낭만음악

의 주요 시대 서양 고전 음악
초기음악
중세의 c. 500–1400 르네상스로의 전환 르네상스 c. 1400–1600 바로크로의 이행
공통실무기간
바로크 c. 1600–1750 클래식으로의 전환 고전적인 c. 1730–1820 로맨틱으로의 전환 로맨틱 c. 1800–1910 모더니즘으로의 이행
Neue Musik (20세기 & 21세기)
모더니즘 c. 1890–1975 • 인상주의 • 표현주의 • 신고전주의 컨템포러리 1950년부터
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낭만주의 음악은 흔히 낭만주의 시대(또는 낭만주의 시대)라고 불리는 19세기와 관련된 서양 고전 음악의 양식적인 움직임입니다. 그것은 1798년경부터 1837년까지 서양 문화에서 두드러졌던 지적, 예술적, 문학적 운동인 낭만주의의 더 넓은 개념과 밀접한 관련이 있습니다.^[1]

낭만주의 작곡가들은 낭만주의 문학, 시, 예술 및 철학의 움직임 내에서 더 넓은 경향을 반영하여 개인주의적이고 감정적이며 극적이며 종종 프로그램적인 음악을 만들기를 추구했습니다. 낭만주의 음악은 종종 자연,^[2] 문학,^[2] 시,^[2] 초자연적 요소 또는 예술과 같은 비음악적 자극에 의해 표면적으로 영감을 받았습니다. 색도가 증가하고 전통적인 형태에서 멀어지는 등의 특징이 포함되었습니다.^[3]

배경

낭만주의 운동은 18세기 후반 유럽에서 시작되어 산업혁명에 대응하여 강화된 예술적, 문학적, 지적 운동이었습니다.^[4] 부분적으로는 계몽주의 시대의 사회적, 정치적 규범에 대한 반란이자 자연의 과학적 합리화에 대한 반동이었습니다(Casey 2008). 그것은 시각예술, 음악, 문학,^[5] 교육에서 가장 강하게 구현되었고,^[6] 자연사의 발전에 의해 영향을 받았습니다.^[7]

이 용어가 음악에 처음으로 중요하게 적용된 것 중 하나는 1789년 프랑스인 앙드레 그레트리(André Grétry)의 메무아레스(Mémoires)에 있었지만, 그것은 E였습니다. 음악적 낭만주의의 원칙을 확립한 T. A. 호프만은 1810년에 출판된 루트비히 판 베토벤의 5번 교향곡에 대한 장황한 리뷰와 베토벤의 기악곡에 대한 1813년 기사에서. 이 에세이들 중 첫 번째에서 호프만은 음악적 낭만주의의 시작을 하이든과 모차르트의 후기 작품들로 추적했습니다. 음악, 특히 기악 음악을 감정 표현에 가장 적합한 예술로서 낭만주의에서 우월한 위치로 끌어올린 것은 고전주의 모델의 구속과 형식에 반대하여 사용된 "낭만"이라는 용어와 이미 연관된 아이디어의 융합이었습니다. 독일 음악이 음악적 낭만주의의 중심에 서게 된 것도 호프만을 비롯한 독일 작가들의 글을 통해서였습니다.^[8]

특성들

고전 시대는 종종 짧고 심지어 단편적인 주제 자료를 사용한 반면, 낭만주의 시대는 더 길고, 완전히 정의되며, 감정적으로 더 많은 주제를 사용하는 경향이 있었습니다.^[9]

낭만주의에 기인하는 특성:

• 자연에 대한 새로운 선취와 항복;^[10]
• 종교적이고 세속적인 신비와 초자연적인 것을 향한 전환;^[11]
• 야행성, 귀신, 무서운 것, 무서운 것에 초점을 맞춥니다.^[12]
• 국가 정체성에 대한 새로운 관심;^[10]
• 음악적 공식과 관습에 대한 불만.^[10]
• 음악적 흥미를 유지하기 위해 멜로디를 더욱 강조합니다.^[13]
• 색도 증가;^[10]
• 전통적인 우성이 아닌 강조에서 하위 우성 또는 대체 키로의 이동과 더 정교한 고조파 진행의 사용에 기초한 고조파 구조(Wagner와 Listt는 실험적 진행으로 유명함).^[10]
• 이 시기에는 크고 웅장한 오케스트라가 흔했습니다.^[10]
• 오케스트레이션에 포함된 가상 플레이어의 증가.^[10]
• 전통적인 클래식 장르와 함께 노래 사이클, 녹턴, 콘서트 에튜드, 아라베스크 및 랩소디와 같은 새로운 또는 이전에는 그렇게 흔하지 않았던 음악 구조를 사용합니다.^[13]
• 프로그램 음악은 다소 보편화되었습니다.^[13]
• 예를 들어, 대규모 오케스트라에 의해 지원되는 ppp에서 fff(피아니시모, 또는 매우 조용함에서 매우, 매우, 매우, 매우 큰 소리로)까지 더 넓은 범위의 역동성 사용.^[10]
• 더 큰 음역대(^[10]예: 피아노의 최저음과 최고음을 사용);

음악에서는 베토벤의 죽음 이후 음악적 구조와 형식에 있어서 비교적 명확한 구분선이 존재합니다. 베토벤을 "로맨틱한" 작곡가라고 부르든 아니든, 그의 작품의 폭과 힘은 고전 소나타 형식과 교향곡, 소나타, 현악 4중주의 구조가 고갈되었다는 느낌을 갖게 했습니다.^[14]

19세기의 흐름

비음악적 영향

생각, 태도, 발견, 발명, 역사적 사건과 같은 사회의 사건과 변화는 종종 음악에 영향을 미칩니다. 예를 들어, 산업혁명은 18세기 말과 19세기 초에 완전히 발효되었습니다. 이 사건은 음악에 지대한 영향을 미쳤습니다: 대부분의 목관악기와 금관악기에 의존하는 기계적인 판막들과 건반들의 주요한 개선들이 있었습니다. 새롭고 혁신적인 악기는 더 쉽게 연주할 수 있고 더 신뢰할 수 있습니다.^[15]

음악에 영향을 준 또 다른 발전은 중산층의 증가였습니다.^[2] 이 시기 이전의 작곡가들은 귀족들의 후원 아래 살았습니다. 많은 경우 그들의 청중은 작았고, 주로 상류층과 음악에 대해 잘 아는 사람들로 구성되었습니다.^[15] 반면에 낭만주의 작곡가들은 대중 콘서트와 축제를 위해 종종 글을 썼고, 유료 고객의 많은 청중들은 반드시 음악 수업을 받지 않았습니다.^[15] 엘가와 같은 낭만주의 시대의 작곡가들은 "음악적 취향의 분리가 없어야 한다"^[16]는 것과 "듣게 될 음악을 작곡하는 것이 목적"이라는 것을 세상에 보여주었습니다.^[17]

"Romantic [작곡가들에 의해 작곡된 음악]은 이전의 음악 작곡 수단보다 한 사람으로서의 작곡가의 기술에 더 중점을 두고 덜 제한적인 방식으로 작곡됨으로써 "개인의 중요성"을 반영했습니다.^[2]

민족주의

낭만주의 시대 동안, 음악은 종종 훨씬 더 민족주의적인 목적을 띠었습니다. 작곡가들은 모국과 전통을 대표하는 독특한 사운드로 작곡했습니다. 예를 들어, 장 시벨리우스의 핀란드는 언젠가 러시아의 지배로부터 독립할 핀란드의 떠오르는 국가를 대표하는 것으로 해석되어 왔습니다.^[18]

프레데릭 쇼팽은 그의 작곡에 민족주의적인 요소를 포함시킨 최초의 작곡가들 중 한 명이었습니다. 요제프 말리스(Joseph Machlis)는 "폴란드의 차르 통치로부터의 자유를 위한 투쟁은 폴란드의 민족 시인을 자극했습니다. 낭만주의 시대의 산출물에는 음악적 민족주의의 예들이 많이 있습니다. 민간의 고사성어는 쇼팽의 마주르카스에서 두드러집니다."^[19] 그의 마주르카와 폴로네이즈는 특히 민족주의 리듬을 사용하는 것으로 유명합니다. 게다가, "제2차 세계 대전 동안 나치는 ...의 연주를 금지했습니다. 쇼팽의 폴로네이즈는 이 작품들에 존재하는 강력한 상징성 때문입니다."^[19]

베드 ř리히 스메타나와 같은 다른 작곡가들은 그들의 고국을 음악적으로 묘사한 작품들을 썼습니다. 특히 스메타나의 블타바는 현대 체코의 몰다우 강에 관한 교향시로, 마블라스트(Mavlast, 나의 조국)라는 제목의 민족주의 교향시 6편 중 두 번째 주기입니다.^[20] 스메타나는 또한 8개의 민족주의 오페라를 작곡했는데, 이 오페라들은 모두 레퍼토리에 남아있습니다. 그들은 그를 최초의 체코 민족주의 작곡가이자 1860년대에 두각을 나타낸 세대의 가장 중요한 체코 오페라 작곡가로 인정했습니다.^[21]

역사

얼리 로맨틱

비엔나 고전주의에서 낭만주의로의 전환은 루트비히 판 베토벤의 작품에서 찾아볼 수 있습니다. 그의 작품에는 처음으로 낭만적인 요소들이 많이 등장합니다. 이 작품들은 성악과 대조적으로 여기에 서 있으며 "예쁜" 기악곡입니다. 호프만에 따르면, 빈 고전 음악, 특히 베토벤의 순수한 기악 음악은 재료나 프로그램으로부터 자유롭기 때문에 낭만주의 예술 사상의 구현입니다.^[22] 초기 낭만주의의 가장 중요한 대표적인 인물 중 하나는 프란츠 슈베르트입니다. 왜냐하면 그와 함께만 낭만적인 특징들이 그의 실내악 작품들과 나중에 교향곡들과 함께 독일어 오페라에 들어왔기 때문입니다. 이 분야에서는 칼 로에(Carl Loewe)의 발라드로 그의 작품을 보완하고 있습니다. 칼 마리아 폰 베버는 특히 그의 인기 있는 프라이슈츠와 함께 독일 오페라의 발전에 중요합니다. 게다가, 하인리히 마르슈너의 환상적인 공포의 자료들과 마지막으로 알베르 로르칭의 경쾌한 오페라가 있는데, 반면 루이 스포르는 주로 기악곡으로 알려지게 되었습니다. 여전히 주로 클래식 음악에 애착을 가지고 있는 것은 요한 네포무크 훔멜, 페르디난드 리스 그리고 프랑스인 조지 온슬로우의 작품입니다.

이탈리아는 초기 낭만주의 시대에 조아치노 로시니, 가에타노 도니제티, 빈센조 벨리니의 이름과 관련된 벨칸토 오페라의 전성기를 경험했습니다. 로시니의 코믹 오페라는 오늘날 주로 그들의 열광적인 서곡을 통해서만 알려져 있지만, 도니제티와 벨리니는 비극적인 내용을 지배합니다. 이 시기의 가장 중요한 이탈리아 기악 작곡가는 전설적인 "악마의 위반" 니콜 ò 파가니니였습니다. 프랑스에서는, 한편으로는, 빛인 오페라 코미크가 발전했고, 그 대표는 프랑수아-아드리앙 보이디외, 다니엘-프랑수아-에스프리 오베르, 그리고 아돌프 아담인데, 후자는 발레로도 유명합니다. 유명한 괴짜 작곡가이자 하프 연주자인 로버트 니콜라스-찰스 보흐사 (7개의 오페라)를 인용할 수도 있습니다. 게다가, 대오페라단은 웅장한 무대 세트, 발레, 그리고 큰 합창단을 생각해 냈습니다. 그녀의 첫 번째 대표는 가스파레 인스폰티니였는데, 그녀의 가장 중요한 지아코모 마이어비어였습니다.

음악 발전은 이제 다른 유럽 국가들에서도 상승세를 탔습니다. 아일랜드인 존 필드는 피아노를 위한 최초의 녹턴을 작곡했고, 프리드리히 쿨라우는 덴마크에서 작업했고, 스웨덴인 프란츠 베르발트는 4개의 매우 독특한 교향곡을 작곡했습니다.

하이로맨틱

높은 낭만주의는 두 단계로 나눌 수 있습니다. 첫 번째 단계에서 실제 낭만적인 음악은 절정에 이릅니다. 폴란드 작곡가 프레데릭 쇼팽은 그의 캐릭터 작품과 피아노를 위한 춤에서 이전에 알려지지 않은 감정의 깊이를 탐구했습니다. 삶의 마지막에 정신적으로 몰입한 로버트 슈만은 음악에서뿐만 아니라 비극에 그림자가 드리운 열정적인 낭만주의 예술가의 원형을 거의 직접적으로 나타냅니다. 그의 독특한 피아노 작품들, 실내악 작품들 그리고 교향곡들은 다음 세대의 음악가들에게 지속적인 영향을 미칠 것입니다.

헝가리의 독일계 소수민족 출신인 프란츠 리스트는 한편으로는 붐비는 피아노 거장이었지만, 다른 한편으로는 조화롭게 대담한 교향시로 진보적인 '신독일학파'의 기틀을 마련하기도 했습니다. 또한 프랑스인 헥토르 베를리오즈(Hector Berlioz)의 이디 픽세(Leitmotif)의 기술도 프로그램 음악에 전념했습니다. 펠릭스 멘델스존은 다시 고전주의 공식 언어를 지향했고 데인 닐스 빌헬름 가데와 같은 스칸디나비아 작곡가들의 롤모델이 되었습니다. 오페라에서, 오토 니콜라이와 프리드리히 폰 플로토우의 오페라는 리하르트 바그너가 그의 첫 낭만적인 오페라를 썼을 때 여전히 독일에서 지배적이었습니다. 주세페 베르디의 초기 작품들도 여전히 기성세대의 벨칸토적 이상에 기반을 두고 있습니다. 프랑스에서, 오페랄리크는 암브로이즈 토마스와 샤를 구노드에 의해 개발되었습니다. 러시아 음악은 미하일 글린카와 알렉산더 다르고미쉬스키의 오페라에서 그들만의 언어를 발견했습니다.

높은 낭만주의의 두 번째 단계는 문학과 시각 예술의 사실주의 스타일과 병행됩니다. 그의 창작 후반부에, 바그너는 아리아 없이 작곡된 니벨룽겐의 4부 고리를 하나로 묶는 그의 라이트모티프 기술을 개발했습니다. 오케스트라는 동정적으로 취급되고, 반음계는 트리스탄과 이졸데에서 극에 달합니다. 예를 들어, 피터 코르넬리우스와 같은 바그너의 진보적 사상의 영향을 받는 제자들 전체가 있습니다. 한편, 교향곡, 실내악, 가곡에서 고전음악의 논리적 연속을 추구했던 요하네스 브람스가 감각의 깊이와 명석한 작곡 기법으로 인해 규모의 모델이 된 것에 대해 더 많은 보수적인 작곡가들로부터 반대가 발생했습니다. 그 중에서도 로버트 볼크만, 프리드리히 킬, 칼 라인케, 막스 브루흐, 요제프 가브리엘 라인베르거, 헤르만 괴츠 등이 이 모임에 속해 있습니다.

게다가, 몇몇 중요한 외톨이들이 현장에 왔는데, 그 중 안톤 브루크너가 특히 눈에 띕니다. 비록 바그너 지지자이지만, 그의 명확한 형식의 스타일은 그 작곡가의 그것과 상당히 다릅니다. 예를 들어, 브루크너 교향곡의 블록 기반 악기는 오르간의 기록부에서 파생됩니다. 그의 추종자들은 바그너의 적들에 대한 이데올로기 투쟁에서 그를 브람스의 상대로 묘사했습니다. 리스트를 시작으로 '클래식 형태의 미래 음악'을 작곡한 펠릭스 드레이스케도 작곡에서 당사자 사이에 서 있습니다.

베르디는 바그너와는 다른 방식이지만 잘 구성된 음악극으로 가는 길도 열었습니다. 그의 엄청난 카리스마는 이탈리아에서 아밀카레 폰키엘리와 그의 후기 오페라 오텔로와 팔스타프의 리브레티스트이기도 했던 아리고 보이토를 포함한 다른 모든 작곡가들을 희미하게 만들었습니다. 반면 프랑스에서는 사회비판적인 오페레타인 자크 오펜바흐의 형식으로 라이트 뮤지엄이 먼저 우승을 차지했습니다. 서정적인 오페라는 쥘 마스네의 작품에서 절정을 이루었고, 조르주 비제의 카르멘에서는 처음으로 사실주의가 등장했습니다. Louis Theodore Gouvy는 독일 음악에 스타일리시한 다리를 놓았습니다. 다재다능한 카미유 생사 ë인들의 오페라, 교향곡, 실내악 작품들은, 레오 델리브의 발레곡들과 마찬가지로, 보다 전통적이었습니다. 에두아르 랄로와 에마뉘엘 샤브리에의 작곡에서 새로운 오케스트라 색상이 발견되었습니다. 벨기에 태생의 세자르 프랑크는 샤를 마리 위도르, 후에 루이 비에른, 샤를 투르네미레에 의해 계속된 오르간 음악의 부활을 동반했습니다.

이제 거의 모든 유럽 국가에서 특정 민족 낭만주의가 나타났습니다. 글린카에 의해 시작된 러시아의 해류는 밀리 발라키레프, 알렉산드르 보로딘, 모데스트 무소르그스키, 니콜라이 림스키코르사코프, 세사르 쿠이의 다섯 그룹에 의해 러시아에서 계속되었습니다. 좀 더 서구적인 방향은 발레와 교향곡이 큰 인기를 얻은 안톤 루빈스타인과 표트르 차이코프스키였습니다. 베드 ř리히 스메타나는 리스트를 향한 그의 오페라와 심포니 시들로 체코 국민 음악을 설립했습니다. 반면에 안토닌 드보 ř라크의 교향곡, 콘서트, 실내악 작품에는 브람스가 모델로 있습니다. 폴란드에서는 스타니스와프 모니우슈코가 헝가리에서는 페렌츠 에르켈을 이끄는 오페라 작곡가였습니다. 노르웨이는 서정적인 피아노 작품, 노래, 피어-긴트 모음곡과 같은 관현악 작품의 창작자인 에드바르 그리그와 함께 가장 잘 알려진 작곡가들을 배출했습니다. 영국의 목소리는 브람스 지향의 휴버트 패리와 교향곡뿐만 아니라 아서 설리번의 기괴한^{[according to whom?]} 오페라에도 울려 퍼졌습니다.

레이트 로맨틱

후기 낭만주의는 포스트 낭만주의라고도 불리며, 음악의 전통적인 형태와 요소들이 더욱 녹아 있습니다. 점점 더 다채로운 오케스트라 팔레트, 점점 더 다양해지는 음악적 수단, 음조의 한계에 이르는 확산, 과장된 감정, 그리고 점점 더 개별적인 작곡가의 성조 언어가 대표적인 특징입니다. 음악은 현대의 문턱으로 이어집니다. 따라서 구스타프 말러의 교향곡은 이전에 알려지지 않은 차원에 도달했으며, 부분적으로 전통적인 4문장을 포기하고 종종 목소리 비율을 포함합니다. 그러나 기념비적인 정면 뒤에는 핀란드 사원의 현대적인 표현력이 있습니다. 이러한 심리적 표현력은 목소리와 피아노를 위한 미니어처 드라마인 휴고 울프의 노래에도 담겨 있습니다. 특히 브루크너를 지향하는 프란츠 슈미트와 리차드 웨츠의 교향곡은 전통에 더 충실한 반면, 막스 레거는 그의 수많은 기악곡에서 바흐의 다성음악에 의존했지만, 그것을 매우 대담하게 조화롭게 발전시켰습니다. 레거 후계자의 수많은 작곡가들 중에서, 율리우스 바이스만과 요제프 하스가 눈에 띕니다. 뛰어난 후기 로맨틱 사운드 창작자 중에는 특이한 한스 피츠너도 있습니다. 비록 전통주의적이고 현대 조류의 결정적인 반대자이지만, 그의 작품들 중 꽤 많은 것들은 그 당시의 음악적인 진보에 가깝습니다. 그의 후계자로는 주로 오페라 작곡가로 떠오른 발터 브라운펠스와 교향곡 빌헬름 푸르트벵글러가 있습니다. 오페라 무대는 특히 감정 증가에 적합했습니다. 리하르트 바그너의 아들인 엥겔베르트 훔퍼딩크, 빌헬름 키엔츨, 지그프리트 바그너의 민요와 동화 오페라는 여전히 꽤 훌륭했습니다. 하지만 외젠달베르와 막스 폰 실링스조차 독일식 버전의 버라이즘으로 신경을 자극했습니다. 에로틱한 상징성은 알렉산더 폰 젬린스키와 프란츠 슈레커의 무대 작품에서 찾아볼 수 있습니다. Richard Strauss는 Rosenkavalier와 함께 더 전통적인 길을 가기 전에 Salome과 Elektra와의 조성의 한계까지 더 나아갔습니다. 슈트라우스의 작품과 관련된 양식에는 에밀 니콜라우스 폰 레즈니케스와 폴 그라너스의 작곡이 나와 있습니다.

이탈리아에서는 이 시기에도 오페라가 여전히 지배적이었습니다. 오페라 무대에서 눈에 띄는 멜로드라마로 쉽게 바뀔 수 있는 과장된 사실주의가 발전한 곳입니다. 그들의 광범위한 작업에도 불구하고, 루제로 레온카발로, 피에트로 마스카니, 프란체스코 실레아, 움베르토 조르다노는 한 번에 하나의 오페라를 통해서만 알려지게 되었습니다. 자코모 푸치니의 작품만이 오페라 하우스의 레퍼토리에 완전히 보존되어 있을 뿐인데, 그 역시 종종 감상적이라는 비난을 받기도 했습니다. 일부 사실주의 작품에도 불구하고, 에르만노 볼프-페라리는 오페라 부파의 부활로 주로 여겨졌습니다. 독일에 사는 현대 고전주의의 일시적인 옹호자인 페루치오 부소니는 다소 전통적이고 거의 연주되지 않는 작품을 남겼습니다. 따라서, 기악은 인상주의의 영향을 받은 오토리노 레스피기와 함께 이탈리아 음악에서 그 자리를 다시 찾게 되었습니다.

인상주의라는 용어는 그림에서 비롯되었고, 그곳과 마찬가지로 프랑스의 음악에서도 발전했습니다. 클로드 드뷔시의 작품에서 구조는 리듬, 역동성, 음색의 최상의 뉘앙스로 녹아 있습니다. 이 발전은 빈센트 인디, 어니스트 쇼손의 작품에서 준비되었고 무엇보다도 가브리엘 포레의 노래와 실내악에서 준비되었습니다. 이후의 모든 프랑스 작곡가들은 인상주의의 영향을 어느 정도 받았습니다. 그 중에서도 가장 중요한 것은 뛰어난 관현악 거장 모리스 라벨이었습니다. 알버트 호세는 라벨과 같은 신고전주의적 경향을 예상하기 전에 먼저 이국적인 주제를 다루었습니다. 가브리엘 피에네, 폴 두카스, 찰스 코클린, 플로렌트 슈미트도 상징적이고 이국적인 동양적인 물질들을 다루었습니다. 외톨이 에릭 사티는 스핀 피아노 곡의 창시자이자 차세대 우상이었습니다. 그럼에도 불구하고 인상주의는 종종 그 자체의 시대로 보지는 않더라도 근대의 시대에 기인합니다. 후버트 패리와 아일랜드인 찰스 빌리어즈 스탠포드는 에드워드 엘가에 첫 번째 중요한 대표자를 둔 영국에서 후기 낭만주의를 시작했습니다. 그가 오라토리오를 부활시키고 교향곡과 콘서트를 작곡하는 동안, 프레데릭 델리우스는 그만의 변형된 인상주의로 특히 작은 오케스트라 이미지에 전념했습니다. 에델 스미스는 주로 오페라와 실내악을 브람스를 떠올리게 하는 스타일로 작곡했습니다. 영국 민요와 르네상스 음악에서 영감을 받은 랠프 본 윌리엄스는 그의 나라에서 가장 중요한 교향곡 연주자가 되었습니다. 구스타프 홀스트는 그리스 신화와 인도 철학을 그의 작품에 접목시켰습니다. 현대로의 이행에 있어서 매우 특이한 작곡가의 성격은 또한 하버갈 브라이언과 프랭크 브리지였습니다.

러시아에서, Alexander Glassunov는 그의 전통적인 작곡 기법을 화려한 관현악 팔레트로 장식했습니다. 신비로운 알렉산더 스크랴빈은 색, 소리 그리고 향기의 합성을 꿈꿨습니다. 세르게이 라흐마니노프는 우울한 애처로운 피아노 작품과 도취적인 기교로 가득한 협주곡을 작곡했고, 니콜라이 메트너의 피아노 작품은 더 서정적입니다.

체코에서, 그의 모라비아 고국의 음악에 깊이 뿌리를 둔 레오시 야나체크는 그의 오페라에서 언어 선율의 발전과 함께 새로운 표현 영역을 발견했습니다. 또한 즈덴 ě크 피비히, 요제프 보후슬라프 포스터, 비트 ě즈슬라프 노바크, 요제프 숙의 음악에서도 지역적인 소리는 틀림없습니다. 반면 폴란드의 카롤 시마노프스키의 작품에는 폴 카롤 시마노프스키의 작품에는 약간 병적인 이국주의와 후대의 고전주의적 조치가 있습니다. 덴마크의 가장 중요한 작곡가는 교향곡과 콘서트로 유명한 칼 닐슨입니다. 그의 나라에서 훨씬 더 지배적인 것은 우울한 표현력과 명확한 선 디자인의 동조자이기도 한 핀 장 시벨리우스의 위치입니다. 스웨덴에서는 빌헬름 피터슨-베르거, 빌헬름 슈텐함마르, 휴고 알펜의 작품이 전형적인 북유럽 보수주의를 보여주고 있으며, 노르웨이의 크리스티안 신딩도 전통적으로 작곡했습니다.

스페인의 음악도 오랜만에 다시 인기를 끌었는데, 처음에는 아이작 알베니즈와 엔리케 그라나도스의 피아노 작품에서, 그 다음에는 인상주의의 영향을 받은 마누엘 드 팔라의 오페라, 발레, 관현악 작품에서 그러했습니다.

마침내, 미국의 첫 번째 중요한 대표들도 에드워드 맥도웰과 에이미 비치와 함께 나타났습니다. 그러나 찰스 아이브스의 작품조차도 부분적으로만 후기 낭만주의에 속했습니다. - 그것의 많은 부분은 이미 급진적으로 현대적이었고 20세기까지 거슬러 올라갔습니다.

학교

뉴 저먼 스쿨

뉴 저먼 스쿨은 프란츠 리스트와 리하르트 바그너에 의해 비공식적으로 이끌어진 느슨한 작곡가와 비평가들의 모음집이었는데, 그들은 루트비히 판 베토벤 아래에서 한계에 도달했다고 믿었던 절대적인 음악과 대조적으로 반음계의 조화와 프로그램 음악의 한계를 밀어붙이기 위해 노력했습니다.^[23]

이 단체는 또한 교향시의 발전과 혁신, 음악적 형태의 주제적 전환, 조성과 화성의 급진적인 변화를 추진했습니다.^[24]

이 운동의 다른 중요한 구성원들은 비평가 리처드 폴과 작곡가 펠릭스 드레이스케, 줄리어스 럽케, 칼 클린드워스, 윌리엄 메이슨, 피터 코넬리우스를 포함합니다.

독일 보수당

보수주의자들은 절대적인 음악을 작곡하고 장려하는 로베르트 슈만의 예술적 유산을 유지하는 광범위한 음악가와 비평가 집단이었습니다.^[25]

그들은 자신들만의 음악적 언어를 구현할지라도 고전적인 틀 속에서 교향곡 장르를 작곡한 루트비히 판 베토벤의 발자취를 따라가는 것을 믿었습니다.^[26]

펠릭스 멘델스존이 설립한 라이프치히 음악원은 요하네스 브람스, 요제프 요아힘, 클라라 슈만, 그리고 라이프치히 음악원이었습니다.

마이티 파이브

마이티 파이브(Mighty Five)는 상트페테르부르크를 중심으로 하는 러시아 작곡가 그룹으로, 1856년부터 1870년까지 서로 협력하여 독특한 러시아 국가 스타일의 클래식 음악을 만들었습니다. 그들은 고전 작곡에 대한 보다 서구적인 접근을 선호하는 표트르 일리치 차이콥스키와 종종 갈등을 겪었습니다.

밀리 발라키레프가 이끄는 이 그룹의 주요 멤버는 세자르 쿠이, 모데스트 무소르그스키, 니콜라이 림스키코르사코프, 알렉산더 보로딘으로 구성되었습니다.

벨랴예프 원

벨랴예프 서클은 1885년과 1908년 상트페테르부르크에서 만난 러시아 음악가들의 사회로, 그들은 차이콥스키의 서양 작곡 양식에 훨씬 더 관대했지만 마이티 파이브의 발자취를 따라 러시아 클래식 음악의 국가적인 양식의 발전을 계속하려고 했습니다.

이 그룹은 러시아의 음악 출판업자 자선가 미트로판 벨랴예프에 의해 설립되었습니다. 이 그룹의 가장 중요한 두 작곡가는 니콜라이 림스키코르사코프와 알렉산더 글라주노프였습니다. 블라디미르 스타소프, 아나톨리 랴도프, 알렉산드르 오소프스키, 위톨드 말리제프스키, 니콜라이 체렙닌, 니콜라이 소콜로프, 알렉산더 윙클러 등도 멤버로 참여했습니다.

모더니즘으로의 이행

19세기 후반 동안, 몇몇 유명한 작곡가들은 전통적인 음색 체계의 한계를 탐구하기 시작했습니다. 중요한 예로는 리하르트 바그너의 트리스탄과 이졸데^[27], 프란츠 리스트의 바가텔 산토날리테^[28] 등이 있습니다. 이 한계는 구스타프 말러와 같은 작곡가들의 작품에서 점진적인 조성이 나타나는 후기 낭만주의 시대에 마침내 도달했습니다.^[29] 이러한 발전과 함께 낭만주의는 마침내 이에 대응하여 형성되는 몇 가지 새로운 평행 운동으로 갈라지기 시작했고, 모더니즘에 자리를 잡았습니다.

낭만주의의 붕괴에 대응하여 형성된 가장 중요한 두 운동은 아놀드 쇤베르크와 제2 빈 학파가 주요 발기인인인 표현주의와 이고르 스트라빈스키가 가장 영향력 있는 작곡가인 신고전주의였습니다.

장르

심포니

루트비히 판 베토벤에 의해 최고의 학위를 받은 이 교향곡은 많은 작곡가들이 헌신하는 가장 권위 있는 형식이 됩니다. 베토벤 모델에 대한 가장 보수적인 존경은 프란츠 슈베르트, 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만, 카미유 생상스, 요하네스 브람스와 같은 작곡가들을 포함합니다. 다른 사람들은 형식적으로나 정신적으로 이 틀을 뛰어넘게 만드는 상상력을 보여줍니다. 그들 중 가장 대담한 사람은 헥터 베를리오즈입니다.

마지막으로, 어떤 사람들은 또한 그들의 교향곡 전반에 걸쳐 이야기를 들려줄 것입니다; 프란츠 리스트처럼, 그들은 보통 하나의 악장으로 구성되고 주제, 성격 또는 문학적인 텍스트에 의해 영감을 받는 새로운 음악 장르인 교향시를 만들 것입니다. 교향시는 라이트모티브(예를 들어 주인공을 식별하는 음악적 모티브)를 중심으로 조음하기 때문에 교향곡 프로그램이 있는 음악에 비유할 수 있습니다.

거짓말한

이 음악 장르는 낭만주의 시대에 피아노포르테에서 피아노로 진화하면서 등장했습니다. 거짓말은 이 악기가 가장 많이 반주하는 성악입니다. 노래는 낭만적인 시에서 따왔으며 이 스타일은 목소리를 최대한 감정에 가깝게 만드는 것을 가능하게 합니다. 최초이자 가장 유명한 거짓말을 한 작곡가 중 한 명은 에르쾨니히와 함께 하는 프란츠 슈베르트이지만, 생상스, 뒤파르크, 로베르트 슈만, 요하네스 브람스, 휴고 볼프, 구스타프 말러, 그리고 리하르트 슈트라우스와 같은 많은 다른 낭만주의 작곡가들은 거짓말 장르에 헌신했습니다.

협주곡

고전주의의 많은 특징들을 여전히 인정받을 수 있는 다섯 개의 피아노 협주곡(특히 다섯 번째)과 바이올린 협주곡으로 낭만적인 협주곡을 창시한 사람은 베토벤입니다. 그의 예는 많은 작곡가들에 의해 이어집니다: 협주곡은 주요 관현악 편성의 레퍼토리에서 교향곡에 필적합니다.

마지막으로, 이 협주곡은 바이올린의 니콜 ò 파가니니와 피아노의 프레데릭 쇼팽, 로베르트 슈만, 프란츠 리스트와 같은 기악 연주자 작곡가들이 그들의 기교를 드러낼 수 있게 할 것입니다.

녹턴

이 야광은 단명한 비밀 작품으로 제시되는데, 아일랜드 작곡가 존 필드가 이 작품을 처음으로 작곡한 작품 중 하나입니다. 낭만주의의 특권을 누리는 분위기인 밤의 기후에 몰입하여, 그것은 종종 ABA 구조이며, 매우 유연하고 화려한 멜로디와 함께 기복이 있는 아르페지오가 있는 왼손을 동반합니다. 보통 템포가 느리고, 중앙 부분이 더 동요되는 경우가 많습니다.

프레데릭 쇼팽은 가장 유명한 형태의 야간 공연을 세웠습니다. 그는 1827년부터 1846년까지 21권을 썼습니다. 세 개의 시리즈(opus 9 및 15)로 처음 출판된 후 쌍으로 그룹화됩니다(opus 27, 32, 37, 48, 55, 62).

발레

낭만주의 발레는 19세기 내내, 특히 러시아의 표트르 일리치 차이콥스키와 프랑스의 레오 델리브와 같은 작곡가들에 의해 발전되었습니다.

오페라

프랑스.

19세기 동안, 낭만주의는 오페라를 장악했고 그것의 주요 중심지 중 하나가 된 것은 파리였습니다. 루이지 케루비니, 가스파레 즉흥연주, 프랑수아 아드리앙 보이디외, 다니엘 프랑수아 에스프리 오베르와 같은 대부분의 낭만파 오페라는 프랑스에 살고 있는 작곡가들에 의해 작곡되었습니다. 위대한 오페라 스타일의 명작은 자코모 마이어비어의 작품들에 의해 특징지어집니다. Hector Berlioz의 Les Troyens는 처음 무시되었고, Benvenuto Cellini는 초연 동안 논란이 된 반면, Charles Gounod의 Faust는 19세기 중반의 가장 인기 있는 프랑스 오페라 중 하나입니다.

19세기 후반, 조르주 비제는 카르멘과 함께 오페라에 혁명을 일으킬 것입니다: 니체에 따르면, 그것은 "바그너 이상의 안개를 흩뜨리는 지중해 빛"입니다. '로컬 컬러' 작품에 대한 관심은 레오 델리베스의 '락메', 카미유 생상스의 '삼손'과 '달릴라'로 확인됩니다. 세기의 마지막 부분의 오페라를 가장 생산적으로 작곡한 프랑스 작곡가는 마농, 베르테르, 그리고 타 ï와 같은 작품들을 작곡한 쥘 마스네였습니다.

Les Contes d' Hoffmann을 작곡한 Jacques Offenbach는 후에 오페레타와 혼동되었던 새로운 장르인 프랑스 오페라 음식을 발명하며 19세기 프랑스 오페라 코미크의 거장으로 자리매김했습니다.

20세기 초, 프랑스의 낭만주의는 인상주의나 상징주의와 같은 다른 흐름에 편승하기 위해 점차 버려졌고, 특히 클로드 드뷔시의 펠레아스와 멜리상드(1902)에 의해 옮겨졌습니다.

독일.

칼 마리아 폰 베버는 프라이슈츠(Der Freischütz, 1821)와 함께 최초의 독일 낭만주의 오페라를 창작합니다; 최초의 중요한 오페라는 베토벤의 피델리오(Fidelio, 1805)이며, 이 작곡가의 유일한 오페라 작품입니다.

Der fliegende Holländer 출신의 Richard Wagner는 라이트모티브와 "사이클릭 멜로디" 과정을 소개합니다. 그는 오페라를 기간과 악기의 힘으로 혁신합니다. 그의 주요 작품인 사극은 독일 오페라의 최고봉 중 하나입니다. 그는 이제 오케스트라가 주인공이 되는 '뮤지컬 드라마'를 인물들과 같은 방식으로 만들어냅니다. 1876년, 바이로이트 페스티벌은 바그너의 작품들을 독점적으로 표현하기 위해 만들어졌습니다.

바그너의 영향은 엥겔베르트 훔퍼딩크의 헨젤과 그레텔에서도 거의 모든 오페라에서 계속되고 있습니다. 당시 지배적인 인물은 자신의 길을 개척하면서 살로메와 엘렉트라의 바그너와 유사한 오케스트레이션과 성악 기법을 사용하는 리하르트 슈트라우스입니다. 로젠카발리에는 당시 가장 화려한 성공을 거둔 슈트라우스의 작품입니다.

이탈리아

이탈리아 낭만주의는 세비야의 이발사와 라 세렌톨라와 같은 작품을 작곡한 조아키노 로시니로부터 시작됩니다. 그는 동시대의 빈센조 벨리니와 가에타노 도니제티가 채택한 "벨칸토" 스타일을 만들었습니다.

그러나 이탈리아 오페라의 얼굴은 나부코의 노예 합창단이 이탈리아 전체에 매우 중요한 찬송가인 주세페 베르디입니다. 리골레토, 일 트로바토레, 라트비아타가 구성한 3부작은 그의 주요 작품 중 하나이지만, 그는 그의 경력의 마지막에 오텔로와 팔스타프와 함께 그의 예술의 정점에 도달합니다. 그는 비할 데 없는 극적인 활력과 리드미컬한 생명력으로 작품을 완성했습니다.

19세기 후반, 베르디의 반박의 여지가 없는 후계자 자코모 푸치니는 사실주의를 넘어 사실주의로 나아갑니다. 라 보엠, 토스카, 나비부인, 투란도트는 감성이 가득 담긴 멜로 오페라입니다.

타국

그 밖에 국가적 영감을 준 작품:

• 러시아에서는 '차르를 위한 삶', '루슬란', '루드밀라'를 작곡한 미하일 글린카와 함께 국립학교가 발전하고 있습니다. 다른 위대한 러시아 작품들: 니콜라이 림스키코르사코프의 사드코, 알렉산더 보로딘의 이고르 왕자, 모데스테 무소르그스키의 보리스 고두노프, 유진 오네긴, 표트르 일리치 차이코프스키의 스페이드의 여왕.
• 체코에서는 베드 ř리히 스메타나의 바텐더 브라이드, 안토닌 드보 ř라크의 루살카, 즈덴 ě크 피비치의 샤르카, 레오시 야나체크의 젠 ů파에 의해 국가 정신이 구현됩니다.
• 영국에서는 영국의 낭만적인 오페라 '보헤미안 소녀'를 작곡한 마이클 윌리엄 발프(Michael William Balfe). 그는 또한 프랑스 장면을 위해 작곡을 합니다.

참고 항목

• 음악의 역사
• 낭만주의 시대의 작곡가 목록
• 신낭만주의 (음악)

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외부 링크

• 낭만시대의 음악
• 낭만시대
• 온라인 시대