오페라(독일어)

독일어로 된 오페라는 독일, 오스트리아, 그리고 그 나라들 이전의 역사적인 독일 국가들을 포함한 독일어권 국가들의 오페라이다.

독일어 오페라는 이탈리아에서 오페라 자체가 탄생한 후 놀라울 정도로 빠르게 등장했다.최초의 이탈리아 오페라는 1598년 자코포 페리의 다프네였다.1627년, 하인리히 쉬츠는 같은 대본의 독일어 번역을 위해 음악을 제공했다.그러나 17세기와 18세기 동안 독일어로 된 오페라는 이탈리아어로 된 경쟁자의 그늘에서 벗어나기 위해 애쓰며 헨델과 글룩과 같은 독일 태생의 주요 작곡가들이 오페라 세리아와 같은 외국의 전통에서 일하기를 선택했다.

라인하르트 카이저와 같은 일부 바로크 작곡가들은 이탈리아의 지배에 도전했고, 극장 교장인 아벨 셀러는 1770년대에 독일 오페라의 열렬한 후원자가 되었지만, 모차르트의 등장으로 비로소 진지한 독일어 오페라의 영구적인 전통이 확립되었다.모차르트는 싱스피엘이라는 단순하고 인기 있는 장르를 훨씬 더 세련된 장르로 바꿨다.베토벤은 이상적인 피델리오를 본받았고, 1821년 Deer Freischütz와 함께, 베버는 낭만주의의 영향 아래 독특한 독일 형식의 오페라를 확립했다.베버의 혁신은 음악 역사상 가장 혁명적이고 논쟁적인 인물 중 하나인 바그너의 혁신에 의해 가려졌다.바그너는 오페라에 대한 그의 이상을 "음악 드라마"로 실현하기 위해 노력했고, 아리아와 레시피틱 사이의 모든 구분을 없애고, 복잡한 리프모티프의 거미줄을 사용하고 오케스트라의 힘과 풍부함을 크게 증가시켰다.바그너는 또한 그의 거대한 오페라 사이클 Der Ring des Nibelungen에서 게르만 신화를 그렸다.

바그너 이후 오페라는 예전과 같을 수 없었고, 그의 영향력은 대단했다.그의 추종자들 중 가장 성공한 사람은 리하르트 스트라우스였다.오페라는 20세기 초 힌데미스, 부소니, 바일과 같은 인물들의 손에 의해 번성하다가 아돌프 히틀러의 권력 장악으로 많은 작곡가들이 침묵하거나 추방당했다.제2차 세계대전 후 젊은 오페라 작가들은 20세기 초 무신론이나 연재주의와 같은 모더니즘 기법을 개척한 쇤베르크와 베르크의 사례에서 영감을 받았다.오늘날 오페라 분야에서 일하는 작곡가들은 한스 베르너 헨제를 포함한다.

모차르트, 베버, 바그너, 리하르트 스트라우스, 베르크의 이름에서 알 수 있듯이 독일과 오스트리아는 유럽 문화에서 가장 강력한 오페라 전통 중 하나를 가지고 있다.이것은 또한 잘츠부르크 페스티벌과 같은 국제적으로 유명한 오페라 행사뿐만 아니라 거의 모든 주요 도시들이 그러한 작품들을 상연하기 위한 자체 극장을 가지고 있는 독일에서 많은 수의 오페라 하우스에서도 입증된다.

바로크 시대

출생.

세계 최초의 오페라는 1598년 플로렌스에 등장한 자코포 페리의 다프네였다.30년 후 하인리히 쉬츠는 시인 마르틴 오피츠의 번역을 통해 같은 대본을 만들었고, 따라서 사상 최초의 독일어 오페라를 만들었다.쉬츠의 다프네에 대한 음악은 현재 소실되었고 연주에 대한 자세한 내용은 개략적이지만, 헤센다름슈타트의 게오르그 2세가 1627년 토르가우에서 작센의 소피아 엘레오노라 공주와 결혼한 것을 축하하기 위해 쓰여진 것으로 알려져 있다.이탈리아와 마찬가지로 독일과 오스트리아에서 오페라의 첫 후원자는 왕족과 귀족들이었고, 그들은 알프스 남쪽에서 온 작곡가들과 가수들을 선호하는 경향이 있었다.안토니오 세스티는 특히 성공적이었고, 1668년 빈의 황실 궁정에 거대한 오페라 축제 일 포모 도로를 제공했습니다.이탈리아어로 된 오페라는 바로크 시대와 고전 시대 내내 독일어를 사용하는 나라에서 상당한 영향력을 행사했다.그럼에도 불구하고, 토종 형태도 발전하고 있었다.1644년 뉘른베르크에서 지그문트 스타덴은 아리아가 대화와 교대로 대화하는 독일어 오페라의 한 장르인 싱피엘의 전조가 되는 "영적 목사극" 셀레위그를 제작했다.실레비그는 현대극의 사례에서 영감을 얻은 도덕적 우화이자 음악이 ^[1][2][3]살아남은 최초의 독일 오페라다.

함부르크 1678-1738

또 다른 중요한 발전은 그들의 언어로 된 오페라를 선호하는 지역 중산층을 겨냥하여 1678년 함부르크에 Theater am Génsemarkt를 설립한 것입니다.새 오페라 하우스는 아담과 이브의 이야기를 바탕으로 요한 테일의 데르샤펜, 게팔렌 und aufgerichtete Mensch의 공연으로 문을 열었다.그러나 극장은 100개가 넘는 오페라를 작곡한 대단히 다작가인 라인하르트 카이저의 작품이 지배하게 될 것이며, 그 중 60개는 함부르크의 오페라였다.처음에, 함부르크에서 공연된 작품들은 모두 피에티스트 교회 당국으로부터 극장이 부도덕하다는 비판을 피하기 위한 시도로 종교적인 주제를 다루어 왔으나, 카이저와 요한 매튜슨과 같은 동료 작곡가들은 역사와 신화를 포함하기 위해 소재의 범위를 넓혔다.Keiser는 외국의 오페라 전통을 이용했는데, 예를 들어 그는 프랑스 전통인 Lully를 본따 춤을 포함시켰다.그의 오페라에서 낭송은 항상 독일어로 되어 있어서 청중이 줄거리를 따라갈 수 있었지만, 1703년 클라우디우스부터 그는 화려한 발성을 가능하게 하는 이탈리아어로 아리아를 포함하기 시작했다.함부르크 스타일의 특징은 다양성이다.텔레만의^[4] 오르페우스(1726)에는 유명한 헨델 오페라에서 따온 이탈리아 설정 텍스트의 아리아와 프랑스어로 된 합창곡, 룰리가 원래 설정한 단어들이 포함되어 있다.함부르크 오페라는 또한 코믹 캐릭터들을 포함할 수 있다. (1707년의 카이저의 Der Carneval von Venedig는 그들을 지역 로어 색슨 방언으로 말하게 하여, Transcatasio에 의해 정의된 오페라 세리아의 높아진 새로운 스타일과 큰 대조를 이룬다.)하지만 가까운 미래는 이탈리아 오페라였다.그 시대의 가장 유명한 독일 태생의 오페라 작곡가인 헨델은 그의 경력 초기에 함부르크에서 4개의 오페라를 썼지만 곧 이탈리아와 영국에서 ^[5]오페라 세리아를 썼다.1738년, Theater am Génsemarkt는 파산했고 독일에서 진지한 오페라의 운명은 다음 몇 ^[6][7][8][9]십 년 동안 쇠퇴했다.

독일의 다른 초기 오페라 하우스로는 라이프치히의 오페라 암 브뤼흘과 1701년 나움부르크의 오페라 하우스 vorm Salztor가 있었다.둘 다 독일 오페라와 이탈리아 오페라를 선보이며, 이 둘의 조합을 선보이며 마을의 무역 박람회에서 공연했다.라이프치히에 있는 집은 라이프치히 마을에 의해 재정 지원을 받는 반면, 나움부르크에 있는 집은 작센 자이츠 공작 모리츠 빌헬름에 의해 시작되었고 지지를 받았지만, 공공 공연을 제공했습니다.

오페라 세리아, 싱스피엘, 초기 심각한 독일 오페라

그 시대의 다른 주요 독일 작곡가들은 헨델의 예를 따르는 경향이 있었다.이것은 독일 여러 주의 법정이 이탈리아어로 된 오페라를 선호했기 때문이다.1730년 오페라 세리아의 주요 지지자인 이탈리아 리브레티스트 트랜스차시오는 비엔나에서 황실 시인으로 거주했다.요한 아돌프 하세는 드레스덴의 작센 선제후 궁정을 위해 이탈리아어로 오페라를 썼다.하세는 또한 베를린의 프레데릭 대왕의 궁정을 위해 오페라를 썼고, 칼 하인리히 그룬도 그랬다.왕은 1755년에 처음 공연된 그룬의 몬테주마의 대본을 직접 제공했습니다.

귀족의 후원을 빼앗긴 독일 오페라는 살아남기 위해 일반 대중을 바라볼 수밖에 없었다.이것은 극단이 이 동네 저 동네를 순회해야 한다는 것을 의미했다.싱스피엘은 특히 작곡가 요한 아담 힐러의 손에 의해 독일 오페라의 가장 인기 있는 형태가 되었다.힐러의 가장 유명한 작품은 Die Jagd(1770)이지만, Singpiel Die verwandelten Weiber의 1766년 재작품은 이 장르의 역사에 획기적인 것이었다.이 싱피엘은 영국의 발라드 오페라와 프랑스의 오페라의 비슷한 장르에 영향을 받아 회화 대화와 노래를 혼합한 희극이었다.종종 감상적인 줄거리와 매우 단순한 음악을 가진 싱피엘레는 예술적 정교함에서 현대 오페라 세리아에 비할 바가 못 된다.

1770년대에 아벨 세일러의 극단은 진지한 독일어 오페라를 개척했고, 세일러는 힐러, 게오르크 벤다, 안톤 슈바이처와 다른 ^[10]작곡가들의 오페라를 의뢰했다.독일 오페라의 이정표는 1773년 바이마르에서 초연된 안톤 슈바이처의 '알케스테'로,^[11] 빌란트가 각본을 쓰고 세이러가 의뢰했다.알케스테는 에른스트^[12] 크리스토프 드레슬러에 의해 "독일 오페라의 모델"로 불리며 독일 최초의 진지한 ^[13]오페라로 묘사되어 왔다.18세기 말에는 독일의 오페라 전통을 영구적으로 바꿀 작곡가가 등장했습니다.볼프강 아마데우스 ^[14][15][16]모차르트.

고전 시대

모차르트의 싱스피엘

18세기 후반 음악이 클래식 시대로 접어들면서, 대부분의 독일 태생의 작곡가들은 여전히 자신들의 언어로 오페라를 쓰는 것을 피했다.초기 고전시대의 위대한 인물은 크리스토프 윌리발드 글룩이었지만 그의 선구적인 개혁은 독일 레퍼토리가 아닌 이탈리아와 프랑스 오페라를 지향했다.1778년 요제프 2세 황제는 빈의 부르그 극장(Burg Theater)에 독일어 오페라 극단인 국립 싱스피엘(National Singpiel)을 설립함으로써 이러한 상황을 바꾸려고 시도했다.실험은 단기간에 끝났고 1783년에 해체되었지만, 그 전 해에 젊은 모차르트의 Die Entführung aus dem Serail로 의심할 여지 없는 성공을 거두었다.괴테는 그 작품의 질을 즉시 알아채고 "우리 모두를 놀라게 했다"고 선언했다.그 후 몇 년 동안 비엔나에 독일어 오페라를 제공하는 상업 극장이 생겨났다.임프레사리오 에마누엘 시카네더는 도시 외곽에 있는 그의 Theater auf der Wieden에서 특히 성공을 거두었다.1791년, 그는 모차르트를 설득하여 그의 작품 중 하나인 마법피리를 작곡했다.이것은 평범한 싱스피엘이 아닌 것으로 판명되었다.전통적인 익살스러운 요소들이 남아있었지만, 모차르트는 특히 사라스트로와 그의 성직자들을 위한 음악에 새로운 진지함을 더했다.마법의 피리는 디 엔트퓌룽보다 더 미래의 독일 ^[17][18][19]오페라를 위한 길을 가리켰다.

베토벤과 피델리오

다음 세대의 가장 위대한 독일 작곡가 베토벤은 그의 유일한 오페라인 피델리오를 위해 마법피리의 국내 코미디와 높은 진지함을 혼합한 그의 이야기를 정치적 투옥으로부터 남편을 구하는 헌신적인 아내의 이야기를 포착했다.1789년 프랑스 혁명 이후 몇 년은 유럽 역사상 가장 격동의 시기였다.피델리오에서 베토벤은 그 혁명의 이상인 자유, 평등, 우애를 표현하고 싶었다.그는 또한 현대 프랑스 작품, 특히 루이지 셰루비니의 구조 오페라에서 영감을 받았습니다.베토벤은 거의 틀림없이 오페라의 타고난 작곡가는 아니었고, 피델리오가 1805년에 초연되었지만, 1814년이 되어서야 최종본을 제작했다.그럼에도 불구하고, 피델리오는 독일 레퍼토리의 ^[20]핵심 작품 중 하나이며 걸작으로 널리 인정받고 있다.

독일 낭만 오페라

초기 낭만주의

19세기 초에 낭만주의로 알려진 거대한 문화 운동은 독일 작곡가들에게 영향을 미치기 시작했다.낭만파들은 중세 독일 민속학뿐만 아니라 중세에도 깊은 관심을 보였다.그림 형제의 동화 모음집과 중세 독일 서사시 니벨룽겐이 재발견된 것은 이 운동에 영감을 준 주요 원천이었다.또한 나폴레옹의 침략 후에 생겨난 새로운 민족주의의 영향을 받은 독특한 독일 정체성에 대한 추구가 종종 있었다.낭만주의는 티크, 노발리스, 아이헨도르프, 클레멘스 브렌타노와 같은 작가들과 함께 이미 독일 문학에 확고히 자리 잡았다.가장 유명한 독일 낭만주의 작가 중 한 명인 E. T. A. 호프만은 또한 음악 이론가이자 작곡가였고 1816년에는 베를린에서 오페라 운디네를 제작했다.또 다른 중요한 초기 로맨틱 오페라는 루이 스포어의 파우스트였다.호프만과 스포르 둘 다 싱스피엘의 기본 형태를 출발점으로 삼았지만 개별 번호를 확장 장면으로 묶기 시작했다.그들은 또한 "추억 모티브"를 ^[21][22]사용했는데, 이는 바그너가 레이트모티프를 사용할 수 있는 길을 열어줄 수 있는 오페라 속 인물이나 개념과 관련된 반복되는 음악적 주제였다.

웨버

독일 낭만 오페라 역사상 가장 큰 돌파구는 1821년 6월 18일 베를린에서 초연된 칼 마리아 폰 베버의 Der Freischütz였다.베버는 로시니라는 이탈리아 오페라의 유럽 전역에 걸친 지배에 분개했고 독특한 독일 스타일의 오페라를 세우고 싶어했다.그는 영감을 얻기 위해 독일 민요와 민담에 의존했다; Der Freischütz는 악마와 약속을 한 사격수와 관련된 아펠과 런의 게스펜스터부흐 ("바리스 서")에 나오는 이야기에 바탕을 두고 있다.웨버의 강점은 관현악 색채를 통해 분위기를 자아내는 뛰어난 능력이었다.서곡의 첫 소절부터 우리가 독일의 원시림 속에 있다는 것은 명백하다.이 오페라의 하이라이트는 영웅 맥스가 악마와 거래하는 오싹한 울프의 글렌 장면이다.Der Freischütz는 독일뿐만 아니라 유럽 전역에서 엄청난 인기를 끌었다.베버는 결핵으로 일찍 죽고 리브레티를 제대로 선택하지 못했기 때문에 오페라 작곡가로서의 그의 잠재력을 완전히 달성하지 못했다.데르 프라이슈츠에 이은 그의 주요 독일 오페라 에우리안테(1823년)는 특히 텍스트가 약해서 오늘날에는 거의 무대에 오르지 않는다.그러나 에우리안테는 진지한 독일 오페라의 발전에 있어 또 다른 중요한 무대이다.베버는 회화적인 대화를 완전히 배제하고, 낭송과 아리아 사이의 구분이 모호해지는 "구체적인" 작품을 만들었다.그 교훈은 ^{[23][24][25][22]}리하르트 바그너를 포함한 미래의 작곡가들에게 지워지지 않을 것이다.

그 시대의 다른 작곡가들

낭만주의 오페라 분야에서 베버의 가장 중요한 후계자는 하인리히 마르슈네르로, 그는 Der Vampyr (1828)와 Hans Heiling (1833)과 같은 작품에서 고딕과 초자연적인 것을 더 탐구했다.반면에, 알버트 로르칭이 그의 가장 큰 성공을 거둔 것은 코믹 오페라였다.로칭의 오페라는 해외에서 거의 무대에 오르지 않지만 자르 운드 짐머만과 같은 작품들의 인기는 오늘날 독일에서 계속되고 있다.비록 독일에서 시작되었지만, Giacomo Meyerbeer는 이탈리아어, 특히 프랑스 오페라에 대한 공헌으로 더 유명했다.그는 바그너의 초기 작품을 포함한 독일 음악의 발전에 중요한 영향을 미친 그의 그랜드 오페라의 개념에 세 가지 국가 스타일의 요소들을 융합시켰다.그 시대의 다른 주목할 만한 오페라로는 오토 니콜라이의 다이 루지겐 바이버 폰 윈저(1849년)와 프리드리히 폰 플로토의 마사(1847년)가 있다.나중에 피터 코넬리우스 (Der Barbier von Bagdad, 1858), 헤르만 괴츠 (Der Widerspénstigen Zéhmung, 1874), 카를 골드마크 (Die Königin von Saba, 1875)가 나왔다.

다른 장르의 주요 작품을 쓰면서도 오페라를 작곡한 두 명의 위대한 작곡가에 대해 언급해야 한다.프란츠 슈베르트와 로베르트 슈만입니다.슈베르트는 십여 개의 오페라를 썼는데, 대부분 싱피엘 스타일로 썼다.그 작곡가가 살아 있는 동안에는 거의 연주되지 않았다.슈만은 1850년 라이프치히에서 초연된 제노베바라는 오페라를 단 한 편 썼다.리스트의 칭찬에도 불구하고 지속적인 성공을 거두지 못했다.이 두 작곡가의 오페라에 대한 평결은 대체로 훌륭한 음악을 담고 있지만, 훌륭한 무대 ^[26][27]작품이라고 칭송하기에는 극적인 약점이 너무 많다는 것이었다.

바그너

리하르트 바그너는 음악 역사상 가장 혁명적이고 논란이 많은 작곡가 중 한 명이었고 그의 혁신은 독일과 오스트리아뿐만 아니라 유럽 전역에서 오페라의 진로를 바꾸었다.바그너는 음악, 시, 회화의 융합인 "Gesamtkunstwerk" ("완전 예술 작품")로서 오페라의 새로운 개념을 점차 발전시켰다.그의 초기 실험은 베버와 마이어비어가 만든 예를 따라 했지만, 그의 가장 중요한 조형적 영향은 아마도 베토벤의 교향곡이었을 것이다.바그너는 그의 경력이 Der fliegende Hollénder (1843년)에서 시작됐다고 믿었다.뒤이어 나온 두 작품인 탄호이저와 로헨그린과 함께, 이것은 "독일 ^[28]낭만 오페라의 제니스"로 묘사되었다.그러나 이것들은 훨씬 더 급진적인 발전의 서막일 뿐이었다.그의 성숙한 드라마인 트리스탄 언 이졸데, 디 마이스터싱어 폰 뉘른베르크, 니벨룽겐 데르 링, 파시팔에서 바그너는 "끝없는 멜로디"의 매끄러운 흐름을 위해 아리아와 낭송의 구별을 없앴다.그는 오케스트라의 역할과 힘을 크게 증가시켜 복잡한 리프모티프의 거미줄로 악보를 만들어냈다; 그리고 그는 더 큰 표현력을 추구하는 과정에서 음조와 같은 받아들여진 음악적 관습을 어길 준비가 되어 있었다.바그너는 또한 그의 작품에서 오페라에 새로운 철학적 차원을 가져왔는데, 그것은 보통 게르만 또는 아서 전설에 바탕을 두고 있었다.마침내, 바그너는 바이로이트에 자신만의 오페라 하우스를 지었고, 오로지 그가 ^[29][30]원하는 스타일로 자신의 작품을 공연하는데 전념했다.

후기 낭만 오페라

바그너 이후

바그너의 혁신은 그들만의 개성을 유지하면서 그의 영향력을 흡수하기 위해 애쓰는 후속 작곡가들에게 커다란 그림자를 드리웠다.다음 세대의 가장 성공적인 작곡가 중 한 명은 험퍼딩크였는데, 그의 헨젤 앤 그레텔은 여전히 표준 레퍼토리에서 확실한 위치를 차지하고 있다.험퍼딩크는 영감을 얻기 위해 민요와 그림 형제의 이야기로 되돌아갔다.그러나 헨젤은 종종 아이들에게 오페라를 소개하기 위한 이상적인 작품으로 여겨지지만, 그것은 또한 매우 정교한 오케스트레이션을 가지고 있고 바그너의 영향력을 보여주는 두 가지 징후인 Leitmotifs를 잘 활용한다.

오페라를 시도했던 다른 작곡가들로는 휴고 볼프와 바그너의 아들 ^[31]지크프리트가 있다.

리하르트 스트라우스

리하르트 스트라우스는 그의 아버지의 반대로의 노력에도 불구하고 바그너의 영향을 많이 받았다.17세 때, 그는 탄호이저, 로헨그린, 지그프리트에 감명받지 못했지만, 반지와 트리스탄 und 이졸데의 ^{[citation needed]}다른 세 조각에 완전히 매료되었다.비록 그의 초기 시절에 그는 오케스트라 음색으로 더 유명했지만, 살로메와 엘렉트라(1909)는 독일의 대표적인 오페라 작곡가로서의 명성을 빠르게 확립했다.이 두 오페라는 음조 음악 체계를 한계점까지 확장시켰다.매우 색채가 강한 음악은 거친 불협화음과 해결되지 않은 하모니를 특징으로 했다.이것은 끔찍한 주제와 결합되어 표현주의를 기대했다.엘렉트라는 또한 슈트라우스와 오스트리아의 대표적인 시인이자 극작가 휴고 폰 호프만스탈의 작업 관계의 시작을 알렸으며, 그는 작곡가에게 또 다른 5개의 리브레티를 제공했다.1911년 Der Rosenkavalier와 함께, Strauss는 방향을 바꿔, Wagner만큼 모차르트와 빈 왈츠의 세계를 바라보았다.모더니즘 비평가들은 그를 "매각"이라고 비난했지만, 로젠카발리에는 전 세계 관객들에게 엄청난 성공을 거두었다.스트라우스는 아리아드네 아우프 낙소스의 희극과 높은 비극, 디프라우네 샤튼의 복잡한 우화, 인터메조와 아라벨라의 국내 드라마, 그리고 신화적인 디에집트 헬레나와 다프네를 계속해서 만들어내며 비판적인 패션을 무시했다.스트라우스는 ^[32]오페라의 단어와 음악의 관계를 탐구하는 "대화 작품"인 1942년 카프리시오와 함께 뮤지컬 무대에 작별을 고했다.

기타 후기 낭만주의

프란츠 슈레커(Der ferne Klang, 1912; Der Schatzgréber, 1920), 알렉산더 폰 젬린스키(Eine florentinische Tragödie, 1917; Der Zwerg, 1922; Erich Korngold, 1920)와 같은 " 후기 낭만주의자"라고 불리는 작곡가들은 1920년 스트라우스와 비슷한 영역을 탐험했다.그들은 바그너의 영향, 풍부한 오케스트레이션, 이상한 조화, 불협화음을 예술에서 표현주의의 지배와 지그문트 프로이트의 현대 심리학적 탐구를 반영하는 "퇴폐적인" 주제와 결합시켰다.세 작곡가 모두 나치 치하에서 박해와 일식을 겪었는데, 나치 치하에서는 그들의 작품이 타락한 음악이라고 비난했습니다.한스 피츠너는 더 보수적인 스트라이프였지만 후기 낭만주의 후기 와그네르인이었다.그의 주요 오페라 팔레스트리나(1917년)^[33]는 음악적 모더니즘보다는 전통과 영감을 내세운다.

오페레타의 전성시대

19세기 후반, 새롭고 가벼운 형태의 오페레타가 비엔나에서 인기를 끌었다.오페레타스는 즉시 매력적인 곡과 코믹한 줄거리, 그리고 뮤지컬 "숫자" 사이의 구어 대화를 사용했다.비엔나 오페레타는 자크 오펜바흐의 프랑스 오페레타를 위한 패션에서 영감을 받았다.프란츠 폰 수페의 Das Penancat [de] (1860)는 일반적으로 독일어의 첫 번째 중요한 오페라로 간주되지만, 지금까지 이 장르의 가장 유명한 예는 요한 스트라우스의 Die Fledermaus (1874년)이다.프란츠 레하르의 '즐거운 미망인'(1905년)과 에메리치 칼만의 '다이 크사르다스튀르스틴'(1915년)도 큰 인기를 끌었다.이 스타일로 작업한 다른 작곡가로는 오스카 스트라우스와 지그문트 롬버그가 ^[34]있다.

모더니즘:제2빈파

바그너의 예를 따라, 리하르트 스트라우스, 젬린스키, 슈레커는 전통적인 음조를 절대적인 한계까지 밀어붙였다.이제 비엔나에는 음악을 넘어서고 싶어하는 새로운 작곡가 그룹이 나타났다.오페라적 모더니즘은 아토나티즘과 그 이후의 발전인 도데카포니의 옹호자인 소위 제2빈 학파의 두 작곡가 아놀드 쇤베르크와 그의 견습생 알반 베르크의 오페라에서 시작되었다.쇤베르크의 초기 음악극 작품인 에르워퉁(1909년, 1924년 초연)과 디글뤼클리체 핸드는 일반적으로 색채의 조화와 불협화음을 많이 사용한다.쇤베르크는 또한 때때로 "지시된 간격에 비례하여 오르내리는 목소리, 그리고 멈춤이 있는 곳을 제외하고 모든 것이 음악의 시간과 리듬과 함께 결합된다"고 묘사했다.쇤베르크는 그의 오페라 걸작으로 모세와 아론을 의도했지만,^[35] 그의 죽음으로 미완성으로 남겨졌다.

쇤베르크의 제자 알반 베르그, 보즈체크와 룰루의 두 오페라는 위에서 설명한 것과 같은 특징을 많이 가지고 있지만, 비록 베르그르가 쇤베르크의 12음 기법에 대한 그의 매우 개인적인 해석과 좀 더 전통적인 톤의 자연의 선율적인 구절들을 결합했다.이것은 아마도 왜 그의 오페라가 논란이 많은 음악과 줄거리에도 불구하고 표준 레퍼토리에 머물러 있는지 부분적으로 설명해 줄 것이다.

1918년~1945년: 바이마르 독일, 오스트리아, 제3제국 간 전쟁

세계 대전 이후 몇 년 동안 나는 독일과 오스트리아 문화가 주변의 정치적 혼란에도 불구하고 번성하는 것을 보았다.후기 낭만주의 작곡가들은 여전히 공언한 모더니스트 쇤베르크와 베르크와 함께 일하고 있었다.이탈리아 태생의 Ferruccio Busoni는 바흐와 아방가르드, 지중해, 게르만 문화를 그의 음악에서 융합시키려고 시도하면서 개인 고랑을 갈았다.그는 그의 가장 중요한 오페라 독토 파우스트(1925)를 완성할 때까지 살지 못했다.폴 힌데미스는 부소니가 그랬던 것처럼 바흐로 전향하기 전에 뫼르더, 호프농 데르 프라우엔과 같은 짧고 추악한 곡들로 그의 오페라 경력을 시작했다.힌데미스는 바흐에서 영감을 받은 "신 고전주의"를 후기 낭만주의의 과오를 억제하는 방법으로 보았다.카딜락(1925년)은 이런 맥락에서 그의 첫 작품이었다.힌데미트는 또한 그의 오페라 (차이토퍼라고 불리는 개념)에서 현대 생활을 무대에 올리는 것에 관심이 있었고, 그의 에른스트 크레넥은 그의 영웅으로 재즈 바이올리니스트를 데리고 있었다.Kurt Weill은 보다 노골적인 정치적 방법으로 바이마르 독일에서의 삶을 반영했다.베르톨트 브레히트와의 가장 유명한 합작 작품인 스리페니 오페라 (1928년)는 스캔들이자 엄청난 흥행 성공이었다.

아돌프 히틀러의 권력 승계는 이 번창하는 오페라 장면을 파괴했다.아이러니하게도 1933년 라이히스타그 소실 이후 독일 정부 소재지는 베를린에 있는 국립 오페라 하우스인 크롤 오페라 하우스로 옮겨졌다. 크롤 오페라 하우스는 오토 클렘페러의 모험적인 감독 하에 힌데미스의 '네우스 구모티지'를 포함한 1920년대의 많은 혁신적인 작품들이 초연되었다.이제 힌데미스는 제3제국의 출현에 그의 주요 작품인 마티스 데 말러로 화답했다. 이 그림은 적대시대에서 살아남기 위해 노력하는 한 예술가의 초상화이다.1938년 취리히에서 초연되었는데, 그 이유는 힌데미스의 모든 음악 공연이 독일에서 금지되었기 때문이다.1940년 힌데미스는 스위스를 떠나 미국으로 향했고, 쇤베르크, 바일, 코른골드, 젬린스키를 포함한 작곡가들의 대서양 횡단 탈출에 동참했다.슈레커는 나치에 의해 교수직에서 해임된 후 1934년에 사망했습니다; 촉망받는 빅토르 울만과 같은 다른 작곡가들은 죽음의 수용소에서 죽었습니다.칼 오르프, 베르너 에그크, 그리고 나이든 리하르트 스트라우스를 포함한 몇몇 오페라 작곡가들은 그들이 ^[36][37]할 수 있는 한 새로운 정권에 적응하기 위해 독일에 남았다.

1945년 이후

제2차 세계대전 후에 작곡한 작곡가들은 제3제국에 의해 야기된 파괴를 받아들일 방법을 찾아야 했다.쇤베르크와 베르크의 모더니즘은 젊은 작곡가들에게 매력적으로 드러났다. 왜냐하면 그들의 작품은 나치에 의해 금지되었고 전 정권의 오점으로부터 자유로웠기 때문이다.베른트 알로이스 짐머만은 그의 유일한 오페라 다이 솔다텐(1965년)에서 버그의 보즈젝의 예를 들었고, 아리버트 레이만은 셰익스피어 리어(1978년)로 표현주의의 전통을 이어갔다.아마도 가장 다재다능하고 국제적으로 유명한 전후 독일 오페라 작곡가는 베르지앙의 영향을 베르디 ^{[citation needed]}같은 이탈리아 작곡가의 영향을 혼합한 일련의 작품을 제작한 한스 베르너 헨제일 것이다.그의 오페라의 예로는 대로 고독, 바사리드 (W. H. 오든의 대본을 쓴)와 다스 베라틴 미어가 있다.Karlheinz Stockhausen은 일주일 중 7일을 기반으로 한 그의 거대한 오페라 사이클로 훨씬 더 아방가르드적인 방향으로 출발했다.지젤러 클레베는 문학작품을 ^[38]바탕으로 오페라 장르에서 광범위한 작품을 창조했다.오늘날에도 오페라를 제작하는 다른 주요 작곡가로는 볼프강 림과 올가 ^[39][40]뉴워스가 있다.

「 」를 참조해 주세요.

• 카테고리:독일어 오페라

주 및 참고 자료

원천

• Grout, Donald Jay (2003). A Short History of Opera (4th ed.). Columbia University Press.
• Holden, Amanda, ed. (1993). The Viking Opera Guide. Viking.
• Parker, Roger, ed. (1994). The Oxford Illustrated History of Opera. Oxford University Press.
• Zaslaw, Neal, ed. (1989). Man and Music: The Classical Era. Macmillan.

추가 정보

• 뉴 그로브 오페라 사전, 에디스탠리 새디(옥스포드 대학 출판부, 1992년)