품 원리에 따르면, 르윗의 벽화는 보통 작가 자신이 아닌 다른 사람들에 의해 그려진다.그가 죽은 후에도 사람들은 여전히 이 그림을 그리고 [26]있다.따라서 그는 결국 그러한 작품을 만들기 위해 조수 팀을 이용하게 될 것이다.르윗은 1971년 벽화 제작에 대해 글을 쓰면서 "각자는 선을 다르게 긋고 각자는 단어를 다르게 이해한다"[27]고 말했다.1968년과 2007년 사이에 르윗은 1,270점 이상의 [28]벽화를 그렸다.현장에서 제작된 벽화 도면은 일반적으로 전시 기간 동안 존재하지만, 그 후 파괴되어 물리적 형태의 작품이 일시적인 [29]품질을 갖게 됩니다.전시용으로 필요한 횟수만큼 설치, 제거 및 다른 장소에 재설치할 수 있습니다.다른 위치로 전송되는 경우 원래 다이어그램의 [30]비율을 유지해야 벽의 수를 변경할 수 있습니다.

르윗의 영구 벽화는 뉴욕 AXA 센터(1984-85)[31]에서 볼 수 있다.뉴욕 Armonk에 있는 Swiss Re 본사, 애틀랜타 시청, 애틀랜타(월 도면 번호 581, 1989/90), Walter E. 워싱턴 DC 워싱턴 컨벤션 센터(월 도면 #1103, 2003), 뉴욕 콘래드 호텔(루피 두피(블루와 퍼플),[31] 버팔로 올브라이트 녹스 아트 갤러리(월 도면 #1268: 스크라이브블): 계단(AKAG), 2006/2010;[32]Akron Art Museum, Akron (2007년), Columbus Circle Subway Station, 뉴욕 유대인 박물관(뉴욕), 캠브리지 MIT의 Green Center for Physicals(MIT, 2007년), 베를린의 미국 대사관;이 화가의 마지막 공개 벽화 그림인 벽화 #1259: 루피 두피 (스프링필드) (2008)는 매사추세츠 스프링필드에 있는 미국 법원 청사에 있다.벽화 #599: 노란색, 파란색, 빨간색, 흰색 띠가 번갈아 나타나는 동심원의 중심인 서클 18(1989)은 2013년 [31]뉴욕 유대인 커뮤니티 센터 로비에 설치되었다.

구아슈

1980년대, 특히 이탈리아 여행 이후 르윗은 불투명한 수성 페인트인 구아슈를 사용하여 대조적인 색상으로 자유롭게 흐르는 추상 작품을 만들기 시작했다.이것은 그가 자신의 [8]손으로 이 작품들을 만들었기 때문에 그의 나머지 작품들로부터 중요한 출발을 의미했다.LeWitt의 구아치는 종종 특정한 모티브를 바탕으로 시리즈로 제작된다.과거 시리즈에는 불규칙한 형태, 평행 곡선, 스퀴글리 브러시 스트로크 및 웹 유사 [33]그리드가 포함되어 있습니다.

비록 이 느슨하게 표현된 구성이 시각적으로 더 기하학적으로 구조화된 그의 초기 작품에서 벗어났을지 모르지만, 그럼에도 불구하고 그것은 그의 원래 예술적 의도와 일치했다.르윗은 그의 구아슈 작품에서 공을 들여 자신의 지문을 만들었다.2012년 하이디 리 코마로미는 르윗이 인생의 마지막 수십 년 동안 종이 위에 사용했던 다양한 기법을 보여주는 전시회인 "Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003"을 큐레이터로 만들었습니다.

아티스트 서적

1966년부터, 르윗의 연재에 대한 관심은 그의 경력 내내 50권 이상의 예술가의 책을 제작하게 했다; 그는 후에 워즈워스 아테나이움 도서관에 많은 사례들을 기증했다.1976년 LeWitt은 동료 예술가이자 비평가인 Lucy Lippard, Carol Androcchio, Amy Baker(샌드백), Edit Deak, Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson, Steichy와 함께 뉴욕 트리베카 근교의 영리 예술 공간인 Printed Matter, Inc.를 설립하는 데 도움을 주었습니다.르윗은 1973년 필라델피아 [34]무어 미술 디자인 대학에서 다이앤 페리 밴더립이 큐레이션한 전시회에서 만들어진 용어인 "아티스트 북"이라는 장르의 시그널 혁신가였다.

Printed Matter는 아티스트의 책을 만들고 배포하는 데 전념하는 최초의 조직 중 하나로, 셀프 출판, 소규모 출판, 아티스트 네트워크 및 컬렉션을 [35]통합했습니다.LeWitt 등에게 Printed Matter는 아방가르드 아티스트의 지원 시스템으로서도 기능하고 있어, LeWitt가 현대미술관의 스탭으로서 알고 즐겼던 아티스트의 네트워크를 모방해, 번화가의 [36]출판사, 전시 공간, 소매 공간, 커뮤니티 센터로서의 역할의 균형을 이루고 있습니다.

건축과 조경

LeWitt는 건축가 Stephen Lloyd와 협력하여 그의 신도 Beth Shalom Rodfe Zedek를 위한 회당을 설계했습니다.그는 동유럽의 [37][38]목조 회당에 대한 존경인 "풍만한 나무 지붕 들보"로 지탱되는 얕은 돔을 가진 "에어리" 회당 건물을 개념화했습니다.

1981년 LeWitt는 페어마운트 파크 아트 어소시에이션(현재는 퍼블릭 아트 어소시에이션으로 알려져 있음)으로부터 페어마운트 파크 부지에 대한 공공 미술품을 제안하기 위해 초청받았다.그는 라일리 기념관으로 알려진 길고 직사각형 모양의 토지를 선정하여 설명서와 함께 도면을 제출하였다.2011년에 설치된 Lines in Four directions in Flowers는 전략적으로 구성된 7,000여 그루의 플랜팅으로 구성되어 있습니다.그의 원래의 제안에는 미술가 각각 색들은 블록 4~5종을 t. 꽃 나무를 심는 네개의 다른 색깔의 동일한 네개의 직사각형 지역에서의 4방향(수직, 수평 대각선 오른쪽& 남아)에 대해 2의 키의 상록수 생울타리로 둘러싸여의 줄의 설치 작업을(, 노란 색, 빨간& 파란 색 흰색)방침인모자 blo순차적으로 [39][40]om.

2004년에는 시러큐스 대학 캠퍼스의 크라우스 칼리지 언덕 언덕에 식스 커브월 조각상이 설치됐다.콘크리트 블록 조각은 각각 12피트 높이에 140피트에 이르는 6개의 기복이 있는 벽으로 구성되어 있습니다.이 조각상은 시러큐스 [41][42][43]대학의 11대 총장으로서 낸시 칸토르의 취임식을 기념하기 위해 디자인되고 건설되었다.

수집

1960년대 초반부터 그와 그의 아내 캐롤 안드로치오는 구매, 다른 예술가들과 거래 또는 선물로 [44]거의 9,000여 점의 예술 작품을 모았다.플라빈, 라이먼, 하네 다보벤, 에바 헤세, 도널드 저드, 온 카와라, 미야모토 가즈코, 칼 앙드레, 댄 그레이엄, 한스 하케, 게르하르트 리히터 등 약 750명의 아티스트의 작품을 손에 넣었다.2007년 웨더스푼 미술관에서 열린 르위트 컬렉션의 선택전에는 앙드레, 앨리스 아이콕, 베른드와 힐라 베커, 얀 디브베츠, 재키 페라라, 길버트, 캣츠의 작품 100여 점이 전시됐다.히린 네샤트, 팻 슈타이어 그리고 다른 많은 아티스트들.[45]

전람

솔 르윗, 타워, 피게 미술관, 미국 아이오와 주 데이븐포트, 1984.

르윗의 작품은 1964년 댄 플라빈이 뉴욕 [46]케이마 갤러리에서 큐레이션한 그룹 전시회에서 처음 공개되었다.댄 그레이엄의 존 대니얼스 갤러리는 1965년 [47]그의 첫 단독 전시회를 열었다.1966년 그는 뉴욕의 유대인 박물관에서 열린 "Primary Structures"(최소주의 운동을 정의하는 데 도움을 준 중요한 쇼) 전시회에 참가하여 제목이 없는 개방적인 9개의 모듈러 큐브를 제출했습니다.같은 해 그는 뉴욕 드완 갤러리에서 열린 '10' 전시회에 포함되었다.그는 이후 1969년 스위스 쿤스트할레 베른에서 열린 "태도가 형태가 될 때"에 참여하도록 하랄드 스제만에 의해 초청되었다.르윗은 1993년 인터뷰에서 "색깔이나 형태를 후퇴시켜 입체적으로 진행하기로 결심했다"고 말했다.

헤이그에 있는 Gemeentemuseum은 1970년에 그의 첫 회고전을 선보였고,[48] 후에 그의 작품은 1978년 뉴욕 현대 미술 박물관에서 열린 주요 경력 회고전에서 전시되었다.1972/1973년, 르윗의 첫 유럽 박물관 전시회가 [49]쿤스트할 베른과 옥스퍼드 현대미술관에서 열렸다.1975년 르윗은 워즈워스 아테뉴엄 미술관에서 열린 제3회 매트릭스 전시회에서 "하트포드 아테뉴엄을 위한 직사각형의 위치"를 만들었습니다.그 해 말, 그는 Wadsworth Athernum의 6번째 MATLAS 전시회에 참가하여 두 번째 벽화를 위한 설명을 제공했습니다.MoMA는 1978-79년에 LeWitt에게 그의 첫 회고전을 선사했다.그 전시회는 다양한 미국 공연장을 누볐다.1987년 독일의 Skulptur Projekte Munster를 위해 그는 우아하고 하얀 신고전주의 정부 청사 앞에 있는 광장의 중앙에 있는 검은 콘크리트 블록의 직사각형 벽인 Black Form: Memorial to the Missing 유대인들을 위한 기념비를 실현했다.그것은 현재 함부르크의 Altona Town Hall에 설치되어 있다.이후 다른 주요 전시회로는 1992년 네덜란드 헤이그에 있는 Gemeentemuseum에 의해 조직된 Sol LeWitt Drawings 1958-1992가 있으며, 이후 3년 동안 영국, 독일, 스위스, 프랑스, 스페인, 그리고 1996년에는 Museum of Modern LeWitt Drawings of Modern York을 통해 현대 미술품 여행을 다녀왔다.ng 조사 전시회: "Sol LeWitt Prints: 1970-1995"2000년 샌프란시스코 현대미술관에 의해 대규모 르윗 회고전이 조직되었다.전시는 시카고의 현대 미술관과 뉴욕의 휘트니 미술관으로 이동했다.

2006년, LeWitt의 드로잉 시리즈는 Dia에서 전시되었습니다.비콘은 컨셉 아티스트에 의해 1970년대 그림에 전념했습니다.제도사와 보조원들은[50] 흑연, 색연필, 크레용, 분필을 사용하여 벽에 직접 그림을 그렸다.이 작품들은 르윗의 복잡한 원리에 바탕을 두고 있었으며, 이것은 보다 광범위한 건축을 위한 캔버스의 한계를 없앴다.

예일대 미술관(YUAG)과 MASS Moca([51]Massachusetts Moca), 윌리엄스 칼리지 미술관(WCMA)이 공동으로 만든 '솔 르윗: 벽그리기 회고전'은 2008년 미국 매사추세츠주 매사추세츠에서 일반에 공개됐다.이 전시회는 25년간 전시되며 브루너/콧과 어소시에이트 건축가들이 완전히 복원한 MASS MocA 캠퍼스의 중심부에 있는 3층 27,000평방피트(2,500m2) 규모의 역사적인 제분소 건물에 전시되어 있습니다(그리고 르위트의 사양에 따라 일련의 새로운 내부 벽이 설치되어 있습니다).이 전시회는 LeWitt가 1968년부터 2007년까지 40년 동안 그린 105개의 그림(약 1에이커)으로[citation needed] 구성되어 있으며, 그 중 몇 개는 LeWitt이 죽기 직전에 프로젝트를 위해 그린 것입니다.

게다가 그는 롱아일랜드 시티의 P.S. 1 컨템포러리 센터(콘크리트 블록),[52] 미국 미술의 애디슨 갤러리(애디슨 갤러리, 1968~1993년 벽화 25년), 하트포드 큐브스의 워즈워스 아테뉴움 미술관(하트포드)에서 전시의 주제였다.사망 당시 르윗은 오하이오주 오버린의 앨런 메모리얼 아트 박물관에서 자신의 작품에 대한 회고전을 기획했다.나폴리 솔 르윗에서요 2012년 12월 15일 Museo Madre에서 2013년 4월 1일까지 오픈한 L'L'ista e i suoi artisti'

박물관 소장품

LeWitt의 작품은 다음을 포함한 가장 중요한 박물관 소장품에서 볼 수 있다.Tate Modern, 런던, Van Abbemuseum, Eindhoven, 베오그라드의 세르비아 국립박물관, Centre Georges Pompidou, 파리, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, 스위스, 호주 국립갤러리, 캔버라, 구겐하임 미술관, 현대미술관, 현대미술관비콘, 맨해튼의 유대인 박물관, MASS MocA, 노스 애덤스, 워싱턴 D.C. 국립미술관, 허쉬혼 박물관 및 조각 정원.[53]리투아니아 빌뉴스의 유로포스 파카스에 솔 르윗이 세운 더블 네거티브 피라미드는 베를린 장벽 이후 미술사에서 중요한 사건이었다.

영향을 주다

독일 함부르크, 알토나, 알토나, 알토나, 1987년 실종된 유대인들에게 바치는 검은 양식.

솔 르윗은 그의 시대의 주요 인물들 중 한 명이었다; 그는 아이디어, 예술가의 주관성, 그리고 주어진 아이디어가 만들어 낼 수 있는 예술작품 사이의 근본적인 관계에 의문을 제기함으로써 예술작품의 과정을 변화시켰다.1960년대에 많은 예술가들이 독창성, 작가성, 그리고 예술적 천재성에 대한 현대적 개념에 도전하는 동안, LeWitt는 미니멀리즘, 개념주의, 그리고 프로세스 예술과 같은 접근법이 단지 기술적이거나 철학을 설명하는 것이라는 것을 부인했다.개념 예술에 관한 그의 문단에서, LeWitt는 개념 예술은 수학적 것도 지적도 아닌 직관적이었으며, 아이디어를 예술 작품으로 바꾸는 데 내재된 복잡성은 [54]우발적인 것으로 가득 차 있다고 주장했다.르윗의 예술은 예술가의 단일한 손에 관한 것이 아니다; 작품 [55]자체를 능가하는 것은 각각의 작품 뒤에 있는 아이디어이다.21세기 초 르윗의 작품, 특히 벽화는 경제적 통찰력으로 평단의 찬사를 받았다.대부분의 경우 종이 한 장에 간단한 지시사항으로 존재하지만, 도면은 전 세계 어디서나 여러 번 반복해서 제작할 수 있습니다. 아티스트가 제작에 [56]관여할 필요가 없습니다.

미술계

그의 경매 기록은 [57]2014년 뉴욕 소더비에서 판지 조각 웨이브 브러시 스트로크(1995년)로 74만9000달러였다.

엄선된 책

  • 블룸, 라리.Sol LeWitt: A Life of Ideas, Wesleyan University Press, 2019년.( ISBN978-0-8195-7868-6)
  • 르윗, 솔Arcs, Corners & Sides, Circle & Grids 및 모든 조합의 Arc.스위스 베른: 1972년 쿤스트할레 베른 & 폴 비앙치니.
  • 르윗, 솔8개의 점의 위치워싱턴 DC: Max Protetch Gallery, 1974년.
  • 르윗, 솔포토그리드.뉴욕: P. David Press, 1977/1978.ISBN 0-8478-0166-7
  • 레그, 앨리샤(에드)솔 르윗: 뉴욕 현대미술관.뉴욕:박물관, 1978년ISBN 0-87070-427-3
  • 르윗, 솔기하학적 수치와 색상.뉴욕: H.N. 에이브럼스, 1979년ISBN 0-8109-0953-7
  • 르윗, 솔자서전.뉴욕과 보스턴:다중이고 로이스와 마이클 K.토프, 1980년ISBN 0-9605580-0-4
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