인형술

Puppetry
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인형술
Teatro dei burattini.jpg
이탈리아 베르가모에서의 지오피노와 브리겔라 인형극
조상 예술극장
기원 시대기원전 3000년
시리즈의 일부
공연 예술

인형극은 인형 조작을 수반하는 연극이나 공연의 한 형태이다. - 종종 인형극이라고 불리는 사람에 의해 애니메이션화되거나 조종되는 인간이나 동물의 어떤 형태와 비슷한 무생물 물체이다.이러한 공연은 인형극으로도 알려져 있다.인형극의 대본은 인형극이라고 불린다.인형술사들은 손과 팔의 움직임을 이용하여 막대기나 끈과 같은 기구를 조종하여 몸, 머리, 팔다리를 움직이게 하고 경우에 따라서는 인형의 입과 눈을 움직이게 한다.인형사는 때때로 꼭두각시 캐릭터의 목소리로 말하고, 다른 때에는 녹음된 사운드트랙에 맞춰 연기한다.

인형에는 다양한 종류가 있으며, 형태와 용도에 따라 다양한 재료로 제작됩니다.매우 복잡하거나 구조가 매우 단순할 수 있습니다.가장 간단한 인형은 손가락 인형으로 손가락 한 개에 딱 맞는 작은 인형이며 양말 안에 손을 넣어 조작하는 양말 인형으로, 인형의 "입"의 움직임을 흉내 낸다.손인형이나 장갑인형은 인형의 내부를 차지하고 인형을 움직이는 한 손으로 조종된다.펀치와 주디 인형이 친숙한 예이다.다른 손이나 장갑 인형은 더 크고 각 인형마다 두 명의 꼭두각시가 필요하다.일본의 분라쿠 인형이 그 예입니다.꼭두각시는 여러 개의 현에 의해 매달리고 조종되며, 때로는 인형술사가 위에서 잡고 있는 제어 막대에 부착된 중앙 막대를 통해 조종된다.막대 인형은 중앙 막대기에 부착된 머리로 만들어진다.로드 위에는 별도의 로드로 제어되는 암이 부착된 차체 형태가 있습니다.그들은 결과적으로 단순한 손이나 장갑 인형보다 더 많은 움직임의 가능성을 가지고 있다.

인형극은 고대 그리스에서 기원전 5세기에 처음 기록된 매우 오래된 형태의 연극이다.인형극의 어떤 형태는 [1]기원전 3000년 전에 유래했을지도 모른다.인형극은 여러 가지 형태를 취하지만, 이야기를 하기 위해 무생물을 움직이는 과정을 모두 공유한다.인형극은 거의 모든 인간 사회에서 일어나는데, 인형극은 공연을 통한 오락의 목적, 의식의 신성한 물건, 카니발과 같은 기념행사의 상징적 인형, 그리고 변형 [2]예술에 있어서 사회적이고 심리적인 변화의 촉매제로 사용된다.

역사

와양골렉 공연(3D 나무 인형), 인도네시아

인형극은 약 4000년 [1]전에 시작된 것으로 생각되는 매우 오래된 예술 형태이다.인형은 인간 [3]사회의 아이디어와 요구를 애니메이션을 주고 전달하기 위해 아주 오래전부터 사용되어 왔다.몇몇 역사학자들은 그들이 [4]배우들과 연극에서 데이트하기 전이었다고 주장한다.기원전 2000년 이집트에서 현으로 작동하는 나무 조각상이 빵을 [citation needed]반죽하는 동작을 수행하도록 조작되었을 때 사용되었다는 증거가 있다.이집트 [citation needed]무덤에서는 점토와 상아로 만든 철사로 조종되고 관절이 연결된 인형도 발견되었다.상형문자는 또한 고대 이집트 종교 [1]드라마에 사용된 "걷는 조각상"을 묘사한다.꼭두각시는 고대 그리스에서 행해졌고, 가장 오래된 기록은 기원전 5세기 [5][6][7]헤로도토스와 크세노폰의 작품에서 찾을 수 있다.

아프리카

사하라 사막 이남의 아프리카는 고대 [1]이집트의 꼭두각시 전통 중 일부를 물려받았을지도 모른다.확실히, 많은 아프리카 민족 집단의 비밀 단체들은 아직도 그들의 치료와 사냥 [citation needed]의식뿐만 아니라 의식 드라마에서 꼭두각시 인형과 가면을 사용한다.오늘날, 인형극은 종종 의례적인 맥락에서 인기 있는 형태로서, 그리고 춤, 이야기 전달, 가면을 [citation needed]쓴 공연을 포함한 다양한 민속 형태의 일부로서 계속된다.2010년대 아프리카 시골 전역에서 인형극은 여전히 문화적 가치와 아이디어를 전달하는 기능을 수행했고, 아프리카 대도시에서는 정규 교육, 책, 영화,[citation needed] 텔레비전에 의해 점점 더 많이 행해지고 있다.

아시아

동아시아

네팔에서 온 꼭두각시 인형

인더스 밸리 문명에는 인형술에 대한 약간의 증거가 있다.고고학자들은 기원전 [8]2500년으로 거슬러 올라가는 끈으로 조종할 수 있는 분리 가능한 머리를 가진 테라코타 인형을 발굴했다.또 다른 수치는 막대기 위아래로 조작할 수 있는 테라코타 원숭이로, 두 [8]경우 모두 최소의 애니메이션을 달성합니다.꼭두각시는 서사시 마하바라타, 상암시대 타밀 문학,[9] 아소카 칙령을 포함한 기원전 후기부터 서기 초기까지의 다양한 문학 작품들에 묘사되어 있다.나티야 샤스트라나 카마 수트라등의 작품에서는 인형에 대해 자세하게 [10]설명하고 있습니다.

중국은 3000년 전으로 거슬러 올라가는 인형극의 역사를 가지고 있는데, 원래는 "등불 그림자의 극장"인 피영시 또는 오늘날 더 일반적으로 알려진 중국 그림자 극장에 있다.송 왕조 (960–1279년)까지, 꼭두각시 인형은 궁정을 포함한 모든 사회 계층에서 연주되었지만, 유럽에서와 같이, 꼭두각시 인형은 하층 사회 [1]계층에서 온 것으로 여겨졌다.대만에서는 일본의 분라쿠와 다소 유사한 부다이시 인형극이 배경이나 지하에서 일하는 인형극에서 일어난다.몇몇 매우 숙련된 인형사들은 공중제비 같은 다양한 묘기를 하기 위해 인형을 조종할 수 있다.

일본에는 분라쿠를 포함한 많은 형태의 인형극이 있다.분라쿠는 신사의 의식에서 발전하여 점차 고도의 인형술이 되었다.많은 사람들에게 일본 최고의 극작가로 여겨지는 치카마츠 몬자에몬은 가부키 극의 집필을 포기하고 인형극에만 몰두했다.처음에는 한 명의 인형사로 구성되었지만,[1] 1730년까지 세 명의 인형사가 관객들의 시야에서 각각의 인형을 조작하는 데 사용되었다.검은 옷을 입은 꼭두각시 인형들은 검은 바탕에 서 있으면 보이지 않게 되고, 횃불은 조각, 그림, 의상을 입은 나무 인형만을 비추게 된다.

  • Chinese shadow puppet (Beijing style)

    중국 그림자 인형(베이징 스타일)

  • Chinese stick puppets

    봉인형

  • Hanuman and Ravana in Togalu Gombeyaata, a shadow puppet tradition in the southern part of India

    인도 남부의 그림자 인형 전통인 토갈루 곰베야타의 하누만과 라바나

  • Sanbaso bunraku puppet, Tonda Puppet Troupe, Japan

    일본 돈다 인형단 산바소 분라쿠 인형단

  • The character Osono from the play Hade Sugata Onna Maiginu[a]

    연극의 오소노 하데 스가타 온나 마이기누[a] 등장 인물

한국의 인형극 전통은 중국에서 유래된 것으로 생각된다.한국 인형술의 가장 오래된 역사적 증거는 서기 982년에 최승로가 [11]왕에게 보낸 편지에서 나온 것이다.한국말로 꼭두각시를 [11]꼬꼬막시라고 합니다.각시는 "신부" 또는 "젊은 여성"을 의미하는데, 이것은 인형이 취한 가장 일반적인 형태였다.꼬꼬막시 인형극은 8개의 [11]장면이 있다.

동남아

주요 기사:인도네시아 미술, 필리핀 예술, 태국 미술, 베트남 미술
상세 정보:와양
와양꿀릿쇼는 달랑, 가믈란(음악과 신덴), 와양꿀릿 자체 등 3가지 요소로 구성되어 있다

인도네시아 와양 극장은 인도의 [12]전통에 영향을 받았다.일부 학자들은 인형의 기원을 4000년 전 인도로 거슬러 올라가는데, 여기서 산스크리트 연극의 주인공은 "[3]줄의 소유자"인 수트라다라로 알려져 있다.와양은 인도네시아, 특히 자바와 발리 토종 인형극의 강한 전통이다.자바에서는 그림자 인형술의 정교한 형태인 와양쿨릿이 매우 인기가 있다.자바 막대 인형은 오랜 역사를 가지고 있으며 자바 역사와 우화를 구분하는 데 사용됩니다.인도네시아에서 또 다른 인기 있는 인형극 형태는 와양골렉이다.

태국에는 막대 인형극의 인기 있는 형태인 훈크라복이 있다.

베트남은 그 나라 특유의 물인형 예술 형태를 발전시켰다.꼭두각시는 나무로 만들어지고 쇼는 허리 높이의 수영장에서 공연된다.물밑에 있는 커다란 막대기는 꼭두각시 인형들을 지탱하고 조종하기 위해 사용되며, 물 위를 움직이는 꼭두각시 인형들의 모습을 만들어낸다.이러한 인형극의 기원은 논이 범람하고 마을 사람들이 서로를 즐겁게 해주던 700년 전으로 거슬러 올라간다.베트남 마을들 간의 인형극 대회는 결국 비밀스럽고 배타적인 인형 사회를 만들어냈다.

필리핀은 스페인 식민지 시대에 처음으로 인형술을 발전시켰다.필리핀 인형극 중 가장 오래된 것은 키키무트, 티티어, 포테이로도 알려진 카리요이다.그것은 1879년에 처음 기록되었다.인형극에 사용되는 작은 수레와 그림자극에 [13][14]사용되는 골판지로 만들어진 인형들을 포함합니다.1800년대 후반에 또 다른 필리핀 인형극이 발달했다.히간테스는 100개가 넘는 거대한 종이 인형으로, 히간테 축제 기간 동안 시내를 행진했습니다.이 인형들은 산 클레멘테에 대한 헌신과 필리핀인들을 차별했던 식민지 시대의 토지 소유주들에 대한 조롱으로 만들어졌다.다양한 전통이 [15][16]히간테스와 연결되어 있다.20세기 이후 필리핀에서는 [13]다양한 인형술이 발달했다.유명한 필리핀 인형사는 아멜리아 라페냐 보니파시오이다.[17]

오늘날 미얀마라고 불리는 버마에서는 요크테라고 불리는 정교한 형태의 인형극이 왕실의 후원을 바탕으로 발전했다.버마마리오네트의 기원은 신구민왕 때인 1780년 경으로 알려져 있으며, 그 소개는 왕실 엔터테인먼트부 장관인 U Thaw에게 인정된다.마리오네트는 시작부터 곤바웅 왕조의 궁정에서 큰 인기를 누렸다.U Thaw의 예술 창작 이후 거의 변하지 않았으며, 그가 개발한 캐릭터 세트는 오늘날에도 여전히 사용되고 있다.

인도

인도 라자스탄에서 온 카트푸틀리 인형사

인도는 인형극의 오랜 전통을 가지고 있다.고대 인도의 서사시 마하바라타에는 꼭두각시에 대한 언급이 있다.라자스탄 원산의 현악 인형 공연의 한 형태인 카스푸틀리는 주목할 만하며 인도 복화술사와 인형술사들이 많이 있다.최초의 인도 복화술사인 Y. K. 파드혜 교수는 1920년대에 인도에 이러한 형태의 인형술을 소개했고 그의 아들인 람다스 파드혜는 그 후에 복화술과 인형술을 대중화했다.거의 모든 종류의 인형들이 [18]인도에서 발견됩니다.

현인형
칸다헤이 사키(오디샤의 현인형)

인도는 끈 인형이나 꼭두각시 인형에 대한 풍부하고 오래된 전통을 가지고 있다.줄에 의해 조종되는 관절이 있는 사지를 가진 마리오네트는 훨씬 더 큰 유연성을 허용하고, 따라서 인형들 중에서 가장 명료하게 표현된다.라자스탄, 오리사, 카르나타카, 타밀나두 등은 이러한 형태의 인형극이 번성했던 지역들 중 일부입니다.라자스탄의 전통적인 꼭두각시는 카스푸틀리로 알려져 있다.나무 한 조각으로 조각된 이 인형들은 화려한 옷을 입은 커다란 인형과 같다.오리사의 현인형은 쿤헤이로 알려져 있다.카르나타카의 현인형은 곰베아타라고 불린다.Bommalattam으로 알려진 Tamil Nadu의 꼭두각시 인형들은 막대기 인형과 끈 인형 기술을 결합합니다.

그림자 인형
Tholpavakoothu 그림자극의 한 장면.

그림자 인형은 인도의 문화와 예술의 고대 부분이며, 특히 지역적으로는 안드라프라데시의 킬루 보메와 톨루 보말라타, 카르나타카의 토갈루 곰베야타, 오디샤의 마하라슈트라, 라바나 차야, 카부토랄라의 타바울리 차야 등입니다.그림자 인형극은 또한 인도의 사원 벽화, 느슨한 잎사귀 그림, 이야기 그림과 [19]같은 그림 전통에서도 발견된다.오디샤의 샤우와 같은 춤 형식은 문자 그대로 "그림자"[20]를 의미합니다.그림자극장 무용극장은 보통 힌두 사원에 딸린 플랫폼 무대에서 공연되며, 일부 지역에서는 Koothu Madams 또는 Koothambalams로 [21]불린다.많은 지역에서, 인형극은 주요 사찰 [22]축제 기간 동안 임시 무대에서 떠돌이 예술가 가족들에 의해 공연된다.힌두교의 서사시 라마야나와 마하바라타의 전설이 그들의 [22]레퍼토리를 지배한다.그러나 세부사항과 이야기는 지역에 [23][24]따라 다르다.

19세기와 식민지 시대의 20세기 초반, 인도학자들은 그림자 인형극이 고대 산스크리트어 [22]문헌에 언급되었지만 인도에서 멸종되었다고 믿었다.1930년대 이후 스튜어트 블랙번 주에서는 그림자 인형극이 케랄라 산맥 중부와 카르나타카, 북부 안드라프라데시 주, 타밀 나두 주, 오디샤 주, 남부 [22]마하라슈트라 주에서 활발한 농촌 전통으로 남아 있었다는 증거가 발견되면서 이러한 멸종에 대한 두려움이 거짓으로 밝혀졌다.마라티족, 특히 카스트가 낮은 사람들은 힌두교의 서사시를 민속 전통으로 보존하고 활발하게 수행했다.말라티 예술가의 중요성은 인도의 [22]많은 비마라티어권 국가에서 마라티를 모국어로 사용하는 꼭두각시족 출신이라고 블랙번은 말한다.

케랄라의 그림자극
Ramayana 범례 (시청자 응답 포함 45초)
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Beth Osnes에 따르면, Tholu Bommalata 그림자 인형극장은 기원전 3세기로 거슬러 올라가며,[25] 그 이후로 계속 후원자를 끌어모으고 한다.필리스 더크스는 톨루 보멀라타 공연에 사용되는 인형은 "반투명하고 관능적으로 다양한 색상의 가죽 인형이며 키가 4~5피트이고 관절이 있는 [26]팔이 하나 또는 두 개 특징"이라고 말한다.인형을 만드는 과정은 인도의 예술가 가족들이 기도하고, 은둔에 들어가 필요한 예술 작품을 제작한 후, 꽃과 [27]향으로 "인형의 기적적인 탄생"을 축하하는 정교한 의식이다.

케랄라의 톨루 파바 쿠투는 백라이트 스크린에 이미지가 투영된 가죽 인형을 사용합니다.그림자는 라마야나의 캐릭터와 이야기를 창조적으로 표현하기 위해 사용됩니다.이 서사시의 완전한 상연에는 41박의 시간이 걸리는 반면, 요약 상연에는 7일이 [28]걸린다.또 하나의 특징은 인형극의 팀 퍼포먼스이며, 인도네시아 와양 등의 그림자극은 같은 라마야나의 이야기를 위해 [28]한 명의 인형극에 의해 공연된다는 것이다.인도 내 인형 예술에는 지역적인 차이가 있다.예를 들어, 케랄라와 마하라슈트라를 [22]제외한 인도 대부분의 지역에서 여성들은 그림자극장에서 중요한 역할을 한다.오디샤를 제외한 거의 모든 곳에서, 인형들은 그을린 사슴 가죽으로 만들어지고, 칠해지고, 표현된다.반투명 가죽 인형은 안드라 프라데시와 타밀 나두에서, 불투명한 인형은 케랄라와 오디샤에서 대표적이다.예술단은 보통 100개가 넘는 인형을 인도 [22]시골에서 공연하기 위해 가지고 다닌다.

막대 인형

막대 인형은 장갑 펫의 연장선이지만, 종종 훨씬 더 크고 아래에서 막대기로 지지되고 조종된다.이런 형태의 꼭두각시는 현재 주로 서벵골과 오리사에서 발견된다.웨스트 벵골의 전통적인 막대 인형 형태는 Putul Nautch로 알려져 있습니다.그것들은 나무로 조각되어 있고 특정 지역의 다양한 예술 스타일을 따릅니다.비하르의 전통적인 막대 인형은 얌푸리로 알려져 있다.

장갑 인형

장갑 인형은 소매, 손 또는 손바닥 인형으로도 알려져 있다.머리는 페이퍼 마체, 천 또는 나무로 만들어졌으며, 목 바로 아래에서 두 손이 튀어나옵니다.나머지 피규어는 길게 흐르는 치마로 구성되어 있다.이 인형들은 절뚝거리는 인형과 비슷하지만, 유능한 인형사의 손에 의해, 다양한 움직임을 만들어 낼 수 있다.조작법은 사람의 손으로 조작하고, 첫 번째 손가락은 머리와 가운데 손가락, 엄지손가락은 인형의 두 팔로 조작하는 것이 간단하다.이 세 손가락의 도움으로 장갑 인형은 살아난다.

인도의 장갑 인형의 전통은 우타르 프라데시, 오리사, 웨스트 벵골, 케랄라에서 인기가 있다.우타르 프라데시 주에서는 장갑 인형극이 사회적 주제를 제시하는 반면, 오리사에서는 그러한 연극이 라다와 크리슈나의 이야기에 바탕을 두고 있다.오리사에서는 인형사가 한 손으로 도락을 연주하고 다른 한 손으로 인형을 조종한다.대화의 전달과 인형의 움직임, 도락의 박자가 잘 맞아떨어져 드라마틱한 분위기를 자아낸다.케랄라에서 전통적인 장갑 인형극은 파바쿠투라고 불립니다.

아프가니스탄

아프가니스탄은 부즈바즈라고 알려진 인형극의 한 형태를 만들어냈다.공연 중 인형사는 담부라를 연기하면서 마르코르의 마리오네트를 동시에 작동시킨다.

서아시아

카라고스, 터키 그림자 인형극

중동 인형극은 다른 연극 형태와 마찬가지로 이슬람 문화의 영향을 받는다.터키 그림자극장인 카라고는 이 지역에서 인형극에 큰 영향을 미쳐 중국에서 인도를 거쳐 건너온 것으로 생각된다.나중에 몽골족에 의해 중국으로부터 빼앗겨 중앙아시아의 터키인들에게 넘어갔다.그림자 극장의 예술은 중앙아시아에서 이주한 터키 사람들에 의해 아나톨리아로 전해졌습니다.다른 학자들은 그림자 극장이 16세기에 이집트에서 아나톨리아로 왔다고 주장한다.이 견해의 지지자들은 그림자 극장이 1517년 야부즈 술탄 셀림이 이집트를 정복했을 때 오스만 궁전으로 유입되었다고 주장한다.그는 그를 위해 파티하는 동안 그림자 극장이 공연되는 것을 보고 매우 감명받아서 그의 21살 된 아들 술탄 술리만 대제가 [29]연극에 관심을 갖게 된 이스탄불의 그의 궁전으로 인형사를 데려갔다고 한다.

다른 지역에서는 "상상의 그림자" 또는 "상상의 그림자"로 번역되는 은유인 카얄 알질로 알려진 그림자 인형술의 스타일이 여전히 남아 있다.이것은 생음악을 곁들인 그림자극으로 드럼, 탬버린, 플루트의 반주이기도 하다."[30]특수 효과" – 연기, 불, 천둥, 방울, 삐걱거리는 소리, 쿵 하는 소리, 그리고 청중들로부터 웃음이나 전율을 유발하는 다른 무엇이든지.

이란에서는, 인형이 서기 1000년 이전에 존재했다고 알려져 있지만, 처음에는 장갑과 끈 인형만 [31]인기가 있었다.다른 장르의 꼭두각시 놀이는 터키의 영향이 이 지역으로 확산되면서 카자르 시대(18~19세기)에 출현했다.Kheimeh Shab-Bazi는 작은 방에서 Morshed 또는 Naghal이라고 불리는 음악 연주자와 이야기꾼에 의해 공연되는 페르시아의 전통적인 인형극이다.이러한 쇼는 종종 전통적인 차와 커피 하우스(가흐베-케인)에서 스토리텔링과 함께 열린다.대화는 모쉬드와 인형 사이에서 일어난다.이란의 인형극의 최근 예는 순회 오페라 로스탐과 소라브이다.

유럽

고대 그리스와 로마

고대 그리스 테라코타 인형, 기원전 5/4세기, 아테네 국립 고고학 박물관

고대 그리스에서 온 인형의 예는 거의 남아 있지 않지만, 역사 문헌과 고고학적 발견은 인형학의 존재를 보여준다.The Greek word translated as "puppet" is "νευρόσπαστος" (nevrospastos), which literally means "drawn by strings, string-pulling",[32] from "νεῦρον" (nevron), meaning either "sinew, tendon, muscle, string", or "wire",[33] and "σπάω" (spaō), meaning "draw, pull".[34][35]아리스토텔레스는 머리, 손과 눈, 어깨와 [36]다리를 조절하기 위해 줄을 당기는 것을 언급했습니다.플라톤의 작품은 또한 꼭두각시에 대한 언급을 포함하고 있다.일리아드와 오디세이는 꼭두각시를 이용해 선보였다.유럽 인형극의 뿌리는 아마도 기원전 5세기 "서민"에게 인형을 연기한 그리스 연극으로 거슬러 올라간다.기원전 3세기까지 이 연극들은 [1]아크로폴리스의 디오니소스 극장에서 상연될 것이다.

고대 그리스와 고대 로마의 점토 인형, 그리고 기원전 500년 경의 상아 몇 개가 아이들의 무덤에서 발견되었다.이 인형들은 팔과 다리를 연결했고, 어떤 경우에는 머리 꼭대기에서 위로 뻗어나가는 쇠막대를 가지고 있었다.이 막대기는 오늘날 시칠리아 인형술에서처럼 위에서 인형을 조종하는 데 사용되었습니다.이 인형들 중 몇 개는 막대기 대신 줄이 달려 있었다.일부 연구원들은 이 고대 인물들이 작은 [37]크기 때문에 인형이 아닌 단순한 장난감이었다고 믿고 있다.

시칠리아 인형극장

이탈리아

중세시대와 르네상스

이탈리아는 로마 인형술의 영향으로 많은 사람들에게 마리오네트의 초기 고향으로 여겨진다.크세노폰과 플루타르크는 [38]그들을 가리킨다.기독교 교회는 도덕극을 [38]공연하기 위해 꼭두각시를 사용했다.마리오네트라는 단어는 성모 마리아의 작은 모습에서 유래한 것으로 믿어지고 있으며, 그래서 "마리오네트" 또는 "메리 인형"[39]이라는 단어입니다.희극은 시간이 흐르면서 연극에 도입되었고, 결국 꼭두각시를 금지하는 교회 칙령으로 이어졌다.인형사들은 성당 밖에 무대들을 설치하는 것으로 대응했고 훨씬 더 리발드와 슬랩스틱이 되었다.이것으로부터 Commedia dell'arte라고 불리는 이탈리아 코미디가 성장하였다.인형들은 때때로 이런 형태의 극장에서 사용되었고 때때로 셰익스피어의 연극은 [40]배우 대신 마리오네트를 사용하여 공연되었다.

시칠리아에서 당나귀 수레의 측면은 롤랑드의 노래와 같은 프랑크 낭만주의 시의 복잡하고, 그려진 장면들로 장식되어 있다.이러한 이야기들은 나무로 만든 손으로 만든 꼭두각시 인형을 특징으로 하는 전통적인 인형극장에서 행해진다.시칠리아어로 이것을 "Opera dei puppi" 또는 "인형의 오페라"라고 부릅니다."Opera dei puppi"와 이야기꾼의 단어인 칸타스토리의 시칠리아 전통은 13세기 전반의 신성 로마 황제 프레데릭 2세의 통치 기간 동안 시칠리아에서 프로방셜의 트러바도르 전통에 뿌리를 두고 있습니다.

18세기와 19세기

18세기는 마리오네트 극장을 포함한 모든 이탈리아 극장의 발전에 있어 중요한 시기였다.봉인형은 주로 하층민 출신이었지만, 꼭두각시 극장은 계몽시대를 기념하기 위해 귀족사회에서 인기가 있었다.효과, 그리고 인형, 인형극장, 그리고 인형 서사의 교묘하고 복잡한 제작은 모두 특히 [41]베니스에서 인기가 있었다.19세기에, 피에트로 라딜로의 꼭두각시는 더 복잡해졌고, 단지 막대기와 두 개의 현 대신에, 라딜로의 꼭두각시는 8개의 줄에 의해 통제되었고, 이것은 꼭두각시의 [citation needed]개별 신체 부분에 대한 통제를 증가시켰다.

프랑스.

기놀은 그의 이름을 갖게 된 프랑스 인형극의 주인공이다.종종 아이들의 오락으로 생각되지만, 기놀의 날카로운 위트와 언어적 표현은 어른들 또한 항상 높이 평가받아 왔습니다. 유명한 리옹 극단의 모토인 "기놀은 아이들을 즐겁게 하고… 그리고 재치 있는 어른들"에서 알 수 있습니다.기그놀의 창시자인 로랑 모귀는 프랑스 혁명 중에 어려운 시기에 쓰러졌고, 1797년에 치의학을 개업하기 시작했는데, 그 당시에는 단순히 이빨을 뽑는 것이었다.환자들을 끌어들이기 위해, 그는 치과의사 의자 앞에 인형극을 설치하기 시작했다.

기놀 드 리옹

그의 첫 번째 쇼에는 이탈리아 통신 매체 dell'arte에서 차용한 캐릭터인 Polichinelle이 출연했습니다.1804년에 이르러서는 치의학을 완전히 포기하고 전문 인형사가 되어 노동자 계층의 관심사를 바탕으로 자신만의 시나리오를 만들고 그날의 뉴스에 대한 언급을 즉흥적으로 만들어 냈다.그는 리옹의 청중인 와인을 좋아하는 최초의 그네프론과 1808년 기놀의 일상에 더 가까운 캐릭터를 개발했습니다.기그놀의 아내 마델론과 겐다르메 플라제올레를 포함한 다른 캐릭터들도 곧 뒤따랐지만, 이 두 영웅들에게는 결코 허황된 일이 아니다.기놀의 필연적인 승리는 언제나 악에 대한 선의 승리이다.

영국

영국 인형극장(펀치와 주디 스타일), c. 1770년

전통적인 영국 펀치와 주디 인형극은 16세기 이탈리아 통신 매체 델라르테에서 [42]유래했습니다.펀치의 인물은 Punchineella라는 인물을 Punchinello로 영어화한 것에서 유래했다.그는 신화의 뿌리 깊은 인물인 실정왕과 사기꾼의 현시이다.펀치의 아내는 원래 "조안"이었지만 나중에 "주디"가 되었다.18세기 후반과 19세기 초에 영국에 존재했던 친숙한 펀치와 주디 인형극이 쉽게 운반할 수 있는 부스에서 공연되었다.20세기 초 영국 인형 모형극 조합은 인형극의 부활을 선동했다.길드의 설립자 중 두 명인 H. W. Whanslaw와 Waldo Lanchester는 주로 마리오네트의 예술에 초점을 맞춘 책과 문학 출판으로 인형술을 홍보하고 발전시키기 위해 일했다.랜체스터는 우스터셔 주 몰번에서 투어 극장과 상설 공연장을 가지고 있으며, 정기적으로 몰번 축제에 참가하여 조지 버나드 쇼의 관심을 끌었다.쇼의 마지막 희곡 중 하나인 쉐이크 대 샤브는 1949년에 [citation needed]극단에 의해 쓰여져 초연되었다.

1957년부터 1969년까지, 게리 앤더슨은 로버타 리의 트위즐의 모험에서 시작해서 비밀 경호국으로 끝나는 마리오네트 주연의 많은 텔레비전 시리즈를 제작했다.이 시리즈들 중 많은 것들이 Supermarionation이라고 불리는 기술을 사용했는데, 이것은 미리 녹음된 캐릭터 대화를 인형의 입 움직임과 자동으로 동기화시킨다.앤더슨은 1983년 Terrahawks와 1987년 무공비행 조종사 우주경찰과 함께 인형극에 복귀했다.

현재 영국 인형극장은 런던 이슬링턴에 있는 리틀 엔젤 극장, 런던의 인형극장 바지, 노위치 인형극장, 할리퀸 인형극장, 웨일스 로스 온 씨, 스코틀랜드 빅가 인형극장 등이다.영국의 꼭두각시는 이제 다양한 스타일과 접근 방식을 다루고 있다.영국 극장들 또한 Horse and Baughter Theatre, Green Ginger를 포함하여 많은 수의 극단이 있는데, 이 극단은 인형극을 매우 시각적인 연출에 통합합니다.1984년부터 1996년까지, 꼭두각시는 영국 텔레비전 시리즈인 스피팅 이미지에서 정치적 풍자의 매개체로 사용되었다.인형술은 또한 주류 연극에 영향을 미쳐 왔으며, 최근의 몇몇 작품들은 영국 국립극장의 Warhorse와 영국 국립오페라의 [citation needed]Madam Butterfly를 포함한 인형술과 실제 액션을 결합하고 있다.

네덜란드, 덴마크, 루마니아 및 러시아

풀시넬라의 많은 지역 변종들은 그 캐릭터가 유럽 전역으로 퍼지면서 개발되었다.네덜란드에서는 Jan Klaassen(그리고 Judy는 Katrijn), 덴마크에서는 Mester Jackel, 러시아에서는 Petrushka, 루마니아에서는 Vasilache입니다.러시아에서는 모스크바 중앙인형극장과 각지의 지부가 인형술사와 인형술의 [43]평판을 전반적으로 높였다.

  • Polichinelle caricature, France

    폴리시넬 캐리커처, 프랑스

  • Puppet theater with Gioppino and Brighella, Bergamo Italy

    이탈리아 베르가모 지오피노와 브리겔라가 있는 꼭두각시어터

  • Traditional puppets from Liège, Belgium

    벨기에 리에주에서 온 전통 인형

독일과 오스트리아

독일과 오스트리아에는 인형극의 오랜 전통이 있다.그것의 대부분은 16세기 이탈리아 통신망 dell'[42]arte의 전통에서 비롯되었다.독일판 영국 캐릭터 '펀치'는 카스파르의 카스페를,[42] 주디는 그레테라고 불린다.18세기에 오페라는 특별히 꼭두각시 인형을 위해 작곡되었다.글럭, 하이든,[44] 드 팔라, 레스피기 모두 마리오네트를 위한 성인 오페라를 작곡했다.

1855년, 프란츠 포치 백작이 뮌헨 마리오네트 극장을 설립했습니다.독일의 극작가, 시인, 화가 그리고 작곡가인 포치는 그의 연극을 위해 40개의 꼭두각시 연극을 썼다.알브레히트 로저는 슈투트가르트에서 그의 꼭두각시로 상당한 영향을 끼쳤다.그의 캐릭터인 광대 구스타프와 할머니는 [45]잘 알려져 있다.할머니는 겉으로는 매력적이지만 사회의 모든 측면과 삶의 부조리에 대한 그녀의 관찰은 잔인할 정도로 유머러스하다.

린다우에서, 린다우 마리오네트 오페라는 2000년에 베르나르 리스뮬러와 랄프 헤첼만에 의해 설립되었습니다.오페라뿐만 아니라 마리오네트 발레인 백조의 호수도 공연한다.

아우크스부르크에는 1943년 발터 외미첸에 의해 역사적인 아우크스부르크 마리오네트 극장이 세워졌다.설립자인 클라우스 마스챌과 위르겐 마르샬의 손자 손녀들이 운영하는 인형 박물관과 함께 오늘날까지 이어지고 있다.

이보다 훨씬 더 이른 오스트리아 잘츠부르크에 있는 잘츠부르크 마리오네트 극장은 안톤 아이허 교수에 의해 1913년에 설립되었고 세계적으로 유명하다.잘츠부르크 마리오네트 극장은 최근까지 그레틀 아이허의 지휘 아래 마리오네트를 이용한 전장 오페라를 자체 제작한 극장에서 공연하는 전통을 이어가고 있다.그것은 주로 다이 플리더마우스, 마법의 피리 같은 오페라와 호두까기 인형 [46]같은 소수의 발레 공연들을 공연한다.잘츠부르크 마리오네트 극장은 어린이를 환영하지만 어른을 위한 작품입니다.

비엔나 쇤브룬 궁전에는 40여 년 [47]전 크리스틴 히에저 리들러와 베르너 히에저가 설립한 마리오네트 극장도 있다.마리오네트 극장은 세계적으로 유명한 오페라, 뮤지컬, 동화를 공연한다.

체코 및 슬로바키아

프라하의 마리오네트 극장
오스트라바의 인형극장

마리오네트 인형극장은 프라하와 구 체코슬로바키아, 그리고 체코 공화국과 슬로바키아에서 매우 오랜 엔터테인먼트 역사를 가지고 있다.그것은 중세 [48]초기까지 거슬러 올라갈 수 있다.마리오네트는 30년 전쟁 [48]즈음에 처음 등장했다.최초의 체코 인형사는 1724년에 태어난 얀 지 브라트였다.그는 지역 목수의 아들이었고 자신만의 인형극장을 [48]만들었다.Mat kj Kopeck은 19세기 체코의 [48]가장 유명한 인형사였고, 국가적 [48]인식의 개념을 전달하는 데 책임이 있었다.

1911년, 진디치 베셀은 체코 인형극장 친구 협회를 공동 설립했고 1912년에는 오늘날까지 발행되는 가장 오래된 전문가 인형극 잡지인 루트카([49]Loutkař)의 발행을 주창했다.베셀로는 1929년 국제인형인형협회(UNIMA) 설립에 중요한 역할을 했고 초대 [50]회장으로 선출되었다.

1920년과 1926년에 각각 요제프 스쿠파는 그의 가장 유명한 꼭두각시 캐릭터인 Spejbl과 Hurvinek, 코믹한 아버지와 악당 [51]아들을 만들었다.1930년, 그는 최초의 현대 전문 인형극장을 [52]차렸다.중요한 꼭두각시 조직은 프라하에 있는 국립 마리오네트 극장이다.그 레퍼토리는 주로 모차르트의 오페라 돈 조반니의 마리오네트 작품입니다.그 작품은 시대 의상과 18세기 배경을 가지고 있다.Marrek [48]Becchka에 의해 설립된 Buchty a Loutky ("케이크와 인형")를 포함한 수많은 다른 회사들이 있다.꼭두각시는 [48]1946년부터 애니메이션 영화에 광범위하게 사용되어 왔다.Jiíi Trnka는 이 [48]지역에서 인정받는 지도자였다.Miroslav Trejtnar는 체코 전통 마리오네트 제작 기술의 [53]스승이자 인형술의 달인이다.

2016년에는 체코와 슬로바키아 인형극이 유네스코 무형문화유산에 [54][55]등재되었다.

19세기

이 기간 동안, 인형술은 배우 극장의 주류와는 별도로 발전했고, '철저한' 인형술사들은 극장 건물 밖에서 박람회, 시장 등에서 공연을 했고, 계속해서 도적, [1]집시와 함께 분류되었다.19세기에 인형극은 보드빌이나 뮤직홀과 같은 다른 형태의 연극과의 경쟁에 직면했지만, 이러한 도전에 적응했다: 예를 들어, 무대 연기를 개발하고 새로운 형태의 대중 연극에 참여하거나, 다른 방식으로 자신을 재창조하고 새로 유행하는 해변 리조트에서 관객들을 찾는 것이다.

북미

서기 600년의 테오티와칸 문화(중앙 멕시코)는 장례 의식의 일부로 팔과 다리가 움직이는 피규어를 만들었다.아메리카 원주민들도 의례적인 인형을 사용했어요.[1]1519년, 두 명의 꼭두각시 조종사가 헤르난도 코르테즈의 멕시코 첫 여행에 동행했다.유럽인들은 그들만의 인형 전통을 가지고 왔지만,[2] 점차 독특한 스타일, 형태, 그리고 인형 캐릭터들이 북미에서 발전했다.

대공황 기간 동안, 민속 인형사들은 카니발과 함께 여행했고, 그들 자신의 대본과 그들이 만든 디오라마와 마리오네트를 가지고 일했다.

20세기 인형술의 일부 발전은 미국에서 비롯되었다.마리오네트 인형극은 1940년대에 텔레비전과 결합되었고 미국의 하우디 두디는 이 분야에서 주목할 만한 마리오네트이다.빌 베어드는 미국에서 꼭두각시 극장과 꼭두각시를 되살리는 일을 했다.그와 그의 아내인 코라 아이젠버그는 뉴욕에 그들만의 마리오네트 극장을 가지고 있었다.복화술사인 에드거 버겐도 [56]큰 기여를 했다.1960년대에 피터 슈만의 빵과 꼭두각시 극장은 독특하고 강력하며 즉시 알아볼 수 있는 방식으로 꼭두각시 극장의 정치적, 예술적 가능성을 발전시켰습니다.거의 동시에 짐 헨슨은 머펫이라고 알려진 부드러운 거품 고무와 천 인형을 만들고 있었다.처음에는 어린이 TV 쇼 세서미 스트리트를 통해, 그리고 나중에는 머펫 쇼와 영화에서, 이것들은 많은 모방자들에게 영감을 주었고 오늘날 거의 모든 곳에서 인정받고 있다(헨슨은 또한 그의 영화 다크 크리스탈과 미로에서 보여지듯이 그의 크리처 샵의 설립을 통해 애니매트로닉스로 발전했다).웨이랜드 플라워스는 또한 그의 풍자 인형인 마담으로 성인 인형술에 큰 기여를 했다.

Sid와 Marty Krofft는 미국에서 가장 잘 알려진 인형극으로 주로 60년대와 70년대에 HR Puffinstuff와 Lidsville이라는 실사 어린이 TV 시리즈로 유명했다.

꼭두각시는 스타워즈 영화, 특히 요다라는 캐릭터에서도 사용되었다.그의 목소리와 조작은 프랭크 오즈가 제공했다.

호주.

호주의 원주민들은 수천 년 전으로 거슬러 올라가는 구전 이야기 전달의 오랜 전통을 가지고 있다.그들은 도덕과 자연에 대한 깊고 의미 있는 주제를 전달하기 위해 가면과 다른 사물들을 사용했다.탈은 나무로 조각되었고 페인트와 깃털로 무겁게 장식되었다.

1960년대 호주에서 피터 스크리븐은 호주의 마리오네트 극장을 설립하고 틴토키, 리틀 프렌 빈디,[57] 탐험가, 워터 베이비스와 같은 아름다운 마리오네트 작품을 공연했습니다.

호주의 마리오네트 극장에서 피터 스크리븐과 함께 일했던 필립 에드미스톤은 1977년 자신의 회사인 Theatrestrings의 산하에 호화로운 마리오네트 제작에 들어갔다.127명의 마리오네트 공연으로 1977년 5월 28일 시빅 홀의 남버에서 12만 호주달러(약 1억2천만원)가 개봉했으며, 시드니, 멜버른, 브리즈번으로 순회 공연을 가졌다.뮤지컬은 에릭 그로스가 작곡했고 책과 작사는 할 손더스가 맡았다.이 이야기는 제임스 쿡 선장이 식물학자 조셉 뱅크스와 함께 HMS 엔데버호에서 남해섬 항해를 하는 것에 대해 폭넓게 이야기했다.에드미스톤은 1980년대와 1990년대에 걸쳐 퀸즐랜드 투어를 다녔고, 그의 새로운 회사 퀸즐랜드 마리오네트 [58][59]시어터와 함께 수많은 작품들을 제작했습니다.

바바라 턴불과 남편 빌 턴불에 의해 설립된 빌바 인형극장은 1970년대와 1980년대에 퀸즐랜드 예술 위원회의 후원으로 호주를 광범위하게 순회했다.그들의 쇼에는 The Lucky Charm, Funnbone, 모차르트의 오페라 Bastien과 Bastien, 그리고 Lazy Liza가 포함되었다.빌바 인형극장의 인형은 현재 브리즈번 퀸즐랜드 공연예술센터에서 열리고 있다.데이비드 폴튼은 1970년대 [60]후반부터 수년간 아내 샐리와 함께 퀸즐랜드 예술 위원회를 통해 마리오네트 쇼를 관람했다.그웬과 피터 일리프도 Puppet People People과 함께 투어를 했다.그들의 쇼 중 하나는 비젯의 음악을 이용한 비즈 헤이였다.또 다른 성공적인 그룹은 에머 [61]꼭두각시였다.

호주에서 마지막으로 남은 꼭두각시 인형 연주자 중 한 명인 데이비드 해밀턴은 독립적으로 투어를 했으며, 이전에는 퀸즐랜드 예술 [62]위원회의 후원 하에 투어를 했다.그의 인형들 중 일부는 2018년 [63]퀸즐랜드 종합공연장에서 열린 특별 인형 전시회에 전시되었다.

코미디언이자 라디오 방송인 제이미 던은 1980년대와 1990년대에 걸쳐 몇몇 세븐 네트워크 텔레비전 프로그램에 출연한 머펫 스타일의 캐릭터인 아그로로 유명했다.

미국에서 짐 헨슨 컴퍼니의 인형사들에 의해 정식으로 훈련을 받은 브렛 한센과 브리즈번 소재의 라리킨 인형사는[64] 호주에서 활발하게 공연하는 몇 안 되는 머펫 스타일의 인형사 중 하나입니다.브리즈번 레드랜즈 지역에 위치한 카바레 인형극장도 어린이와 [65]어른을 위한 공연을 관람합니다.

멜버른에서 Handspan Theatre(1977–2002)는 초라한 집단적 시작에서 'Visual Theatre'라고 불리는 디자인이 풍부한 대형 극장 형식으로 발전하여 호주와 전 세계의 혁신적인 프로젝트와 멀티미디어 협업을 위한 온실이 되었습니다.

1990년대 후반에 멜버른 대학의 빅토리아 예술 대학에 대학원 과정이 있었지만, 그 이후로 중단되었습니다.

호주의 인형사 노먼 헤더링턴은 1959년 7월 1일부터 1999년 7월 9일까지 호주 방송 위원회 텔레비전 프로그램에 출연한 그의 꼭두각시 인형 미스터 스퀴글로 유명했다.매 회마다 그는 전국의 어린이들이 보낸 "오글오글"로 여러 장의 사진을 만들었다.

Richard Bradshaw OAM은 또 다른 유명한 호주 인형사이다.UNIMA Australia의 전 사장, 호주 [66]마리오네트 극단의 전 예술감독, 그림자 인형극, 작문 등을 하고 있습니다.

로드 헐은 또한 그의 꼭두각시 에뮤로 기부했다.1960년대에 Hull은 호주에서 어린이 조식 텔레비전 프로그램을 선보였다.

스너프 인형은 호주의 현대 인형극단 중 하나이다.멜버른에 기반을 둔 그들의 작품은 거친 흑인 유머, 정치적이고 성적인 풍자, 그리고 손으로 만든 미학으로 가득합니다.스너프 퍼핏스는 아시아, 남미, 유럽의 주요 축제 투어를 포함하여 15개국 이상에서 공연을 했다.

멜버른의 아트플레이와 멜버른의 페더레이션 광장에서 매년 꼭두각시 인형 축제가 열린다.

시드니에서는 1966년 존과 재키 루이스에 의해 설립된 제럴 퍼핏이 Puppeteria Puppet Theatre와 투어 공연을 정기적으로 [67]하고 있다.

웨스턴오스트레일리아 프리맨틀의 스페어 부품 인형극장은 1981년 [69]피터 윌슨,[68] 캐스린 로빈슨, 베벌리 캠벨 잭슨에 의해 WA 공과대학(현 커틴 공과대학)이 시작한 레지던시 아티스트 프로그램의 일환으로 설립되었습니다.이 회사의 첫 번째 프로젝트는 1981년 퍼스 [69]축제를 위해 크리스토퍼 말로우의 닥터 파우스터스를 꼭두각시로 각색한 것이었다.

현대 시대

19세기 초부터 인형극은 '첨단' 전통에서 예술가들에게 영감을 주기 시작했다.1810년 하인리히 폰 클라이스트는 인형의 "자아의식 부족"에 감탄하며 '마리오네트 극장에 대하여'라는 에세이를 썼다.인형술은 20세기 내내 다양한 방식으로 발전했다.영화, 텔레비전 및 기타 필름 미디어의 병행적인 발전에 힘입어, 그것은 어느 때보다 더 많은 관객에게 다가갑니다.21세기 초에 시작된 또 다른 발전은 인형극이 대중적이고 민속적인 뿌리에도 불구하고 성인 관객들에게 어른들과 실험적인 목소리로 말할 수 [70]있고 배우들의 높은 예술 전통을 되살릴 수 있다는 믿음이었다.

세르게이 오브라조프는 조셉 스탈린의 현실주의 주장에도 불구하고 쿠콜노스트(강아지)의 개념을 탐구했다.Edward Gordon Craig와 Erwin Piscator를 포함한 다른 개척자들은 주류 재탈환 운동에서 꼭두각시의 영향을 받았다.메테르링크, 쇼, 로르카 그리고 다른 사람들은 꼭두각시 연극을 썼고 피카소, 제리, 레제 같은 예술가들은 극장에서 [1]일하기 시작했다.크레이그의 "위버마리오네트" 개념은 감독이 배우를 물체처럼 다루는 것으로, 현대의 "객체 극장"과 "물리 극장"[citation needed]에 큰 영향을 끼쳤다.타데우시 칸토르는 종종 꼭두각시 인형 대신 배우를 대동하거나 둘을 결합해 무대 가장자리부터 인형공예사와 비슷한 방식으로 각각의 공연을 지휘했다.

칸토르는 리처드 포먼과 로버트 윌슨 같은 새로운 형식주의 감독 세대에 영향을 끼쳤는데, 그들은 "물건을 무대에 올려놓고 다른 시각으로 바라보는"이라는 연극적 용어로 '물건'에 관심을 가졌다.토니 사그, 왈도 란체스터, 존 라이트, 빌 베어드, 조안 바이하스, 세르게이 오브라초프, 필리프 젠티, 피터 슈만, 다타트레야 아랄리카테, 리틀 플레이어, 짐 헨슨, 푸디, 푸디 등 혁신적인 인형극가.그것은 전통적인 형태의 꼭두각시 인형, 장갑 또는 막대 인형에 사용되었다.빵과 꼭두각시 극장의 피터 슈만, 말과 대나무 극장의 밥 프리스, 그리고 야수 꼭두각시 극장의 샌디 스피일러와 같은 감독들과 회사들은 또한 탈과 꼭두각시 극장을 결합하여 연기자, 꼭두각시, 사물들이 스포의 사용을 최소화하는 시각적인 극장에 통합되었다.켄어[71]

인형사이자 머펫 제작자인 짐 헨슨에 의해 설립된 짐 헨슨 재단은 미국에서 인형술을 장려하고 발전시키기 위해 만들어진 자선 단체이다.그것은 혁신적인 인형극 [72]예술가들에게 440개의 보조금을 지급했다.아이다호 보이시의 HomeGrown Theatre와 같은 21세기 초의 인형극단은 밀레니얼 [73][74]세대를 위한 아방가르드 풍자 전통을 이어갑니다.

이벤트

국제인형축제(PIF)는 매년 9월 중순 크로아티아 자그레브에서 열리고 있다.1968년 [75]이후로요

종류들

「 」를 참조해 주세요.

메모들

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레퍼런스

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서적 및 기사

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