이탈리아 오페라

Italian opera
흔히 "이탈리아 오페라"라고 불리던 이 오페라단은 1847년까지 헤이마켓의 여왕폐하 극장에서 공연을 했고, 그 이후로는 런던 코벤트 가든의 로얄 오페라 하우스에서 공연을 했다.
1837년 베네치아에 있는 라 페니스 오페라 하우스 내부.베니스는 피렌체, 로마와 함께 이탈리아 오페라의 요람 중 하나였다.

이탈리아 오페라는 이탈리아에서 오페라의 예술이자 이탈리아어로 오페라다.오페라는 1600년경 이탈리아에서 탄생했으며, 이탈리아 오페라는 현재까지도 형식사에서 지배적인 역할을 계속해 왔다.이탈리아어로 된 많은 유명한 오페라는 헨델, 글럭, 모차르트를 포함한 외국 작곡가들에 의해 쓰여졌다.로시니, 벨리니, 도니제티, 베르디, 푸치니 등 19세기와 20세기 초 이탈리아 출신 작곡가들의 작품은 지금까지 쓰여진 오페라 중 가장 유명한 작품이며 오늘날에는 전 세계 오페라 하우스에서 공연되고 있다.

오리진스

라 펠레그리나의 아리온 역의 자코포 페리
주요 기사:오페라의 기원

Jacopo Peri의 Dafne은 오늘날 이해되고 있는 오페라로 간주되는 가장 초기 작곡이었다.[1]그러나 페리의 작품은 성극 영역의 창조적 공백에서 비롯된 것은 아니다.오페라의 적절한 창조를 위한 근본적인 전제조건은 모노디의 실천이었다.모노디는 극적으로 착안한 멜로디의 솔로 가창/설정이며, 다른 다성파보다는 비교적 간단한 화음 순서가 수반된다.이탈리아 작곡가들은 16세기 후반에 이런 스타일로 작곡을 시작했으며, 그것은 다른 부분의 악기 연주가 동반된 가수 한 명과 함께 다성음 마드리갈을 연주하는 오랜 관행과 더불어 프로톨라, 바이엘과 같은 보다 대중적이고 동음이의적인 보컬 장르의 인기가 상승하면서 부분적으로 성장했다.라넬라균이 후자의 두 장르에서, 상단의 부분은 정교하고 활동적인 멜로디를 특징으로 하고 하단의 것(보통 이것들은 4개 혹은 그 이상의 마드리갈과는 반대로 3개 부분 구성이었다)은 덜 활동적인 지지 구조로 되어 있어 더욱 호모포닉적인 질감을 지향하는 경향이었다.이것으로부터는 완전한 모노디로 가는 작은 발걸음일 뿐이었다.그러한 모든 작품들은 페트라르치와 그의 트레센토 추종자들을 모방하려는 유형의 휴머니스트 시들을 설정하는 경향이 있었는데, 이것은 그 시대의 경향의 또 다른 요소로서 그것이 고대의 혼합된 개념과 연관된 원리의 회복에 대한 욕구였다.

16세기 후반 70년 동안 이탈리아 도시국가들의 호화롭고 점점 더 세속적인 법원들에 의해 자금을 지원받은 음악이 있는 극장용 안경인, 단독 마드리갈, 프로톨라, 빌라넬라, 그리고 그들의 친척들이 두드러지게 등장했다.이런 안경들은 보통 결혼식, 군대 승리 등과 같은 중요한 국가 행사를 기념하기 위해 무대에 올려졌고 연극과 함께 공연되었다.후기 오페라와 마찬가지로 중매디오에서는 앞서 말한 솔로 가창과 더불어 전형적인 멀티보이스 텍스쳐로 마드리갈을 공연하고, 현악기 연주자들과 함께 춤을 추는 것이 특징이었다.그들은 호화롭게 연출되었고, 16세기 후반의 풍경을 이끌었다.중간자는 비록 때때로 그랬지만, 거의 항상 신화적 우화를 통해 표현되는 인간의 감정이나 경험의 어떤 특정한 요소에 초점을 맞추었지만, 그런 이야기를 하지 않는 경향이 있었다.

이전 세기의 가장 화려하고 국제적으로 유명한 매개자의 행사인 메디치 결혼식 축제의 일환으로 1600개의 페리의 오페라 유로디체에서 무대에 오른 것은 아마도 새로운 형식을 위한 결정적인 발전으로, 호화로운 궁중 접대의 주류에 놓였을 것이다.

이 시기에 인기 있는 또 다른 궁중 오락물은 '미드릭코미디'로, 후에 후기 장르에 정통한 음악학자들이 '미드릭 오페라'로 부르기도 했다.이것은 극적인 이야기를 제안하기 위해 함께 끈을 매는 일련의 미치광이들로 구성되었지만 무대화되지는 않았다.[2]1590년에 제작되고 에밀리오 데 카발리에리가 쓴 두 개의 무대 뮤지컬 '파스토랄'도 있었다.비록 이 잃어버린 작품들이 아리아를 포함하고 있는 것처럼 보이지는 않지만, 그것들은 페리가 그의 유로디스 출판판의 서문에서 "시그너 에밀리오 델 카발리에리, 내가 아는 그 누구보다도 먼저, 우리가 무대에서 우리의 음악을 들을 수 있게 해주었다"[3]고 썼을 때 언급했던 것이 분명했다.다른 목회자 연극들은 오래 전부터 몇몇 음악적 숫자를 포함했다; 가장 초창기 중 하나인 폴리지아노의 파불라 디 오르페오(1480)는 적어도 3곡의 솔로곡과 1곡의 코러스를 가지고 있었다.[4]

17세기

플로렌스와 만투아

클라우디오 몬테베르디(Bernardo Strozi, 1630년)

455절 리브레토를 제외한 다프네의 음악은 이제 없어졌다.음악이 살아남은 최초의 오페라는 1600년 프랑스의 헨리 4세와 피렌체 피티 궁전에서 열린 마리 드 메디치의 결혼식에서 공연되었다.리누치니의 리브레토와 함께 페리와 줄리오 카치니의 음악을 배경으로 한 오페라 유로디케는 오르페우스와 에우리디케의 이야기를 재조명했다.페리와 카치니가 선호하는 노래 스타일은 기악 현악 음악이 뒷받침하는 극적인 재구성을 통해 자연스러운 화법의 고조된 형태였다.따라서 음성이 침묵하는 기간 동안 개별적인 노래와 기악적인 간섭을 포함하는 것이 곧 관습이 되었음에도 불구하고, 리커멘탈은 아리아스의 발달에 앞서 있었다.다프네와 유로디체 모두 그리스 비극의 방식으로 각 행위가 끝날 때마다 그 행동에 대해 논평하는 합창도 포함했다.음악의 데미신 오르페우스의 테마는 1607년 만투아 궁정을 위해 자신의 첫 오페라 로르페오 (The Fable of Orpeus)를 작곡한 클라우디오 몬테베르디 (1567–1643)를 끌어들였다.

몬테베르디는 단어와 음악의 강한 관계를 주장했다.오르페오가 38악기로 구성된 관현악단 만투아에서 공연되었을 때 수많은 합창과 재창작을 통해 생동감 넘치는 드라마를 만들었다.그것은 이전에 공연되었던 것들보다 훨씬 더 야심찬 버전이었다. - 더 화려하고, 더 다양한 재주곡, 더 이국적인 - 더 강한 음악적 클라이맥스와 함께 - 가수들의 기교를 위한 전체 범위를 가능하게 했다.오페라는 몬테베르디의 손에 처음으로 성숙의 단계를 드러냈다.로르페오는 또한 오늘날에도 정기적으로 공연되고 있는 가장 초기 생존 오페라라는 특징을 가지고 있다.

로마의 오페라

몇 십 년 안에 오페라는 이탈리아 전역에 퍼졌다.로마에서는 수도원장 겸 성직자 줄리오 로스피글리오시(이상 교황 클레멘스 9세)의 옹호자를 찾았다.Rospigliosi의 후원자는 Barberini였다.

이 시기에 활동한 작곡가 중에는 루이지 로시, 미켈란젤로 로시, 마르코 마라졸리, 도메니코, 스테파노 란디 비르지오 마조치 등이 있었다.

1630년대 이후 작품의 소재가 크게 바뀌었는데, 목회 전통과 아르카디아의 시들, 대개 루도비코 아리오스토와 토르콰토 타소(Torquato Tasso)의 시들, 또는 하지그래피와 크리스티안 콤미디어 델라르테에서 따온 시들이 더 바람직하다.

등장인물이 늘어나면서 로마 오페라는 매우 극적으로 변했고, 몇 차례 우여곡절을 겪었다.이것들과 함께, 풍부한 이야기 줄거리에서 생겨난 다양한 상황과 언어에 더 잘 맞는, 첫 번째 플로렌타인 작품의 특징이었던 파라티컬 스타일을 희생하여 모교로 가득 찬, 재귀적인 사람들의 대사를 고치는 새로운 방법이 나왔다.

베니스: 상업 오페라

베네치아 오페라의 주요 특징은 (1) 형식적인 아리아에 더 중점을 두고, (2) 벨칸토("아름다운 노래") 스타일의 시작, 그리고 극적인 표현보다는 보컬 우아함에 더 관심을 기울이는 것, (3) 합창과 관현악의 사용량 감소, (4) 복잡하고 있음직하지 않은 줄거리, (5) 정교한 무대 기계, (6) 짧은 팬파라 같은 것이었다.후기 서곡의 프로토타입인 [5]악기소개

오페라는 베네치아 공화국에 이르렀을 때 중요한 새로운 방향을 잡았다.베네데토 페라리와 프란체스코 마넬리에 의해 1637년 최초의 공립 오페라 하우스인 테아트로 디 산 카시아노가 개관한 곳이 바로 이곳이다.그 성공은 오페라를 귀족의 후원에서 벗어나 상업계로 이동시켰다.베네치아에서 뮤지컬 드라마는 더 이상 귀족과 지식인의 엘리트 계층을 겨냥하지 않고 예능의 성격을 습득했다.곧 다른 많은 오페라 하우스들이 카니발 시즌 동안 유료 대중을 위한 작품을 공연하면서 이 도시에 생겨났다.오페라 하우스는 돈을 아끼기 위해 아주 작은 오케스트라를 고용했다.그들의 예산의 상당 부분이 당대 스타 가수들을 끌어들이는데 쓰였다; 이것이 카스트라토와 프리마돈나(리딩 레이디)의 치세의 시작이었다.

초기 베네치아 오페라의 수석 작곡가는 몬테베르디로, 1613년 만투아에서 공화국으로 이주했으며, 이후 프란체스코 카발리, 안토니오 세스티, 안토니오 사토리오, 조반니 레그렌지 등 중요한 작곡가들이 참여하였다.[5]몬테베르디는 공공 극장을 위해 다음과 같은 세 작품을 썼다.패트리아의 일 리토르노 두리세(1640년), 르노제 데네아 콘 라비니아(1641년, 현재 패배) 그리고 가장 유명한 것은 린코로나지오네 디 포페아(1642년)이다.몬테베르디 등의 새로운 오페라의 주제는 일반적으로 베네치아 국가의 영웅적 이상과 고귀한 계보를 기념하기 위해 로마의 역사나 트로이에 관한 전설에서 따온 것이었다.그러나 그들에게는 연애 관심이나 코미디가 부족하지는 않았다.대부분의 오페라는 보통 5개였던 이전의 오페라와는 달리 3개의 연극으로 구성되었다.다산화의 대부분은 여전히 재구성이었지만, 극적으로 긴장되는 순간에는 종종 아리오 캐비테라고 알려진 아리오소 통로가 있었다.몬테베르디의 추종자들 밑에서, 재귀와 아리아의 구별은 더욱 뚜렷해지고 관습화되었다.이는 다음 세대에서 가장 성공한 네 명의 작곡가의 스타일로 분명히 나타난다.프란체스코 카발리, 조반니 레그렌지, 안토니오 세스티, 알레산드로 스트라델라.

오페라의 해외 확산

바르샤바 왕성에 있는 브와디스와프 오페라홀 건물(오른쪽)

폴란드-리투아니아 연방에서는 1628년 바르샤바에서 오페라 제작의 전통이 시작되었는데, 이탈리아 밖에서 제작된 최초의 이탈리아 오페라 갈라테아(합작 불확정)의 공연이 있었다.이 공연 직후 궁정은 프란체스카 카치니의 오페라 '라 리베라치오네 디 루기에로 달리졸라 다알시나'를 제작했는데, 이 작품은 그녀가 이탈리아에 있을 때 3년 전 프린스 브와디스와프 바사를 위해 썼던 것이다.또 다른 첫 번째, 이것은 여성이 쓴 가장 초기 생존 오페라다.산티 오를란디의 Gli amori di Aci e Galatea도 1628년에 공연되었다.브와디스와프가 왕으로 있을 때(브와디스와프 4세) 그는 1630년대 후반과 1640년대에 적어도 10개의 오페라의 제작을 감독하여 바르샤바를 예술의 중심지로 삼았다.이들 오페라의 작곡가는 알려지지 않았다. 그들은 왕실 예배당에서 마르코 스카치 밑에서 일하는 폴란드인일 수도 있고, 혹은 브와디스와프가 수입한 이탈리아인일 수도 있다.1635년 주디스의 성서 이야기를 바탕으로 한 음악당 드라마(당시 이탈리아 오페라가 심각하다고 알려져 있었기 때문에)라는 제목의 드루디타(Guuditta)가 공연되었다.그 작곡가는 아마도 버질리오 푸치텔리였을 것이다.

카발리의 오페라는 이탈리아 전역에서 엄청난 성공을 거둔 회사들을 순회하며 공연되었다.사실, 그의 기아손은 비극과 희극이 뒤섞인 것에 일부 비평가들은 경악했지만, 17세기의 가장 인기 있는 오페라였다.카발리의 명성은 유럽 전역에 퍼졌다.그의 특기 중 하나는 그의 영웅들에게 "그라운드 베이스 탄식"을 주는 것이었다.이들은 내려가는 베이스 라인 위에서 노래된 애절한 아리아들로, 헨리 퍼셀에게 큰 영향을 끼쳤는데, 헨리 퍼셀은 디도와 아이네아스의 "내가 지구에 누워 있을 때"가 아마도 이 형태의 가장 유명한 예일 것이다.카발리의 명성은 마자린 추기경이 1660년 그를 프랑스로 초청하여 루이 14세의 스페인의 마리아 테레사와의 결혼식을 위한 오페라를 작곡하게 만들었다.이탈리아 오페라는 이미 1640년대 프랑스에서 혼성 리셉션으로 공연되어 카발리의 해외 원정은 재앙으로 끝났다.프랑스 관객들은 세르세(1660년)와 특수 작곡 에르콜 아만테(1662년)의 부활에 호응하지 않아 플로렌스의 작곡가 장바티스트 룰리의 연기 사이에 삽입된 발레곡을 선호했고, 카발리는 다시는 오페라를 작곡하지 않겠다고 맹세했다.

세스티는 1668년 빈의 합스부르크 궁정을 위해 오페라를 쓰라는 요청을 받았을 때 더 운이 좋았다.일포모도로는 공연이 이틀에 걸쳐 펼쳐져야 할 정도로 거창했다.그것은 엄청난 성공이었고 알프스 북쪽의 이탈리아 공작원 지배의 시작을 알렸다.17세기 후반에는 독일과 영국 작곡가들이 그들 고유의 토착 전통을 확립하려고 노력했으나 18세기 초에는 이탈리아 오페라를 수입하는데 그 기반을 두었는데, 이것은 헨델과 같은 작곡가의 손에 의해 국제적인 스타일이 되었다.프랑스만이 저항했다(그리고 그녀의 운영 전통은 이탈리아 룰리에 의해 세워졌다).이것은 19세기까지 그 패턴을 설정했다: 이탈리아의 전통은 국제적인 것이었고, 그 대표적인 주창자들(예: 헨델, 하세, 글룩, 모차르트)은 종종 이탈리아 토박이들이 아니었다.그들만의 국가적인 형태의 오페라를 개발하고자 하는 작곡가들은 일반적으로 이탈리아 오페라와 싸워야 했다.따라서 19세기 초 독일의 카를 마리아 폰 베버와 프랑스의 헥터 베를리오즈 모두 이탈리아 로시니의 엄청난 영향력에 도전해야 한다고 느꼈다.

18세기

오페라 세리아

17세기 말까지 일부 비평가들은 새롭고 더 높은 형태의 오페라가 필요하다고 믿었다.그들의 아이디어는 18세기 후반까지 이탈리아와 유럽의 대부분 지역에서 지배적이 될 오페라 세리아라는 장르를 탄생시킬 것이다.이 새로운 태도의 영향은 작곡가 카를로 프란체스코 폴라롤로와 엄청나게 다작한 알레산드로 스카를라티의 작품에서 볼 수 있다.

18세기 이탈리아에서 예술과 문화생활을 하는 동안, 아카디아 델 아르카디아 회원들의 미적, 시적 이상에 의해 많은 영향을 받았다.아르카디안 시인들은 이탈리아어로 된 진지한 음악 드라마에 다음과 같은 많은 변화를 소개했다.

  • 줄거리의 단순화.
  • 코믹 요소 제거.
  • 아리아 수의 감소
  • 충성심, 우정, 미덕의 가치가 격찬되고 주권자의 절대적 권력이 찬미된 고대 고전 또는 현대 프랑스의 비극에서 도출된 음모의 선입견.
피에트로 메타스타시오는 폼페오 바토니에게 귀속된 초상화에서

그 시대의 가장 성공적인 리브레티스트는 단연 피에트로 메타스타시오였고 그는 19세기까지 그의 위신을 잘 유지했다.그는 아르카디아 학회에 속해 있었고 그 이론에 확고히 부합했다.메타스타시오의 리브레토는 종종 20~30명의 다른 작곡가에 의해 설정되었고 관객들은 그의 드라마의 단어를 외우게 되었다.

오페라 버파

17세기에는 가끔만 만화 오페라가 제작되었고 안정적인 전통이 확립되지 않았다.18세기 초엽에야 나폴리에서 탄생한 오페라 버파의 코믹 장르가 등장했고 1730년 이후 이탈리아 전역에 퍼지기 시작했다.

오페라 버파는 수많은 특징으로 오페라 세리아와 구별되었다.

  • 무대 액션에 주어진 중요성과 그에 따른 음악이 극의 변화를 따라가면서 단어의 표현력을 강조해야 할 필요성
  • 드라마를 설득력 있게 연기할 수 있는 훌륭한 배우들 또한 선정했다.
  • 경관 및 무대 기계 사용 및 관현악 연주자 수의 감소
  • 작은 등장인물의 사용(적어도 인터메조라고 알려진 짧은 형태의 코믹 오페라)과 간단한 줄거리(Pergolesi의 La serva padrona, 1733년)
  • commedia dell'arte에서 영감을 받은 libretti, 현실적인 주제, 구어 및 속어 표현
  • 노래에 관한 한: 성악 기교의 완전한 거부, 단어의 부정확한 발음에 대한 경향, 리듬과 멜로디 틱의 빈번한 존재, 에노마토피아의 사용 및 거절
  • 카스트라티의 [6]배제
카를로 골도니 (Alessandro Longhi, 1757년

18세기 후반에 만화 오페라의 성공은 극작가 카를로 골도니와 작곡가 발다사레 갈루피와의 합작 덕분이었다.갈루피 덕분에, 코믹 오페라는 인터메초 시절보다 훨씬 더 많은 위엄을 얻었다.오페라는 이제 2, 3막으로 나뉘어져 훨씬 더 긴 작품의 리브레티를 만들게 되었는데, 이는 18세기 초의 플롯의 복잡성과 인물의 심리학에서 크게 차이가 났다.이것들은 과장된 캐리커쳐 대신 몇몇 심각한 인물들을 포함했고 오페라는 자기추천적인 생각뿐만 아니라 사회 계층간의 갈등에 초점을 맞춘 줄거리를 가지고 있었다.골도니와 갈루피의 가장 유명한 작품은 일 필로소포 디 캄파냐(1754년)이다.

골도니와 또 다른 유명한 작곡가 니콜로 피치니의 협연은 또 다른 새로운 장르인 오페라 세미세리아와 함께 제작되었다.이것은 두 명의 버포 캐릭터와 두 명의 귀족 그리고 두 명의 "중간" 캐릭터를 가지고 있었다.

단막파사는 코믹 오페라의 발전에 큰 영향을 끼쳤다.이것은 처음에는 더 긴 코믹 오페라의 축약판으로 여겨졌던 뮤지컬 드라마의 한 종류였지만, 시간이 흐르면서 그 자체로 하나의 장르가 되었다.그것은 성악의 기교, 오케스트라의 보다 세련된 사용, 제작에 주어진 큰 중요성, 드라마 진행 과정에서 오해와 놀라움의 존재 등으로 특징지어졌다.

글룩의 개혁과 모차르트

크리스토프 윌리발트 글럭이 그의 클라비코드(1775년), 조셉 듀플레시스의 초상화를 연주하고 있다.

오페라 세리아는 약점과 비평가들을 가지고 있었다; 훌륭하게 훈련된 가수들을 대신하여 장식하는 취향이 있었고, 극적인 순결과 단결을 위한 대체물로써 구경거리를 사용하는 것은 공격을 이끌어냈다.프란체스코 알가로티의 오페라 에세이(1755년)는 크리스토프 윌리발트 글럭의 개혁에 영감을 준 것으로 증명되었다.그는 오페라 세리아는 기본으로 돌아가야 하며 모든 다양한 요소, 즉 음악(기악과 보컬), 발레, 무대가 우선시되는 드라마에 복종해야 한다고 주장했다.니콜로 조멜리, 토마소 트라에타 등 당대의 몇몇 작곡가들은 이러한 이상을 실행에 옮기려고 시도했다.1765년 멜치오 그림(Melchior Grimm)은 서정시와 오페라 리브레토스에 관한 백과사전의 영향력 있는 기사인 "Poéme lirique"를 출간했다.[7][8][9][10][11]

그러나 오페라의 역사에 가장 먼저 성공하고 영구히 각인된 것은 글럭이었다.글럭은 "아름다운 단순함"을 이루려고 노력했다.이것은 그의 "개혁" 오페라의 첫 번째 작품인 "오페오 에드 유로디스"에서 잘 나타나는데, 헨델의 작품의 기교가 결여된 성대는 단순한 화음과 특히 일상보다 풍부한 관현악의 존재로 뒷받침된다.

글룩의 개혁은 공작 역사에 걸쳐 공명을 가져왔다.특히 베버, 모차르트, 바그너는 그의 이상에 영향을 받았다.글룩의 후계자인 모차르트는 여러 면에서 드라마, 조화, 멜로디, 대위법을 결합하여 오늘날 가장 사랑받고 인기 있고 잘 알려진 오페라로 남아 있는 <피가로의 결혼>, <돈 조반니>, <코지 팬 투테>(로렌조 다 폰테와 협력하여) 등 코미디 시리즈를 썼다.그러나 오페라 세리아에 대한 모차르트의 공헌은 더욱 엇갈렸다; 그의 시대에는 그것이 사라져가고 있었고, 이도메네오와 라 클레멘자 디 티토와 같은 훌륭한 작품들에도 불구하고, 그는 다시 예술 형식을 되살리는 데 성공하지 못할 것이다.

낭만주의 시대

상상력과 감성을 중시했던 로맨틱 오페라는 19세기 초부터 등장하기 시작했으며, 아리아와 음악 때문에 그 시대의 극장을 전형적으로 보여주는 극한의 감정에 더 많은 차원을 주었다.게다가, 훌륭한 음악은 종종 캐릭터 그리기와 줄거리에서 눈에 띄는 결함을 용서했다고 한다.조아치노 로시니(1792–1868)는 낭만주의 시대를 시작했다.그의 첫 번째 성공은 "오페라 버파"(코믹 오페라), 라 카미비레 디 마트리모니오(1810)이다.그의 명성은 오늘날에도 그의 세비야 이발사(1816), 라 세네렌톨라(1817)를 통해 여전히 남아 있다.그러나 진지한 오페라인 텐크레디(1813), 세미라마이드(1823)도 썼다.

조반니 볼디니의 주세페 베르디 초상화 (1886)

로시니의 이탈리아 벨칸토 후계자는 빈첸초 벨리니(1801–35), 가에타노 도니제티(1797–1848)와 주세페 베르디(1813–1901)이다.오랜 경력 동안 오퍼레이터 글쓰기의 전모를 탈바꿈시킨 것은 베르디였다.그의 첫 번째 대성공 오페라인 나부코(1842)는 음악의 원동력과 위대한 합창으로 대중의 인기를 끌었다.후렴구의 하나인 '바, 펜시에로'는 해석되어 이탈리아 독립 투쟁과 이탈리아 통일 투쟁에 유리한 의미를 부여했다.

나부코 이후 베르디는 그의 오페라를 애국적인 주제와 많은 표준 낭만적인 자료에 바탕을 두었다.프리드리히 실러(Giovanna d'Arco, 1845년; I masnadieri, 1847년; Luisa Miller, 1849년), Lord Byron(I ille Foscari, 1844년; Il corsaro, 1848년), 그리고 Victor Hugo (Erni, 1844년; Ligoletto, 1851년).베르디는 오페라만이 할 수 있는 것을 발견하려고 시도하면서 음악적이고 극적인 형태를 실험하고 있었다.

1887년, 그는 로시니의 동명의 오페라를 완전히 대체한 오텔로를 만들었고, 비평가들에 의해 전통적인 구성 요소인 솔로 아리아, 듀엣, 합창이 멜로디와 드라마틱한 흐름에 완전히 통합되어 있는 이탈리아 로맨틱 오페라 중 가장 훌륭한 것으로 묘사되고 있다.

베르디의 마지막 오페라 팔스태프(1893년)는 기존의 형식에서 완전히 벗어나 빠른 속도로 흐르는 간단한 단어들을 따르는 음악을 찾으며 평범한 언어의 패턴에 대한 존중 때문에 언어 패턴이 가장 중요한 새로운 운영 시대의 문턱을 만들었다.

오페라는 찬란한 노래, 의상, 관현악, 그리고 미인대회로 가득 찬, 예술과 뮤지컬 드라마의 결혼식이 되었다. 때로는 그럴듯한 이야기의 도움 없이 말이다.바로크 시대의 구상에서부터 낭만주의 시대의 성숙기에 이르기까지, 그것은 설화와 신화가 재조명되고 역사가 다시 팔리고 상상력이 자극되는 매개체였다.그 강도는 오페라에 있어서 더욱 폭력적인 시대로 떨어졌다: 베리스모, 피에트로 마스카니에 의한 카발리아 촌티나, 루게로 레온카발로의 파글리아치.

당대

오페라 리소르기멘토의 마지막 장면!

20세기의 가장 위대한 이탈리아 오페라의 일부는 자코모 푸치니(1858–1924)에 의해 쓰여졌다.마논 레스코트, 라보엠, 토스카, 마다마 버터플라이, 라판쿨라 델 웨스트, 라 론디네, 투란도트 등 마지막 두 가지가 미완성 상태로 남아 있다.1926년과 2002년에는 각각 프랑코 알파노와 루치아노 베리오가 투란도트의 완성을 시도하였고, 1994년에는 로렌초 페레로가 제3판 라 론딘의 조율을 완료하였다.베리오 자신은 아콜토와 오페라에서 운 르라는 두 편의 오페라를 썼다.페레로는 살바토레 줄리아노, 라 콘스탄티스타, 그리고 그의 2011년 리소르기멘토를 포함한 여러 개의 오페라를 작곡했다.

다른 20세기 이탈리아 오페라 작곡가는 다음과 같다.

참고 항목

참조

메모들

  1. ^ 이는 모든 당국에서 동의한 것은 아니다. 다른 견해에 대한 참조는 Grout & Williams 1988, 41(각주)을 참조하십시오.
  2. ^ 그라우트 & 윌리엄스 1988, 페이지 33.
  3. ^ Porter, William V. (Summer 1965). "Peri and Corsi's Dafne: Some New Discoveries and Observations". Journal of the American Musicological Society. 18 (2): 170–196. JSTOR 830682.
  4. ^ 그라우트 & 윌리엄스 1988, 페이지 30.
  5. ^ a b 밀러&코크렐 1991, 페이지 93
  6. ^ Warrack & West 1992, 페이지.
  7. ^ 라루세 테르메르 드 라 무시크
  8. ^ 토마스 1995, 페이지 148.
  9. ^ 헤이어 2009년 페이지 248.
  10. ^ 리프먼 2009, 페이지 171.
  11. ^ "포지션 페이퍼: 세미나 1. 음악: 유니버설, 국립, 민족주의" 예술 인문 대학, 킹스 칼리지 런던

원천

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