매너리즘

Mannerism
목이 긴 파르미지아니노의 마돈나 (1534–1540)에서 매너리즘은 긴 비율, 매우 양식화된 포즈, 그리고 명확한 관점의 결여로 알려져 있다.

후기 [1][2]르네상스라고도 알려져 있는 매너리즘은 1520년경 이탈리아 하이 르네상스의 말기에 생겨난 유럽 미술의 한 양식으로, 약 1530년까지 퍼져 나갔고 바로크 양식이 그것을 대체한 이탈리아에서 16세기 말까지 지속되었다.북부 매너리즘은 17세기 [3]초반까지 계속되었다.

스타일적으로 매너리즘은 레오나르도 다빈치, 라파엘, 바사리,[4] 초기 미켈란젤로와 같은 예술가들과 연관된 조화로운 이상에 영향을 받고 이에 반응하는 다양한 접근 방식을 포함한다.르네상스 시대 예술이 비례, 균형, 그리고 이상적인 아름다움을 강조하는 곳에서 매너리즘은 종종 비대칭적이거나 부자연스럽게 [5]우아한 구성을 야기하면서 그러한 자질을 과장한다.자연주의와는 대조적으로 인위적인 [6]특성으로 유명한 이 예술 스타일은 초기 르네상스 회화의 균형과 선명함보다는 구성상의 긴장과 불안정성을 특권화한다.문학과 음악의 매너리즘은 매우 화려한 스타일과 지적 [7]세련됨으로 유명하다.

매너리즘의 정의와 그 안에 있는 단계들은 미술사학자들 사이에서 계속해서 논쟁의 대상이 되고 있다.예를 들어, 일부 학자들은 16세기와 17세기의 문학(특히 시)과 음악에 이 레이블을 적용했다.이 용어는 또한 1500년부터 1530년까지 북유럽에서 활동한 후기[8] 고딕 화가들, 특히 이탈리아 운동과 무관한[9] 앤트워프 매너리스트들을 지칭하기 위해 사용된다.매너리즘은 라틴 [10]문학의 실버 에이지에도 적용되어 왔다.

명명법

매너리즘 롤모델:고대 조각품인 라오콘과 그의 아들들이 1506년에 재발견되었고 지금은 바티칸 박물관에서 발견되었다.매너리즘의 예술가들은 이 [5]조각품에 크게 감탄했다.

"매너리즘"이라는 단어는 "스타일" 또는 "매너"를 의미하는 이탈리아 마니에라에서 유래했습니다.영어 단어 "style"처럼, 마니에라는 특정 유형의 스타일을 나타낼 수도 있고(아름다운 스타일, 연마 스타일), 또는 자격이 필요 없는 절대적인 스타일을 나타낼 수도 있다(어떤 이는 "style"[11]을 가지고 있다).가장 훌륭한 화가들과는 생전, 조각, 건축가(1568년)의 그의 생애의 두번째 판에서는 조르조 Vasari[12]3 다른 맥락에서:예술가의 태도나 일하는 법을 논의하기 위해;, 용어 마니 greca는 중세Italo-Byzantine 스타일로 또는 남자를 단순히 참조와 같은 또는 그룹 개인적인 스타일을 묘사하기 위해 마니 사용했다.nie미켈란젤로의 라, 그리고 예술적 [13]질에 대한 긍정적인 판단을 긍정한다.바사리는 또한 매너리즘 화가였고, 그는 그가 일했던 시기를 "라 마니에라 모데나" 또는 "현대 스타일"[14]이라고 표현했다.제임스 5세미롤로는 "벨라 마니에라" 시인들이 어떻게 페트라르카의 [15]소네트를 뛰어넘으려고 노력했는지를 묘사한다.이러한 "벨라 마니에라"의 개념은 그렇게 영감을 받은 예술가들이 자연과 직접 대면하기 보다는 그들의 전임자들을 모방하고 개선하려는 것을 암시한다.본질적으로, "벨라 마니에라"는 많은 소스 자료에서 가장 잘 활용했고,[15] 그것을 새로운 것으로 합성했다.

스타일리시한 라벨로서 "매너리즘"은 쉽게 정의되지 않습니다.그것은 스위스의 역사학자 야콥 부르크하르트에 의해 사용되었고 20세기 초 독일의 미술사학자들에 의해 분류할 수 없어 보이는 16세기의 예술 - 더 이상 르네상스 시대와 관련된 조화롭고 이성적인 접근을 보여주지 않는 예술로 분류할 수 없어 보이는 예술들을 분류하기 위해 대중화 되었다."고대 르네상스"는 조화, 웅장함, 그리고 고전 고대의 부활로 구분되는 시기를 암시했다."[17]매너리스트"라는 용어는 1965년 맨체스터 시티 아트 갤러리에서 프리츠 그로스만이 기획한 매너리즘 그림 전시회에 이어 1967년 존 셔먼에[16] 의해 재정의되었다."매너리즘"이라는 라벨은 16세기 동안 사회적 행동에 대해 언급하고 세련된 기교를 전달하거나 특정 기술을 나타내기 위해 사용되었다.하지만, 17세기 지안 피에트로 [18]벨로리와 같은 후기 작가들에게, 라 마니에라는 라파엘 이후, 특히 1530년대와 1540년대에 [19]인식된 예술의 쇠퇴에 대한 경멸적인 용어였다.19세기 후반부터 미술사학자들은 르네상스 고전주의를 따르고 바로크보다 앞선 예술을 묘사하기 위해 이 용어를 사용해 왔다.

그러나 역사학자들은 매너리즘이 하나의 양식인지, 하나의 운동인지, 아니면 시대인지에 대해 서로 다르다. 그리고 이 용어는 논란의 여지가 있지만, 여전히 16세기의 [20]유럽 예술과 문화를 식별하기 위해 일반적으로 사용된다.

기원 및 개발

전성기가 끝날 무렵, 젊은 예술가들은 위기를 [5]경험했다: 성취할 수 있는 모든 것이 이미 이루어진 것처럼 보였다.기술적인 문제든 다른 문제든 더 이상 해결해야 할 문제가 남아 있지 않았다.해부학, 빛, 관상학, 인간이 감정을 표현과 몸짓으로 기록하는 방법, 비유적 구성에서 인간의 형태를 혁신적으로 사용하는 것, 미묘한 톤의 그라데이션의 사용은 모두 완벽에 가까웠다.젊은 예술가들은 새로운 목표를 찾아야 했고,[21] 그들은 새로운 접근법을 모색했다.이 시점에서 매너리즘이 [5]나타나기 시작했다.새로운 스타일은 1510년에서 1520년 사이에 피렌체,[22] 로마, 또는 [23]두 도시에서 동시에 발전했다.

미켈란젤로의 시스티나 성당 천장에서 수집한 이그누디.

기원 및 역할 모델

이 시기는 안드레아 델 사르토, 미켈란젤로, 라파엘로의 예술의 "자연적 확장"[7]으로 묘사되어 왔다.미켈란젤로는 어린 나이에 자신만의 스타일을 개발했는데, 처음에는 크게 존경받았고, 그 후 종종 그 [7]시대의 다른 예술가들에 의해 모방되고 모방되었다.그의 동시대인들이 가장 존경했던 자질 중 하나는 경외감을 불러일으키는 그의 테리빌리타였고, 그 이후의 [7]예술가들은 그것을 모방하려고 시도했다.다른 예술가들은 학생들이 그림을 그리고 조각하는 것을 배우는 표준적인 방법인 거장의 작품을 베끼면서 미켈란젤로의 열정적이고 매우 개인적인 스타일을 배웠다.그의 시스티나 성당 천장은 특히 종종 이그누디라고 불리는 수집 인물들과 리비아 시빌, 로랑티안 도서관에 있는 그의 전실, 메디치 무덤의 인물들, 그리고 무엇보다도 그의 최후의 심판들에 대한 본보기를 보여주었습니다.후대의 미켈란젤로는 [7]매너리즘의 위대한 롤모델 중 하나였다.젊은 예술가들이 그의 집에 침입해서 [24]그의 그림을 훔쳤다.그의 책 "가장 저명한 화가, 조각가, 건축가의 삶"에서, 조르지오 바사리는 미켈란젤로가 "팔로워인 사람들은 그들이 [24]따르는 사람을 결코 지나칠 수 없다"고 말한 적이 있다고 언급했다.

경쟁심

후원하는 아티스트들이 비술적인 기술을 강조하고 서로 수수료를 놓고 경쟁하도록 장려한 후원자들에 의해 경쟁 정신이 길러졌다.그것은 예술가들로 하여금 새로운 접근법을 찾도록 만들었고 극적으로 조명된 장면, 정교한 옷과 구성, 길쭉한 비율, 매우 스타일리시한 포즈, 그리고 명확한 시야의 부족을 만들었다.레오나르도 다빈치와 미켈란젤로는 각각 곤팔로니에레 피에로 소데리니로부터 플로렌스 오백의 전당에 있는 벽을 장식하는 임무를 받았다.이 두 화가는 나란히 그림을 그리고 서로 [citation needed]경쟁하도록 설정되었고, 가능한 한 혁신적이 되도록 동기를 부여했습니다.

copy of lost painting that had been by Michelangelo
잃어버린 원본을 복사한 바스티아노 다 산갈로의 미켈란젤로의 '바타글리아 디 카시나'는 원래 미켈란젤로가 레오나르도의 출품작과 경쟁하기 위해 의도한 것이다.
copy of lost painting that had been by Leonardo da Vinci
잃어버린 원본을 복사한 루벤스의 레오나르도 다빈치의 '바타글리아 디 앙기아리'는 원래 레오나르도가 미켈란젤로의 출품작과 경쟁하기 위해 의도한 것이다.

초기 매너리즘

야코포 폰토르모, 1528년 엔템브먼트; 플로렌스 산타 펠리시타

플로렌스의 초기 매너리스트들, 특히 자코포 다 폰토모나 로소 피오렌티노와 같은 안드레아 델 사토의 학생들은 길쭉한 형태, 불안정한 균형 잡힌 자세, 무너진 원근법, 불합리한 설정 및 연극 조명으로 유명하다.파르미지아니노(콜레지오의 제자)와 줄리오 로마노(라파엘의 수석 보좌관)는 로마에서 비슷하게 양식화된 미적 방향으로 움직이고 있었다.이 예술가들은 전성기의 영향을 받아 성숙해졌고, 그들의 스타일은 그것에 대한 반작용 또는 과장된 확장으로 특징지어져 왔다.자연을 직접 연구하는 대신, 젊은 예술가들은 헬레니즘 조각과 과거 거장들의 그림을 연구하기 시작했다.그러므로, 이 스타일은 종종 "반고전주의"[25]라고 여겨지지만, 그 당시에는 르네상스 시대부터 자연스러운 발전으로 여겨졌다."반고전적" 형태로 알려진 매너리즘의 초기 실험 단계는 약 1540년 또는 [23]1550년까지 지속되었다.마샤 B. 템플대학교 미술사학과 교수인 홀은 그녀의 책 "After Raphael"에서 라파엘의 이른 죽음은 [citation needed]로마에서 매너리즘의 시작을 의미한다고 지적한다.

과거 분석에서 매너리즘은 16세기 초에 코페르니쿠스의 태양중심주의, 1527년의 로마 약탈, 그리고 가톨릭 교회의 권력에 대한 개신교 개혁의 증가하는 도전과 같은 많은 다른 사회, 과학, 종교, 정치 운동과 동시에 발생했다는 것이 지적되었다.이 때문에, 그 문체의 길쭉한 형태와 왜곡된 형태는 한때 르네상스 시대 [26]예술에 널리 퍼진 이상화된 구성에 대한 반작용으로 해석되었다.비록 초기 매너리즘 예술이 여전히 고대 르네상스 관습과 극명하게 대비되지만, 급진적인 양식 변화에 대한 설명은 학계의 호의에서 벗어났다; 라파엘의 아테네 학파에 의해 달성된 접근성과 균형은 더 이상 젊은 [citation needed]예술가들에게 흥미를 끌지 못하는 것처럼 보였다.

하이 마네라

매너리즘의 두 번째 시기는 흔히 소위[citation needed] "반고전적" 단계와 구별된다.후속 매너리스트들은 지적 자만과 예술적 기교를 강조했는데, 이는 나중에 비평가들로 하여금 그들이 부자연스럽고 영향력 있는 "매너"로 일한다고 비난하게 만들었다.마니에라 예술가들은 그들의 나이든 현대 미켈란젤로를 그들의 주요 모델로 보았다; 그들의 것은 자연을 모방하는 예술이 아니라 예술을 모방하는 것이었다.미술사학자 Sydney Joseph Freedberg는 마니에라 미술의 지적인 측면은 관객이 "보이지 않지만, 느낌의 인용 부호"[27] 사이에 둘러싸인 낯선 환경에서 익숙한 인물인 이 시각적 참조를 알아차리고 감상하기를 기대하는 것과 관련이 있다고 주장한다.마니에라 화가가 의도적으로 인용문을 유용하는 것은 속임수의 높이이다.아그놀로 브론지노와 조르지오 바사리는 약 1530년부터 1580년까지 지속된 마니에라의 변종을 예시한다.마니에라 미술 커플들은 주로 유럽 각지의 궁정과 지식인을 거점으로 표면과 디테일에 세심한 주의를 기울여 우아함을 과장했다.자기 가죽의 인물들은 균일한 담금질한 빛에 기대어 눈을 마주치면 시원한 눈으로 보는 이를 알아본다.마니에라 소재는 많은 감정을 드러내는 경우가 거의 없으며, 이러한 이유로 이러한 경향을 보여주는 작품들은 종종 '냉담함' 또는 '냉담함'이라고 불린다.이것은 소위 "스타일리쉬 스타일" 또는 [28]그 성숙함에 있어 마니에라의 전형적인 형태이다.

매너리즘의 확산

영어 매너리즘:헨리 하워드, 1546년 서리 백작, 플랑드르 이민자에 의한 희귀한 영국 매너리즘 초상화

로마, 플로렌스, 만토바는 이탈리아의 매너리즘 중심지였다.베네치아의 회화는 그의 긴 생애에서 티티안으로 대표되는 다른 길을 추구했다.1520년대 동안 로마에서 일했던 많은 초기 매너리즘 예술가들이 1527년 로마 약탈 이후 도시를 탈출했다.그들이 일자리를 찾아 대륙 전역에 퍼지면서, 그들의 스타일은 이탈리아와 [29]북유럽 전역에 퍼졌다.그 결과는 고딕 [30]양식 이후 최초의 국제적인 예술 양식이었다.북유럽의 다른 지역은 이탈리아 예술가들과 직접 접촉하는 장점이 없었지만, 매너리즘 스타일은 판화와 삽화를 통해 그 존재를 느끼게 했다.특히 유럽의 지배자들은 이탈리아 작품을 구입했고, 북유럽 예술가들은 이탈리아로 여행을 계속하면서 매너리즘 스타일을 확산시키는 데 도움을 주었다.북부에서 활동하는 개별 이탈리아 예술가들은 북부 매너리즘으로 알려진 운동을 일으켰다.예를 들어, 프랑스의 프랑수아 1세는 브론지노의 비너스, 큐피드, 어리석음, 그리고 시간을 선물 받았다.카라치 형제, 카라바조, 시골리를 포함한 새로운 세대의 예술가들이 자연주의를 되살리면서 1580년 이후 이탈리아에서 그 스타일은 쇠퇴했다.월터 프리드랜더는 초기 매너리즘이 르네상스 시대의[31] 미학적 가치에서 벗어나 "반고전주의"적이었던 것처럼 이 시기를 "반매너리즘"으로 규정했고, 오늘날 카라치 형제와 카라바조는 1600년에 지배적인 바로크 양식의 그림으로의 전환을 시작하기로 합의했다.

그러나 이탈리아 밖에서는 매너리즘이 17세기까지 지속되었다.로소가 퐁텐블로 궁정을 위해 일했던 프랑스에서는 앙리 2세 양식으로 알려져 건축에 특별한 영향을 미쳤다.북부 매너리즘의 다른 중요한 대륙 중심지는 하를렘과 안트베르펜뿐만 아니라 프라하의 루돌프 2세 궁정을 포함합니다.스타일적 범주로서의 매너리즘은 "엘리자벳"과 "제이콥"과 같은 네이티브 라벨이 더 일반적으로 적용되는 영국의 시각 예술과 장식 예술에는 덜 자주 적용된다.17세기 장인 매너리즘은 유럽 [32]대륙의 기존 전례보다는 패턴북에 의존하는 건축에 적용되는 한 가지 예외이다.

특히 주목할 만한 것은 프랑스 스타일의 에로티시즘과 17세기 네덜란드와 플랑드르 회화를 지배했던 바니타스 전통의 초기 버전을 결합한 퐁텐블로의 플랑드르 영향이다.이 시기에 유행한 것은 북쪽에서 온 화가들이 진정으로 국제적인 스타일을 만들기 위해 프랑스와 이탈리아의 작업장에 들어간 것을 묘사한 작은 바고였다.

조각품

그림에서와 같이, 초기 이탈리아 매너리즘 조각은 본질적으로 미켈란젤로를 의미했던 르네상스 전성기의 성취를 능가하는 독창적인 스타일을 찾기 위한 시도였고, 이것을 성취하기 위한 투쟁의 대부분은 다음 피렌체의 광장에 있는 다른 장소들을 채우기 위한 위탁으로 이루어졌다.미켈란젤로의 다비드에게요바치오 반디넬리는 헤라클레스와 카쿠스의 프로젝트를 직접 이어받았지만, 당시엔 지금보다 조금 더 인기가 있었고, 베네누토 셀리니에 의해 "멜론 한 포대"에 악의적으로 비유되었지만, 조각상의 받침대 위에 구호 패널을 도입하는 데는 오랜 효과가 있었다.그와 다른 매너리스트들의 다른 작품들처럼, 그것은 미켈란젤로가 [33]했을 것보다 훨씬 더 많은 원래의 블록을 제거한다.메두사의 머리를 가진 셀리니의 청동 페르세우스는 분명 8개의 화각으로 디자인된 또 다른 매너리즘의 특징인 미켈란젤로와 도나텔로의 [34]다비드와 비교해 인위적으로 양식화된 걸작이다.원래 금세공장이였던 그의 유명한 금과 에나멜 소금 저장고 (1543년)는 그의 첫 번째 조각품이었고 그의 재능을 가장 [35]잘 보여준다.

수집가 캐비닛의 작은 청동 조각상, 종종 나체로 장식된 신화적인 소재는 원래 플랑드르지만 플로렌스에 기반을 둔 잠볼로그나가 세기 후반에 탁월했던 유명한 르네상스 형태였다.그는 또한 실물 크기의 조각품을 만들었는데, 그 중 두 개는 시뇨리아 광장에 소장되었습니다.그와 그의 추종자들은 종종 두 개의 얽힌 형상이 있는 우아하고 길쭉한 피구라 뱀의 예를 모든 [36]각도에서 흥미로웠다.

초기 이론가

피에트로 프랑카빌라, 파이톤을 넘어 아폴로 빅토리우스, 1591년월터스 미술관

조르지오 바사리

조르지오 바사리의 그림 예술에 대한 견해는 그가 여러 권의 "예술가들의 삶"에서 동료 예술가들에게 퍼부은 칭찬에서 나타난다: 그는 그림의 탁월함이 정교함, 발명의 풍부함, 그리고 기교를 통해 표현되는 (마니에라), 그리고 완성품에 나타난 위트와 공부를 필요로 한다고 믿었다.예술가의 지성과 후원자의 감수성을 강조한 테리아그 예술가는 이제 더 이상 지역 세인트 루크 길드의 훈련된 회원이 아니었다.이제 그는 우아함과 복잡함에 대한 감상을 조장하는 풍토에서 학자, 시인, 인문주의자와 함께 궁정에 자리를 잡았다.바사리의 메디치 후원자들의 문장이 마치 그의 초상화 맨 위에 나타나 마치 그의 초상화가 자신의 것인 것처럼 보인다.Vasari's Lives의 목판 이미지 프레임은 영어권 환경에서 "Jacobean"이라고 불릴 것입니다.미켈란젤로의 메디치 무덤은 맨 위에는 반건축적인 "건축적" 특징, 맨 아래에는 종이처럼 뚫린 틀, 맨 아래에는 사티르 누드(satyr nudes)가 영감을 줍니다.그것은 단순한 틀로서 사치스럽다: 한마디로 매너리즘이다.

지안 파올로 로마초

이 시대의 또 다른 문학적 인물은 Gian Paolo Lomazo로, 그는 매너리즘 예술가와 그의 예술에 대한 자의식적인 관계를 정의하는 데 도움을 준 두 개의 작품 - 하나는 실용적이고 다른 하나는 형이상학적 - 을 만들었다.그의 Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architetura (밀란, 1584)는 부분적으로 고대로부터 물려받았지만 매너리즘은 정교하게 표현된 현대적 예의 개념에 대한 지침이다.16세기 후반의 전형적인 보다 형식적이고 학문적인 접근을 나타내는 로마초의 체계적인 미학 성문화는 인테리어 기능과 적절한 페인트와 조각된 장식 사이의 조화를 강조했다.종종 난해하고 난해한 아이콘그래피는 매너리즘 스타일에서 더욱 두드러진 요소이다.그의 덜 실용적이고 더 형이상학적인 아이디어 델 템피오 델라 피투라 (그림의 이상적인 신전, 밀라노, 1590)는 판단과 예술적 발명에 있어서 개성의 역할을 정의하면서 인간의 본질과 성격의 "4가지 기질" 이론에 따라 묘사한다.

매너리즘 시대 작품들의 특징

매너리즘은 르네상스의 [37]미학적 이념과는 크게 다른 반고전주의 운동이었다.매너리즘은 바사리의 [37]저서에 근거해 처음에는 긍정적으로 받아들여졌지만, "자연적 진리의 변화, 자연적 [37]공식의 진부한 반복"으로만 보기 때문에 나중에 부정적인 시각으로 받아들여졌다.예술적 순간으로서 매너리즘은 예술이 어떻게 인식되는지에 대한 실험에 독특하고 특정한 많은 특징들을 포함한다.아래는 매너리즘 화가들이 그들의 작품에 사용할 많은 특정한 특징들의 목록입니다.

  • 형상의 신장: 종종 매너리즘 작품은 인간 형상의 신장성을 특징으로 했습니다.때로는 이것은 매너리즘 예술의 [38]기괴한 이미지에 기여했습니다.
  • 원근법 왜곡: 그림에서 원근법 왜곡은 완벽한 공간을 만들기 위한 이상을 탐구했다.하지만, 완벽하다는 생각은 때때로 독특한 이미지의 창조를 암시했다.왜곡이 탐구된 한 가지 방법은 단축 기술을 통해서였다.극단적인 왜곡을 사용하면 이미지를 [38]거의 해독할 수 없게 됩니다.
  • 블랙 배경: 매너리스트 아티스트들은 극적인 장면을 연출하기 위해 윤곽의 완전한 대비를 보여주기 위해 플랫 블랙 배경을 자주 사용합니다.검은 배경은 또한 [38]주제 내에서 환상의 감각을 창조하는 데 기여했다.
  • 어둠과 빛의 사용: 많은 매너리스트들은 의도적인 조명의 사용을 통해 밤하늘의 정수를 포착하는 데 관심이 있었고, 종종 환상의 장면을 만들어냈다.특히, 극적인 [38]장면을 만들기 위해 횃불과 달빛에 각별한 주의를 기울였다.
  • 조각 형태: 매너리즘은 16세기에 인기를 얻은 조각의 영향을 많이 받았다.그 결과, 매너리스트 예술가들은 종종 조각과 판화를 기준으로 인간의 신체 묘사를 했다.이것은 매너리스트 예술가들이 [38]차원을 창조하는 데 집중할 수 있게 했다.
  • 선의 명확성: 인물들의 깨끗한 윤곽에 주의를 기울인 주의는 매너리즘 내에서 두드러졌고 바로크나 전성기와는 크게 달랐다.그림의 윤곽은 종종 세부에 [38]더 많은 주의를 기울일 수 있게 한다.
  • 구성과 공간: 매너리즘 예술가들은 르네상스의 이상, 특히 원포인트 관점의 기술을 거부했습니다.대신, 대기 효과와 시각 왜곡이 강조되었다.매너리스트에서 공간을 사용하는 것은 대신 다양한 형태와 형상을 가진 특권 있는 혼잡한 구성이나 검은 [38]배경에 중점을 둔 불충분한 구성이다.
  • 매너리즘 운동: 인간의 움직임에 대한 연구에 대한 관심은 종종 매너리즘 예술가들로 하여금 독사적인 자세와 관련된 독특한 형태의 움직임을 표현하게 한다.이러한 위치는 종종 불안정한 움직임 수치 때문에 미래 위치의 움직임을 예측합니다.또한, 이 기술은 예술가의 [38]형태 실험 덕분입니다.
  • 페인팅 액자: 일부 매너리즘 작품에서는 페인팅 액자가 그림의 배경과 조화를 이루도록 사용되었고, 때로는 작품의 전체적인 구성에 기여하기도 했다.이것은 화려한 [38]디테일에 특별한 주의를 기울이는 경우에 널리 퍼져 있습니다.
  • 대기 효과: 많은 매너리스트들은 [38]"부드럽고 흐릿한 윤곽이나 [38]표면의 렌더링"으로 알려진 sfumato 기법을 빛의 흐름을 표현하기 위해 그들의 그림에 사용했습니다.
  • 매너리즘 색: 매너리즘의 독특한 측면은 형태, 구성, 빛의 실험과 더불어 색에도 많은 같은 호기심이 적용되었습니다.블루스, 그린, 핑크, 옐로우의 순수하고 강렬한 색조를 가지고 장난치는 많은 예술 작품들이 있는데, 이것은 때때로 예술 작품의 전체적인 디자인을 떨어뜨리고 다른 때에는 그것을 보완한다.또한, 피부 톤을 바꿀 때, 예술가들은 종종 지나치게 크림과 밝은 안색을 만드는 데 집중하고 [38]종종 파란색의 언더톤을 이용한다.

매너리즘 아티스트와 그 작품 예시

요아힘 브테와엘 페르세우스와 안드로메다, 1616년 루브르, 전면에 뼈와 조개껍질의 바니테와 안드로메다의 볼을 위해 전면에서 팔레트를 빌린 정교한 학구적 나체를 보여주는 작품.용은 중국 동양의 영향을 받은 것 같아요.

야코포 다 폰토모

Jacopo da Pontormo의 작품은 매너리즘에 [39]가장 중요한 공헌 중 하나이다.그는 종종 종교적 서사로부터 주제를 끌어냈다; [39]미켈란젤로의 작품에 크게 영향을 받아, 그는 종종 그의 작품의 [37]모델로 조각 형태를 암시하거나 사용한다.그의 작품에서 잘 알려진 요소 중 하나는 다양한 [37]방향에서 종종 보는 사람을 들여다보는 다양한 인물들에 의한 시선 표현이다.그의 일에 전념한 폰토모는 종종 그것의 품질에 대한 우려를 나타냈고 천천히 그리고 [37]체계적으로 일하는 것으로 알려져 있었다.그의 유산은 아그놀로 브론지노와 같은 예술가들과 후기 매너리즘의 [39]미적 이상에 영향을 미쳤던 것으로 높이 평가된다.

1517년에 [37]그려진 이집트의 폰토모로의 요셉은 요셉이 그의 가족과 다시 연결되는 네 개의 성경 장면에 대한 연속적인 이야기를 그리고 있다.구도 왼쪽에는 요셉이 이집트 파라오에게 가족을 소개하는 장면이 그려져 있다.오른쪽에 있는 요셉은 멀리 있는 길에 있는 다른 인물들과 큰 바위들 외에 그의 주변 구성을 채우고 있는 굴렁이 벤치 위에 타고 있다.이 장면들 위에는 요셉이 그의 아들들을 꼭대기에 있는 어머니에게 인도하는 나선형 계단이 있다.오른쪽에 있는 마지막 장면은 제이콥의 아들들이 [37]근처에서 지켜보는 마지막 단계입니다.

이집트에 있는 폰토모의 요셉은 많은 매너리즘 요소들을 특징으로 한다.한 가지 요소는 캔버스의 대부분을 차지하는 다양한 색조의 분홍색과 파란색과 같은 어울리지 않는 색상을 활용하는 것입니다.매너리즘의 또 다른 요소는 다양한 장면과 공간 사용을 통한 조셉의 이야기에 대한 일관성 없는 시간 처리이다.포노토모는 네 가지 다른 이야기를 포함시킴으로써 어수선한 구성과 전체적인 분주함을 만들어낸다.

로소 피오렌티노와 퐁텐블로 학교

안드레아 델 사토의 스튜디오에서 폰토모의 동료 제자로 있던 로소 피오렌티노는 1530년 피렌체 매너리즘을 퐁텐블로 가져와 퐁텐블로 학파로 알려진 16세기 프랑스 매너리즘의 창시자 중 한 명이 되었다.

퐁텐블로에서의 풍부하고 정신없는 장식 양식의 예는 판화를 매개로 안트베르펜과 거기서부터 런던부터 폴란드에 이르는 북유럽 전역에 이탈리아 양식을 전파했다.매너리즘 디자인은 은이나 조각 가구와 같은 사치품으로 확장되었다.정교한 상징성과 우화로 표현된 긴장감, 절제된 감정, 긴 비례로 특징지어지는 여성미의 이상 등이 이 스타일의 특징이다.

아그놀로 브론지노

높은 매너리즘:브론지노의 비너스, 큐피드, 어리석음, 시간, 1545년경; 런던 국립미술관.

아그놀로 브론지노는 폰토모의 [40]제자로, 그의 스타일은 매우 영향력이 있었고 많은 [40]예술작품의 속성을 알아내는 면에서 종종 혼란스러웠다.그의 경력 동안, 브론지노는 바사리와 함께 작품 "마법사의 희극"의 세트 디자이너로서 많은 [40]초상화를 그렸다.브론지노의 작품은 구원을 받았고, 그는 [40]1539년 메디치 가문의 궁정 화가가 되었을 때 큰 성공을 누렸다.브론지노의 작품에서 독특한 매너리즘의 특징은 유백색의 [40]안색을 표현했다는 것이다.

그림, 비너스, 큐피드, 어리석음, 시간에서 브론지노는 보는 이로 하여금 대답보다 더 많은 의문을 갖게 하는 에로틱한 장면을 묘사한다.앞에서는 큐피드와 비너스가 거의 키스전을 벌이다가 들킨 듯 멈춘다.이 두 사람 위에는 신화 속 인물들, 오른쪽은 시간 신부, 왼쪽은 밤의 여신상을 드러내기 위해 커튼을 친다.이 작품은 또한 소녀와 뱀의 특징들로 구성된 잡종 동물인 탈과 고통에 시달리는 한 남자의 모습을 담고 있다.매독의 위험성을 전달하거나 법정 [41]놀이로 기능했다는 등 많은 이론이 있다.

브론지노의 매너리즘 초상화는 평온한 우아함과 세세한 부분까지 세심하게 신경을 쓴다는 점이 특징이다.그 결과, 브론지노의 시터들은 냉담함과 관객과의 감정적 거리를 나타낸다는 평을 받고 있다.또한 풍부한 직물의 정확한 패턴과 광택을 포착하는 데 뛰어난 집중력이 있습니다.구체적으로, 비너스, 큐피드, 어리석음, 그리고 시간 속에서 브론지노는 매너리즘 운동, 디테일에 대한 주의, 색채, 그리고 조각적 형태를 이용한다.매너리즘 운동의 증거는 큐피드와 비너스의 어색한 움직임에서 두드러지는데, 그들은 몸을 부분적으로 끌어안기 위해 일그러뜨리기 때문이다.특히 브론지노는 조각의 부드러움을 나타내는 근육의 부드러운 소실과 함께 완벽한 백자로 여러 형태의 안색을 그린다.

알레산드로 알로리

알레산드로 알로리의 (1535–1607) 수잔나와 장로들 (아래)은 복잡한 왜곡된 구성에서 잠재된 에로티시즘과 의식적으로 빛나는 정물 생활 디테일로 구별된다.

야코포 틴토레토

자코포 틴토레토, 최후의 만찬

야코포 틴토레토는 티티안의 유산 이후 베네치아 회화에 대한 그의 매우 다른 공헌으로 알려져 있다.그의 이전 작품들과 크게 달랐던 그의 작품은 바사리로부터 "환상적이고 사치스럽고 기괴한 [42]스타일"이라는 비판을 받았다.그의 작품에서, 틴토레토는 종종 판타지의 요소들을 포함하고 [42]자연주의를 유지하는 예술작품을 만들었기 때문에, 그를 베네치아 회화의 고전적인 개념으로부터 멀어지게 한 매너리즘 요소들을 채택했다.틴토레토 작품의 다른 독특한 요소로는 거친 붓놀림을[42] 정기적으로 사용하여 색채에 대한 그의 관심과 [42]착각을 일으키기 위한 안료 실험 등이 있다.

매너리즘의 특징과 연관된 예술품은 최후의 만찬이다; 그것은 1591년 [42]미켈레 알라바르디에 의해 산 조르지오 마조레에 의뢰되었다.틴토레토의 최후의 만찬에서, 그 장면은 구성의 오른쪽에 있는 사람들의 각도에서 묘사된다.그림의 왼쪽에는 그리스도와 사도들이 식탁의 한 면을 차지하고 유다는 제외된다.어두운 공간 안에는 몇 개의 광원이 있다; 한 개의 광원은 예수의 후광과 탁자 위에 매달린 횃불에 의해 방출된다.

라스트 디너(최후의 만찬)는 독특한 구성 속에서 매너리즘의 특징을 묘사하고 있다.틴토레토가 활용하는 특징 중 하나는 검은색 배경이다.원근법을 통해 내부 공간을 어느 정도 암시하고 있지만, 구도의 가장자리는 대부분 그림자에 가려져 있어 최후의 만찬의 중심 장면에 드라마를 제공한다.또한, 틴토레토는 특히 예수의 후광과 테이블 위에 매달린 횃불과 함께 빛으로 스포트라이트 효과를 활용합니다.틴토레토가 채용하고 있는 세 번째 매너리즘의 특징은, 연기와 플로트 형상의 대기 효과입니다.

엘 그레코

엘 그레코는 종교적 감정을 과장된 특성으로 표현하려고 시도했다.고대 르네상스에서 인간 형태의 사실적인 묘사와 원근법의 숙달 이후, 일부 예술가들은 감정과 예술적 효과를 위해 비합리적이고 비합리적인 공간에서 의도적으로 비율을 왜곡하기 시작했다.엘 그레코는 여전히 매우 독창적인 예술가이다.그는 현대 학자들에 [7]의해 전통적인 학파에 속하지 않을 정도로 개성적인 예술가라는 특징이 있다.엘 그레코에서 매너리즘의 주요 측면은 거슬리는 "산" 팔레트, 길고 고통스러운 해부학,[43][44] 비이성적인 원근법과 빛, 그리고 모호하고 골치 아픈 도상학이다.엘 그레코의 스타일은 그의 그리스 유산을 바탕으로 한 독특한 발전의 정점이었고 스페인과 [45]이탈리아를 여행했다.

엘 그레코의 작품은 베네치아의 [45]색채뿐만 아니라 카라바지오와 파르미지아니노의 영향뿐만 아니라 비잔틴적 요소를 포함한 많은 스타일을 반영하고 있다.중요한 요소 중 하나는 색채에 대한 그의 관심이 그의 그림의 [46]가장 중요한 측면 중 하나라고 여겼다는 것이다.엘 그레코는 콜레지오 데 라 엔카르나시온 [45]데 마드리드와 같은 곳에서 중요한 임무를 완수하면서 높은 수요를 유지하였다.

엘 그레코, 라오콘 (1610–1614), 국립미술관

엘 그레코 특유의 화풍과 매너리즘적 특징과의 연관성은 라오콘 작품에서 특히 두드러진다.1610년에 [47]그려진 이 작품은 그리스인들이 미네르바 여신에게 화해를 제의한 목마의 위험에 대해 트로이인들에게 경고한 라오콘의 신화적인 이야기를 묘사하고 있다.그 결과 미네르바는 라오콘과 그의 두 아들을 죽이기 위해 뱀을 소환함으로써 복수를 했다.트로이를 배경으로 하는 대신, 엘 그레코는 "현대 [47]세계와의 관련성을 끌어냄으로써 이야기를 보편화하기 위해" 스페인의 톨레도 근처에 그 장면을 배치했다.

엘 그레코의 독특한 라오콘 스타일은 많은 매너리즘의 특징들을 보여준다.구성 전반에 걸쳐 많은 인간 형상의 연장이 널리 퍼져 있으며, 우아함을 느끼게 하는 뱀의 움직임과 함께 있다.매너리즘 스타일의 또 다른 요소는 엘 그레코가 흐릿한 하늘과 배경의 흐릿한 풍경을 만들어내는 대기 효과입니다.

벤베누토 셀리니

Benvenuto Cellini는 1540년에 불편한 위치에 긴 비율로 놓인 포세이돈과 암피트라이트(물과 흙)를 특징으로 하는 금과 에나멜로 된 셀리니 소금 저장고를 만들었습니다.그것은 매너리즘 조각의 걸작으로 여겨진다.

라비니아 폰타나(1552–1614)의 미네르바 드레싱(1613).갤러리아 보르헤세, 로마

라비니아 폰타나

라비니아 폰타나(1552–1614)는 서유럽 [48]최초의 여성 직업 예술가로 종종 알려진 매너리스트 초상화 작가였다.그녀는 [49]바티칸에서 평범한 초상화 작가로 임명되었다.그녀의 화풍은 카라치 가문의 화가들의 영향을 받은 것이 특징입니다.그녀는 귀족 여성의 초상화와 당대 [50]여성으로는 보기 드문 누드상의 묘사로 잘 알려져 있다.

타데오 주카로(또는 주카리)

타데오 주카로는 우르비노 인근 바도의 산탄젤로에서 거의 알려지지 않은 화가 오타비아노 주카리의 아들로 태어났다.1540년 경에 태어난 그의 형 페데리코 또한 화가이자 건축가였다.

페데리코 주카로(또는 주카리)

페데리코 주카로는 1550년 그의 형 타데오 밑에서 일하기 위해 로마로 이주하면서 화가로서의 문서화된 경력을 시작했다.그는 비오 4세의 장식을 완성했고 카프라롤라의 파르네세 빌라에서 프레스코 장식을 완성하는 것을 도왔다.1563년과 1565년 사이에, 그는 산타 마리아 포르모사의 그리마니 가족과 함께 베니스에서 활동했습니다.그의 베네치아 시대 동안, 그는 프리울리의 팔라디오와 함께 여행했다.

요아힘 브테와엘

요아힘 브테와엘 (1566–1638)은 바로크 예술의 도래를 무시한 채 생이 끝날 때까지 북부 매너리즘 스타일로 그림을 계속 그렸고, 아마도 그를 여전히 작업 중인 마지막 중요한 매너리즘 화가로 만들었다.그의 주제는 피에터 에르트센과 같은 정물화가 있는 큰 장면과 신화적인 장면, 구리에 아름답게 그려진 많은 작은 캐비닛 그림, 그리고 대부분 나체화를 포함했다.

주세페 아르킴볼도

주세페 아르킴볼도는 정물과 초상화를 [51]접목한 그의 작품으로 가장 잘 알려져 있다.그의 스타일은 과일과 채소의 조합 스타일을 가진 매너리즘으로 간주되며, 그 구성은 오른쪽 위아래로 [51]다양하게 묘사될 수 있다.아르킴볼도의 작품은 르네상스 [51]작품과 같은 심각성을 지니지 못하기 때문에 관객들에게 전달되는 유머 측면에서도 매너리즘에 적용되었다.문체적으로, 아르킴볼도의 그림은 자연에 대한 관심과 "괴물 같은 모습"[51]의 개념으로 알려져 있다.

다양한 매너리즘의 특징을 담고 있는 아르킴볼도의 그림 중 하나는 베르툼누스이다.검은 바탕에 그려진 것은 루돌프 2세의 초상화인데, 그의 몸은 다양한 야채,[51] 꽃, 과일로 구성되어 있다.이 그림의 농담은 루돌프 2세 황제가 자신의 대중적 [51]이미지 뒤에 어두운 내면을 숨기고 있다는 권력의 유머를 전달한다.반면에, 이 그림의 진지한 톤은 그의 [51]통치 기간 동안 유행했던 행운을 암시한다.

Vertumnus는 구성 및 메시지 측면에서 다양한 매너리즘 요소를 포함하고 있습니다.한 요소는 아르킴볼도가 황제의 신분과 정체성을 강조하기 위해 사용하는 평평하고 검은 배경이며, 그의 통치의 환상을 강조하기 위해서이다.루돌프 2세의 초상화에서 아르킴볼도는 또한 르네상스의 자연주의적 표현에서 벗어나 뒤죽박죽인 과일, 채소, 식물, 꽃으로 구성 구성을 탐구한다.이 그림이 묘사하는 매너리즘의 또 다른 요소는 농담과 진지한 메시지의 이중적인 묘사이다. 유머는 르네상스 미술품에서 일반적으로 사용되지 않았다.

매너리즘 아키텍처

네덜란드 할렘의 Vleeshal
베르나르도 모란도가 설계한 폴란드 자모이치의 시청.

매너리즘 건축은 르네상스 [52]규범에 도전하는 시각적 속임수와 예상치 못한 요소들로 특징지어졌습니다.많은 플랑드르 예술가들은 이탈리아를 여행했고 그곳의 매너리즘 발전에 영향을 받았고,[53] 매너리즘 경향을 건축의 영역을 포함한 알프스 산맥 이북의 유럽으로 확산시키는 데 책임이 있었다.이 기간 동안 건축가들은 견고하고 공간적인 관계를 강조하기 위해 건축 형태를 사용하는 실험을 했다.르네상스 시대의 화음 이상은 보다 자유롭고 상상력이 풍부한 리듬으로 바뀌었다.매너리즘 양식과 관련된 가장 잘 알려진 건축가이자 로랑스 도서관의 선구자는 미켈란젤로였다.[54]그는 파사드의 [55]바닥에서 꼭대기까지 뻗어 있는 거대한 필라스터인 거대한 질서를 발명한 것으로 알려져 있다.그는 이것을 로마의 캄피돌리오 광장을 위한 그의 디자인에 사용했다.헤레리아 건축 양식(스페인어: 에틸로 헤레리아노 또는 아르키텍투라 헤레리아나)은 16세기 후반 펠리페 2세(1556–1598)[56]의 통치 기간 동안 스페인에서 개발되어 17세기에도 계속 사용되었지만, 그 시대의 바로크 양식으로 변형되었다.스페인 르네상스 건축의 3단계이자 마지막 단계로, 초기 플라테레스케에서 16세기 2/3세기 고전 청교도, 헤레리아 양식을 도입한 토탈 누드 장식으로 진화했다.

20세기 이전에는 매너리즘이라는 용어가 부정적인 의미를 내포하고 있었지만, 지금은 좀 더 일반적이고 비판적이지 않은 [57]용어로 역사적 시기를 묘사하는 데 사용되고 있다.매너리즘 건축은 또한 1960년대와 1970년대 모더니즘 건축의 규범을 깨는 동시에 그들의 [58]존재를 인식하는 것을 수반하는 트렌드를 묘사하는 데 사용되어 왔다.이런 맥락에서 매너리즘을 정의하면서 건축가이자 작가인 로버트 벤추리는 "원래의 표현보다는 전통적인 질서를 인정하지만 복잡성과 모순을 수용하기 위해 기존의 질서를 깨고 모호하지 [58]않은 우리 시대의 건축을 위한 매너리즘"이라고 썼다.

르네상스 시대의 예

매너리즘 건축의 한 예는 로마 외곽의 험준한 시골에 있는 카프라롤라의 [59]빌라 파르네세입니다.16세기 동안 판화가들의 확산은 이전의 어떤 스타일보다 매너리즘 스타일을 빠르게 확산시켰다.

콜디츠 성의 전시 출입구는 "로맨" 디테일의 장식들로 빽빽하게 장식되어 있으며, 외딴 "세트피스"[citation needed]로 꾸며져 있는 것이 특징입니다.

1560년대 후반부터 몰타의 새로운 수도 발레타의 많은 건물들은 건축가 지롤라모 카사르에 의해 매너리즘 스타일로 설계되었다.그러한 건물에는 세인트루이스가 포함된다. 존의 공동 대성당, 그랜드마스터 궁전, 그리고 7개의 오리지널 오베르쥬.카사르의 많은 건물들은 특히 바로크 시대에 수년에 걸쳐 개조되었다.하지만, 오베르주 다라곤과 세인트 아라곤의 외관과 같은 몇몇 건물들.John's Co-Cathedeal은 여전히 Cassar의 독창적인 [60]매너리즘 디자인을 대부분 보유하고 있습니다.

문학과 음악의 매너리즘

다음 항목도 참조하십시오.형이상학적 시인

영국 문학에서 매너리즘은 가장 유명한 존 [62]던인 메타피지컬 시인의 자질과 공통적으로 동일시된다.바로크 작가 존 드라이든의 위트 있는 샐리는 이전 세대의 돈느의 시구에 반하여 바로크와 매너리즘의 예술적 목표 사이의 간결한 대조를 제공합니다.

그는 풍자뿐 아니라 자연이 지배해야 할 그의 애정적인 시에서도 형이상학에 영향을 미치고, 아름다운 성의 마음을 사로잡고 사랑의 [64]: 15 부드러움으로 즐겁게 해야 할 때 철학에 대한 멋진 추측으로[63] 혼란스럽게 한다.

16세기 후반과 17세기 초반의 시에서 풍부한 음악적 가능성은 팀 카터에 의해 논의된 바와 같이 이탈리아 음악 문화에서 뛰어난 음악 형태로 빠르게 두각을 나타낸 마디갈에게 매력적인 기초를 제공했다.

특히 귀족적인 모습을 한 마드리갈은 분명 매너리즘의 '스타일리 스타일'을 위한 매개체였고,[65] 시인과 음악가들은 감식가를 기쁘게 하기 위해 재치 있는 자만과 다른 시각적, 언어적, 그리고 음악적 묘기를 즐겼다.

매너리즘이라는 단어는 또한 14세기 [66]후반 프랑스에서 만들어진 매우 화려하고 복잡한 폴리포닉 음악의 스타일을 묘사하기 위해 사용되어 왔다.이 기간은 일반적으로 ars 서브틸리어라고 불립니다.

매너리즘과 연극

얼리 Commedia 델'Arte(1550–1621) : Paul Castagno의 매너리즘 컨텍스트는 매너리즘이 현대 프로 [67]연극에 미치는 영향에 대해 논한다.Castagno's는 연극 형식을 매너리즘과 마니에라의 어휘를 사용하여 만화 dell'arte의 유형화, 과장 및 효율 meraviglioso를 논의한 최초의 연구였다.Commedia dell'arte의 매너리즘 특성에 대한 자세한 내용은 위의 책 제II부를 참조하십시오.이 연구는 대체로 아이콘적인 것으로, 통신 이미지를 그리거나 인쇄한 많은 예술가들이 사실 당시의 작업장에서 나온 것으로, 마니에라 전통에 깊이 빠져 있었다는 그림적인 증거를 제시한다.

Jacques Callot의 세밀한 조각에 있는 선입견은 훨씬 더 큰 규모의 행동을 부정하는 것처럼 보인다.칼로의 발리 디 스페사니아는 돌출된 팔리, 희극의 기대와 함께 포즈를 취한 창, 그리고 야수와 인간을 혼합한 엄청나게 과장된 가면과 함께 코메디아의 노골적인 에로티시즘을 축하한다.가슴을 드러내는 것, 즉 과도한 베일을 포함한 연인들의 에로티시즘은 특히 프랑코-플랑드르의 영향을 감지하는 퐁텐블로 제2학교의 그림과 판화에서 꽤 유행했다.Castagno는 풍속화와 이 연극적 형식이 후기 [68]신케센토의 문화적 전통에 어떻게 포함되어 있었는지를 보여주는 Commedia dell'arte의 인물들 사이의 아이콘적 연결을 보여준다.

Commedia dell'arte, disgno interno 및 discordia concors

매너리즘 회화의 병적(disgno interno)을 대체한 병적(disgno interno) 사이에는 중요한 인과관계가 존재한다.매우 주관적인 관점을 대체적인 성질 또는 확립된 원칙(예를 들어 관점)으로 투영하는 이 개념은 본질적으로는 객체에서 그 주제에 대한 강조를 벗어나 실행, 기교 또는 독특한 기술을 강조합니다.이러한 내면의 비전은, 커뮤니케이션 퍼포먼스의 핵심입니다.예를 들어, 즉흥 연기의 순간에 배우는 형식적인 경계, 예절, 통일성 또는 텍스트에 신경 쓰지 않고 그의 기교를 표현한다.아를레치노는 매너리즘의 불화(반대파의 연합)의 상징이 되었고, 한순간에 그는 온화하고 친절하게 행동하다가 갑자기 그의 전투로 난폭하게 행동하는 도둑이 되었다.아를레치노는 다음 박자에서만 우아한 움직임을 보일 수 있어 발을 헛디딜 수 있었다.외부의 규칙에서 벗어나서, 그 배우는 당시의 진부함을 축하했다; 마치 벤베누토 셀리니가 그의 조각품을 휘장하고, 조명 효과와 놀라운 감각으로 그것들을 공개함으로써 그의 고객들을 현혹시켰던 것처럼.오브젝트의 프레젠테이션은 오브젝트 자체만큼이나 중요해졌다.

신매너리즘

20세기에 네오 매너리즘의 발흥은 예술가 어니 반즈로부터 비롯되었다.이 스타일은 유대인 공동체와 흑인 공동체의 영향을 많이 받아 1972년에서 1979년 사이에 "게토의 아름다움" 전시회로 이어졌다.이 전시회는 미국의 주요 도시들을 순회했으며, 고위 인사, 프로 운동선수, 유명인사들이 주최했다.1974년 워싱턴 DC의 아프리카 미술관에서 전시가 열렸을 때, 존 코니어스 의원은 의회 기록에 전시의 중요한 긍정적인 메시지를 강조했다.

반스에 의해 개발된 네오 매너리즘의 스타일은 긴 팔다리와 몸을 가진 대상과 과장된 움직임을 포함한다.또 다른 공통 주제는 피실험자의 눈을 감는 것으로, "우리가 서로의 [69]인간성에 대해 얼마나 맹목적인가"를 시각적으로 표현했다.우리는 서로를 보고 즉시 결정을 내린다.이 사람은 흑인이니까...이 사람은 가난하게 살고 있으니..."

네오 매너리즘과 극장 & 시네마

인터뷰에서 영화감독 피터 그리너웨이는 페데리코 펠리니와 빌 비올라를 데이터베이스의 형태와 그것들을 영화적으로 구성하는 다양한 유사하고 디지털 인터페이스 사이의 풀리지 않는 긴장과 함께 그의 철저하고 자기반성적인 플레이에 대한 두 가지 큰 영감으로 언급했습니다.이 연극은 네오 바로크와는 정확히 구별되는 한 네오 매너리스트라고 할 수 있다: "로마 가톨릭이 당신에게 천국과 천국을 제공하듯이, 서구 영화와 관련된 전체 자본주의 효과에 의해 동등한 상업적 낙원이 제공되고 있다.이것은 멀티미디어를 정치적 무기로 사용하는 것에 대한 저의 정치적 비유입니다.어떤 의미에서는 위대한 바로크식 반개혁, 그 문화활동과 지난 70년 [70]동안 미국 영화가 주로 해 온 일을 동일시하고 싶습니다."

비판

미술평론가 제리 솔츠에 따르면, "신매너리즘"은 "예술계의 [71]삶을 억압하는" 진부한 표현들 중 하나이다.네오 매너리즘은 21세기 미술을 묘사하는데, 그들의 스승들이 "놀라게 하고, 유순하고, 모방하고,[71] 평범하게 만들었다"는 것이다.

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메모들

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  • 피넬리, 안토니오1993년 '라 벨라 마니에라' : 예술가 '신케센토 트라 레골라 에 리첸자'토리노: Piccola biblioteca Einaudi.ISBN 88-06-13137-0
  • 사이퍼, 와일리, 1955년르네상스 스타일의 4단계: 예술과 문학의 변화, 1400-1700. 뉴욕 가든 시티:더블데이르네상스, 매너리즘, 바로크, 후기 바로크의 고전적 분석.
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외부 링크

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