음악 수업

Music lesson
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1940년 뉴올리언스의 음악 수업을 설명하기 위해 칠판을 사용하는 선생님
줄리아드 음악학교실내악관현악단. 수업은 개인(교사 1명, 학생 1명)인 경우가 많지만, 그룹 수업이나 코칭 세션도 진행된다.

음악 수업은 악기를 연주하거나 노래를 부르는 형식적인 수업이다. 일반적으로 음악 수업을 받는 학생은 음악 교사를 만나 30분에서 1시간 사이의 일대일 훈련을 받는다. 가르칠 수업에 따라 학생들은 사용되는 악기와 관련된 다른 기술을 배운다. 음악 교사들은 또한 학생들의 음악적 능력을 향상시키는 것을 돕기 위해 기술 훈련, 음악 작품, 그리고 다른 활동들을 배정한다. 대부분의 음악수업이 일대일(사설)인 반면, 일부 교사들은 2~4명의 학생들로 구성된 그룹수업(세미사설수업)도 하고, 아주 기초적인 수업으로는 피아노나 통기타 같은 대형 그룹수업으로 일부 악기를 가르친다. 고속화가 널리 보급된 이후부터. 웹캠, 마이크, 화상전화 등을 이용한 실시간 화상채팅을 통해 인터넷, 개인교습도 할 수 있다.

음악 수업은 아마추어 음악 교습과 전문적인 훈련의 일부분이다. 아마추어 및 레크리에이션 음악 맥락에서, 어린이와 성인은 노래 또는 악기 연주 기술을 향상시키고 중간 기법에 기초하여 배우기 위해 음악 수업을 받는다. 음악원, 대학 음악 공연 프로그램(예: 음악 학사, 음악 석사, DMA 등)과 같은 전문 훈련 컨텍스트에서, 전문 음악가로서의 진로를 목표로 하는 학생들은 음악 교수와의 음악 수업을 수년에 걸쳐 일주일에 한 번 이상씩 1시간 이상씩 받는다.에크니크 다수의 대중음악 스타들을 포함한 많은 기악 연주자들과 가수들은 특히 블루스와 같은 민속 음악 스타일과 록 음악 같은 대중 음악 스타일에서 음악을 귀로 배웠다. 그럼에도 불구하고 민속이나 대중적인 스타일에서도 다수의 연주자들이 성악 코치를 만나거나 피아노와 같은 악기로 어린 시절의 가르침을 받는 등 어떤 형태의 음악 수업을 받았다.

자세

맨해튼 음악학교 교수 티모시 콥은 2000년대 후반 베이스 레슨을 받고 있다.

성악수업을 위해 교사들은 학생들에게 앉거나 서서 숨쉬는 법, 좋은 성악을 위해 머리와 입을 위치시키는 법 등을 보여준다. 악기 강습을 위해 교사들은 학생들에게 악기 옆에 앉거나 서 있는 법, 악기를 잡는 법, 악기에서 음색과 소리를 내기 위해 손가락과 다른 신체 부위를 조작하는 법을 보여준다. 바람과 놋쇠 악기의 경우 선생님은 학생들에게 입술, 혀, 호흡을 사용하여 음색과 소리를 내는 방법을 보여준다. 일부 악기의 경우, 피아노에 댐퍼 또는 페달을 밟거나 지탱하는 피아노나 기타 키보드, 파이프 오르간의 페달 키보드, 베이스 드럼 페달과 하이햇 심벌 페달과 같은 드럼 키트의 일부 드럼과 심벌의 경우처럼 교사들도 발 사용에 있어 학생들을 훈련시킨다. 운지법을 가르치는 것 외에도, 선생님들은 다른 종류의 가르침도 제공한다. 클래식 기타 연주자는 현을 잡고 당기는 법을 배우고, 관악기의 연주자들은 호흡 조절과 부화술을 배우고, 가수들은 목이나 성대를 다치지 않고 성대를 최대한 활용하는 법을 배운다.

교사들은 또한 학생들에게 가장 효율적인 경기 결과를 위해 올바른 자세를 취하는 방법을 보여준다. 모든 악기에 있어서 원하는 효과를 얻기 위해 손가락과 팔을 움직이는 가장 좋은 방법은 손과 몸에 최소한의 장력을 가지고 노는 법을 배우는 것이다. 이것은 또한 골격 뼈대와 근육을 다치게 할 수 있는 성형 습관을 예방한다. 예를 들어, 피아노를 칠 때, 손가락에 어떤 키를 달아야 할지, 운지법은 학생이 발전함에 따라 천천히 습득되는 기술이며, 교사가 전수할 수 있는 표준 기술도 많다.

음악 교사들 사이에서는 특히 서양 고전 전통에서 '좋은' 자세와 '나쁜' 자세에 대한 많은 신화와 오해가 있다. 악기를 연주하는 것이 그들에게 신체적 고통을 준다는 것을 발견한 학생들은 이것을 교사들의 주의를 끌어야 한다. 그것은 잠재적으로 심각한 건강상의 위험이 될 수 있지만, 악기를 배울 때 종종 간과된다. 자신의 해부학적 구조가 작용하도록 고안된 방식과 일치하는 방식으로 자신의 몸을 사용하는 법을 배우는 것은 불구의 부상과 평생의 즐거움 사이의 차이를 의미할 수 있다. 많은 음악 교사들은 신체적 고통에 대한 불평에 대해 음악 선생님으로부터 받아들여질 수 있는 반응으로 "무통, 무이익"을 취하는 것에 대해 학생들에게 경고할 것이다. 사용과 관련된 부상과 음악가의 인간공학에 대한 우려는 최근 몇 년간 더 주류로 받아들여지고 있다. 음악가들은 점점 더 고통으로부터 벗어나고 심각한 부상의 예방을 찾는 의료 전문가, 물리치료사, 그리고 전문기술로 눈을 돌리고 있다. 잠재적 어려움의 훨씬 더 많은 다수를 위한 특별한 기술들이 존재한다. 알렉산더 기법은 이러한 전문화된 접근법의 한 예일 뿐이다.[1]

이론과 역사

연주되고 있는 음악을 완전히 이해하기 위해서, 학생은 기초적인 음악 이론의 기본을 배워야 한다. 음악적 표기법과 함께 학생들은 템포 조절, 시간표현 인식, 화음, 키표현 등 조화론 등 리듬 기법을 배운다. 기본이론 외에도 좋은 선생님은 음악성, 즉 음악을 어떻게 하면 좋은 소리를 낼 수 있는지를 강조한다. 여기에는 선하고 유쾌한 음색을 만드는 방법, 음악적 표현을 하는 방법, 역동성(부드럽고 부드러움)을 이용하여 곡이나 노래를 더욱 표현하게 하는 방법 등이 포함된다.

대부분의 음악 수업은 학생이 배우고 있는 음악 유형의 역사에 대한 약간의 가르침을 포함한다. 한 학생이 서양 고전음악 수업을 들을 때 음악 교사들은 종종 바로크 시대, 고전 시대, 낭만 시대, 현대 고전 음악 시대 등 서양 고전음악의 다른 시대들을 설명하는데 시간을 보낸다. 왜냐하면 각 시대마다 다른 스타일의 음악과 다른 연주 프락과 연관되어 있기 때문이다.양치 기술 바로크 시대의 기악곡은 2000년대에 피아노 학생, 현악기 연주자, 관악기 연주자를 위한 교악곡으로 연주되는 경우가 많다. 학생들이 단지 악보를 읽음으로써 바로크 곡을 연주하려고 한다면, 그들은 올바른 종류의 해석을 얻지 못할 수도 있다. 그러나 일단 학생이 바로크 기악곡 대부분이 가보떼나 사라반데와 같은 춤과 연관되어 있다는 것을 알게 되고 바로크 시대의 키보드 음악이 하프시코드나 파이프 오르간에서 연주되었다는 사실을 알게 되면 현대 학생은 이 곡이 어떻게 연주되어야 하는가를 더 잘 이해할 수 있게 된다. 예를 들어, 첼로 연주자에게 원래 하프시코드를 위해 쓰여진 가보트가 주어진다면, 이것은 학생들에게 이 곡을 연주하는 방법에 대한 통찰력을 준다. 춤이기 때문에 낭만주의 시대의 시프트 템포 루바토보다는 규칙적이고 분명한 맥박을 가져야 한다. 또한, 원래 이 악기는 현을 실로 뽑는 경음 키보드 악기인 하프시코드를 위해 쓰여졌기 때문에, 이는 음을 풀보디하고 지속적인 레가토보다는 음을 각 음 사이에 두고 비교적 가볍게 연주해야 함을 암시한다.

기술 연습

보편적으로 받아들여지지는 않지만, 많은 교사들은 비늘, 아르페지오, 리듬과 같은 특정한 패턴의 반복적인 연주로 학생들을 훈련시킨다. 비늘은 대부분의 서양 미술 음악에서 선율의 구성 요소이기 때문에 종종 가르쳐진다. 게다가 유연성 연구도 있어 물리적으로 악기 연주가 용이하다. 타악기들은 고착된 패턴, 롤링 기법, 그리고 플레임과 드래그와 같은 다른 작은 뉘앙스의 개발에 도움을 주는 기초를 사용한다.

네 번째 손가락과 다섯 번째 손가락 사이의 연결을 늘리기 위해 고안된 피아노 연습 세트들이 있어, 그들을 더욱 독립적으로 만든다. 브라스 플레이어는 부분부호 사이의 부조화에서 기술되지 않은 변화인 입술 슬러어를 연습한다. 목관악기(색소폰, 클라리넷, 플루트)는 통칭 기술, 손가락 손재주, 음색 발달을 돕기 위해 다양한 운동을 한다. 에뛰드 전집은 이 목적에 맞게 쓰여졌다.

조각들

교사들은 전형적으로 학생들에게 서서히 증가하는 난이도의 곡들을 할당한다. 다양한 음악적 기초(리듬, 조화, 음치 등)를 가르치고 좋은 연주(또는 노래) 스타일의 요소를 가르치기 위해 작품을 사용하는 것 외에도, 좋은 선생님은 표현력, 음악성과 같은 더 많은 무형적 자질을 불어넣는다. 작품(또는 노래)은 이론이나 규모 연습보다 대부분의 학생들이 더 즐거워하며, 학생들의 동기부여를 유지하기 위해서는 대개 새로운 작품을 배우는 데 중점을 두어야 한다. 그러나, 교사는 "재미있는" 작품에 대한 학생들의 욕구를 지나치게 강조해서는 안 된다. 종종 학생들의 재미있는 음악에 대한 생각은 인기 있는 성악 선곡, 영화 사운드트랙, TV 쇼 주제곡 등이다. 이러한 "재미있는" 작품들 중 일부는 공연할 수 있지만, 학생들에게 도전하고 그들의 기술을 연마하는 것과 같은 교육학적 이유로 작품도 선정되어야 한다. 학생들은 연주하는 모든 작품에서 무언가를 배워야 한다. 게다가, 학생들이 잘 둥글게 되려면, 그들은 르네상스 음악에서부터 20세기 그리고 21세기까지 다양한 시대의 작곡가들과 작사가들의 많은 종류의 작품들을 연주해야 한다. 다양한 레퍼토리가 학생의 음악적 이해력과 실력을 높인다.

시험

특히 어린이들에게 인기 있는 진보의 척도는 정기 검사에 의한 학생의 진도에 대한 외부 평가다. 많은 시험 위원회가 음악 이론이나 연습에 대해 학생들을 평가한다. 이것들은 거의 모든 악기에 사용할 수 있다. 진도를 표시하는 일반적인 방법은 등급이 매겨진 시험이다. 예를 들어 1학년(초급)부터 8학년(음악학교에 더 높은 학업에 들어갈 준비)까지 말이다.[2] 일부 교사들은 학생들을 위한 다른 목표 설정 방법을 선호한다. 가장 흔한 것은 노골적인 비판이나 다소 자의적인 표시 체계 없이 어느 정도 압박감 속에서 공공장소에서 연주하는 경험을 주는 제자의 연주회다. 또 하나는 학생의 채점이나 서열체계가 없는 스즈키식 교사들이 각 책의 완성을 축하하는 서적 등급제다.

음악적 편익

장마르크 낫티에, 음악 수업 (1711)

몇몇 연구들은 음악수업이 단순히 악기를 연주하는 지식이나 기술을 넘어 아이들에게 중요한 발달상의 이점을 제공한다고 제안한다. 연구는 음악적 수업이 지능과 학업 성취도를 향상시키고, 자존심을 세우고, 기강을 향상시킬 수 있다고 제안한다.[3] 최근 록펠러 재단 연구 결과 의대 진학률이 음악 전공이 가장 높고, 생화학, 인문계열 순으로 나타났다. 수능 시험에서 전국 평균 점수는 언어 427점, 수학 476점이었다. 동시에, 음악 학생들은 언어에서 평균 465점, 수학에서 497점으로 각각 38점과 21점이 더 높았다.[citation needed] 그러나, 음악적 능력과 수학적인 능력 사이의 관찰된 상관관계는 습득된 것이라기 보다는 내재된 것일 수도 있다. 나아가 음악 수업을 듣는 것과 학업 능력 사이의 상관관계가 존재하는데, 이는 둘 다 부모의 소득과 교육과도 밀접한 관련이 있기 때문이다. 음악수업이 학업능력에 영향을 미치지 않는다고 해도 음악수업과 학업능력의 상관관계를 볼 수 있을 것으로 기대한다. "음악을 연주하는 것의 이점은 다른 어떤 활동보다 뇌에 더 도움이 된다"라는 제목의 Inc.com의 한 기사는 악기를 배우는 것이 수많은 뇌 영역에서 신경 세포 능력을 확장한다는 것을 보여주는 연구들이 있다고 말한다. 그것은 또한 그들 사이의 장거리 연계를 강화한다. 훨씬 더 많은 연구는 음악 교육학이 언어 기억력, 공간적 추론, 그리고 읽고 쓰는 능력을 증폭시킬 수 있다는 것을 보여준다.

그러나 음악 규율을 통해 배운 기술은 학교에서 아이들의 모든 공부에 유용한 공부 기술, 의사소통 기술, 인지 능력으로 옮겨갈 수 있다. 하버드 대학교의 심층 연구는 아이들이 음악을 만드는 법을 배울 때 공간적 일시적 추리가 향상되고, 성인들이 모차르트를 포함한 특정 종류의 음악을 들을 때 이러한 추리가 일시적으로 개선된다는 증거를 발견했다.[4] 이 발견(The Mozart effect)은 음악과 공간적 추리가 심리적으로 관련이 있다는 것을 암시한다(즉, 그들은 같은 기초 기술 중 일부에 의존할 수 있다). 그리고 아마도 신경학적으로도 마찬가지일 것이다. 이 그러나, 상당한 논란이 있는데 나중에 연구원들 라우처(예를 들어 스틸, Bass는 &, 크룩, 1999년)의 원래 결과 번식하는 데 실패했다, 그리고 음악의 실험의 분별없효과 단순히 d. 온 주장 원본 연구(Fudis&Lembesis 2004년)의 이론과 방법론에 의문을 제기했다로가n 증가된 흥분 수준(Thompson, Schellenberg & Husain, 2001).

음악과 수학, 춤, 독서, 창조적 사고와 시각 예술 기술의 강화 사이의 관계는 문학에도 보고되었다. (예술과 학문적 성취 – 증거가 보여주는 것, 2000년) 그러나 최근 캐나다 몬트리올 맥길 대학의 레비틴 박사의 연구 결과는 언더미였다.음악적 능력과 고등 수학 능력 사이에 제안된 연관성이 있다. 윌리엄스 신드롬(저지력을 유발하는 유전적 장애) 환자들을 대상으로 한 연구에서 그는 지능이 어린 아이들의 지능임에도 불구하고 여전히 비정상적으로 높은 수준의 음악적 능력을 보유하고 있다는 사실을 발견했다.

참고 항목

참조

  1. ^ 음악에서의 직업적 위험
  2. ^ 레슨 플랜
  3. ^ Adams, Dianne. "The Positives of Learning About Music". Shine Music. Retrieved 20 January 2015.
  4. ^ Rauscher, Frances H. (14 October 1993). "Music and spatial task performance". Nature. 365 (611): 611. doi:10.1038/365611a0. PMID 8413624.