그래픽 표기법(음악)

Graphic notation (music)

그래픽 표기법(또는 그래픽 점수)은 전통 음악 표기법의 영역 밖에서 시각적 기호를 사용하여 음악을 표현하는 것이다.그래픽 표기법은 1950년대에 유행했고 전통 음악 표기법과 결합하거나 대신 사용할 수 있다.[1]그래픽 표기법은 현대 미술의 개념에 있어서 현대 시각 예술 경향의 영향을 받아 현대 미술의 양식적 요소들을 음악으로 가져왔다.[2]작곡가들은 종종 표준 음악 표기법이 효과적이지 않을 수 있는 실험 음악에서 그래픽 표기법에 의존한다.다른 용도에는 알레아로틱 또는 결정되지 않은 효과를 원하는 부분이 포함된다.이 테크닉의 초기 개척자 중 한 명은 Earle Brown이었는데, 그는 존 케이지와 함께 연주자들을 표기법의 제약으로부터 해방시켜 음악 창작에 적극 참여하게 하려고 노력했다.[3]

특성.

그래픽 표기법은 가변성과 표준화 미비점이 특징이다.베이커의 학생 음악 백과사전 제1권에 따르면, "그래픽 표기법은 극단적으로 정밀한(또는 의도적으로 부정확하게) 음조를 나타내거나 연주에서 음악적 행동이나 행동을 자극하는 데 사용된다."[4]현대 그래픽 표기법은 작곡자가 제공하는 시각적 내용을 해석하기 위해 각 개별 연주자의 상상력과 영감에 크게 의존한다.이러한 상대적 자유 때문에 그래픽으로 공증된 작품들의 실현은 보통 성능에 따라 다르다.[5]예를 들어, John Cage는 피아노와 오케스트라를 위한 협회의 표기법 "E"에서 이렇게 쓴다.클립스가 다른 경우 음은 베이스 또는 트레블(treble)"이며, 케이지의 작품에서 특이하지 않고, 연주자에게 의사결정을 맡긴다.[6]일부 그래픽 점수는 액션에 기반한 것으로 정의될 수 있는데, 여기서 음악적 제스처는 전통적인 음악적 생각 대신 모양으로 표기된다.[2]

점수에 그래픽 표기법을 사용하는 것은 전적으로 그래픽 표기법으로 구성되는 점수에서부터 그래픽 표기법이 크게 다른 전통적인 점수의 작은 부분에 이르기까지 매우 다양할 수 있다.어떤 작곡가들은 그래픽 표기법을 해석하는데 있어 연주자를 돕기 위해 서면 설명을 포함하고 있는 반면, 다른 작곡가들은 해석은 전적으로 연주자에게 맡기는 쪽을 택한다.[7]그래픽 표기법은 작곡가의 상상력과 능력에 의해서만 제한되기 때문에 특수성을 가지고 특성화하기 어렵다.존 케이지와 같은 일부 작곡가들은 [3]특정 작품 또는 여러 곡의 접근을 통일하는 그래픽 표기법을 공식화하지만, 그래픽 표기법과 그 용도에 대해서는 보편적인 공감대가 형성되어 있지 않다.[5]

역사

초기 역사

벨, 본, 세이지, 바우데 코르디에의 작품

그것의 가장 인기 있는 용법은 20세기 중반에 발생했지만, 그래픽 표기법의 첫 번째 증거는 훨씬 이전으로 거슬러 올라간다.원래 "눈 음악"이라고 불리던 이 그래픽 악보들은 조지 크럼브와 같은 작곡가들의 악보들과 많이 닮았다.가장 일찍 살아남은 아이 뮤직의 작품 중 하나는 르네상스 시대의 작곡가 바우데 코르디에의 벨, 본, 세이지다.하트 모양으로 형성된 그의 점수는 샹송의 의미를 높이려는 의도였다.[8]아르스 하위 장르의 특징인 "음향 신호와 그래픽 모양과 색상을 가진 실험은 반드시 청각적 효과보다는 시각적 측면에서 음악적 디자인의 특징이었다."[9]아르스 하위 악단에서 나오는 또 다른 아이 음악의 예는 하프의 현으로 보이는 스테이브에 목소리가 음영되어 있는 제이콥 센레치의 라하프 드 멜로디다.아이뮤직의 인기는 16세기 중엽 휴머니즘 운동 이후 사그라들었고, 이후 그래픽 스코어의 사용이 다시 한번 두드러지면서 20세기에 다시 활기를 띠게 되었다.

19세기 음악 교육자 피에르 갈린은 장 자크 루소가 18세기에 창조한 방법을 바탕으로 갈린-파리-체베 계통으로 알려진 음악을 공증하는 방법을 개발했다.이 시스템은 숫자를 사용하여 척도도를 나타냈고, 음표 위나 아래에 있는 점들을 사용하여 가장 낮은 옥타브에 있는지 또는 가장 높은 곳에 있는지를 표시했다.그 예에 비해 중간 옥타브에는 점이 없었다.플랫과 샤프는 각각 백슬래시와 포워드 슬래시를 사용해 표기했다.노트의 연장은 마침표를 사용하여 공지되었고, 침묵은 숫자 0으로 공지되었다.이 방법은 주로 시력 감상을 가르치는 데 사용되었다.[10]음악적 방향을 나타내기 위한 기호의 사용은 그래픽 표기법의 초기 버전에 비유되어 왔다.[2]

20세기 사용

실험음악은 1950년대에 미국과 유럽에 등장했는데, 그 당시 한때는 손댈 수 없었던 전통음악의 많은 변수들이 도전받기 시작했다.알레토릭 음악, 불확실한 음악, 뮤지크 콩크레트, 전자음악은 음악적 시간이나 음악가의 기능 등 이전에는 의심의 여지가 없었던 개념을 흔들었고, 존재론적 결과와 부담을 모두 안고 감히 그 모든 차원에서 음악적 공간에 다른 사람들을 더했다.그들은 또한 작곡가, 연주자, 대중들의 역할을 바꾸어 그들에게 완전히 새로운 탐구 기능을 제공했다.

이런 맥락에서 음악적 글쓰기에 대한 단순한 지지(아이뮤직 제외)로 여겨졌던 점수는 작품의 한계와 정체성에 대해 추파를 던지기 시작했다.이 결혼은 세 가지 길을 만들어냈다. 첫째는 음악적 악보를 조직된 소리를 표현하는 것으로 간주하고, 둘째는 그것을 소리의 연장선으로 생각하고, 셋째는 소리의 독립성을 가진 시각적 음악인 다른 종류의 음악으로 간주했다.점수는 새로운 의미를 띠며 단순한 소리 지원에서 작품의 연장선상에 있는 것으로, 혹은 그 안에 담긴 소리나 침묵만큼이나 중요한 요소, 혹은 그 이상의 다른 작품들로 바뀌었다.이러한 개념들은 새로운 언어와 음악적인 것이 무엇인지에 대한 새로운 읽기를 필요로 했다.그들은 또한 제2의 예술적 선봉장에서 일어나는 변화를 반영하는 새로운 표기법을 요구했고, 이를 포함시켜 새로운 의미론을 부여했다.이와 같이 플라스틱 예술에 관한 실험음악의 다공성으로 보아, 표기법은 회화, 설치, 공연성과의 대화에 의해 점점 더 영향을 받게 되었다.[11]J.Y. Bosseur가 La music du XXé siéle ar la croisé des Artes에서 언급했듯이, 점수는 공간 관리를 나타내는 방향으로 진행되었는데,[12] 공간 안에 동봉된 다중 연결을 알 수 있는 그래픽 공간이다.

현대적인 형태의 그래픽 표기법은 1950년대에 존 케이지에 의해 개척된 인디테터민시 운동의 진화로서 처음 등장했다.이 기법은 원래 아방가르드 음악가들에 의해 사용되었으며 확장 기법 등 전통적 표기법으로 렌더링할 수 없는 정보를 전달하기 위한 기호의 사용으로 나타나 있다.그들의 구상 이후 그래픽 점수는 크게 정의된 두 가지 범주로 진화했다. 하나는 특정한 음악적 기법을 전달하기 위해 사용되는 새로운 표기법의 발명이고 다른 하나는 연주자로부터 즉흥성을 불러일으키기 위한 형태, 그림 및 기타 예술적 기법과 같은 개념적 표기법의 사용이었다.전자의 예로는 필드만이 그래프 종이에 추상적인 모양을 그린 결과물인 모튼 펠드만의 투영 1과 [6]슈톡하우젠의 프로즈세션 등이 있다.[1]후자의 예로는 1952년 12월 얼 브라운의 《Earle Brown》과 케이지의 《4'33》에 대응하여 쓴 《Cornelius Cardew》의 《Secretise》가 있다.점수는 흰색 바탕에 193쪽 분량의 선과 모양으로 이루어져 있다.여기서 선은 공간의 요소를 나타내며 점수는 주어진 순간에 그 공간을 표현하는 것에 불과했다.[3]유럽에서 가장 눈에 띄는 사용자 중 한 명이 실바노 부소티였는데, 이 점수는 종종 마니아들에 의해 시각 예술의 한 조각으로 전시되어 왔다.[3]1969년, 추상 표기법의 움직임을 촉진하기 위한 노력의 일환으로, 존 케이지와 앨리슨 노울스는 "지금 표기법이 나아가고 있는 여러 방향"[13]을 보여줄 목적으로 269명의 작곡가가 발췌한 악보를 수록한 기록집을 발간했다.

Other notable pioneers of graphic notation include composers such as Roman Haubenstock-Ramati, Mauricio Kagel, György Ligeti (Artikulation), Krzysztof Penderecki, Karlheinz Stockhausen, and Iannis Xenakis, Morton Feldman, Constance Cochnower Virtue, and Christian Wolff.

21세기 진보

2008년 테레사 사우어는 50여 개국의 작곡가들의 그래픽 스코어가 수록된 컴펜디엄을 편집하여 [14]그 연습이 얼마나 널리 퍼졌는지를 보여주었다.

그래픽 표기법이 더욱 널리 보급된 것에 더해, 신기술은 그 가능성을 확대했다.크레이그 비어는 그의 책 "디지털 점수: 음악가십, 창의성, 혁신"에서 인공지능과 애니메이션을 어떻게 그래픽 점수 경험을 향상시키는 데 사용할 수 있는지 설명한다.[15]그는 이 기술들이 "20세기 후반부터 그래픽 점수 실험의 논리적 발전"이라고 주장한다.이것들의 흥미로운 요소는 그들이 읽히기 위해서 움직여야 한다는 것이다; 움직임이 없으면, 그들은 이해할 수 없다."

예

공칭 체계로서

존 케이지의 워터워크 구간
  • 존 케이지의 워터워크와 같은 시간 기반 픽토그래픽 점수는 특정 행동을 수행하는 방법과 시기에 대한 지침으로 픽토그래픽 표기법을 결합한 시간을 사용한다.
  • Cathy Berberian의 Stripsody와 같은 픽토그래픽 점수는 도면과 텍스트만 사용한다. 모든 종류의 시간 참조를 앞뒀다.이를 통해 연주자가 원하는 대로 작품을 해석할 수 있다.[16]
  • 라인스테이브는 대략적인 피치를 보여주며 실제 피치는 성능에 따라 결정된다.
Relative pitch staff.png
조지 크럼브의 막크로코스모스에서 온 인피니티 매직 서클
  • 변형된 표기법은 조지 크럼의 작품에서 볼 수 있는데,[17] 그는 전통적인 표기법을 사용하면서도 나선형이나 원과 같은 그래픽이나 비전통적인 방식으로 페이지에 음악을 제시한다.표기법을 변형시킨 예로는 증폭된 피아노에 대한 크럼의 막크로코스모스([18]Makrocosmos)"가 있다.크럼브의 점수는 프라임벌 사운드, 십자수, 나선 은하 등 세 페이지의 세부 지시사항을 담고 있었다.
  • 새로운 특정한 표기법, 즉 제나키스의 Psapha와 같은 음악적 행동을 구체적이고 그래픽으로 공증하는 새로운 표기법.[19]

추상적 시각적 참조로서

  • 시간에 따른 추상적 표현은 한스-크리스토프 슈타이너의 '고독' 점수에서 볼 수 있는데, 이 곡은 상징과 삽화를 사용하여 표현된다.여기서 시간은 여전히 피치 그래프 시스템에서처럼 왼쪽에서 오른쪽으로 수평으로 표현되며, 따라서 해당 작품이 특정한 형태를 가지고 있음을 암시한다는 점에 유의한다.
    한스-크리스토프 스타이너의 고독성 점수,[20] 순수 데이터의 데이터 구조를 이용해 만든 것
  • 루돌프 코무러스의 샹송과 같은 시간 기반 추상 표기법은 시간 표시가 있는 추상 표기법 또는 적어도 작품이 읽혀져 형태를 내포하는 방향을 이용한다.[13]
  • 형식, 피치 소재, 계기 등은 연주자에게 맡기는 브라운의 1952년 12월 같은 자유로운 추상적 표현.[3]
  • 또 다른 예로는 존 케이지의 아리아([21]Aria)가 있는데, 그것은 무작위적인 구불구불한 것처럼 보일 수 있지만, 각 선은 각기 다른 노래 스타일을 나타내고, 10개의 다른 색으로 웨이브 선으로 표기되어 있으며, 검은 사각형은 지정되지 않은 '비뮤지컬' 소리를 나타낸다.
  • 자유 추상 표기법, 예를 들어 마크 애플바움의 "표기법의 형이상학"과 같은 것, 그리고 전통 음악 표기법의 요소들이 추상적인 디자인과 결합되어 있는 곳.[22][23]
    톰 필립스의 골든 플라워 피스
  • 또 다른 예는 톰 필립스의 골든 플라워 피스인데, 이 작품은 대문자를 사용하여 베이스에서 연주해야 할 음을 보여주고, 소문자는 더 높은 레지스터에서 연주한다.너는 네가 원하는 대로 플랫과 샤프를 추가할 수 있다.그리고 음표 주위의 점들은 음표를 얼마나 크게 연주하고, 얼마나 길게 잡는지에 도움을 주도록 되어 있다.[24]

주요 사용자

그 밖의 주목할 만한 그래픽 표기법 실무자는 다음과 같다.

참고 항목

참조

  1. ^ a b 프라이어, 앤서니"그래픽 표기법."Alison Latham이 편집한 옥스퍼드 음악 동반자.옥스퍼드 뮤직 온라인.2011년 4월 12일
  2. ^ a b c Kojs, Juraj (2011). "Notating Action-Based Music". Leonardo Music Journal. 21: 65–72. doi:10.1162/LMJ_a_00063. ISSN 0961-1215. JSTOR 41416825. S2CID 57570690.
  3. ^ a b c d e Taruskin, Richard. "Chapter 2: Indeterminacy". Oxford History of Western Music. New York: Oxford University Press. Retrieved April 7, 2018.
  4. ^ Kuhn, Laura, ed. (1999). Baker's Student Encyclopedia of Music, Vol. 1. Schirmer. p. [page needed]. ISBN 9780028654157.
  5. ^ a b Stone, Kurt (1980). Music Notation in the Twentieth Century: A Practical Guidebook. W. W. Norton. pp. 103–107.
  6. ^ a b Gutkin, David (2012). "Drastic or Plastic?: Threads from Karlheinz Stockhausen's "Musik und Graphik", 1959". Perspectives of New Music. 50 (1–2): 255–305. doi:10.7757/persnewmusi.50.1-2.0255. ISSN 0031-6016. JSTOR 10.7757/persnewmusi.50.1-2.0255.
  7. ^ Evarts, John (1968). "The New Musical Notation—A Graphic Art?". Leonardo. 1 (4): 405–412. doi:10.2307/1571989. JSTOR 1571989. S2CID 191370151.
  8. ^ Dart, Thurston (1980). The New Grove Dictionary of Music and Musicians. London: Macmillan.[전체 인용 필요]
  9. ^ Dillon, Emma (2016). "Seen and Not Heard". Il Saggiatore musicale. 23 (1): 5–27. ISSN 1123-8615. JSTOR 90001054.
  10. ^ Bullen, George W. (1877). "The Galin-Paris-Cheve Method of Teaching Considered as a Basis of Musical Education". Proceedings of the Musical Association. 4: 68–93. doi:10.1093/jrma/4.1.68. ISSN 0958-8442. JSTOR 765284.
  11. ^ Pujadas, Magda Polo (2018). "Philosophy of Music: Wittgenstein and Cardew". Revista Portuguesa de Filosofia. 74 (4): 1425–1436. doi:10.17990/RPF/2018_74_4_1425. ISSN 0870-5283. JSTOR 26563363. S2CID 171868820.
  12. ^ Bosseur, Jean-Yves (2002), "Chapitre IX. Entre son et couleur", Peinture et musique, Presses universitaires du Septentrion, pp. 159–177, doi:10.4000/books.septentrion.69603, ISBN 978-2-85939-769-2
  13. ^ a b Cage, John (1969). Notations. New York: Something Else Press. ISBN 978-0685148648.
  14. ^ 사우어, 테레사공지는 21.Mark Batty Publisher. 2009년 페이지 10.ISBN 9780979554643
  15. ^ Vear, Craig (2019). The Digital Score: Musicianship, Creativity and Innovation (1st ed.). New York: Routledge. doi:10.4324/9780429504495. ISBN 9780429504495. S2CID 150530783.
  16. ^ "Speaking Scores: What's It Like To Be Stripsody?". taikooplace.com. 12 April 2018. Retrieved 28 October 2021.
  17. ^ http://www.upenn.edu/almanac/v46/n06/CrumbSpiral.gif
  18. ^ "Graphic music scores – in pictures". The Guardian. 2013-10-04. Retrieved 2020-10-03.
  19. ^ 제나키스, I. (1975)Psapha ( 페이지 1)
  20. ^ 한스-크리스토프 스타이너
  21. ^ "John Cage – Aria – Art and Music". Classic FM (UK). Retrieved 2020-10-03.
  22. ^ Heigemeir, Ray. "The Metaphysics of Notation". Stanford Libraries. Retrieved 9 April 2018.
  23. ^ a b "The mad scientist of music".
  24. ^ {{Cite 웹타이틀=필립스 – 골든 플라워피스 url=https://www.classicfm.com/discover-music/latest/graphic-scores-art-music-pictures/phillips-golden-flower-piece/%7Caccess-date=2020-10-04%7Cwebsite=[Classic FM(영국)}}}}
  25. ^ 데이비드 시들로우스키 (edd.) (2011) 뮤지칼리스체 그라픽—그래픽 뮤직: 레온 시들로우스키베를린:위센샤프트리처 베를라크.ISBN 978-3-86573-620-8
  26. ^ National Arts Centre ArtsAlive 웹사이트의 R. Murray Schafer.2011-11-17년 검색됨

추가 읽기

외부 링크