메시아 (핸들)

메시아
조지 프리드리히 헨델의 오라토리오
헨델 사인 점수 제목 페이지
텍스트	찰스 제넨스, 킹 제임스 성경 및 공통기도서출신
구성됨	1741년 8월 22일 (1741-08-22) – 1741년 9월 14일 (1741-09-14): 런던
동작	3부로53번길
보컬	SATB 합창단과 솔로
기악기	트럼펫 2개 팀파니 오보 2개 바이올린 2개 비올라 바소 연속

메시아(HWV 56)^{[1][n 1]}는 1741년 조지 프리데릭 헨델이 작곡한 영어 오라토리오다.본문은 킹 제임스 성경책과 커버데일 시편에서 찰스 제넨스가 엮었다^{[n 2]}.1742년 4월 13일 더블린에서 처음 공연되었고 거의 1년 후에 런던 시연을 받았다.초기에는 다소 대중적인 환영을 받은 후, 오라토리오가 인기를 얻었고, 결국 서양 음악에서 가장 잘 알려져 있고 가장 자주 연주되는 합창 작품 중 하나가 되었다.

1712년부터 살아온 헨델의 영국에서의 명성은 이탈리아 오페라 작곡을 통해 확립되었다.그는 1730년대에 대중의 취향의 변화에 대응하여 영어 오라토리오로 전향했다. 메시아는 이 장르에서 그의 여섯 번째 작품이었다.비록 그것의 구조가 오페라의 그것과 유사하지만, 극적인 형태는 아니다; 등장인물의 사칭도 없고 직접적인 언어도 없다.대신 제넨스의 본문은 그리스도로 불리는 메시아가 예수님을 향한 확장된 성찰이다.본문은 이사야 등의 예언으로 1부에서 시작하여, 복음서에서 따온 유일한 '신'인 목자에 대한 고언으로 옮겨간다.2부에서 헨델은 예수의 열정에 집중하며 할렐루야 합창으로 끝난다.제3부에서 그는 죽은 자의 부활과 그리스도의 천국 미화를 다룬다.

헨델은 메시아를 겸손한 보컬과 기악력으로 썼으며, 개별적인 숫자의 많은 부분에 대한 선택적 설정을 가지고 있다.그가 죽은 후 몇 년 동안, 이 작품은 거대한 오케스트라와 합창단과 함께 훨씬 더 큰 규모의 공연을 위해 각색되었다.이를 갱신하기 위한 다른 노력으로는 모차르트의 데르 메시아스와 같이 그 오케스트레이션이 수정·증폭되었다.20세기 후반과 21세기 초반에는, 비록 "빅 메시아" 제작이 계속 올라가고 있지만, 헨델의 원래 의도에 대한 더 큰 충실도를 재현하는 경향이 있어왔다.거의 완성된 버전은 1928년에 78rpm 디스크로 발행되었다. 그 이후로 이 작품은 여러 번 기록되었다.

배경

1685년 독일 할레에서 태어난 작곡가 조지 프리데릭 헨델은 1712년 런던에 영주하게 되었고, 1727년 영국 귀화과목이 되었다.^[3]1741년경 그의 영국 음악에서의 탁월함은 조지 2세 왕의 궁정으로부터 받은 연금, 채플 로얄을 위한 무식 작곡가의 사무실, 그리고 가장 유별나게 살아 있는 사람에게 있어서 보크홀 가든에 그의 명예에 세워진 동상 등 그가 축적한 명예로부터 명백해졌다.^[4]크고 다양한 음악 작품 속에서 헨델은 1711년 리날도와 함께 런던에 소개한 이탈리아 오페라의 왕성한 챔피언이었다.이후 그는 런던의 극장에서 40개 이상의 오페라를 쓰고 선보였다.^[3]

1730년대 초가 되자 이탈리아 오페라에 대한 대중의 취향은 희미해지기 시작했다.존 게이(John Gay)와 요한 크리스토프 페푸쉬(Johann Christoph Pepusch)의 '거지의 오페라' (1728년 처음 공연)의 대중적인 성공은 이탈리아 오페라의 가식을 조롱하는 영어 발라드 오페라들이 쏟아져 나올 것을 예고했다.^[5]흥행수입이 줄면서 헨델의 제작은 점점 귀족들의 개인 보조금에 의존하고 있었다.이러한 자금은 1730년 자신의 라이벌 회사인 '오페라 오브 노블'이 출범하면서 얻기가 어려워졌다.헨델은 이 도전을 극복했지만, 그렇게 하는데 많은 돈을 썼다.^[6]

이탈리아 오페라에 대한 전망은 낮아지고 있지만 헨델은 여전히 이 장르에 전념하고 있지만, 그의 무대 작품에 대한 대안으로 영어 오라토리오를 도입하기 시작했다.^[7]1707-08년 로마에서 그는 로마에서의 오페라 공연이 교황령에 의해 일시적으로 금지되었던 시기에 두 편의 이탈리아 오라토리오를 썼다.^[8]그가 처음으로 영어 오라토리오에 도전한 것은 1718년경 개인 후원자를 위해 작사, 공연한 에스더였다.^[7]1732년 헨델은 에스더의 수정 및 확장 버전을 헤이마켓의 킹스 시어터에 가져왔는데, 5월 6일 화려한 시사회에 왕실 식구들이 참석했다.그 성공은 헨델에게 오라토리오 2편(데보라와 아탈리아)을 더 쓰게 했다.3개의 오라토리오 모두 1733년 중반에 옥스포드의 쉘도니아 극장에서 크고 감상적인 관객들에게 공연되었다.보도에 따르면 대학생들은 5실링짜리 입장권 구입 비용을 마련하기 위해 가구를 팔았다고 한다.^[9]

1735년 헨델은 음악적, 문학적 관심사를 가진 부유한 지주인 찰스 제넨스로부터 사울이라는 새로운 웅변가의 글을 받았다.^[10]헨델의 주된 창작 관심사는 여전히 오페라였기 때문에, 그는 1738–39년 연극 시즌에 대비하여 1738년까지 사울을 위해 작곡하지 않았다.이 작품은 1739년 1월 킹스 극장에서 개막해 따뜻한 환영을 받은 후 이집트에서 덜 성공한 오라토리오 이스라엘(제넨스에서도 나왔을 수 있다)^[11]이 빠르게 뒤따랐다.비록 헨델은 오페라를 계속 썼지만, 10년이 끝나면서 영어 제작을 향한 추세는 거부할 수 없게 되었다.1741년 1월과 2월에 마지막 이탈리아 오페라 디다미아의 세 번의 공연을 끝으로 그는 이 장르를 버렸다.^[12]1741년 7월, 제넨스는 그에게 오라토리오를 위한 새로운 리브레토를 보냈다. 제넨스는 7월 10일에 그의 친구 에드워드 홀즈워스에게 보낸 편지에서 이렇게 썼다. "나는 그의 모든 천재성과 기술을 그의 작곡이 다른 과목보다 뛰어나게 할 수 있기를 바란다.주체는 메시아"이다.^[13]

시놉시스

기독교 신학에서 메시아는 인류의 구세주다.메시아(Masshîaḥ)는 '부유된 자'라는 뜻의 구약성서 히브리어로, 신약성서 그리스어로 그의 추종자들이 '예수 그리스도'로 알고 있는 나사렛 예수에게 주어진 칭호인 그리스도를 말한다.헨델의 메시아는 초창기 음악학자 리처드 럭켓에 의해 "예수 그리스도의 탄생, 열정, 부활, 승천에 대한 논평"으로 묘사되어 왔으며, 예언자들이 말한 하나님의 약속에서 시작하여 천국에서 그리스도의 미화로 끝이 났다.^[14]대부분의 헨델의 오라토리오와는 대조적으로, 메시아의 가수들은 극적인 역할을 맡지 않는다; 단 하나의 지배적인 서술적 목소리는 없다; 인용된 연설에는 거의 쓸모가 없다.그의 리브레토에서 제넨스의 의도는 예수의 삶과 가르침을 극화시키는 것이 아니라, '신성의 신비'^[15]를 찬미하는 것으로서, 1662년 공통기도서에 수록된 '공인(킹 제임스) 성서판'과 시편에서 발췌한 것을 사용하였다.^[16]

작품의 3부 구조는 헨델의 3막 오페라에 근접한 것으로 제넨스가 분사한 "부분"을 "장면"으로 나눈 것이다.각각의 장면은 개별적인 숫자 또는 "움직임"의 모음으로, 재평가, 아리아, 후렴구의 형태를 띤다.^[15]프랑스 서곡 형식의 오프닝 신포니와^{[n 3]} 흔히 '목회 교향곡'으로 불리는 목회자 피파, 제1부 중간 지점에 두 개의 기악수가 있다.^[18]

제1부에서는 메시아가 오고 처녀 탄생은 구약성서 예언자들에 의해 예언된다.그리스도의 탄생에 대한 목자에 대한 고언은 루크의 복음의 말로 표현된다.제2부에서는 그리스도의 열정과 그의 죽음, 부활과 승천, 세상을 통해 복음이 처음으로 전파되는 것, 할렐루야에 요약된 하나님의 영광에 대한 확정적인 진술을 다루고 있다.제3부는 속죄의 약속으로 시작하여 심판의 날과 "일반 부활"의 예언이 뒤따르며, 죄와 죽음에 대한 최후의 승리와 그리스도의 갈채로 끝을 맺는다.^[19]음악학자 도널드 버로우스에 따르면, 이 글의 많은 부분이 너무 난해해서 성경 구절에 무지한 사람들에게는 대부분 이해할 수 없다고 한다.^[15]제넨스는 청중들의 이익을 위해 자신이 선택한 대본 선택의 이유를 설명하는 팜플렛을 인쇄하고 발행했다.^[20]

기록 작성

리브레토

찰스 제넨스는 1700년경, 워릭셔와 레스터셔의 토지와 재산을 물려받은 번영하는 토지 소유 가정에서 태어났다.^[21]하노버 가의 영국 왕위 계승권을 확보한 1701년 정착법에 반대했던 그의 종교적, 정치적 견해는 그가 발리올 대학, 옥스퍼드 대학으로부터 학위를 받거나 어떤 형태의 공적 경력도 추구하지 못하게 했다.집안의 재물이 그로 하여금 문학적, 음악적 이익에 전념하면서 여가의 생활을 할 수 있게 했다.^[22]음악학자 왓킨스 쇼는 제넨스를 "특별한 능력이 없는 자만심 많은 인물"^[23]이라고 일축했지만, 버로우스는 "제넨스의 음악적 소양에는 의심의 여지가 없다"고 썼다.그는 1725년 로델린다 이후 모든 헨델 악보의 출판 자금 조달을 도왔기 때문에 확실히 헨델의 음악에 심혈을 기울였다.^[24]1741년 사울에 대한 그들의 협력 이후, 두 사람 사이에 따뜻한 우정이 생겨났고, 헨델은 고팔에 있는 제넨스 가문의 저택에 자주 드나들게 되었다.^[21]

제넨스가 1741년 7월 10일 홀드워스에게 보낸 편지에서 메시아를 처음 언급한 것은 이 글이 아마도 그 여름 초에 조립된 최근의 작품이었음을 시사한다.제넨스는 독실한 성공회 신자로서, 그리고 문자적 권위를 믿는 사람으로서, 인간 문제에 대한 신의 개입의 교리를 거부한 데이즘의 옹호자들에게 도전할 의도였다.^[14]쇼는 이 텍스트를 "기독교 사상과 믿음의 메시아로 우리 주님을 명상하는 것"이라고 묘사하고 있으며, 제넨스의 성격에 대한 그의 의구심에도 불구하고 완성된 단어책은 "천재의 작품에는 거의 못미치는 양"이라는 것을 인정한다.^[23]헨델이 사울의 경우처럼 본문의 선정이나 작성에 적극적인 역할을 했다는 증거는 없다. 오히려 제넨스의 작품에 대해 이렇다 할 수정을 할 필요가 없다고 본 것 같다.^[13]

구성

메시아를 위한 음악은 24일간의 빠른 작곡으로 완성되었다.1741년 7월 10일 얼마 후 제넨스의 문자를 받은 헨델은 8월 22일부터 이에 대한 작업을 시작했다.그의 기록에 따르면 그는 8월 28일까지 1부, 9월 6일까지 2부, 9월 12일까지 3부를 개략적으로 완성했으며, 9월 14일에 완성된 작품을 제작하기 위해 이틀 동안 "충족"을 했다.이 빠른 속도는 제넨스가 황홀한 에너지의 표시가 아니라 '신경 쓰지 않는 부주의'로 보였으며, 제넨스가 완강히 거절하는 동안 제넨스가 "한델에게 개선을 촉구"했기 때문에 두 사람의 관계는 계속 경색될 것이다.^[25]사인스코어 259쪽에는 블럭, 스크래치아웃, 바 미완성, 기타 수정되지 않은 오류 등 다소 서두르는 흔적이 보이지만, 음악학자 리처드 럭켓에 따르면 이 길이의 문서에서 오류 수는 현저히 적다.^[26]메시아의 원고는 현재 대영 도서관의 음악 컬렉션에 소장되어 있다.^[27]트럼펫 2개, 팀파니 2개, 오보 2개, 바이올린 2개, 비올라, 바소 컨티뉴에 대해 점수가 매겨진다.

그의 원고 끝에 헨델은 "SDG" 즉, "Soli Deo Gloria"라는 글자를 썼다.이 비문은 작곡의 속도와 함께 찍은 것으로, 헨델이 할렐루야 후렴구를 쓰면서 "그는 자기보다 먼저 모든 천국을 보았다"^[26]고 하면서 신성한 영감의 열정으로 음악을 작곡했다는 사실상의 이야기에 대한 믿음을 북돋아 주었다.버로우스는 메시아와 비슷한 길이와 구조를 가진 헨델의 많은 오페라들이 연극 시즌 사이에 비슷한 시간 내에 작곡되었다고 지적한다.그렇게 짧은 시간에 그렇게 많은 음악을 작곡하려는 노력은 헨델과 동시대인들에게 드문 일이 아니었다; 헨델은 메시아를 완성한 지 일주일 만에 다음 오라토리오인 삼손에 착수했고, 한 달 만에 이 신작의 초안을 완성했다.^[28][29]새로운 작품을 쓸 때의 그의 연습에 따라 헨델은 기존 작곡을 메시아에서 사용하기 위해 개조했는데, 이 경우 최근에 완성된 두 개의 이탈리아 듀엣과 20년 전에 쓰여진 한 개의 작품을 그렸다.Thus, Se tu non lasci amore HWV 193 from 1722 became the basis of "O Death, where is thy sting?"; "His yoke is easy" and "And he shall purify" were drawn from Quel fior che all'alba ride HWV 192 (July 1741), "Unto us a child is born" and "All we like sheep" from Nò, di voi non vo' fidarmi HWV 189 (July 1741).^[30][31]헨델의 점수에 대한 계기는 종종 부정확하다. 다시 한번 현대 관습에 따라, 특정 악기와 조합의 사용이 가정되었고 작곡가에 의해 기록될 필요가 없었다. 나중에 카피스트들이 세부사항을 채울 것이다.^[32]

첫 공연 전에 헨델은 1742년 더블린 초연에 사용할 수 있는 힘에 맞추기 위해 원고 점수를 수없이 수정했다. 그의 작품은 그의 생전에 원래 구상했던 것처럼 공연되지 않았을 가능성이 있다.^[33]1742년과 1754년 사이에 그는 때때로 특정 가수들의 요구조건에 맞게 개별 동작을 수정하고 재구성했다.^[34]메시아의 첫 출간된 악보는 헨델이 죽은 지 8년 후인 1767년에 발표되었는데, 이 악보는 비교적 초기 원고를 바탕으로 한 것이며, 헨델의 후기 수정본은 하나도 포함하지 않았다.^[35]

더블린, 1742년

1741-42년 겨울에 더블린에서 콘서트를 열기로 한 헨델의 결정은 데본셔 공작의 초대에서 비롯되었으며, 당시 아일랜드의 중위를 역임하였다.^[36]헨델의 바이올리니스트 친구인 매튜 두부르르는 주 중위의 악장으로 더블린에 있었다. 그는 투어의 관현악 요구사항을 돌보았다.^[37]든 헨델은 원래 메시아 더블린의 불확실한 것을 수행하기 위한 것 어느 하나라도 계획의, 후자 Holdsworth 212월 1741년에 썼다:"...게 약간의 당혹감은 커져 가는 대신 여기 메시아 공연을 하는 그는 아일랜드로 가고 있다는 소식을 듣Jennens에게 알리지 않았다."[38]후에 도착이 더블린에 1811월 1741년, 헨델.1741년 12월에서 1742년 2월 사이에 피샘블 가의 대음악회관에서 열리는 6개의 콘서트의 구독 시리즈를 준비했다.이 콘서트들은 매우 인기가 있어서 두 번째 시리즈가 빨리 준비되었다; 메시아는 두 시리즈 모두 성공하지 못했다.^[36]

3월 초 헨델은 4월에 열릴 자선 콘서트를 위한 적절한 위원회들과 논의를 시작했는데, 그 곳에서 그는 메시아를 소개할 작정이었다.그는 성 패트릭과 그리스도 교회 성당으로부터 이 기회에 그들의 합창단을 사용할 수 있는 허가를 구했다.^[39][40]이 병력은 남자 16명과 소년 합창단 16명에 이르며, 그 중 몇 명은 솔로 파트를 배정받았다.여성 독주자는 두 구독 시리즈에서 소프라노의 주역을 맡았던 크리스티나 마리아 아보글리오와 두 번째 시리즈에서 노래를 부른 기성 무대 배우 겸 콘트롤토인 수사나 시버였다.^[40][41]시버의 음역을 수용하기 위해, "그럼 시각장애인의 눈이 올까"라는 암송과 "그는 그의 양떼를 먹여야 한다"는 아리아를 F장조로 전치시켰다.^[33][42]피샘블 스트리트 홀에서도 이 공연은 원래 4월 12일에 발표되었지만 "명예인의 요청"으로 하루 연기되었다.^[36]더블린의 오케스트라는 현악기, 두 개의 트럼펫, 그리고 팀파니를 구성했다; 연주자의 수는 알려지지 않았다.헨델은 공연을 위해 아일랜드로 보내진 자신의 장기를 가지고 있었다; 아마도 하프시코드도 사용되었을 것이다.^[43]

혜택을 받게 될 세 가지 자선단체는 죄수들의 채무 경감, 머서 병원, 자선 의무실이었다.^[40]더블린 뉴스레터는 공개 리허설에 대한 보고서에서 오라토리오를 "...이곳이나 다른 왕국에서 행해졌던 그 어떤 자연도 훨씬 능가한다"^[44]고 묘사했다.4월 13일 시사회에 700명이 참석했다.^[45]가능한 한 많은 관객들이 콘서트에 입장할 수 있도록, 신사분들은 칼을 빼도록 요청받았고, 숙녀분들은 드레스에 후프를 착용하지 않도록 요청받았다.^[40]이 공연은 모인 언론으로부터 "감탄을 금치 못하고 웅크린 관객들에게 선사하는 절묘한 기쁨을 표현하고자 한다"^[45]는 찬사를 받았다.더블린 성직자인 델라니 목사는 수잔나 시버의 "그는 멸시당했다"는 연기에 너무 압도되어 벌떡 일어서며 "여보, 이것이 너의 모든 죄가 용서되니!"^{[46][n 4]}라고 울었다고 한다.피고는 약 400파운드에 달해 지명된 3개 자선단체에 각각 약 127파운드를 지원하고 142명의 빚을 진 죄수들의 석방을 보장했다.^[37][45]

헨델은 초연 후 4개월 동안 더블린에 머물렀다.그는 6월 3일에 메시아의 두 번째 공연을 조직했는데, 이 공연은 "이 왕국에 머무는 동안 헨델 씨의 마지막 공연"으로 발표되었다.헨델의 사재를 위해 마련된 이 두 번째 메시아에서, 시베르는 첫 공연부터 그녀의 역할을 다시 연기했다. 비록 아보글리오가 맥클레인 부인으로 대체되었을지 모르지만,^[48] 다른 공연자들의 자세한 내용은 기록되지 않았다.^[49]

런던, 1743-59

더블린에서 메시아에게 준 따뜻한 환영은 런던에서 되풀이되지 않았다.실제로 '새로운 신성한 오라토리오'로 공연 발표까지 익명의 해설위원을 끌어들여 '플레이하우스가 공연하기에 적합한 사원인가'를 물었다.^[50]헨델은 1743년 3월 23일 코벤트 가든 극장에서 이 작품을 소개했다.아보글리오와 시버가 다시 수석 솔리스트가 되었다; 그들은 헨델의 오페라의 베테랑인 테너 존 비어드, 베이스 토마스 라인홀드와 다른 두 명의 소프라노, 키티 클라이브와 미스 에드워즈가 합류했다.^[51]첫 공연은 작품의 주제가 극장에서, 특히 시버와 클라이브와 같은 세속적인 가수-여배우들에 의해 공연되기에는 너무 높이 평가되었다는 언론에 표현된 견해에 의해 가려졌다.그런 감성을 비껴가려는 시도로, 런던에서 헨델은 메시아라는 이름을 피하고 이 작품을 "새로운 신성한 오라토리오"^[52]로 제시했었다.그의 관습대로 헨델은 그의 가수들에게 어울리도록 음악을 재배열했다.그는 클라이브를 위해 "And lo, the end of the ender of the g주의 천사"라는 새로운 설정을 썼다.그는 제넨스의 원조 리브레토에는 등장했지만 더블린 공연에는 나오지 않았던 '그들의 사운드가 사라진다'는 비데드의 테너 곡을 추가했다.^[53]

할렐루야 합창단에 서는 풍습은 런던 시사회 때 조지 2세가 그렇게 했다는 통념에서 비롯되는데, 이 통념은 모두가 서야 할 의무가 있었을 것이다.왕이 참석했거나, 메시아의 다음 공연에 참석했다는 납득할 만한 증거는 없다; 서 있는 관행에 대한 첫 번째 언급은 헨델이 죽기 3년 전인 1756년 날짜의 편지에 나타난다.^[54][55]

런던이 처음에는 메시아를 냉정하게 받아들이면서 헨델은 시즌의 계획된 6회 공연을 3회로 줄이고, 1744년에 이 작품을 전혀 발표하지 않게 되었는데, 이는 작곡가와의 관계가 일시적으로 나빠진 제넨스의 상당한 골칫거리였다.^[52]제넨스의 요청에 따라 헨델은 1745년 부활을 위한 음악에서 "그들의 소리는 없어졌다"는 곡이 합창곡이 되고, 소프라노 곡 "Rejoice greaty"는 단축된 형식으로 재창작되었으며, 시베르의 목소리에 대한 전조는 원래 소프라노 계열로 복원되었다.^[34]제넨스는 1745년 8월 30일 홀스워스에게 이렇게 편지를 썼다. "핸델은 비록 그가 해야 할 만큼 훌륭하지는 않았지만 훌륭한 엔터테인먼트를 만들었다.나는 그가 작곡에 있어 더 심한 결함을 시정하도록 매우 어렵게 만들었다." 헨델은 1745년 4월 9일과 11일 코벤트 가든에서 두 번의 공연을 연출한 ^[56]후 4년 동안 작품을 제쳐놓았다.^[57]

1749년 코벤트 가든에서 메시아라는 적절한 타이틀로 부활한 이 작품은 이후 헨델의 음악과 밀접하게 연관되어 있는 두 여성 솔로리스트인 줄리아 프래시와 카테리나 갈리의 등장을 보았다.다음 해에 이 작품들은 남성 알토 가에타노 과다그니와 함께 참여했고, 헨델은 "그러나 누가 따를지"와 "너희 예술은 높이 올라갔다"의 새로운 버전을 작곡했다.1750년 런던 파들링 병원에서 매년 열리는 메시아의 자선 공연의 기관도 보았는데, 이 공연은 헨델의 죽음 이후까지 계속되었다.^[58]병원에서의 1754년 공연은 관현악과 성악의 세세한 부분까지 모두 살아남는 최초의 공연이다.오케스트라에는 바이올린 15개, 비올라 5개, 첼로 3개, 더블 베이스 2개, 베이스 4개, 오보 4개, 트럼펫 2개, 뿔 2개, 드럼 등이 포함됐다.열아홉의 합창단에는 채플 로얄에서 온 여섯 개의 나무들이 있었고, 나머지는 모두 알토스와 테너와 베이스였다.프래시, 갈리, 비어드 등 다섯 명의 솔리스트를 이끌었는데, 이 솔리스트들은 합창단을 보조해야 했다.^{[59][n 5]}이 공연을 위해 전치된 과다그니 아리아를 소프라노 목소리로 복원했다.^[61]1754년까지 헨델은 실명의 발발로 심한 고통을 받았고, 1755년 메시아 병원 공연의 방향을 제자인 J. C. 스미스에게 넘겼다.^[62]그는 분명히 1757년에 그의 직무를 재개했고 그 후에도 계속되었을 것이다.^[63]헨델이 참석한 작품의 마지막 공연은 그가 죽기 8일 전인 1759년 4월 6일 코벤트 가든에서 있었다.^[62]

이후 성능 기록

18세기

1750년대 동안 메시아는 전국 각지의 축제와 성당에서 점점 더 많이 공연되었다.^[64]개별 합창과 아리아들은 때때로 교회 예배에서 안테임이나 모테트로 사용하기 위해 추출되거나, 콘서트 작품으로 19세기에 성장하여 그 이후로도 계속되어 온 관습이 되었다.^[65]헨델의 사후, 모차르트가 처음 들었던 플로렌스(1768년), 뉴욕(1770년), 함부르크(1772년), 만하임(1777년) 등에서 공연이 이루어졌다.^[66]헨델의 생전에 공연한 것과 그가 죽은 후 수십 년 동안 공연한 것에 대해, 1754년의 Foundling 병원 공연에 사용된 음악적 힘은 버로우스에게 전형적인 것으로 생각된다.^[67]1784년 조지 3세 왕의 후원 아래 웨스트민스터 사원에서 행해진 헨델의 음악의 일련의 기념 콘서트에서 대규모 공연을 위한 패션이 시작되었다.애비 벽의 명판에는 "DXXV[525] 보컬 & 악기 연주자로 구성된 밴드는 조아 베이츠 에스크르가 지휘했다"^[68]고 기록되어 있다.1955년 한 기사에서 대규모 공연의 지지자인 말콤 사르겐트 경은 "베이트씨...헨델을 잘 알고 있었고 그의 소원을 존중했다.고용된 오케스트라는 경적 12개, 트럼펫 12개, 트롬본 6개, 팀파니 3쌍(일부는 특별히 크게 만든 것) 등 250여 명의 강자였다."^[69]1787년에 수도원에서 더 많은 공연이 있었다; 광고는 "The Band는 팔백 명의 연주자로 구성될 것이다"^[70]라고 약속했다.

유럽 대륙에서는 메시아의 공연이 헨델의 연습에서 벗어나고 있었다. 즉, 그의 점수는 현대적 취향에 맞게 극적으로 재조정되고 있었다.1786년 요한 아담 힐러(Johann Adam Hiller)는 베를린 성당에서 메시아에게 최신 점수를 선사했다.^[71]1788년 힐러는 259명의 합창단과 87개의 현악기, 10개의 현악기, 11개의 오부, 8개의 플루트, 8개의 뿔, 4개의 클라리넷, 4개의 트롬본, 7개의 트럼펫, 팀파니, 하프시코드, 오르간으로 이루어진 오케스트라와 함께 자신의 개악 연주를 선보였다.^[71]1789년 모차르트는 고트프리드 판 스위텐 남작과 게셀샤프트 데어 어소시에르텐에 의해 메시아(더 메시아스)를 포함한 헨델의 여러 작품을 재주문했다.^{[72][n 6]}소규모 공연을 위해 글을 쓰면서 그는 오르간 연속체를 없애고 플룻, 클라리넷, 트롬본, 뿔을 위한 파트를 추가했으며 일부 구절을 재구성하고 다른 구절을 재정리했다.공연은 1789년 3월 6일 요한 에스테르하지 백작의 방에서 4명의 솔로 연주자와 12명의 합창단이 함께 열렸다.^{[74][n 7]}모차르트의 편곡은 힐러로부터 약간의 수정을 거쳐 1803년에 출판되었다.^{[n 8]}음악학자 모리츠 하우프트만은 모차르트의 덧셈을 "대리석 신전의 스투코 장식물"^[79]이라고 묘사했다.보도에 따르면 모차르트 자신은 헨델의 점수에 어떠한 변경도 음악을 향상시키기 위한 노력으로 해석되어서는 안 된다고 주장하면서 그의 변화에 대해 신중했다고 한다.^[80]이 버전의 요소들은 후에 영국 관객들에게 친숙해졌고, 에베네저 프라우트를 포함한 편집자들의 점수판으로 통합되었다.^[74]

19세기

19세기에 독일어와 영어권 국가의 헨델에 대한 접근은 더욱 갈라졌다.1856년 라이프치히에서는 음악학자 프리드리히 크리산더와 문학사학자 게오르크 고트프리드 게르비누스가 헨델-게셀샤프트를 설립하여 헨델의 모든 작품의 정본을 출판할 목적으로 하였다.^[66]동시에 영국과 미국의 공연은 점점 더 거창해지는 렌즈를 가지고 헨델의 공연 관행에서 멀어졌다.메시아는 1853년 뉴욕에서 300명의 합창으로, 1865년 보스턴에서 600명 이상의 합창으로 발표되었다.^[81][82]영국에서는 1857년 크리스탈 팰리스에서 메시아와 다른 헨델 오라토리오스를 공연하는 '위대한 헨델 페스티벌'이 열렸으며, 2,000명의 가수와 500명의 오케스트라가 합창했다.^[83]

1860년대와 1870년대에 더 큰 힘이 모였다.버나드 쇼, 음악 비평가로서 그의 역할을,,;[84]그가 나중에,"왜, 대신 헨델 축제의 무수히 많은 탁음에 거액을 낭비하지 않는을 철저히 조사하고 철저하게 공부를 리허설 연기를 설정하는가를 썼다" 위대한 합창을 이끌어 내는 절대 실패하지 않는 부실 경이 벌써 지쳐 왔다" 말했다. Mes성 제임스 홀에서 20명의 유능한 예술가 합창단과 함께?우리 대부분은 죽기 전에 그 작품이 진지하게 한 번 공연된 것을 들으면 기뻐할 것이다."^[85]거대한 힘을 발휘하기 위해서는 관현악 부분의 상당한 확대가 필요했다.헨델의 많은 숭배자들은 작곡가가 그의 시대에 적절한 악기를 사용할 수 있었다면 그러한 추가 작업을 했을 것이라고 믿었다.^[86]쇼는 대체로 개의치 않고 "작곡자는 친구들에게서 벗어날 수 있으며, 작사 또는 '추가 관현악 반주'를 선택하는 기능은 정당한 재량으로 행사될 수 있다"고 주장했다.^[87]

대규모 공연이 인기를 끈 이유 중 하나는 아마추어 합창 사회의 편재성이었다.지휘자 토마스 비첨 경은 200년 동안 합창은 영국에서 "음악적 발언의 국가적인 매체"라고 썼다.하지만, 빅토리아 합창 사회가 전성기를 맞은 후, 그는 "기념비적인 공연에 대한 빠르고 폭력적인 반응... 1700년에서 1750년 사이에 헨델이 연주되고 연주되어야 한다는 여러 분기들의 호소"^[88]에 주목했다.세기말 프레데릭 브리지 경과 T. W. 본은 헨델의 오케스트레이션에서 메시아의 재창작을 개척했고, 본의 작품은 20세기 초 더 많은 학구적 버전의 토대가 되었다.^[89]

20세기 이상

거대한 규모의 오라토리오 전통은 20세기 왕립 합창단, 모르몬 타베나클 합창단, 허더즈필드 합창단 같은 대형 앙상블에 의해 영속되었지만, 헨델의 개념에 보다 충실한 공연에 대한 요구가 증가하고 있었다.^[90]세기가 바뀔 무렵 뮤지컬 타임즈는 모차르트 등의 '추가 반주'에 대해 "한델의 점수에 걸린 이들 '행어'들 중 일부가 사업에 대해 보내질 때가 아니었을까"라고 썼다.^[91]1902년 프라우트는 한 판에서 다른 판으로 오류가 누적된 부패한 인쇄판보다는 헨델의 원고를 원고로 삼아 새로운 판본으로 작업했다.^{[n 9]}그러나 프라우트는 헨델의 원래 점수를 충실하게 재현하는 것은 실용적이지 못할 것이라는 가정에서 출발했다.

[T]그는 헨델의 음악이 주어지려는 의도대로 헨델의 음악을 들려주려는 우리 음악 협회의 간간이 시도하여 아무리 진지하게, 그리고 아무리 세심한 준비라도 사건의 본질에서 실패하도록 예고되어야 한다.우리의 큰 합창 사회와 함께, 어떤 종류의 추가 반주들은 효과적인 공연을 위한 필수품이다; 그리고 문제는 그것들이 어떻게 쓰여질 것인가 하는 것 만큼은 아니다.^[77]

프라우트는 핸드엘의 오케스트레이션에 플룻, 클라리넷, 트롬본을 가미하는 연습을 계속하였으나, 모차르트가 생략한 헨델의 높은 트럼펫 파트를 복원하였다(분명히 1789년까지 연주하는 것은 잃어버린 예술이었기 때문이다).^[77]프라우트의 접근방법에 대해서는 거의 이견이 없었고, 같은 해에 크리산더의 학술판이 출판되었을 때, 헨델의 여러 원고 버전을 편집한 것이 되어, 공연판이 아닌 '연구용 책'으로 예우받았다.^[92]진정한 공연은 불가능하다고 생각되었다.Musical Times 특파원은 "핸델의 관현악기는 현재 사용 중인 악기들보다 모두 (트럼펫을 제외하고) 더 거친 품질이었다. 그의 하프시코드는 영원히 사라졌다"고 썼다.그가 '메시아'를 공연한 장소들은 알버트 홀, 여왕의 홀, 크리스탈 궁전에 비하면 그저 응접실이었다.^[92]호주의 경우 '더 레지스터'가 '20여 명의 지저분한 작은 교회 성가대'의 공연 전망에 반발했다.^[93]

독일에서는 메시아가 영국처럼 자주 공연되지 않았다.^[94] 메시아가 주어졌을 때 중규모의 병력이 표준이었다.1922년 헨델의 고향인 할레에서 열린 헨델 축제에서 그의 합창곡은 163명의 합창단과 64명의 오케스트라에 의해 수여되었다.^[95]영국에서는 혁신적인 방송과 녹화가 헨델리안 공연의 재고에 기여했다.예를 들어 1928년, 베컴은 비록 오케스트레이션이 진품과는 거리가 멀었지만, 겸손한 규모의 힘과 논란의 여지가 있을 정도로 활발한 템피로 메시아의 녹음을 진행했다.^[96]1934년과 1935년, 아드리안 불트가 "핸델의 확실한 득점에 충실한 고수"로 진행하는 메시아의 BBC 방송 공연.^[97]1935년 우스터 대성당에서 삼합창 축제의 일환으로 진정한 점수를 받은 공연이 열렸다.^[98]1950년 존 토빈은 성 바울 대성당에서 작곡가가 지정한 관현악단, 60명의 합창단, 카운터테너 알토 독주자, 그리고 인쇄된 음을 헨델의 날처럼 음을 정교하게 다듬으려는 겸손한 시도로 메시아의 연주를 지휘했다.^[99]많은 목소리로 노래된 프라우트 버전은 영국 합창계에서 여전히 인기를 끌었지만, 동시에 정통 점수를 사용하여 적당한 크기의 공연장에서 소규모 프로 앙상블들이 공연하는 빈도가 점점 더 높아졌다.LP와 CD에 녹음된 것은 후자의 타입이 우세했고, 규모가 큰 메시아는 구식처럼 보였다.^[100]

진정한 공연의 원인은 1965년 왓킨스 쇼가 편집한 신판의 악보를 발표함으로써 진전되었다.그로브 음악사전에서 데이비드 스콧은 "이 판은 처음에는 영국 제도에 있는 작품을 둘러싼 인습의 틀을 깨려는 여러 방면에서 시도했다는 이유로 의심을 불러일으켰다"^[101]고 쓰고 있다.1996년 쇼가 사망할 무렵, 더 타임즈는 그의 판을 "현재 보편적으로 사용되고 있다"^{[102][n 10]}고 묘사했다.

메시아는 헨델의 가장 잘 알려진 작품으로, 재림 시즌 동안 특히 인기 있는 공연으로 남아있다;^[47] 1993년 12월에 쓴 음악 평론가 알렉스 로스는 그 달의 뉴욕에서의 21번의 공연을 "숫자 반복"이라고만 언급한다.^[104]진위를 향한 일반적인 경향과 달리, 이 작품은 런던(2009년)과 파리(2011년)의 오페라 하우스에서 공연되었다.^[105]모차르트 악보는 이따금 되살아나고 있으며,^[106] 앙글로폰 국가에서는 수백 명의 연주자들과 함께 '노래하는' 공연이 인기다.^[107]비록 진위를 다투는 공연들이 지금은 보통이지만, 일반적으로는 절대 확정판 메시아가 있을 수 없다는 것에 동의한다; 살아남은 원고들은 많은 수의 근본적으로 다른 설정을 포함하고 있고, 가장 역사적으로라도, 필기의 음색과 기악 장식은 개인적인 판단의 문제다.박식한 ^[108]연주자헨델 학자인 윈튼 딘은 다음과 같이 썼다.

[T]여기에 학자들은 아직도 충분히 싸울 수 있고 지휘자들은 그 어느 때보다도 스스로 결정할 수 있다.실제로 그들이 점수에 의해 제시된 문제들과 씨름할 준비가 되어 있지 않다면 그들은 그것을 실행하지 말아야 한다.이는 버전의 선택뿐만 아니라 바로크 관습의 모든 측면에도 적용되며, 물론 최종적인 해답은 없는 경우가 많다.^[103]

음악

이동의 구성 및 번호 지정

여기에 나타난 동작의 번호를 매기는 것은 왓킨스 쇼가 편집한 Novello 성악 점수(1959년)에 따른 것으로, 이 숫자는 앞서 에베네저 프루트가 고안한 번호를 매칭한 것이다.다른 판들은 움직임을 약간 다르게 계산한다; 예를 들어, 1965년의 베렌레이터 판은 모든 재평가서에 번호를 매기지 않고 1에서 47까지 계속된다.^[109]부분과 장면으로 나뉜다는 것은 첫 런던 공연을 위해 준비된 1743년 워드북에 근거한다.^[110]장면 제목은 버로우스가 제넨스의 장면 제목을 요약하면서 주어진다.^[15]

개요

메시아를 위한 헨델의 음악은 대부분의 다른 오라토리오와 관현악학자 퍼시 M이 가진 자질인 관현악 구속에 의해 구별된다. 젊은 관찰자들은 모차르트와 후에 음악 편곡자들에 의해 채택되지 않았다.^[111]작업은 조용히 시작되는데, 낮은 알토 레지스터의 엔트리가 음소거된 후렴구의 첫 등장에 앞서 기악과 솔로 동작이 시작된다.^[42]헨델이 제지하는 특별한 측면은 작품 전반에 걸쳐 트럼펫을 제한적으로 사용하는 것이다.제1부 합창곡 "하나님께 영광"에 소개된 후, "트럼펫이 울릴 것이다"의 솔로를 제외하고, 할렐루야와 마지막 합창곡 "가치있는 것은 양이다"^[111]에서만 들을 수 있다.이러한 황동 보간법을 특히 효과적으로 만드는 것은 드문 일이라고 영은 말한다: "그들을 증가시키면 스릴이 감소한다."^[112]'신에게 영광을'에서 헨델은 트럼펫의 엔트리를 '조용히 멀리서'라는 뜻의 다론타노 e 운포코 피아노로 표기했다. 그의 원래 의도는 이 시점에서 황동을 무대 바깥으로 내려놓고 거리의 효과를 부각시키는 것이었다.^[31][113]럭켓에 따르면, 이 트럼펫은 처음 등장할 때 예상되는 드럼 반주가 부족하다. "고의적인 효과의 보류, 파트 2와 파트 3을 위한 무언가를 남겨둔다."^[114]

비록 메시아가 특별한 열쇠를 쥐고 있는 것은 아니지만, 헨델의 토널 계획은 음악학자인 앤서니 힉스에 의해 "D 장조에 대한 열망"으로 요약되어 왔는데, 이는 음악과 함께 빛과 영광과 관련된 핵심이다.오라토리오가 기분의 변화를 반영하기 위해 다양한 키의 변화를 가지고 앞으로 나아가면서, D장조는 중요한 시점에 등장하는데, 주로 그들의 고양된 메시지와 함께 "트럼펫" 운동을 한다.작품이 승승장구하는 결말에 이르는 열쇠다.^[115]지배적인 키가 없는 경우, 다른 통합 요소가 제안되었다.예를 들어, 음악학자 루돌프 스테글리치는 헨델이 "Ascending 4"의 장치를 통일 모티브로 사용했다고 제안했는데, 이 장치는 "I know my Reveder liveth"의 처음 두 음과 다른 많은 경우에 가장 눈에 띄게 나타난다.그럼에도 불구하고, 럭켓은 이 논문이 타당하지 않다고 생각하며, "메시아의 단결은 헨델이 그의 텍스트에 관심을 갖는 질과 그의 음악적 상상력의 일관성보다 더 불가사의한 결과"라고 단언한다.^[116]뉴욕타임즈 음악평론가 앨런 코진씨는 "음악과 텍스트의 모범적인 결혼"을 발견한다.오프닝 단어들("컴포트 예")에 배정된 부드럽게 떨어지는 멜로디부터 할렐루야 합창단의 순전히 충만함, 그리고 닫히는 "아멘"을 지지하는 화려한 축하 대위점까지, 헨델이 증폭시키지 않는 한 줄의 텍스트는 거의 지나가지 않는다.^[117]

1부

	2번. 재입고. 동반(테너): 나의 백성들을 위로하라 (2:51)
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오프닝 신포니는 현악용 E단조로 구성됐으며, 프랑스 서곡 형식의 오라토리오에서 헨델이 처음 사용한 것이다.제넨스는 신포니가 "한델의 가치가 훨씬 떨어지지만 메시아의 가치가 훨씬 떨어진다"^[116]고 말했다; 헨델의 초기 전기 작가인 찰스 버니는 단지 그것이 "건조하고 흥미롭지 않다"^[42]고 말했다.E장조로의 키의 변화는 첫 번째 예언으로 이어지며, 첫 번째 예언은 오프닝 리커멘티브 "컴포트 ye"의 음역이 현악 반주와 완전히 독립되어 있는 테너에 의해 전달된다.음악은 예언이 펼쳐지면서 다양한 핵심 변화를 거치며 헨델의 이탈리아 칸타타 네에서 끌어온 소재에 합창곡('마이티 신'의 오름차순 4위 포함)이 가해지는 G장조 합창 '우리에게 아이가 태어났다'에서 절정을 이룬다.^[42]음악사학자 도날드 제이 그라우트는 "극적 효과의 탁월한 대가인 극작가 한델을 설득하라"고 말한다.^[118]

이어지는 목회적 막간은 짧은 기악운동인 피파(Pifferari)로 시작되는데, 피파(Pifferari)는 그 이름을 목자 백파이프(Shepherd-bagpipers)로부터 따온 것으로, 성탄절 무렵 로마 거리에서 파이프를 연주했던 것이다.^[113]Handel은 11바와 32바 확장된 형태로 이 운동을 썼다. 버로우스에 따르면, 둘 중 어느 것이든 공연에서 효과가 있을 것이다.^[34]소프라노 솔리스트를 소개하는 4명의 짧은 리커션 그룹은 소프라노 솔리스트를 소개한다. 그러나 소프라노의 "Who may who consident"는 소프라노의 G단조 형태로 소프라노에 의해 노래된다.^[119]이 섹션의 최종 재구성은 D장조이며 긍정 코러스 "Glory to God"를 예고한다.1부의 나머지 부분은 주로 B-플랫에 소프라노가 들고 다니는데, 버로우스에서는 드물게 톤 안정의 예를 말한다.^[120]아리아 "He should feed his mars"는 헨델에 의해 여러 번 변신을 겪었고, 1754년 소프라노 원본이 복원되기 전에 알토와 소프라노를 위한 리카멘탈, 알토 아리아, 듀엣으로 각기 다른 시기에 등장했다.^[42]4부 합창의 결말은 아름다움과 디아이를 결합한 천재적인 필치라는 것을 인정하면서도 "그의 멍은 쉽다"는 엄숙한 결말 합창의 설정에 대한 이탈리아 출처 자료의 적절성에 대해서는 음악학자 세들리 테일러가 의문을 제기해 왔다.땅거미^[121]

제2부

23번. 에어(알토): 업신여김을 당했다(8:47)

제2부는 G단조에서 시작되는데, 호그우드의 구절에서는, 그 뒤에 이어지는 '패션 넘버'의 긴 순서에 "마법의 현현"의 분위기를 불러오는 열쇠다.^[46]선언적 오프닝 합창곡 "Behold the Lamb of God"는 포르갈 형식으로, 그리스도의 유기를 강조하기 위해 일부 구절을 동반하지 않고 부르는, 웅변에서 가장 긴 단일 항목인 E-flat 장조의 알토 솔로 "He was been sorised"가 뒤따른다.^[46]럭켓은 버니의 이 수치에 대한 설명을 "어떤 영국 노래의 애처로운 표현에서도 탁월하다는 최고의 발상"^[122]으로 기록하고 있다.이어서 이어지는 주로 짧은 합창운동은 F단조에서 처음에는 그리스도의 열정, 십자가 죽음, 부활을 다루고 있으며, "우리가 양을 좋아하는 모든 것"에서는 F단조에서 잠시 F단조 휴식을 취하고 있다.여기서 헨델이 Nò, di voi non'fidarmi를 사용한 것은 Sedley Taylor의 무자격 승인을 얻는다: "[Handel]는 엄숙한 규범적 순서에 따라 목소리가 들어가도록 하고, 그의 후렴구는 오직 완벽한 천재만이 지휘하는 것과 같은 웅장함과 깊은 감정의 조합으로 끝난다."^[123]

호그우드가 B-플랫 마이너의 "원격적이고 야만적인" 열쇠라고 부르는 것에서, 테너 재구성한 "그들을 보는 모든 사람들"^[46][124]에게 황량감이 돌아온다.솜브레 순서는 마침내 헨델이 처음에 소프라노 합창단의 베이스 라인과 테너와 베이스의 트레블 라인으로 두 개의 합창 그룹으로 나누었던 Ascension 합창곡 "Lift up your head"로 끝을 맺는다.^[125]1754년 Foundling Hospital 공연을 위해 Handel은 두 개의 뿔을 추가했는데, 이 뿔은 후렴구가 숫자의 끝을 향해 뭉칠 때 합류한다.^[46]성가대의 D장조 갈채 "하나님의 모든 천사들이 그를 숭배하게 하라"로 점철된 그리스도의 천국 영접의 축하 음색이 끝난 후, "발은 얼마나 아름다운가"에서 세렌과 목회적인 일련의 대조적인 분위기를 통해 "국가가 왜 그렇게 격노하는가"에서 극적으로 작동한다.나는 할렐루야의 절정이다.

44번. 합창: 할렐루야 (3:47)

영이 지적하듯 할렐루야 합창은 '공포적인 열정'^[126]을 벗어나지 못하지만 작품의 기후적 합창은 아니다.그것은 "하나님을 위하여 만능하신다"라는 단어의 짧고 일치된 칸투스 굳은 구절을 통해 ^[46]"그리고 그는 영원히 다스릴 것이다"라는 오랜 침묵의 트럼펫이 다시 나타나기까지 지각할 정도로 가벼운 관현악의 오프닝에서 형성된다.논평가들은 이 세 번째 주제에 대한 음악 노선이 [필리프 니콜라이의 인기 있는 루터식 초랄레] 와체트 아우프를 바탕으로 하고 있다고 언급했다.^[46][127]

3부

E장조에서 오프닝 소프라노 솔로로 「내 리벤져 라이브로 알고 있다」는, 오라토리오에서 원형에서 미발표 상태로 남아 있는 몇 안 되는 숫자 중의 하나이다.^[128]단순한 바이올린 반주와 위로의 리듬이 버니의 눈에 눈물을 자아낸 것 같다.^[129]이어서 D장조에서 베이스의 선언으로 이어지는 조용한 합창이 이어진다: "보여라, 내가 너에게 미스터리를 말해주겠다." 그리고 나서 기다란 아리아 "트럼펫이 울릴 것이다"는, 폼포소 마 비알레그로("분위화되었지만 빠르지는 않다")^[128]라고 표시했다.헨델은 원래 이것을 다 카포 형태로 썼지만, 아마도 첫 공연 전에 달 세그노로 줄였다.^[130]목소리에 선행하고 동반하는 확장된 특징적인 트럼펫 곡조는 전체 오라토리오에서 유일하게 중요한 악기 독주곡이다.핸델이 "파괴"라는 4음절에 대해 어색하고 반복적으로 강조하는 것은 18세기 시인 윌리엄 션스톤이 "핸델의 판단에서 메시아의 일부 부분을 관찰할 수 있었다; 음악이 요구하는 것과 같지 않거나 심지어 정반대였다"^[128][131]고 한 말의 근원이었을지도 모른다.잠깐 독주한 후, 알토는 헨델의 마지막 음악인 "오 데스, 네 침이 어디에 있니?"에 나오는 유일한 듀엣곡을 위해 테너와 함께 한다.이 멜로디는 헨델의 1722 칸타타 세투 논라시 아모레에서 각색된 것으로, 럭켓의 관점으로 이탈리아 차용 중 가장 성공적인 차용이다.^[129]이 듀엣은 곧바로 합창곡 "하지만 신에게 감사하라"^[128]로 이어진다.

성찰적인 소프라노 솔로곡 "만약 신이 우리를 위해 있다면"(원래 알토를 위해 쓰여진)은 루터의 합창곡 아우스 티퍼 노트의 말을 인용한다.그것은 D의 주요 합창 피날레에서 다음과 같이 말하고 있다: "가치 있는 것은 양이다"는 종말론적인 "아멘"으로 이어지는, 호그우드는 "나팔의 진입은 하늘의 마지막 폭풍을 나타낸다"^[128]고 말한다.헨델의 첫 전기 작가인 존 메인워링은 1760년에 이 결론은 작곡가가 "천재의 엄청난 노력, 할렐루야 합창"에서보다 "아직 더 높이 솟아 있다"고 밝혔다.^[129]영은 "아멘"이 팔레스트리나처럼 "어떤 위대한 교회의 통로와 방랑자를 통해 전달되어야 한다"^[132]고 쓰고 있다.

녹음

메시아의 개별 합창과 아리아에 대한 초기 녹음들은 큰 힘, 느린 템피, 자유주의적인 재조율 등 당시 유행했던 연주 스타일을 반영한다.대표적인 예로는 크리스탈 팰리스 헨델 페스티벌의 3,500명의 합창단과 오케스트라와 함께 1926년 콜롬비아를 위해 녹음한 헨리 우드 경의 합창곡과 로얄 알버트 홀에서 녹음된 사르겐트 휘하의 로얄 합창 협회를 특징으로 하는 HMV의 현대 라이벌 음반 등이 있다.^[133]

(당시 컷이 관행적으로 이루어졌던)^{[n 11]} 전체 작업에 대한 최초의 거의 완전한 녹음은 1928년에 베컴에 의해 수행되었다.그것은 전통적인 것보다 더 작은 힘과 더 빠른 템피로 "작곡자의 의도에 가까운 해석을 제공"하려는 비감의 노력을 대변했다.^[96]그의 콘트랄토 솔리스트인 무리엘 브런스킬은 나중에 "현재 당연시되고 있는 그의 템피는 혁명적이었으며, 그는 그것을 완전히 활성화시켰다"고 평했다.^[90]그럼에도 불구하고 사르겐트는 1946년 첫 번째, 1950년대와 1960년대에 세 번 더, 허더즈필드 합창협회와 리버풀 필하모닉 오케스트라와 함께 네 번의 HMV 녹음에서 이 대규모 전통을 유지했다.^[90]비평가 앨런 블라이스에 따르면 1947년 비참의 두 번째 작품 녹음은 "더 진정한 헨델의 리듬과 속도를 향한 길을 이끌었다"고 한다.^[90]작가 테리 노엘 토우는 1991년, 그 날까지 기록된 76개의 완전한 메시아를 대상으로 한 연구에서, 이 버전을 "진실로 뛰어난 몇 가지 공연 중 하나"라고 불렀다.^[90]

1954년 헨델의 원래 득점에 근거한 첫 녹음은 헤르만 슈헤르첸이 닉사를 위해 실시했고,^{[n 12]} 그 후 빠르게 버전을 따랐으며, 당시 학자로 평가된 데카에 대해서는 아드리아 보울트 경의 지휘 하에 있었다.^[134]그러나 21세기 공연의 기준으로 볼 때 스허첸과 볼트의 템피는 여전히 느렸고, 독주자들의 발성 장식은 시도도 없었다.^[134]1966년과 1967년에 필립스에게는 콜린 데이비스, HMV에게는 찰스 맥커라스에 의해 각각 수행된 두 개의 새로운 음반은 장학금과 공연 연습의 큰 발전으로 간주되었다.그들은 솔로 가수들의 성악 장식으로 활발한 소규모 공연의 새로운 전통을 시작했다.^{[n 13]}older-style의 공연 녹화 중에는 로열 필하모닉 오케스트라와 함께 비참의 1959년 녹음과 악기 편성 법 선생님 유진 구슨스에서 DG,[137]와 데이빗 Willcocks의 1995년 공연은 scor의 프라우트의 1902년판 기준 영어 작곡가 레너드 Salzedo,[90]카를 리히터의 1973년 버전까지 완료되는 의뢰를 받고 있다.e로325명의 ^[138]성가대와 90명의 교향악단

1970년대 말까지 진정성에 대한 탐구는 시대적 악기의 사용과 역사적으로 올바른 연주 스타일까지 확대되었다.그러한 버전 중 첫 번째 버전은 초기 음악 전문가인 크리스토퍼 호그우드(1979년)와 존 엘리엇 가디너(1982년)에 의해 시행되었다.^[139]게오르크 솔티 경(1985) 중 일부 지휘자는 현대 악기를 계속 선호하지만, 시대 악기의 사용은 빠르게 기록상 표준이 되었다.그라모폰 잡지와 펭귄 가이드는 각각 트레버 피녹스(1988)와 리처드 히콕스(1992)가 진행하는 두 가지 버전을 강조했다.후자는 24명의 합창단과 31명의 연주자로 구성된 오케스트라를 고용하고 있다. 헨델은 19명의 합창단과 37명의 오케스트라를 사용한 것으로 알려져 있다.^[140]그보다 더 작은 규모의 공연이 이어졌다.^{[n 14]}

초창기 공연의 몇 가지 재구성이 기록되었는데, 1954년에 슈헤르헨이 1742년에 더블린 버전을, 1959년에 다시, 그리고 1980년에 장클로드 말고레에 의해 다시 녹음되었다.^[143]1754년 파들링 병원 버전에는 호그우드(1979년), 앤드루 패럿(1989년), 폴 매크레쉬(1989년) 이하의 녹음 파일이 여러 개 있다.^[144][145]1973년 데이비드 윌콕스(David Willcocks)는 HMV를 위해 모든 소프라노 아리아를 케임브리지 킹스 칼리지 합창단 소년들이 함께 부르는 세트를,^[146] 1974년 DG를 위해 맥커라스는 모차르트의 리오스트레이션 버전을 독일어로 부른 세트를 진행했다.^[90]

에디션

헨델이 문서화한 다양한 동작의 각색 및 재구성과 함께 1767년 처음 발표한 악보는 작곡가의 생전 이후 많은 연주 버전의 기초가 되었다.진정성을 추구하는 현대 공연은 세 편의 20세기 공연판 중 하나에 바탕을 두는 경향이 있다.^[109]이러한 모든 방법은 서로 다른 번호이동 방법을 사용한다.

• 왓킨스 쇼가 편집한 《Novello Edition》은 1959년에 성악 악보로 처음 출판되어 1965년 개정, 발행되었다.이것은 1902년 Prout 에디션에서 처음 사용된 번호를 사용한다.^[109]
• 존 토빈이 편집한 베렌레이터 에디션은 1965년에 출판되어 베른드 바젤트의 작품 목록(HWV)에 메시아 번호 매기기의 기초를 이루고 있으며, 1984년에 출판되었다.^[109]
• 도널드 버로우스가 편집한 피터스 에디션은 커트 솔단이 고안한 숫자 표기법을 각색한 1972년 발성음표를 발행했다.^[109]
• 레오나드 반 캠프가 편집한 밴 캠프 에디션, 로저 딘 출판사에서 출판한 1993년 개정판(현재 로렌츠 펍).
• 1998년 클리포드 바틀렛의 옥스퍼드 대학 출판부 판.^[147]
• 톤 쿠프만과 얀 H. 지몬스가 편집한 카루스-베를라크 에디션은 2009년에 출판되었다(HWV 번호 매기기 사용).

크라이산더와 막스 세이퍼트가 도이체 헨델-게셀샤프트(Berlin, 1902년)를 위해 편집한 판은 일반 공연판은 아니지만, 학문과 연구의 기초로 사용되어 왔다.^[109]

모차르트의 잘 알려진 재조정 외에도, 구센스와 앤드류 데이비스에 의해 더 큰 관현악 세력에 대한 편곡이 존재한다. 둘 다^[148] RCA와 찬도스^[149] 라벨에 각각 한 번 이상 기록되어 있다.

참고 항목

• 조지 프리드리히 헨델의 편지와 글
• 스크래치 메시아

메모들

참조

인용구

원천

외부 링크

위키미디어 커먼즈에는 메시아와 관련된 미디어가 있다.

Wikisource는 이 기사와 관련된 원본 텍스트를 가지고 있다: 메시아

• 메시아(핸들):국제음악점수도서관 프로젝트에서의 점수
• Handel's Messiah 인문학 컴퓨터 보조 연구 센터
• 데르 메시아스, 에드 볼프강 아마데우스 모차르트, K. 572: 누에 모차르트-아우스가베의 점수 및 비판 보고서(독일어)