발레
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공연 예술 |
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발레(프랑스어: [발레])는 15세기 이탈리아 르네상스기에 시작되어 프랑스와 러시아에서 콘서트 댄스로 발전한 공연 무용의 한 종류이다.그것은 그 이후 널리 퍼져있고 매우 기술적인 형태의 춤이 되었다.발레는 세계적으로 영향력이 있었고 많은 다른 춤 장르와 문화에서 사용되는 기초 기술을 정의했다.세계의 다양한 학교들이 그들만의 문화를 통합해 왔다.그 결과 발레는 뚜렷한 방식으로 발전했다.
발레는 발레 작품을 위한 안무와 음악으로 구성되어 있다.발레는 훈련된 발레 무용수들에 의해 안무되고 공연된다.전통적인 클래식 발레는 보통 클래식 음악과 함께 연주되고 정교한 의상과 무대를 사용하는 반면, 현대의 발레는 종종 정교한 세트나 풍경 없이 단순한 의상을 입고 연주된다.
어원학
발레는 이탈리아 발레토에서 유래한 프랑스어로, "춤을 [1][2]추다"라는 뜻의 라틴어 ballo, ballare에서 유래했으며, 이는 다시 "춤을 추다, [2][3]뛰어다니다"라는 뜻의 그리스어 "βααλω"),"에서 유래했다.그 단어는 1630년경 프랑스에서 영어로 쓰이게 되었다.
역사
발레는 15세기와 16세기의 이탈리아 르네상스 궁정에서 유래되었다.캐서린 드 메디치의 여왕으로서의 영향 아래, 그것은 프랑스로 퍼져 나갔고, 그곳에서 더욱 [4]발전하였다.이러한 초기 궁정 발레의 무용수들은 대부분 귀족 아마추어들이었다.장식된 의상은 관객들에게 깊은 인상을 주기 위한 것이었지만,[5] 그것은 공연자들의 이동의 자유를 제한했다.
발레는 3면을 관람하는 큰 방에서 공연되었다.1618년부터 프로세니움 아치의 구현은 관객으로부터 멀리 떨어져 있는 연주자들에게서 이루어졌으며,[citation needed] 그들은 프로덕션에서 전문 무용수들의 기술적 위업을 더 잘 보고 감상할 수 있었다.
프랑스 궁정 발레는 루이 14세 때 절정에 달했다.루이스는 기준을 세우고 춤 [6]지도자를 인정하기 위해 1661년 아카데미 로얄 드 댄스를 설립했습니다.1672년 루이 14세는 장 밥티스트 룰리를 최초의 전문 발레단인 파리 오페라 발레단이 탄생한 [7]아카데미 로얄 드 뮤지크(파리 오페라)의 감독으로 임명했다.피에르 보샹은 루리의 발레 마스터로 일했다.그들의 동반자 관계가 발레의 발전에 큰 영향을 미칠 것이며, 이는 발의 다섯 가지 주요 위치를 창조한 것에 대한 그들의 공로를 증명한다.1681년까지 최초의 발레리나들은 아카데미에서 [5]수년간 훈련을 받은 후 무대에 올랐다.
발레는 1830년 이후 프랑스에서 쇠퇴하기 시작했지만 덴마크, 이탈리아, 러시아에서 계속 발전했다.제1차 세계대전 전날 세르게이 디아길레프가 이끄는 발레단의 유럽 진출은 발레에 대한 관심을 되살려 현대시대를 [8]열었다.
20세기에 발레는 다른 무용 [9]장르에 큰 영향을 미쳤고, 또한 20세기에 발레는 고전 발레에서 현대 무용의 도입으로 나누어지면서 몇몇 국가에서 [10]모더니즘 운동으로 이어졌다.
20세기의 유명한 무용수로는 안나 파블로바, 갈리나 울라노바, 루돌프 누레예프, 마야 플리제츠카야, 마고 폰테인, 로젤라 하이타워, 마리아 톨 추장, 에릭 브룬, 미하일 바리슈니코프, 수잔 파렐, 겔시 커크랜드, 나탈리아, 마카야 등이 있다.잔 드베로는 30년간 프리마 발레리나로 활약하며 트리플 푸엣 [12]16개를 성공시키며 세계 신기록을 세웠다.
스타일
![](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/49/MarieSalle.jpg/220px-MarieSalle.jpg)
문체 변형과 하위 장르는 시간이 지남에 따라 발전해 왔습니다.초기에, 고전적인 변화는 주로 지리적 기원과 관련이 있다.이것의 예로는 러시아 발레, 프랑스 발레, 이탈리아 발레가 있다.현대 발레와 신고전주의 발레와 같은 이후의 변형은 고전 발레와 비전통적인 기술과 동작을 모두 포함한다.아마도 가장 널리 알려지고 공연되는 발레 스타일은 후기 낭만적인 발레일 것이다.
클래식 발레
클래식 발레는 전통적인 발레 기술과 [13]어휘에 기반을 두고 있다.프랑스 발레, 이탈리아 발레, 잉글리시 발레, 러시아 발레와 같은 다른 스타일들이 다른 나라에서 생겨났다.몇몇 고전 발레 스타일은 특정한 훈련 방법과 연관되어 있으며, 일반적으로 창작자의 이름을 따서 명명됩니다(아래 참조).왕립무용아카데미 방식은 다양한 발레 무용수들에 의해 만들어진 발레 기술 및 훈련 시스템이다.그들은 각각의 춤 방법(이탈리아, 프랑스, 덴마크, 러시아)을 합쳐서 이 조직만의 독특한 발레 스타일을 만들어 냈고 국제적으로도 영국 [8]발레 스타일로 인정받고 있다.고전 발레 작품의 예로는 백조의 호수, 잠자는 숲속의 공주, 호두까기 인형이 있다.
로맨틱 발레
로맨틱 발레는 고전 발레의 예술적 운동이었고 오늘날에도 몇몇 작품들이 고전 레퍼토리에 남아 있다.낭만주의 시대는 포인트의 작품, 여성 무용수의 지배, 부드러움과 섬세한 [5]아우라의 본보기를 보여주려는 길고 유려한 투투의 출현으로 특징지어졌다.이 운동은 19세기 초중반(낭만주의 시대)에 일어났으며 강렬한 감정을 미적 경험의 원천으로 강조한 주제를 특징으로 했다.많은 로맨틱 발레의 줄거리는 인간의 마음과 감각을 노예로 삼은 영혼의 여자들을 중심으로 전개되었다.1827년 발레 '라 실피데'가 최초, 1870년 발레 '코펠리아'가 [4]마지막이라고 널리 알려져 있다.낭만주의 시대의 유명한 발레 무용수로는 마리 타글리오니, 패니 엘슬러, 줄스 페로가 있다.줄스 페로는 그의 안무, 특히 가장 널리 알려진 로맨틱 발레로 여겨지는 지젤의 안무로도 잘 알려져 [5]있다.
신고전주의 발레
신고전주의 발레는 대개 추상적이며 뚜렷한 줄거리, 의상, 풍경이 없다.음악 선택은 다양할 수 있으며, 종종 신고전주의 음악(예: Stravinsky, Rousel)을 포함합니다.'페티파에서 발란치네로'의 저자 팀 숄은 1928년 조지 발란치네의 아폴로가 최초의 신고전주의 발레라고 생각한다.아폴로는 세르게이 디아길레프의 추상적인 발레에 대한 반응으로 형태로의 복귀를 표현했다.발렌차인은 현대 무용 안무가 마사 그레이엄과 함께 일했고 1959년 발렌차인의 에피소드([14]Episodes)에서 공연한 폴 테일러와 같은 현대 무용수들을 그의 극단으로 데려왔다.
발란친은 신고전주의 발레의 얼굴로 널리 알려져 있지만, 중요한 공헌을 한 다른 사람들도 있었다.프레데릭 애쉬턴의 교향곡 (1946)은 안무가를 위한 중요한 작품이다.같은 타이틀의 세사르 프랑크의 점수로 설정되면, 그것은 그 [5]점수에 대한 순수한 춤 해석이다.
또 다른 형태인 모던 발레 또한 신고전주의의 분파로 떠올랐다.이 형태의 혁신가 중에는 글렌 테틀리, 로버트 조프리, 제럴드 아르피노가 있었다.신고전주의에서 현대 발레를 해석하는 것은 어렵지만, 이들 안무가의 작품은 발레의 섬세함에서 벗어난 더 큰 운동성을 선호했다.신체적인 면에서는 분위기, 주제, 음악이 더 강렬하게 느껴졌다.그 예로는 조프리의 아스타르테(1967년)가 있는데,[8] 이 곡은 록 악보와 성적 함축성을 안무에 담았다.
현대 발레
이 발레 스타일은 종종 맨발로 공연된다.현대의 발레는 마임과 연기를 포함할 수 있으며, 보통 음악으로 설정된다(일반적으로 오케스트라이지만 때때로 목소리도 있음).이 형식을 신고전주의나 현대 발레와 구별하는 것은 어려울 수 있다.현대 발레는 또한 현대 무용에 가깝습니다. 왜냐하면 많은 현대 발레 개념이 바닥 작업과 다리 굴림을 포함한 20세기 현대 무용의 아이디어와 혁신에서 비롯되기 때문입니다.가장 큰 차이점은 발레 기법이 현대 발레를 공연하는데 필수적이라는 것이다.
조지 발란친은 현대 발레의 선구자로 여겨진다.또 다른 초기 현대 발레 안무가인 Twyla Tharp은 1976년에 American Ballet Theatre에서 Push Comes To Shopp을 안무했고 1986년에는 그녀의 회사를 위해 In The Upper Room을 만들었습니다.이 두 작품 모두 포인트 슈즈와 고전적으로 훈련된 무용수들을 사용하여 뚜렷하게 현대적인 동작을 혼합한 혁신적인 작품으로 여겨졌다.
오늘날 많은 현대 발레단과 안무가들이 있다.여기에는 알론조 킹과 그의 극단 LINES 발레, 매튜 본과 그의 회사 뉴 어드벤처, 콤플렉션 현대 발레, 나초 두아토와 그의 콤파니아 나시오날 드 단자, 윌리엄 포시테와 포시 더 컴퍼니, 그리고 네덜란드 단스 극장의 지이 킬리안 등이 포함됩니다.마린스키 발레단과 파리 오페라 발레단과 같은 전통적인 "고전적인" 극단들 또한 정기적으로 현대 작품을 공연한다.
발레라는 용어는 그것과 관련된 모든 형태를 포함하도록 진화했다.발레 무용수로서 훈련을 받은 누군가가 이제 신고전주의, 현대, 현대 작품을 공연할 것으로 기대된다.발레 무용수는 고전적인 작품에서는 위엄 있고, 고전적인 작품에서는 자유롭고 서정적이며, 현대와 현대적 작품에서는 겸손하고, 거칠고, 평범할 수 있을 것으로 기대됩니다.게다가 고전 발레 기법과 현대 무용이 융합된 현대 무용에는 여러 가지 종류가 있는데, 예를 들어 Hiplet은 비서양 무용 [15]스타일로 무용수들을 연습시켜야 합니다.
발레 교습의 기술적 방법
발레를 가르치거나 공부하기 위해 널리 사용되고 국제적으로 알려진 여섯 가지 방법이 있다.프랑스 학교, 바가노바 메서드, 체체티 메서드, 부르농빌 메서드, 왕립무용아카데미 메서드(영국식), 발랑친 메서드(미국식) 등이다.다양한 나라에 더 많은 기술 학파가 존재한다.
비록 취학 전 연령의 아이들이 발레 스튜디오의 수익원이지만, 발레 지도는 일반적으로 어린 아이들에게 [16][failed verification]적절하지 않다.초기 지도는 춤보다는 가만히 서서 자세에 집중해야 한다.이 때문에 많은 발레 프로그램들은 역사적으로 대략 8세가 될 때까지 학생들을 받아 들이지 않았다.아이들의 [17][18]대안으로 창의적인 움직임과 수요가 많지 않은 프리 발레 수업이 추천된다.
프랑스어법
프랑스 방식은 모든 발레 훈련의 기본이다.루이 14세가 1661년에 아카데미 로얄 드 당스를 만들었을 때, 그는 그들이 어떤 훈련 방법을 고수하든 상관없이, 아직도 그 직업에 종사하는 사람들이 사용하는 성문화된 기술을 만드는 것을 도왔다.프랑스 학교는 특히 1980년대에 루돌프 누레예프 정권에서 부활했다.그의 영향력은 이 스타일에 대한 감상을 되살려 발레 [19]전체를 극적으로 형성했다.사실, 프랑스 학교는 때때로 뉴레예프 학교라고 불린다.프랑스 방식은 종종 기술적 정밀성, 유동성 및 우아함, 우아하고 깨끗한 선으로 특징지어집니다.이러한 스타일은,[20] 무대 위를 가볍게 표류하는 듯한 인상을 주기 위해서, 빠른 발놀림을 많이 이용한다.이 기술의 두 가지 중요한 상표는 포르트 드 브라와 에파우레멘트가 공연되는 특정한 방식입니다. 러시아 스타일로 춤을 출 때보다 더 둥글지만 덴마크 [21]스타일만큼 둥글지는 않습니다.
바가노바법
바가노바 방식은 아그리피나 바가노바가 만든 러시아 발레에서 나온 발레 훈련 방식이다.1916년 무용에서 은퇴한 후, 바가노바는 1921년 레닌그라드 안무 학교에서 가르치기 시작했다.그녀의 훈련 방법은 현재 국제적으로 인정받고 있고 그녀의 책인 "고전 무용의 기초"는 고전적인 참고 자료이다.이 방법은 고전적인 프랑스 스타일, 특히 낭만주의 시대의 요소들과 이탈리아 스타일의 운동성, [20]그리고 러시아 발레의 영혼적인 열정으로 특징지어진다.그녀는 그녀의 책 러시아 고전 무용의 기본 원리 (1948)에서 매우 정확한 교육 방법을 개발했습니다.여기에는 발레 경력에서 학생들에게 기술적 요소를 가르치는 시기, 그것에 얼마나 집중해야 하는지, 그리고 학생의 경력의 각 단계에서 적절한 양의 초점을 맞추는 것이 포함됩니다.이 교과서들은 오늘날 발레 지도에 매우 중요한 역할을 계속하고 있다.
이 방법은 발레의 적절한 공연을 위한 힘, 유연성, 지구력 개발을 강조한다.그녀는 발레를 할 때 팔과 다리를 동등하게 중시해야 한다는 신념을 신봉했는데, 이는 몸 전체에 [22]화합과 더 큰 표현을 가져다 줄 것이기 때문이다.
체케티법
엔리코 체케티(1850-1928)에 의해 개발된 이 방법은 고전 발레와 관련된 해부학의 이해에 크게 의존하는 것으로 국제적으로 알려져 있다.이 방법의 목적은 학생들에게 발레 공연의 중요한 특징을 심어주어 선생님들의 모방에 의존할 필요가 없도록 하는 것이다.이 방법의 중요한 구성요소는 균형, 입면도, 풍선, 균형 및 강도의 강조입니다.
이 방법은 신체의 모든 부분이 함께 움직여서 아름답고 우아한 선을 만든다는 것을 인식하는 것의 중요성과 함께 발레를 팔, 다리, 목과 몸통을 분리하는 것으로 생각하지 않도록 주의하는 것을 지지한다.이 방법은 [20]8개의 포트 드 브라를 사용하는 것으로 잘 알려져 있습니다.
부르농빌법
부르농빌법은 오거스트 부르농빌이 처음 고안한 덴마크식 방법이다.부르농빌은 그의 아버지 앙투안 부르농빌과 다른 중요한 프랑스 발레 거장들과의 훈련으로 인해 초기 프랑스 발레 방식에 큰 영향을 받았다.이 방법은 오늘날 [23]가르쳐지는 다른 발레 방법들과 차별되는 많은 스타일의 차이점을 가지고 있다.주요 구성 요소는 대각선 에파우먼트를 사용하는 것이며, 상체는 일반적으로 작동하는 발 쪽으로 회전합니다.이 방법은 또한 매우 기본적인 팔 사용, 낮은 데벨로페 위치에서 세컨드로의 피루엣, 움직임의 시작과 끝을 위한 5번째 위치 브래지어의 사용을 통합합니다.
부르농빌 방식은 아름다운 풍선을 가진 댄서들을 배출한다.[24]
왕립무용원법(RAD)
영국 발레 스타일로도 불리는 왕립무용아카데미 방식은 1920년 지니, 카르사비나, 베델스, 에스피노사, 리처드슨에 의해 확립되었다.이 방법의 목표는 영국 전역에 클래식 발레의 학술적 훈련을 촉진하는 것이다.이 스타일은 미국에도 퍼져 오늘날에도 널리 사용되고 있다.이 [25]방법으로 훈련을 완료하기 위해 학생이 통과해야 하는 특정 등급 수준이 있습니다.이 교육 방법의 핵심 원칙은 기본적인 발레 기술을 느린 속도로 가르쳐야 하며, 난이도의 진행은 종종 다른 방법보다 훨씬 느리다는 것입니다.기본 단계를 완성하기 위해 많은 노력을 기울인다면, 이 단계에서 배우는 기술은 학생들이 더 어려운 단계를 훨씬 더 쉽게 [20]활용할 수 있게 해 준다.
발란친법
뉴욕시립발레단의 조지 발란친에 의해 개발되었습니다.그의 방법은 러시아에서 댄서로서의 훈련을 많이 받는다.이 기술은 루틴 전반에 걸쳐 매우 빠른 속도, 선 강조 및 깊은 플레이에 대해 잘 알려져 있습니다.아마도 이 스타일의 가장 잘 알려진 차이점 중 하나는 [20]몸의 비정통적인 위치 결정일 것이다.이런 스타일의 댄서들은 종종 구부러진 손과 고른 발을 가지고 있으며, 균형을 잡지 못하는 위치에 놓입니다.이 방법을 가르치는 중요한 발레 스튜디오는 마이애미 시티 발레단, 발레 시카고 스튜디오 회사, 그리고 뉴욕에 [26]있는 미국 발레 학교입니다.
의상
발레 의상은 발레계에서 중요한 역할을 한다.그들은 종종 그 [27]장면의 살아있는 상상 속의 그림을 나타내며 작품의 유일한 생존자이다.
르네상스와 바로크
발레의 뿌리는 궁중 복장이 발레 의상의 시작이었던 프랑스와 이탈리아의 르네상스로 거슬러 올라간다.발레 의상은 15세기 초부터 있어왔다.면과 비단을 아마와 섞어서 반투명[27] 거즈로 짜서 멋진 발레 의상을 만들었습니다.
17세기
17세기 동안, 다양한 종류의 직물과 디자인이 의상을 더욱 화려하고 눈길을 사로잡기 위해 사용되었다.금세기에는 여전히 여성의 궁중 복장이 남아 있었다.실크, 새틴, 그리고 진짜 금과 보석으로 수놓인 직물은 발레 [27]의상과 관련된 화려한 장식의 수준을 높였다.여성들의 의상은 또한 무거운 옷과 무릎까지 내려오는 치마로 구성되어 있어서 많은 움직임과 몸짓을 만들어내기 어려웠다.
18세기
18세기 동안, 무대 의상은 여전히 궁정 복장과 매우 비슷했지만 시간이 지나면서 발전했는데, 주로 프랑스 무용수이자 발레 거장 장-조르주 노베르 (1727–1810)가 그의 혁명적인 발레 작품인 Letres sur la danse et les ballet (1760)에 발레를 현대화하자는 제안을 담았다.노베르의 책은 의상에서 무용수들의 신체적인 움직임과 감정으로 작품의 강조점을 바꿨다.
유럽 발레는 파리 [27]오페라를 중심으로 이루어졌다.이 시대에는 치마가 땅에서 몇 인치 정도 올라왔다.유자, 복숭아, 핑크, 피스타치오 등의 부드러운 파스텔 톤이 컬러 [27]범위를 지배하면서 꽃, 플랑스, 리본, 레이스가 이 화려한 여성스러운 스타일을 강조했다.
19세기
19세기 초에는 몸에 꼭 맞는 의상, 꽃관, 코르사주, 보석이 사용되었다.낭만주의의 이상은 여성 [27]운동을 통해 반영되었다.
발레리나의 곡선을 뽐내기 위해 코르셋이 사용되기 시작하면서 의상은 더욱 촘촘해졌다.보석과 화려한 의상은 훨씬 더 인기를 끌었다.
20세기
20세기 동안 발레 의상은 러시아 발레의 영향으로 되돌아왔다.발레리나 스커트는 무릎까지 오는 투투가 되었고, 나중에는 그들의 정확한 포인트 작품을 뽐내기 위해서였다.무대 의상에 사용된 색상도 훨씬 더 선명해졌다.디자이너들은 발레 무용수들이 무대에서 공연할 때 시각적인 표현을 하기 위해 빨간색, 주황색, 노란색 등의 색상을 사용했습니다.
직업으로서의 발레
전문 무용수들은 일반적으로 급여가 많지 않고, 일반적인 [28]근로자보다 적은 돈을 번다.2020년 현재, 미국 무용수(발레와 다른 춤 형식 포함)는 시간당 평균 19달러의 임금을 받고 있으며,[28] 교사들의 급여는 배우들보다 다소 더 높습니다.
채용 전망도 좋지 않고, 취업 경쟁도 치열해,[28] 모집 인원을 크게 웃돌고 있다.대부분의 직업은 사립 [28]무용학교에서 가르치는 것과 관련이 있다.
안무가는 [28]무용수보다 월급을 더 많이 받는다.뮤지션과 가수는 댄서나 안무가보다 시간당 30달러 정도 더 많은 보수를 받는다. 그러나 전업으로 일하는 [29]것은 음악가들에게 드문 일이다.
건강에 미치는 영향
10대 소녀 발레 무용수들은 첫 [30]갈비뼈에 피로성 골절을 일으키기 쉽다.섭식 장애는 흔한 것으로 생각되며, 2014년 메타 분석에 따르면 발레 무용수들은 여러 종류의 섭식 [31]장애에 대해 일반 인구보다 더 높은 위험에 처해 있다.게다가, 몇몇 연구원들은 발레의 집중적인 훈련이 [32]팔의 골밀도를 낮추는 결과를 가져온다는 것에 주목했다.
비판
대부분의 발레 안무는 비교적 젊은 [33]무용수만이 공연할 수 있도록 쓰여져 있다.발레의 구조는 (보통) 남성 안무가나 감독이 관련된 여성들을[clarification needed] 무시하거나 객관화하거나 침묵시키면서 그의 예술적 비전을 표현하기 위해 (대부분) 여성의 몸을 사용하는 것으로 [33][34]비판받아왔다.
「 」를 참조해 주세요.
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추가 정보
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외부 링크
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- Chisholm, Hugh, ed. (1911). Encyclopædia Britannica (11th ed.). Cambridge University Press. .